德国汉学家诺伊梅尔作品《茶花女》的艺术特色

德国汉学家诺伊梅尔作品《茶花女》的艺术特色

“光、色、形、意、美”被用来解释绘画的主要特征。我没想到这个定义现在会成为德国汉贝尔舞蹈团《茶花小姐》的最佳解释。细腻流畅的肢体语言,对人性与爱的深刻表现,浪漫纯美的审美体验;形、意、美,在色彩和光影的烘托下,成形、达意、示美。没有刻意的离经叛道,编导用他最擅长的语汇和敏锐的洞察力,让观众在“茶花女”的空间里感受到质朴、真挚和颤动的生命力。这一切并不是偶然,因为他是“编导诗人”——约翰·诺伊梅尔。约翰·诺伊梅尔,出生于美国威斯康星州,早年在家乡学习舞蹈和杂技。在芝加哥马奎特大学攻读英国文学和戏剧研究学士课程期间,加盟了“先锋派舞蹈之母”S·席勒的舞团。在席勒的鼓励下,他前往英国皇家芭蕾舞学校和丹麦皇家芭蕾舞团继续深造。才华横溢的诺伊梅尔被芭蕾大师约翰·克兰科相中,在德国斯图加特芭蕾舞团成为了首席舞蹈演员,并初展编导才能。1973年他正式担任德国汉堡芭蕾舞团团长,并带领着舞团逐步成为世界上最优秀的芭蕾舞团之一。欧洲的求学和工作经历,让诺伊梅尔完好地继承了欧洲戏剧芭蕾的传统,他总是自然地寻求一些戏剧元素,加上他的动作语言,创造出如诗般的形象。而富有创新意识的诺伊梅尔,在传统基础上又大胆地融入现代表现手法,使得古典与现代在他的作品中得到完美的融合。诺伊梅尔常说,编创是离开教室之后的训练,现代舞和古典芭蕾的元素会很自然地融会于整个创作过程中,而不用去刻意区分。上世纪七十年代,诺伊梅尔对一系列古典戏剧芭蕾进行改编,如《胡桃夹子》、《仲夏夜之梦》、《罗密欧与朱丽叶》等,并在其中形成了自己独有的叙事风格,《茶花女》正是这一时期的作品。谈到创作此剧的初衷,诺伊梅尔回忆到:“当时,在与斯图加特芭蕾舞团艺术总监玛西亚·海蒂共进晚餐时,我便突然产生了为她创作《茶花女》的想法。因为这部小说独特的故事结构和叙述方式,以及故事主题中所蕴含的深刻人性和现代视角激发了我的灵感。”有着文学和戏剧专业背景的诺伊梅尔,对整个舞剧结构的设置进行了巧妙处理,他没有采用古典芭蕾中按时间顺序展开,以故事情节作为叙述主线的现实主义的表现手法,而是以表现主人翁的内心情感变化和心理矛盾为核心,借用原著中倒叙、插叙等文学表现方式,由始至终抓住人物情绪,使作品在整体上形成舞蹈化了的情感“气候”,最终使故事的主题得以完整呈现。这也是为什么观众在欣赏演出的过程中,就连呼吸都能感受到一丝哀婉和凄美的内在原由。在整部三幕舞剧中,前后四段精美绝伦的双人舞,在深情细腻地表达人物情感诉求的同时,又对剧情的发展和转折起到了明显的支撑和推动作用,达到了以舞叙事的目的。正如诺伊梅尔所言,与其它古典戏剧芭蕾相近的是《茶花女》仍有叙事的职能,也就是说,当观众离开剧场的时候,肯定能了解整个故事的来龙去脉。此剧创作中,另一个为人称道的亮点是“戏中戏”、“舞中舞”的编排。在原著中男主人公赠送给女主人公一本小说《曼侬》以示定情,诺伊梅尔将小说《曼侬》巧变为芭蕾《曼侬》(小说讲述的是年轻贵族格里欧对名妓曼侬热情执著的爱情,但曼侬贪恋奢华生活,虽然遇到了真爱,却矛盾徘徊,难以取舍)。从最初《曼侬》只是作为舞剧中单纯的戏中戏,到后来曼侬几次出现在玛格丽特的梦中,诺伊梅尔逐渐将两个人物的个性和命运进行合并、叠加,使得曼侬成为了玛格里特的另一个自我。她一方面暗示了女主人公同样的悲剧命运,另一方面又形象地展现了玛格里特内心的挣扎与矛盾,为人物塑造增添了视觉立体感。如:第二幕中玛格丽特与阿尔芒旧情复燃,在梦中曼侬提醒玛格丽特将注定失去所爱,劝其离去。发自内心的不舍和来自曼侬的自我说服,让玛格丽特挣扎不已。这种“幻觉”表现手法并不是出于简单的装饰意图,而是让观众在真实与虚幻、现实与想象、向往与失落的两维表现中,更清晰、深入地感受主人公的情感变化。整部《茶花女》给人感觉气势恢宏,但不同于其它戏剧芭蕾中常见的运用“大场景”来烘托舞蹈气氛,双人舞在这部舞剧中占有很大比重。华丽而富有质感的多段双人舞,在一次次叩击观众心灵的同时,也成就了诺伊梅尔版本《茶花女》的经典地位。在这几段双人舞的编排上,诺伊梅尔摒弃了以炫技为目的的无情节舞段,而是紧密围绕人物与情节展开。既没有眼花缭乱的跳跃,也没有连续的双人高空托举,细密的碎步和滑动、轻盈的旋转和倾倒,加上流畅自如的动作连接,形成了观众可以“看”得见的心灵对话。为了表现情感的递进式发展,编导在每段舞蹈的表现上各有侧重。在第一幕阿尔芒向马格丽特表达爱慕的双人舞上,男演员的动作设计得较为主动,始终以不同方式围绕着女演员,直到最后完全跪倒在女主人公的脚下,毫无保留地表达自己的感情。在第二幕男女主人公互诉衷情的舞段中,男女演员的动作设置则较为平均。两人相互依靠,互为支撑,表现了男女双方在情感上的互动,尤其是突出了女主角对这份感情的肯定和坚持。在最后一幕中,为了表现女主人公的不舍,女演员的动作相对主动,很多动作通过对男演员的力量转换来完成。如此优雅缠绵的舞段,不仅能满足观众由文字产生的联想,还带给他们更多的视觉享受。成就这部悲剧经典的另一个主要因素是音乐的选择和运用。在排练即将开始之前,诺伊梅尔仍苦于没有找到合适的音乐,在指挥的建议下,他选用了肖邦的钢琴协奏曲。诺伊梅尔认为,玛格丽特和肖邦在情感上有某些共通之处。他们都是社交界的头面人物,但私下却被病魔苦苦折磨,两者之间的联系让肖邦的音乐与《茶花女》的主题非常契合。毫无疑问,诺伊梅尔的选择十分明智。这次“编导诗人”与“钢琴诗人”的合作,让这部舞剧在整体上具有了浪漫如诗的气质。虽然交响乐善于渲染恢宏的场面、烘托宏大的主题,钢琴曲则更胜于抒情,恰好符合了诺伊梅尔的个人风格。另外,肖邦钢琴曲在形式上的纯粹和内涵上的宽广,留给了编导无尽的创作空间。协奏曲与群舞,钢琴独奏曲与双人舞在舞剧中的穿插配合,可谓是相得益彰。特别是在第二幕男女主人公互诉衷情的双人舞中,琴声柔和动人,正如乔治·桑所言,“肖邦的音乐就像是情人的抚摸”。在肖邦“略带犹豫的微笑和甜蜜温柔的叹息中”,观众可以真切地感受到茶花女的内心独白:“我执了你的手,但是上帝执意将我从你身边带走。”除了音乐,《茶花女》中简洁的舞美灯光设计和精致的服装造型,也是这部舞剧中非常精彩的一笔。调和温婉的光影,营造出舞台上静谧平和的气氛。层次清晰的灯光和舞台上的大量留白,不仅从未喧宾夺主,还为舞蹈抒情创造了朦胧的意象。当舞蹈演员们身着华美的服装在光影里短暂停留时,舞台仿佛瞬间幻化成了电影镜头中19世纪场景的定格。女主人公在舞台上的静态造型,更犹如印象派中的肖像画,美得脱俗,美得如痴如醉。具有象征意味的服装在舞剧中还起到了揭示情节的作用。第一幕中,女主角身穿紫色华服,穿梭于各个社交场合。第二幕,女主角换上了纯洁的白裙,象征两人坚贞的爱情。在最后一幕,黑色暗示了女主人公的悲剧命运。这朵美得惊人的“茶花”,在碰触到阳光的那一刹那,却不幸地倒在了阴冷的角落,无力再去触碰那触手可及的阳光……在《茶花女》的新闻发布会上,有记者问到诺伊梅尔如何看待古典艺术的复兴时,他