设计史考研名词解释(完整版)资料

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设计史考研名词解释（完整版）资料(可以直接使用，可编辑优秀版资料，欢迎下载）名词解释1.乌尔姆高等造型学院：乌尔姆造型学院由奥托•艾舍和马克斯•比尔等于1953年在乌尔姆创立。因为其强调从技术方面培养设计师与其对系统设计的推崇，使乌尔姆造型学院成为战后德国最重要的设计学院。乌尔姆造型学院是20世纪五六十年代世界上影响最大的设计学校，是继包豪斯之后世界艺术设计教育史上的又一个里程碑。它奠定了艺术设计更多的和科学相联系的基础，为艺术设计广泛地介入工业生产开辟了道路。

2.功能主义：20世纪20年代，现代设计领域的一个重要派别--现代主义设计最终形成。现代主义是主张设计要适应现代大工业生产和生活需要，以讲求设计功能、技术和经济效益为特征的学派。其最为重要的理念便是功能主义。功能主义就是要在设计中注重产品的功能性与实用性，即任何设计都必须保障产品功能及其用途的充分体现，其次才是产品的审美感觉。简而言之，功能主义就是功能至上。

3.国际主义设计运动：第二次世界大战之前在欧洲发展的现代主义，经过在美国的发展，成为战后的国际主义风格。到20世纪60、70年代，这种风格广泛流行，影响了世界各国的建筑，产品设计和平面设计。钢筋混凝土预制构件结构和玻璃幕墙结构成为国际主义建筑的标准面貌。形式变成了第一性，原本的目的性被取消了，而为了达到所采用的手段成为了目的，这是国际主义的核心。

4.斯堪的纳维亚风格：斯堪的纳维亚风格形成于20世纪50年代，首先在芬兰、丹麦、瑞典等北欧国家形成，以斯堪的纳维亚最为突出。斯堪的纳维亚风格通过适当的运用现有技术，尽可能的提高生活质量为前提，通过传统手工艺与现代设计的结合，集理性与浪漫于一身。以保罗•汉宁森、阿尔瓦•阿尔托为代表。

5.波普风格：波普风格又称流行风格，二战以后新生一代希望有新的设计风格来体现新的消费观念、新的文化认同立场、新的自我表现中心，于是在英国青年设计家中出现了波普设计运动。从设计上来说，波普风格并不是一种单纯的一致性的风格，而是多种风格的混杂。它追求大众化的、通俗的趣味，反对现代主义自命不凡的清高。在设计中强调新奇与奇特，并大胆采用艳俗的色彩，给人眼前一亮耳目一新的感觉。6.德国工业联盟：德国新艺术运动并没有从根本上解决现代工业中所出现的设计问题，1902年开始，一些富有进取心的工业家，建筑师，艺术家组成的联合体称为德国工业联盟，他们从“青年风格”中分离出来，试图从新的角度、新的方面去探索工业化和机械化条件下新的设计艺术形式，在这种过程中比较突出的设计师是彼得•贝伦斯和穆特修斯。代表人物为亨利•威尔德等。联盟宣言是：1.艺术与工业、手工业相结合；2.通过教育、宣传，努力把各种不同的项目设计综合在一起；3.强调走非官方路线，避免政治对涉及的干扰；4.大力宣传和主张功能主义，承认现代工业。

7.俄国构成主义：俄国构成主义又名结构主义；发展于1913~1920年代。构成主义是指由一块块金属、玻璃、木块、纸板或塑料组构结合成的雕塑。强调的是空间中的势，而不是传统雕塑着重的体积量感。构成主义接受了立体派的拼裱和浮雕技法，由传统雕塑的加和减，变成组构和结合；同时也吸收了绝对主义的几何抽象理念，甚至运用到悬挂物和浮雕构成物，对现代雕塑有决定性影响。

8.荷兰风格派：荷兰风格派于1917~1928年由蒙德里安等人在荷兰创立。其绘画宗旨是完全拒绝使用任何的具象元素，只用单纯的色彩和几何形象来表现纯粹的精神。风格派的特征：1.把传统的特征完全剥除，变成最基本的集合结构单体。2.把这些几何结构单体进行结构组合，形成简单的结构组合，但在新的结构组合当中，单体依然保持相对独立性和鲜明的可视性。3.对于非对称行的深入研究于运用。4.非常特别地反复应用横纵几何结构和基本原色和中性色。

9.装饰艺术运动：装饰主义运动始于巴黎，主要集中在豪华和奢侈的产品和艺术品设计中，后来陆续传入其他国家，从而形成一个国际性的设计运动。装饰艺术运动的特点表现为用直线和对称的构成，在材料上使用新材料，使原本的手工艺与工业技术对立的现象得以解除，并以富丽和新奇的现代感著称。

10.流线形设计：“流线型”设计风格是20世纪三四十年代美国盛行的的一种典型的现代主义艺术设计风格。流线形设计是一种象征速度和时代精神的造型语言，不但发展成了一种时尚的汽车美学，而且还渗入到家用产品的领域中，并形成为20世纪三四十年代最流行的产品风格。11.罗马式建筑：罗曼建筑译作罗马式建筑。罗曼建筑是10～12世纪，欧洲基督教流行地区的一种建筑风格。罗曼建筑风格多见于修道院和教堂。罗曼建筑的典型特征是：墙体巨大而厚实，墙面用连列小券，门宙洞口用同心多层小圆券。西面有一、二座钟楼，中厅大小柱有韵律地交替布置，窗口窄小。朴素的中厅与华丽的圣坛形成对比，中厅与侧廊较大的空间变化打破了古典建筑的均衡感。

12.哥特式建筑：哥特式又称高直式，是以其垂直向上的动势为设计特点。哥特式教堂的结构体系由石头的骨架劵和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖劵，四边和对角线上各一道，屋面石板架在劵上，形成拱顶。由于采用了尖劵、尖拱、和飞扶壁，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。法国巴黎圣母院、德国科隆大教堂都是哥特式建筑设计的杰出代表。

13.巴洛克风格：（109）巴洛克风格是17世纪广为流传的一种艺术风格，又称路易十四风格。巴洛克艺术风格强调作品的空间感、立体感和艺术形式的综合手段，吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象，是一种激情的艺术，打破理性的宁静与和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调运动与变化。这种设计风格集中体现于天主教的教堂上，并影响到了家具和室内设计。

14.洛可可风格：洛可可风格主要指路易十五室内装饰艺术风格，是一种优美弧形线条所构成的粉饰文化，又称路易十五式风格。洛可可追求轻盈纤细的秀雅美，在构图上有意强调不对称。装饰的题材有自然主义的倾向。以回旋曲折的贝壳型曲线和精细纤巧的雕刻为主，造型的基调是凸曲线，常用S形弯角形式。

15.新古典主义：新古典主义风格又称帝政式风格，是18世纪50年代至19世纪初风靡西欧的艺术文化样式。新古典主义力求恢复古典美术的传统，强烈追求古典式的宁静凝重和考古式的精确，受理性主义美学的支持，大量采用古代题材。与衰落的巴洛克、洛可可风格相对，它代表着一股借复古以开今的潮流，并标志着一股新的美学观念。缂丝：缂丝，又名刻丝，是一种新兴织品，纬线根据图案需要织入，即“通经断纬”织法，主要用来织书画作品，细腻写实，一如描画，北宋时主要产地在定州，南宋时以云间（松江）为中心，出现了朱克柔、沈子番、吴煦等名家。

纳石失：“纳石失”也称“织金锦”，它是一种以扁金线或圆金线来织造纹饰的丝织物，历来被认为是中国元代织造工艺的典型代表。

《园冶》：《园冶》，园林专著，明代计成著。中国古代造园专著，也是中国第一本园林艺术理论的专著。《园冶》是计成将园林创作实践总结提高到理论的专著，全书论述了宅园、别墅营建的原理和具体手法，反映了中国古代造园的成就，总结了造园经验，是一部研究古代园林的重要著作，为后世的园林建造提供了理论框架以及可供模仿的范本。

五彩：五彩瓷器是明代彩瓷中的名品，开始于明宣德时期。五彩瓷器可分釉上五彩和青花五彩两大类。五彩瓷器，基本色调以红、黄、绿、蓝、紫等五色彩料为主，按照花纹图案的需要施于瓷器釉上，再二次入炉经过700——800摄氏度的高温二次锫烧而成，其特点是创造了釉下青花与釉上彩料相结合的装饰方法。

粉彩：是在清康熙年间在五彩的基础上受珐琅彩的影响而产生的新品种，是在彩绘时搀加一种白色的彩料“玻璃白”。“玻璃白”具有乳浊效果，画出的图案可发挥渲染技法的特性，呈现一种粉润的感觉，因此被称为“粉彩”或“软彩”。月份牌年画：月份牌年画是20世纪70年代以前产于上海，风行全国城乡的一种商业绘画，因画面附有年月历表而得名。

中山陵：中山陵是中国近代伟大的政治家、伟大的革命先行者、国父孙中山先生的陵墓及其附属纪念建筑群。中山陵坐北朝南，面积共8万余平方米，中山陵的建筑排列在一条中轴线上，体现了中国传统建筑的风格。水晶宫博览会：1851年，为了炫耀英国工业进步，英国伦敦举办了19世纪最著名的设计展览——水晶宫博览会。水晶宫的设计采用了玻璃和铁架结构，博览会对设计理念产生根本影响，各种思想争论对设计界形成强大冲击。终于在19世纪下半叶英国引发了一场工艺美术运动。

霍塔旅馆：维克多-霍塔是比利时新艺术运动的大师,霍塔是一位建筑师，他在建筑与室内设计中经常使用葡萄蔓般相互缠绕和螺旋扭曲的线条，这种线条被称为“比利时线条”或“鞭线”，它起伏有力，并成为了比利时新艺术的代表性特征。

巴黎地铁设计：吉马德（HectorGuimard，1867-1942）是法国新艺术的代表人物。法国新艺术运动受到唯美主义与象征主义的影响，追求华丽、典雅的装饰效果。吉马德最有影响的作品是他为巴黎地铁所作的设计，所有地铁入口的栏杆、灯柱和护柱全都采用起伏卷曲的植物纹样。这些设计赋予了新艺术最有名的戏称——“地铁风格”。

高迪

西班牙新艺术运动以建筑师安东尼奥•高迪为代表，他吸取了东方风格与哥特式建筑的结构特点，并结合自然形式，以浪漫主义的幻想，将极力软化的曲线趣味渗透到三度空间的建筑之中去，巴赛罗那的米拉公寓是一个典范。他以浪漫主义的幻想，极力使塑性艺术渗透到三度空间的建筑之中去，与比利时的新艺术运动有异曲同工之妙。

石器设计:人们经过长期探索，开始较普遍地采用石器的磨制技术，即把经过选择的石块打制成石斧、石刀、锛、石铲和石凿等各种工具的粗坯后，再用研磨的方法进一步加工，使器形更加规整，尖端与刃口更加锋利，表面更加光洁，更加符合使用的要求。在石材的选择上，已十分注意石材的硬度、形状和纹理的选择。石斧选用长形的石块，以便稍加打磨，石刀是呈片状的，所以多选用片页岩，以便于剥离。例如制作石斧、石锛的石材硬度很大，器形必须设计成扁平刃利；石镞的硬度较小，镞头必须犀利尖锐。经过不断地观察、揣摩和实践，人们的审美意识也得到了初步的萌启和发展，发现并掌握了诸如对称、节律、均匀、光滑等多种形式美的规律，并自觉地应用于设计活动中。原始社会的人们，在石器的设计上，是经过艺术思考的。他们具有朴素的审美观念和艺术手法。

原始半坡型彩陶:彩陶最早在河南渑池仰韶村发现，所以也称“仰韶文化”。半坡型彩陶的鱼形花纹，起先的写实的手法，逐渐演变为鱼体的分割和重新组合，例如，“人面鱼身”盆纹是人面与鱼形合体的花纹，在一个人头形的轮廓里面，画出一个鱼花纹，具有“寓人于鱼”的特殊意义，是最具有代表性的装饰纹样。仰韶文化半坡类型的尖底瓶汲水器，其基本形状为小口、尖底，腹部置有双耳。双耳除了系绳之用，还具有平衡重心的作用，使注满水后的容器能自动在水中直立，底尖便于下垂入水，也易于注满，造型设计可谓轻巧实用。

马家窑型彩陶:马家窑型彩陶的艺术特点，可归纳为以下特点：点和螺旋纹。点的运用，成为这个时期装饰的特点。在点的外面装饰螺旋纹，有动的感觉。因此，马家窑型彩陶的艺术风格可用旋动、流畅来形容。

青铜器设计:商周时期的设计艺术，最有代表性和具有突出艺术成就是青铜工艺，三千多年前出现的中国青铜工艺，它的突出成就表明了中国奴隶社会手工业发展的最高水平。

青铜是红铜和锡的合金，有时根据特殊需要也掺一点铅；加入锡铅以后，熔点降低，硬度增高，容易掌握铸造过程；可以铸造需要坚硬的制品，如武器或工具；另外熔铸时减少汽孔，使装饰花纹清晰；增加光泽度。青铜器的名称，根据生活用途的不同，大体可分烹饰器、食器、酒器、水器、杂器、兵器、乐器、工具等八类。

饕餮纹:饕餮纹是商周青铜器的主要纹样。饕餮纹，又称兽面纹，采用抽象和夸张的手法，造成狰狞恐怖的视觉效果，有许多学者曾作过不同的解释。有人认为饕餮是由双鸡相对组成一个羊头，鸡羊谐音，有“吉祥”之意；有人认为是“通天地（亦即通生死）”；有人认为是“辟邪驱鬼”；有人认为是“戒之在贪”；有人认为是“象征威猛、勇敢、公正”；还有人认为是“祭神”等等。夔纹。这是一种近似龙纹的怪兽纹，常见于商代铜器纹饰中。

失蜡法:到春秋晚期和战国时代，人们开始用失蜡法制作铜器，也称蜡模法。能浇铸出复杂多变的造型体，它是用蜡来制造模型，然后在模型内外敷泥，成为泥范，再制为陶范，最后再浇入铜熔液进行铸造，蜡则熔化流失。蜡模比起泥模，可以进一步精雕细刻，失蜡法可以制造极为精细或镂空和各种造型的装饰。甚至鸟兽象形的容器也铸造得十分准确生动。湖北随县战国时期曾候乙墓出土的铜尊盘，上有玲珑剔透的装饰，就是用失蜡法铸造的。所以用失蜡法制造的铜器，层次丰富，精巧细致，具有特殊的立体装饰效果。

仰覆莲花瓷尊:南北朝有一种具有较高艺术性设计的瓷瓶，又名仰覆莲花瓷尊，该瓶新颖别致，尊体以腹为中心，上下部塑饰各为相向的三层莲花瓣，层层相接，尊底也塑成莲花瓣形，全尊共七层。肩部有耳，颈部塑出花鸟云龙。此尊高66.5厘米，口径19.2厘米，现陈列在北京故宫博物院。

唐三彩:唐三彩，是模仿染缬工艺的装饰效果。因为它经常采用黄、绿、褐等色釉，实际上并不限于三种色釉，它是一种低温铅釉的彩釉陶器，是用经过精炼的白粘土制胎，两次烧成的。它首先用千度左右的高温烧成陶胎，挂釉后再经900o左右焙烧。用料精细，制作规整，所以不变形、不裂缝、不脱釉。

宋代瓷器:宋代瓷器设计高度发展，突出表现在全国各地名窑众多，著名瓷窑有汝窑、官窑、龙泉窑、定窑、景德镇窑、磁州窑、建窑、吉州窑和钧窑等。掌握了多种烧造技术和装饰技法，产品各具特色。

例如定窑，此地古属定州，在今河北省曲阳县，故名，装饰上有刻花、划花和印花。刻花的线条洗练流畅。

例如哥窑主要特征是釉面有裂纹，即开片〔图404〕。这种裂纹，是由于釉和胎的收缩率不同而在冷却过程中形成的。根据开片的不同形状和大小，又赋予它们以各种名称。例如，纹片极细小如鱼子的，称为鱼子纹；纹片大而呈弧形的，称为蟹爪纹；纹片大小相同的，称为百圾碎。

青花和釉里红:元代烧成的青花和釉里红，是景德镇工艺的新成就。元代青花瓷器，被称为“白地蓝花瓷”。其制作方法是将钴矿研磨成极细的粉末，再加水调成墨汁状，用它在干燥的胎表面上绘制所需要的纹饰，然后施以长石为原料的矿物釉，在1250-1400℃高温下烧成。当釉开始熔融后，火焰呈还原性，烧到最后阶段要成为中性或略带氧化性，此时釉料形成具有光泽的无色透明釉层，覆于蓝色纹饰之上，显得庄重、美丽、朴素、典雅。

釉里红是元代景德镇窑的重要发明，所谓釉里红就是釉下彩瓷，先用铜红料在胎上绘画纹饰，再盖以透明釉，放置在1200℃-1250℃高温中烧制。它是受宋代钧窑紫红色釉斑的启发而造的。

明式家具:明式家具是科学性和艺术性的高度统一。明式家具讲究选料，选材是设计意匠的重要部分之一。多用紫檀、花梨、红木等，也采用楠木、樟木、胡桃木及其它硬杂木，所以又通称硬木家具。明式家具的造型安定，简练质朴，讲究运线，线条雄劲而流利。明代家具的最大特点，它擅长将选材、制作、使用和审美巧妙的结合起来。造型显得线型简练、挺拔和轻巧。例如椅子的靠背和扶手的曲度都基本适合于人体的曲线，触感良好。

明代家具采用木构架的结构。结构科学合理。明代椅子由于造型所产生的比例尺度，以及素雅朴质的美，使家具工艺达到了很高的水平。家具整体的长、宽和高，整体与局部的权衡比例都非常适宜。有的椅子座面和扶手都比较高宽，这是和封建统治阶级要求“正襟危坐”，以表示他们的威严分不开的。

《营造法式》:宋代《营造法式》这是我国古代最完整的建筑技术书籍，著书人是监丞李诫。《营造法式》书中确定了材份制和各种标准规范，还对建筑的设计、规范、工程技术和生产管理都有系统的论述，是我国和世界建筑史上的珍贵文献。北宋致力于总结前代建筑经验，木架建筑采用了古典的模数制。《营造法式》中规定，把“材”作为造屋的标准，即木架建筑的用“材”尺寸分成大小八等，按屋宇的大小主次用“材”，“材”一经选定，木构架的所有尺寸都随之而来，不仅设计可以省时，工料估算有统一标准，施工也方便。

斗拱:斗拱，是我国木构架建筑特有的结构构件，由方形的斗、升和矩形的拱、斜的昂组成，在结构上挑出承重，用纵横相叠的短木和斗形方木相叠而成的向外挑悬的斗拱，并将屋面的大面积荷载经斗传递到柱上。此外，还作为封建社会中森严等级制度的象征和重要建筑的尺度衡量标准。

明清北京故宫:明清故宫的设计思想是体现帝王权力的，它的总体规划和建筑形制用于体现封建宗法礼制和象征帝王权威的精神感染作用，为了显示整齐严肃的气氛，全部主要建筑严格对称地布置在中轴线上，在宫城中以前三殿为重心，其中又以举行朝会大典的太和殿为其主要建筑。北京故宫从大明(清)门至奉天(太和)殿，先后通过五座门、六个闭合空间(庭、院、广场)，总长约1700米；其间有三处高潮：天安门、午门、太和殿。

明清故宫建筑组群的布局组合形式均根据中轴线发展。世界各国，唯独中国对此最强调，成就也最突出。故宫是一个典范，北京故宫的严格对称布置，层层门阙殿宇和庭院空间相联结组成庞大建筑群，把封建“君权”抬高到无以复加的地步。

北京四合院:北京四合院可以视作华北地区明清住宅的典型。大门方位一般南向，位于住宅东南。大门正对的街侧设影壁，独立如屏风，轴线上增加平行几组纵轴，称为跨院，前院与内院隔以中门院墙。前院外人可到，内院非请勿人，正房为长辈起居处，厢房为晚辈起居处。住宅严格区别内外，尊卑有序，讲究对称，对外隔绝，自有天地。无论多少进，垂花门必在中轴线上。垂花门，檐柱不落地，悬在中柱穿枋上，下端刻花瓣联珠等富丽木雕。界分内外，形体华美，为全宅突出醒目之处。大的住宅先是纵深增加院落，再次横向发展。同时，这种庭院式的组群与布局，一般都是采用均衡对称的方式，沿着纵轴线（也称前后轴线）与横轴线进行设计。比较重要的建筑都安置在纵轴线上。次要房屋安置在它左右两侧的横轴线上，北京四合院是最能体现这一组群布局原则的典型实例。这种布局是和中国封建社会的宗法和礼教制度密切相关的。它最便于根据封建的宗法和等级观念，这是中国封建社会“长幼有序，内外有别”的思想意识的产物。

天坛的设计艺术:天坛位于北京外城永定门内大街东侧，平面北墙呈圆形，南为方形，象征天圆地方。

天坛最突出的主要建筑仍然是祈年殿，它优美的体型和高超的艺术处理，是中国古代建筑艺术最成功的优秀典范之一。祈年殿前庭地面，比院外地面提高4米多，加上三层台基，使祈年殿台基面高于垣外地平十米以上；这个高度，使得人们在穿过茂密的参天古柏林丛后，顿然超出苍翠的林海之上，有超凡出尘，与天接近的感觉；这些均是造成天坛崇高感觉的具体手法。

圜丘是一座三层汉白玉石圆坛，座落在外方内圆的围墙里。这是皇帝每年冬至祭天的地点。

赵州桥:赵州桥，建于1300多年前的隋朝，是一座敞肩式单孔圆弧石拱桥，比欧洲19世纪兴建的同类拱桥早了1200多年。在世界桥梁史上占有重要地位，更展示了我国古代能工巧匠的惊人智慧。

赵州桥，又名安济桥，是我国现存最古老的大跨径石拱桥。这座桥是我国隋朝时期一位普通的工匠李春设计监造的。这座桥建造在河北省赵县城南五里的河上。它气势宏伟，造型优美，结构奇特，远远看去，好像一轮明月，又像挂在空中的一道雨后彩虹，十分美丽壮观。李春在设计和建造大桥的过程中，从实际需要出发，大胆创新，突破旧的传统，使大桥具有独特的风格。他采取单孔长跨石拱的形式，在河心不立桥墩，使石拱跨径长达37米多。采用这样的大跨度，在当时是一个创举。

中国古典园林设计:中国古典园林特别善于利用具有浓厚的民族风格的各种建筑物，如亭、台、楼、阁、廊、榭、轩、舫、馆、桥等，配合自然的水、石、花、木等组成体现各种情趣的园景。以常见的亭、廊、桥为例，它们所构成的艺术形象和艺术境界都是独具匠心的。明末清初苏州古典园林设计最为著名的是拙政园、留园、狮子林、沧浪亭和网师园。

假山是园景中的重要因素。也是表现我国古代园林风格的最重要的手法之一。明代造园家计成的《园冶》是关于中国传统园林设计的专著，是实践的总结，也是理论的概括。书中主旨是要“相地合宜，构园得体”，要“巧于因借，精在体宜”。

中国古典园林的园景主要是摹仿自然，达到明代计成《园冶》里“虽有人作，宛自天开”的艺术境界。中国古典园林是建筑、山池、园艺、绘画、雕刻以至诗文等多种艺术的综合体。

借景:中国古典园林的借景，在《园冶》一书中，总结为五种方法，即“远借、邻借、仰借、俯借、应时而借”。它的重要特色之一便是善于借景。现存苏州古典园林中建园历史最早的是沧浪亭。因为园门外有一清水绕园而过，该园就在这一面不建界墙，而以有漏窗的复廊对外，巧妙地把水之景“借”入园内。素纱禅衣:马王堆一号汉墓曾出土一件素纱禅衣，衣长128厘米，通袖长190厘米，只重49克，不到一两重，极为精巧。可谓“薄如蝉翼”、“轻若鸿毛”。纱的细韧程度，可想而知，反映出当时缫丝和练丝工艺、设备都达到了相当高的水平。

漆双凤鼓:战国时期漆工艺开始发展起来。漆器已部分取代了粗笨的青铜器。漆器胎骨也向轻巧的方向发展，战国以纻麻贴在泥或木胎上数层，形成外胎，干后去掉内胎，再加以髹漆，是后世脱胎漆器的前身，美观豪华。江陵是春秋战国时期的楚都,出土的著名漆器有漆双凤鼓，造形优美，极富装饰性。以双凤首悬一圆鼓，用双凤作为鼓架，鼓座为两兽。

汉代漆器多子盒的设计，亦即多件盒〔图268〕，它从实用出发，在一个大的圆盒中，容纳多种不同形式的小盒，既节省位置，又美观协调。体现了卓越的设计思想。

说唱佣:说唱佣是东汉代具有时代特色的雕塑，汉代雕塑，具有它独特的风格，这里指的是它样式化的装饰美。耐人寻味，富有韵味。它具有古拙、朴质的特点，但古拙而不呆板，朴质而不简陋，使人产生一种动感。

瓦当设计:瓦当艺术是一种造型艺术，中国古代瓦当一般都是半圆形和圆形。是一种富有运动感和韵律美的圆，著称于世的秦始皇陵所出土夔纹“瓦当王”，直径61厘米，高48厘米，边轮宽2.5厘米，其形体庞大、造型独特、纹饰精美，气势宏伟、立体效果极佳具有很高的实用和装饰艺术价值，可谓古代艺术作品中运用圆弧装饰美的典范之作。设计师运用了“大半圆”的造型，意欲突出的是一种像兵马俑军阵那样的雄奇博大和力度。以不封闭的曲线给人以一种无限延伸、扩张的联想，再配以屈曲蜿蜒、气魄雄伟的夔龙纹饰，图案左右对称、回旋得体、极好地表达了这种博大的气魄的主题，构思精妙。

四神纹在汉代极为流行，汉代把四神看成了与辟邪求福有关，它又表示季节和方位。在石刻、砖瓦等各种工艺品的装饰上，被广泛应用。四神纹，也称四灵纹，即青龙、白虎、朱雀、玄武，汉代瓦当以四灵纹最为出色，可称汉图像瓦当的代表之作。四神与龙凤一样，也是我国古代人们文化心态的典型代表，有多重含义。首先是表现了古代人的地理观念，以青龙指东方，朱雀指南方，白虎指西方，玄武指北方，

长信宫灯:汉代河北满城出土的著名的长信宫灯，灯体成圆形，有两块瓦状的罩板，可以任意调节光照的方向。一优美的仕女塑象，左手托灯，右手提灯罩，以手袖为虹管，处理得十分自然。又例如卧羊灯，整个灯为羊形，羊背为活动的盖，翻开即为灯盘，可平置在羊头上。

汉代薰炉:汉代薰炉和宗教意义联系起来，烧香料用，通称博山炉。盖高而尖，雕镂成山形，象征仙山“博山”。炉体呈豆形。博山炉盖上的山峦群峰，穿插在云气之间。山间有孔，当香料在炉中燃烧时，烟气可从镂孔冒出。秦汉时期，都相信海上有仙山的这类神话，炉座成盘形，用以盛水，以助蒸香气。烟雾飘渺，如同仙境。

唐代舞马衔杯银壶:1970年在西安南郊何家村窖藏中出土的舞马衔杯银壶。该设计取意唐诗所描写的“屈膝衔杯赴节，倾心献寿无疆”，银壶作皮囊造型。壶体两面各有一匹舞马，颈上系彩带，嘴里衔杯，前腿直立，后腿曲膝，作舞蹈状。从中可以看出唐玄宗时，舞乐发展到极盛，每当玄宗生日或皇室大典，都要举行盛大宴会，表演各种技艺歌舞，并表演舞马。

《考工记》:曾被后世奉为经典的春秋末年的《考工记》是中国第一部手工业专著，《考工记》总结了我国古代各种工艺制作的科学经验，最可贵的是它第一次提出了朴素的工艺观，即：“天有时，地有气，材有美，工有巧，合此四者，然后可以为良。”这不仅在当时是一个较为系统的理论总结，即使在今天仍然可以作为工艺制作的基本法则。《考工记》也载有都城设计制度：“匠人营国、方九里，旁三门，国中九经九纬，经涂九轨，左祖右社，面朝后市”。一般解释为：都城九里见方，每边辟三门，纵横各九条道路，南北道路宽九条车轨，东面为祖庙，西面为社稷坛，前面是朝廷宫室，后面是市场与居民区。

西方设计部分知识点

水晶宫博览会:1851年，为了炫耀英国工业进步，英国伦敦举办了19世纪最著名的设计展览——水晶宫博览会。水晶宫的设计采用了玻璃和铁架结构，博览会对设计理念产生根本影响，各种思想争论对设计界形成强大冲击。终于在19世纪下半叶英国引发了一场工艺美术运动。

霍塔旅馆:维克多-霍塔是比利时新艺术运动的大师,霍塔是一位建筑师，他在建筑与室内设计中经常使用葡萄蔓般相互缠绕和螺旋扭曲的线条，这种线条被称为“比利时线条”或“鞭线”，它起伏有力，并成为了比利时新艺术的代表性特征。

巴黎地铁设计:吉马德（HectorGuimard，1867-1942）是法国新艺术的代表人物。法国新艺术运动受到唯美主义与象征主义的影响，追求华丽、典雅的装饰效果。吉马德最有影响的作品是他为巴黎地铁所作的设计，所有地铁入口的栏杆、灯柱和护柱全都采用起伏卷曲的植物纹样。这些设计赋予了新艺术最有名的戏称——“地铁风格”。

高迪:西班牙新艺术运动以建筑师安东尼奥•高迪为代表，他吸取了东方风格与哥特式建筑的结构特点，并结合自然形式，以浪漫主义的幻想，将极力软化的曲线趣味渗透到三度空间的建筑之中去，巴赛罗那的米拉公寓是一个典范。他以浪漫主义的幻想，极力使塑性艺术渗透到三度空间的建筑之中去，与比利时的新艺术运动有异曲同工之妙。

装饰艺术运动:装饰艺术运动它是于1920年在巴黎首度出现的。装饰艺术风格是一种明确的现代风格,它从各种源泉中吸取了灵感，包括新艺术，俄国芭蕾、美洲印第安艺术。

艺术装饰运动传入美国，与美国的大众文化相融合，形成了独具特点的“爵士摩登”风格。它豪华、夸张、迷人、怪诞，主要表现在建筑设计和产品设计两方面。在建筑设计上，一系列的大型建筑物都是艺术装饰风格的产物，如克莱斯勒大厦等，这些建筑一方面采用了金属、玻璃等新型材料，一方面采用了金字塔形的台阶式构图和放射状线条来处理装饰。

第三国际纪念塔:构成主义是一战前后俄罗斯的一个先锋艺术流派。构成派艺术家力图用表现新材料的空间结构形式，雕塑家塔特林是构成派最重要的代表，构成主义最有名的作品当属建筑师塔特林创作于1919年的第三国际纪念塔。按照设计，这座塔塔高400米，比法国的埃菲尔铁塔高出一半。纪念塔完全采用钢铁作为主要的结构材料，造型上是简洁的螺旋上升的几何形状，表达了一种坚定向上的政治信念。风格派:风格派（DeStijl）是活跃于１９１７－１９３１年间以荷兰中心的一场国际艺术运动。1917年10月，一批荷兰的设计师，艺术家发行了一本叫“风格”的杂志，风格派由此得名。这个组织以杜斯博格（TheoVanDoesburg）为领导，风格派认为艺术应该用几何形象的构图和抽象的语言来表现宇宙的基本法则——和谐，在建筑、产品、室内等各个设计领域，风格派都使用着一种和谐的几何秩序来进行艺术创作，这种抽象的倾向，对后来的艺术和设计有着持久的影响。

风格派艺术以一种几何和精确的方式表达了人类精神支配变化莫测的大自然的胜利，以及寓美于纯粹与简朴之中的思想。里特维尔德（CerritRietveld）的红蓝椅揭示了风格运动的哲学精髓，他的《红蓝椅》、《柏林椅》和茶几成为现代设计史上经典之作。

麦金托什:查尔斯•麦金托什被公认为新艺术在英国的杰出人物，在英国19世纪后期独树一帜。1896年以他为首成立“格拉斯哥四人”的设计小组，麦金托什设计了格拉斯哥艺术学校大楼及室内陈设，获得了极大成功。这座建筑的外观带有新哥特式的简练、垂直的线条，体现出植物生长垂直向上的活力。麦金托斯设计的大量家具、餐具和其他家用产品都具有高直的风格,世界闻名的高靠背椅就极具代表性。

高技术风格（High-Tech）:“高技术风格”（High-Tech）是与新现代主义平行发展的另一种工业设计风格。高技术风格在设计中采用高新技术，在美学上力求表现新技术。高技术风格直接表现当时以机械为代表的技术特征。战后初期，不少电子产品模仿“游击队”风格，即军用通讯机器风格，以表现战争中发展起来的电子技术。“高技术”风格的发展与50年代末以电子工业为代有的高科技迅速发展分不开的。英国建筑师皮阿诺（ReuzoPiano）和罗杰斯（RichardRogers）于1976年在巴黎建成的“蓬皮杜国家艺术与文化中心”是其中最为轰动的作品。

波普设计:波普设计出现于20世纪50年代，又称流行艺术、通俗艺术、新达达主义,代表着流行与大众化的品味。它的鼎盛时期是本世纪60年代，主要活动中心在英国和美国。它代表着60年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向。反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力图表现自我，追求标新立异的心理。波普风格在不同国家有不同的形式,如美国公司就采用了美国最流行的米老鼠形象来设计机,意大利的波普设计则体现出软雕塑的特点，如把沙发设计成嘴唇状，或做成一只大手套的样式。

后现代主义:后现代主义是指在反抗现代主义方法论的一场运动，它在文学、哲学、批评理论、建筑及设计领域中得到广泛地体现。后现代主义首先体现于建筑界，而后迅速波及到其它设计领域。后现代主义最早的宣言是美国建筑师文丘里于1966年出版的《建筑的复杂性与矛盾性》一书。文丘里的建筑理论“少就是乏味”的口号是与现代主义“少就是多”的信条针锋相对的。他鼓吹一种杂乱的、复杂的、含混的、折衷的、象征主义和历史主义的建筑，他把后现代主义的主要特征归结为三点：即文脉主义（Contextualism）、引喻主义（Allusionism）和装饰主义（Arnamentation）。查尔斯•穆尔（CharlesMoore1925-）设计的新奥尔良意大利广场是后现代主义建筑设计思想的典型体现。

孟菲斯:后现代主义在设计界最有影响的组织是意大利成立于1980年12月的“孟菲斯”（Memphis）的设计师集团。孟菲斯原是埃及的一个古城，也是美国一个以摇滚乐而著名的城市。设计集团以此为名含有将传统文明与流行文化相结合的意思。

“孟菲斯”成立于1980年12月，由著名设计师索特萨斯（EttoreSottsovss）和其他7名年轻的设计师组成，以后设计队伍和影响逐渐扩大，成为具有世界影响的设计集团。代表人物是索特萨斯,他与其它一些反现代同仁们成立了“阿尔其米亚”设计室，开始了取代现代主义的艺术运动(新设计运动)。孟菲斯作为设计小组的名称，标志出索特萨斯将传统文化与现代流行艺术相结合的理念。

英国工艺美术运动:英国工艺美术运动的价值在于它对现代主义设计运动的前驱作用与启迪意义。1859年工艺美术运动首先提出了“美与技术结合”的原则，主张美术家从事设计，反对“纯艺术”。另外，工艺美术运动的设计强调“师承自然”，忠实于材料和适应使用目的，从而创造出了一些朴素适用的作品。工艺美术运动的先天局限是将手工艺推向了工业化的对立面，这一观念无疑违背了历史发展的潮流，由此使英国设计走了弯路，它导致英国成为最早工业化和最早意识到设计重要性的国家，但却未能率先建立起现代工业设计体系。代表人物是威廉•莫里斯，英国作家、画家、工艺美术家。

包豪斯（BauHaus，1919-1933）:“包豪斯”一词由德语的“建造”和“房屋”两个词的词根构成。创始人是格罗佩斯,包豪斯学校由魏玛艺术学校和工艺学校合并而成，其目的是培养新型设计人材。包豪斯是一所设计学校，开设有纺织、陶瓷、金工、玻璃、雕塑、印刷等科目。包豪斯在设计理论上，提出了三个基本观点：艺术与技术的统一；设计的目的是人而不是产品；设计必须遵循自然与客观的法则来进行。这些观点对于设计的发展起到了积极作用，使现代设计逐步由理想主义走向现实主义。包豪斯的重要贡献之一就是开创了“基础课程”的教育—三大构成。包豪斯的设计教育产生了深远的影响，其课程结构与教学方式成了世界许多学校设计教育的参照系统，包豪斯的思想在相当长的时期内被奉为现代主义的经典。

“设计奇才”科拉尼（LuigiColani,1926-）:70年代中期，德国设计界出现了一些对抗功能主义的设计师，他们希望通过更加自由的造型来增加设计的趣味性。被人称为“设计奇才”的科拉尼（LuigiColani，1926-）就是这一时期对抗功能主义倾向最有争议的设计师之一。科拉尼出生于德国柏林，早年在柏林学习雕塑，后到巴黎学习空气动力学。在科拉尼的许多设计方案中，他都用空气动力学和仿生学知识表现出强烈的造型意识。

斯堪的纳维亚设计:斯堪的纳维亚的现代设计将简洁与实用的设计思想与功能主义融为一体，使手工艺传统与新的严谨的理性主义并行，创造了自己鲜明特色。它体现了斯堪的纳维亚国家多样化的文化、政治、语言、传统的融合，以及自然材料的欣赏等。因为环境因素的影响，它将现代主义设计思想与传统的设计文化相结合，既注意产品的实用功能，又强调设计中的人文因素，避免过于刻板和严酷的几何形式，从而产生了一种富于“人情味”的现代设计文化，因而受到人们的普遍欢迎。一批优秀的设计大师当然功不可默。如汉宁森、克兰特、阿尔托等。

芬兰设计大师阿尔瓦.阿尔托(AlvarAalto，1898-1976):阿尔托是芬兰著名工业设计师、建筑师。1921-1925年间在瑞典、芬兰等地从事建筑、规划、室内设计、家具、灯具、染织、玻璃以及展示设计等工作，1923年，他研究和从事使木头弯曲的实验。这项实验导致他30年代革命性的椅子设计。1929年，与他人合办了他第一次完整的、为斯堪的纳维亚设计的现代家具展。他最著名的建筑设计是他在土库的家，这被看作是斯堪的纳维亚现代主义的第一个代表。在选择压薄的木头与胶合板作为他设计的主要选材后，他与土库附近家具厂的技术指导奥托(OTTOKORHONEN)一起研究薄木板的结合以及胶合板成型的局限性。这些研究导致了他最具技术革命性的设计41号和31号椅子。他利用薄而坚硬但又能热弯成型的胶合板来生产轻巧、舒适、紧凑的现代家具，已成为国际上驰名的芬兰产品。他设计还有芬兰设计文化显著特征,如皱叶甘蓝花瓶。这个花瓶的设计是他受到了芬兰峡湾海岸线的启发，他的产品设计有一种温馨、人文的情调。

汉宁森:汉宁森是丹麦著名设计师，汉宁森的成名作是他于1924年设计的多片灯罩灯具，这件作品于1925年在巴黎国际博览会上展出，并获得好评，这种灯具后来发展成了极为成功的PH系列灯具，至今畅销不衰。这正体现了斯堪的纳维亚设计的特色。PH灯具的重要特征是：所有光线必须经过一次反射才能达到工作面，以获得柔和、均匀的照明效果，并避免清晰的阴影；无论从任何角度均不能看到光源，以免眩光刺激眼睛；对白炽灯光谱进行补偿，以获得适宜的光色；减弱灯罩边沿的亮度，并允许部分光线溢出，以防止灯具与黑暗背景形成过大反差，造成眼睛不适。PH灯具的优美造型正是这些特点的直接反映。

雅各布森（ArneJacobsen,1902-1971）:雅各布森是丹麦著名设计师，他的三个经典的椅子设计，世界闻名。即1952年为诺沃公司设计的“蚁”椅，1958年为斯堪的纳维亚航空公司旅馆设计的“天鹅”椅和“蛋”椅。这三种椅子均是用热压胶合板整体成型的。

流线型设计:流线型原是空气动力学名词，用来描述表面圆滑、线条流畅的物体形状，这种形状能减少物体在高速运动时的风阻。但在工业设计中，它却成了一种象征速度和时代精神的造型语言而广为流传，冰箱、汽车的设计都受其影响。这种外形能够符合空气动力学的原理，呈现出一种流线型，在运动中能够得到更大的速度。流线型设计最早是用在20世纪交通技术上。如轮船，飞机，汽车，以此来解决高速运动中的流体动力和气体动力性能。它不仅运用于功能改进上，还用在家居产品上，从电熨斗、电冰箱乃至所有的家用电器，都采用了这种表面光滑、线条流畅的形式，这些产品对消费者具有更大的吸引力。不少流线型设计完全是由于它的象征意义，而无功能上的含义，流线型在富有想象力的设计师手中，体现了流线型作为现代化符号的强大象征作用。

罗维（RaymondLoeway，1889-1986）:罗维是美国最重要的设计师，被认为是美国工业设计的重要奠基者。1935年为西尔斯百货公司设计的“冷点”电冰箱，外型简单、明快，奠定了现代电冰箱的基础。他是美国工业设计的重要奠基人之一，从事工业产品设计、包装设计及平面设计（特别是企业形象设计），参与的项目达数千个，从可口可乐的瓶子直到美国宇航局的"空中实验室"计划，从香烟盒到“空军一号”飞机的内舱，所设计的内容极为广泛，代表了第一代美国工业设计师那种无所不为的特点，并取得了惊人的商业效益。罗维曾受肯尼迪总统委任为国家宇航局——NASA的设计顾问，从事有关宇宙飞船内部设计、宇航服设计及有关飞行心理方面的研究工作。在宁静的太空，如何使宇航员在座舱内感到舒适、方便，并减少孤独感，这是工业设计的一个新课题。罗维对此进行了深入研究，提出了一套航天工业设计的体系与方法，并取得了巨大的成功。

1934年罗维为宾夕法尼亚铁路公司设计的K45/S-1型机车是一件典型的流线型作品，车头采用了纺锤状造型，不但减少了1/3的风阻，而且给人一种象征高速运动的现代感。

罗维在20世纪30年代开始设计火车头、汽车、轮船等交通工具，引入了流线型特征，从而引发了流线风格。罗维一生有无数殊荣，在美国《生活》周刊列举的“形成美国的一百件大事”中，1949年，罗维(LOEWY)是第一个出现在时代周刊封面上设计师。

兰德（PaulRand，1914-1996）:兰德作为当今美国乃至世界上最杰出的图形设计师及设计教育家之一，兰德1929-1932年就学于纽约普拉特设计学院。半个多世纪以来，他在视觉设计方面的建树和前卫精神对整个图形设计领域而言，影响巨大而深远。兰德的设计实践领域极广，包括广告、杂志的艺术设计、书籍装帧及插图、字体设计、包装设计等。多次获得各种由专业组织颁发的大奖，包括数枚"纽约艺术家协会"金奖。他还被授予英国"荣誉皇家设计师头衔。他曾受聘为许多美国著名大公司的设计师或设计顾问，其中包括美国广播公司、IBM公司、西屋电器公司等。他为这些公司所设计的企业标志，已成了家喻户晓的经典之作。

贝聿铭（PeiIeohMing，1917-）:贝聿铭生于中国广州，毕业于麻省理工学院和哈佛大学。1935年加入美国籍，贝聿铭的作品没有华丽奇特的外表，他以构思严密、设计精心著称于世。贝聿铭一生作品丰富，代表作有波士顿基督教科学教会中心、康乃尔大学赫伯特约翰逊艺术博物馆、国家美术馆东馆，约翰•肯尼迪图书馆、北京香山饭店、香港中国银行。这些设计新颖，造型大胆，技术高超的建筑作品在美国建筑界引起轰动。美国建筑界宣布1979年是「贝聿铭年」。1988年设计的法国巴黎罗浮宫扩建工程的玻璃金字塔不仅是体现现代艺术风格的佳作，也是运用现代科学技术的独特尝试。他在设计中既引入了许多中华传统建筑的符号，又使用现代建筑的材料和结构。维也纳分离派：1897年19位奥地利维也纳的前卫艺术家、建筑师在自己的展厅——分离派展厅组建团体，即维也纳分离派(早期为“奥地利美术协会”)。他们提出口号“为时代艺术，为艺术的自由”。维也纳分离派的代表人物有：奥托"瓦格纳(OttoWagner)约瑟夫.奥布里奇(JosefMariaOlbrich)、约瑟夫"霍夫曼(JosefHoffman)以及画家克里姆特等。样式主义：样式主义艺术又称矫饰主义或风格主义，由意大利语Maniera（风格）引伸而来，16世纪的著作中多用于社交行为与艺术，其意思不单指字面上的风格和样式，还是对一种时尚品质的高度褒扬。它包含着风度、艺术鉴赏力、发挥的流利与高雅方面的契合。这种品质可以在后来备受推崇的古代雕像和达·芬奇、拉斐尔以及米开朗基罗的作品中找到。达达主义(Dadaism)：达达主义艺术运动是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种绘画风格。达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。天工开物：《天工开物》是世界上第一部关于农业和手工业生产的综合性著作，是中国古代一部综合性的科学技术著作，有人也称它是一部百科全书式的著作，作者是明朝科学家宋应星。外国学者称它为“中国17世纪的工艺百科全书”。作者在书中强调人类要和自然相协调、人力要与自然力相配合。绵竹年画：绵竹年画又称绵竹木版年画，与天津杨柳青、山东潍坊杨家埠、苏州桃花坞齐名为中国四大年画之一，素有“四川三宝”、“绵竹三绝”之美誉，绵竹年画是世世代代民间画师们勤劳和智慧的结晶，体现巴蜀人民乐观向上的思想感情和古老的民族风尚。图案：设计者根据使用和美化目的，按照材料并结合工艺、技术及经济条件等，通过艺术构思，对器物的造型、色彩、装饰纹样等进行设计，然后按设计方案制成的图样。狭义的图案仅指器物上的装饰纹样和色彩。绿色设计：绿色设计(GreenDesign)是20世纪80末出现的一股国际设计潮流。反映了人们对于现代科技文化所引起的环境及生态破坏的反思，同时也体现了设计师道德和社会责任心的回归。绿色设计(GreenDesign)也称为生态设计(EcologicalDesign)，环境设计(DesignforEnvironment)等。虽然叫法不同，内涵却是一致的，绿色设计是指在产品及其寿命周期全过程的设计中，要充分考虑对资源和环境的影响，在充分考虑产品的功能、质量、开发周期和成本的同时，更要优化各种相关因素，使产品及其制造过程中对环境的总体负影响减到最小，使产品的各项指标符合绿色环保的要求。康定斯基：瓦西里·康定斯基是现代艺术的伟大人物之一，现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人。他在1911年所写的《论艺术的精神》、1912年的《关于形式问题》、1923年的《点、线到面》。1938年的《论具体艺术》等论文，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的启示录。青花瓷：青花瓷又称白地青花瓷，常简称青花，是中国瓷器的主流品种之一，属釉下彩瓷。青花是运用天然钴料在白泥上进行绘画装饰，再罩以透明釉，然后在高温1300摄氏度上下一次烧成，使色料充分渗透于坯釉之中，呈现青翠欲滴的蓝色花纹，显得幽倩美观，明净素雅。青花是我国最具民族特色的瓷器装饰，是釉下彩瓷的一种，也是我国陶瓷装饰中较早发明的方法之一。维多利亚风格：维多利亚风格是19世纪英国维多利亚女王在位期（1837——1901年）形成的艺术复辟的风格，它重新诠释了古典的意义，扬弃机械理性的美学。维多利亚式风格喜欢对所有样式的装饰元素进行自由组合。很难对维多利亚样式进行准确的分类，它其实包括了各种装饰元素，样式的混合和没有明显样式基础的创新装饰的运用。18世纪的维多利亚风格是是对于中世纪歌德风格的推崇和流行，使得设计表现上更多的体现了皇室的艺术需要。视觉设计上的矫揉造作，繁琐装饰，异国风气占了非常重要的地位。维多利亚风格带来的是视觉上的绝对华丽与分割取舍，人类对于自然和装饰的唯美体现得到了最大化的发挥。红蓝椅：红蓝椅是风格派最著名的代表作品之一。它是家具设计师里特维尔德受《风格》杂志影响而设计的。里特维尔德的红蓝椅对包豪斯产生了很大的影响。红蓝椅于1917-1918年设计，当时没有着色，着色的版本直到1923年才第一次展现与世人。再设计：是重新面对自己身边的日常生活事物，从熟知的日常生活中寻求现代设计的真谛，给日常生活用品赋予新的生命。从“无”开始固然是一种创造，而把熟知的日常生活变得陌生则更加是一种创造，而且更具挑战性。“RE-DESIGN”这个词，也包含了把社会中人们共有的、熟知的事物进行再认识的意义。也就是说，在“日用品”这个题目的设定中，不去追求那些奇异的事物，而是从人们所“共有”的物品中来提取价值，用最自然、最合适的方法来重新审视“设计”这一概念。饾版印刷：所谓“饾版”印刷，就是按照彩色绘画原稿的用色情况，经过勾描和分版，将每一种颜色都分别雕一块版，然后再依照“由浅到深，由淡到浓”的原则，逐色套印，最后完成一件近似于原作的彩色印刷品。由于这种分色印版类似于“饤饾”，所以明代称这种印刷方式为“饾版”印刷，也称为彩色雕版印刷，清代中期以后，才称为木版水印。德意志制造联盟：德国第一个设计组织,1907年成立,是德国现代主义设计的基石。它在理论与实践上都为20世纪20年代欧洲现代主义设计运动的兴起和发展奠定了基础。其创始人有德国著名外交家、艺术教育改革家和设计理论家穆特休斯、现代设计先驱贝伦斯、著名设计师威尔德等人。其宗旨是通过艺术、工业和手工艺的结合,提高德国设计水平,设计出优良产品。顾绣：顾绣是上海地区工艺品中的瑰丽奇葩。顾绣因源于明代松江府顾名世家而得名。顾名世曾筑园于今九亩地露香园路，穿池得一石，有赵文敏手篆“露香池”三字，因以名园（今露香园路，即为纪念此园得名）故世称其家刺绣，为“露香园顾绣”或“顾氏露香园绣”或简称“露香园绣”、“顾绣”。它是以名画为蓝本的"画绣"，以技法精湛、形式典雅、艺术性极高而著称于世。高级成衣：是指在一定程度上保留或继承了Hautecouture（高级定制服）的某些技术，以中产阶级为对象的小批量多品种的高档成衣。是介于Hautecouture和以一般大众为对象的大批量生产的廉价成衣（法语称Confection）之间的一种服装产业。ICOGRADA:（国际平面设计协会联合会）成立于1963年，是由世界各国平面设计、视觉传达、创意设计、设计管理、设计教育等方面专门协会组成的国际性非政府、非政治性组织，也是规模最大、最具影响力的平面设计专业国际组织。Icograda总部设在加拿大蒙特利尔。宋体字：是在中国宋朝发明的一种汉字印刷字体。笔画有粗细变化，而且一般是横细竖粗，末端有装饰部分（即“字脚”或“衬线”），点、撇、捺、钩等笔画有尖端，属于白体，常用于书籍、杂志、报纸印刷的正文排版。因从明朝传入日本，而又称为明体、明朝体。剔红：雕漆品种之一，又名“雕红漆”或“红雕漆”。此技法成熟于宋元时期，发展于明清两代。其法常以木灰、金属为胎，在胎骨上层层髹红漆，少则八九十层，多达一二百层，至相当的厚度，待半干时描上画稿，然后再雕刻花纹。文学专业考研之名词解释中国古代文学史名词解释诗经与楚辞部分

诗经

我国古代最早的一部诗歌总集。它收录了自西周初年（约前11世纪）至春秋中叶（约前6世纪）近500年间305篇作品。它在先秦只称“诗”，或举其成数称“诗三百”。汉代儒生尊其为“经”，故称《诗经》。

风骚传统

“风”指《国风》，代表《诗经》；“骚”指《离骚》，代表《楚辞》。在中国文学史上他们分别代表了现实主义和浪漫主义精神，发展、形成了我国诗歌的两种不同的优良传统，习惯上就称为“风”、“骚”传统。

献诗说

古代关于《诗经》作品的来源一种观点。这种观点认为，《诗经》中的雅诗主要是周王朝和各诸侯国的卿大夫献上来的，其目的主要是运用诗歌进行讽谏或赞颂，表达对政治的评价。

采诗说

古代关于《诗经》作品的来源一种观点。这种观点认为，《诗经》中的民歌（国风）部分，主要是当时的乐官采集而来的，其目的主要是“观民风”。

删诗说

古代关于《诗经》结集成书的一种观点。这种观点认为，《诗经》中采集、献上、制作的诗有三千余篇，是孔子按照儒家的道德标准进行删削淘汰为305篇。此说不可信。《诗经》的最后结集成书，应该是周朝的乐官。

四家诗

汉代传习《诗经》的有四家，即鲁、齐、韩、毛。鲁诗出自鲁人申培，齐诗出自齐人辕固，韩诗出自燕人韩婴，毛诗创始人为鲁人毛亨和赵人毛苌。后三家诗亡佚，毛诗独行于世。

今文三家（三家诗）

汉代传习《诗经》的有四家，即鲁、齐、韩、毛。鲁诗出自鲁人申培，齐诗出自齐人辕固，韩诗出自燕人韩婴，毛诗创始人为鲁人毛亨和赵人毛苌。其中鲁、齐、韩为今文学家，在汉代立有博士，成为官学，故又称为“今文三家”或“三家诗”。

六义说

所谓“六义”说，又称“六诗说”，是前人关于《诗经》分类的一种说法，源自《毛诗序》：“故诗有六义焉：一曰风，二曰赋，三曰比，四曰兴，五曰雅，六曰颂。”

“四始”：“四始”是前人关于《诗经》分类的一种说法，说出自司马迁《史记?孔子世家》：“《关雎》之乱以为《风》始，《鹿鸣》为《小雅》始，《文王》为《大雅》始，《清庙》为《颂》始。”

四始说

四始说，为诗经分类的一种说法。出自于西汉司马迁《史记•孔子世家》：“《关雎》之乱以为《风》始，《鹿鸣》为《小雅》始，《文王》为《大雅》始，《清庙》为《颂》始。”此四始是指《风》、《小雅》、《大雅》、《颂》四者的开始。

二南独立说（四诗说）

“四诗”说也称“二南独立说”。《周南》、《召南》是两个地域的土乐，北宋苏辙于其《诗集传》中首倡“二南独立说”，认为《诗经》应分为《风》、《雅》、《颂》、《南》四类，即把《周南》、《召南》从《国风》中独立出来，单列一类。教材认为“二南独立说”难以成立。原因：其一，此南首先是方位词，其后才以地域之名代指“南音”。其二，《周南》、《召南》当是周南风、召南风的省称。其三，即便二南是南方土乐，它们也仍是风诗之一种，《周南》、《召南》与《国风》之间是种属关系，不当独立于《国风》之外。故“二南独立说”是难以成立的。

风雅颂

风雅颂是前人对《诗经》按音乐特点进行分类。风，本义指乐调，所谓“国风”，便是汇集各地的地方土乐。雅，是正的意思，，雅即朝廷正乐。颂，是用于宗庙祭祀的舞曲。

七月

《七月》是《诗经》中的一首典型的农业生活诗。全诗共88句，380字。创作时期为西周初期。《七月》全面细致地描写了一年十二月中的各种物候及农活。

燕飨诗

是直接反映嘉礼中飨礼、燕（宴）礼等礼仪活动的诗，所以可称之为礼仪诗或宴饮诗，可以具体分为：飨礼诗、燕礼诗、乡饮酒礼诗等。

讽喻诗人

指《诗经》中讽喻规谏诗的作者，其作者属于贵族阶层中的“公卿列士”及卿士大夫。作为本阶级意识形态的“思想家”和“代言人”，他们很不幸地生活于末世与乱世之时，这使他们不但难以实现自己的政治抱负和理想，还不得不同社会上一切腐朽现象做斗争，同时不得不面对自己的各种挫折和不幸。于是，他们作诗的目的也不得不因时代的变化由颂美而转向讽喻和怨刺。

赋比兴

指《诗经》创作的三种艺术手法。赋就是直陈，比就是运用比喻。兴就是借物起兴。

叠咏体

“叠咏体”亦称重章复唱，是《诗经》艺术形式的一个重要特征。这一样式的最初形成是便于唱歌、记忆和传诵。因为这样，在复唱中不断的使用一个调子基或是相同的句式，这时只要换一两个词语，也就形成了《诗经》篇章结构和语言上的一大特色。据统计，这种重章复唱的形式（或称“叠咏体”），在《诗经》中的305篇中，占了半以上，并多集中在《国风》、《小雅》部分。

风雅

这里的风雅并不是指的风雅体裁，而是指体现在《诗经》“风”、“雅”中的艺术创作精神，即诗歌创作的高尚意义和严肃性。用风雅来概括《诗经》艺术和创作精神，并不是对它的有意抬高，而是对中国诗歌优良传统的理论升华；不是对《诗经》艺术精神的曲解，而是通过它对后世诗歌创作进行正确的引导。所以，风雅才成为后代诗人创作所遵守的艺术原则，成为那些反对形式主义文风的最好武器。

比兴

这里的比兴指诗歌创作和批评的一条重要艺术原则，侧重于艺术表达的形式方面。比兴既不同于一般的艺术手法，也不是一种艺术发生学上的概念，而是中国人站在特有的文化立场上对作为艺术创作手法的“比兴”的一种具有民族特色的理性解释，是指“比兴”在诗歌创作中具有的表现健康思想的特殊艺术功能，是把“风雅”之义艺术化的一条最佳途径。即“比兴”不仅仅指一般的“寄情于物”，“情景交融”，它同时还要达到“托物以讽”、“比类切至”的目的。

楚词章句

《楚辞》研究著作。作者为东汉王逸。此书是现存最早的楚辞注本且选用的是刘向集本。

楚辞

楚辞是战国晚期在中国南方长江流域楚国产生的一种新型的诗歌形式。内容上，记楚事，与楚地的原始神话和宗教活动有密切关系；形式上，作楚声，结构宏伟，句式新颖，其奠基人和代表作家是屈原。

天问

《天问》是由诗人屈原创作的一篇规模宏大、体制瑰奇的长诗。全诗三百五十余句，千五百多字，并全采用问句体写成。全诗由两部分组成，前半部分通过对自然史的诘问，表现了诗人对宏观宇宙的思考，对古信仰的怀疑；后半部分通过对复商周三代兴亡的回顾反思，流露出对楚国前途的强烈忧患意识。

九章

《九章》是诗人屈原的一部短篇抒情诗集，它包括九篇作品。依王逸《楚辞章句》的次序是《惜颂》、《涉江》、《哀郢》、《抽思》、《怀沙》、《思美人》、《惜往日》、《橘颂》、《悲回风》。《九章》各篇对屈原一生悲惨遭遇和苦难历程的记载。

九歌

《九歌》是屈原吸取楚地的民间神话故事，并利用民间祭歌形式写成的一组意象清新、语言优美并富有爱国主义精神的抒情诗。作品包括：《东皇太一》、《东君》、《河伯》、《少司命》、《河伯》、《湘君》、《湘夫人》、《山鬼》、《国殇》、《礼魂》。

唐诗宋词部分

初唐四杰

初唐四杰是初唐四位杰出诗人的合称,他们是王勃、杨迥、卢照邻、骆宾王。他们年少而才高，官小而名大，诗歌创作重视抒发一己之情怀，出现了一种壮大的气势，具有慷慨悲凉的感人力量，为初唐的诗坛吹进了一阵清新的空气。

沈宋体

武后时期的重要宫廷诗人沈佺期和宋之问在永明体的基础上，把四声二元化，即把四声归纳为平仄两种。还解决了粘式律的问题，完成了从律句到律篇的过渡。从而创造了一种既有程式约束，又有广阔创造空间的新诗体，也就是律诗。在律诗定型的过程中，贡献最大的就是沈宋，是他们最后完成了律诗“回忌声病，约句准篇”的任务，因此律诗最初被称为“沈宋体”。

韩孟诗派

韩愈、孟郊等人，进一步发展了杜诗奇崛的一面，力求瑰奇怪谲，形成了韩孟诗派。韩孟诗派除了追求诗歌的雄奇怪志之美，还大胆创新，或以散文的章法结构诗篇，或在诗中大量使用长短错落的散文句法，尽力消融诗与文的界限，他的“以文为诗”，对宋诗影响深远。韩孟诗派代表人物有韩愈、孟郊、李贺、卢仝、马异、刘叉、皇甫等人。

元白诗派

是指以中唐诗人白居易、元稹为代表的诗派。他们强调诗歌的讽谕作用，都擅长于新乐府、七言歌行、长篇排律等诗体，注意诗歌语言的平易浅切和通俗性，并通过诗歌酬唱促进了格律技巧的纯熟。

新乐府运动

中唐时期由白居易、元稹倡导的，以创作新题乐府诗为中心的诗歌革新运动，但新乐府运动因主要倡导者白居易横遭毁谤受到挫折，最终无法继续下去。但新乐府运动在中国诗歌史上留下的光辉的一页，并对后世诗歌的发展产生了深远的影响。

燕乐

燕乐，是随着隋的统一而兴起的一种汉族民间音乐和少数民族以外来音乐交融而产生的新的音乐。

敦煌曲子词

指在甘肃敦煌发现的唐代民间曲子词。其创作年代多无定论，大体以为晚唐五代居多，但可以确定其中已有初盛唐时期的词作品。敦煌指地名，今甘肃敦煌；所谓曲子词，曲子是指其燕乐曲调，词则是与这种曲调相配合的唱辞。晚唐五代后，人们或简称为曲子。

花间集

晚唐五代词选集。10卷，选录唐末五代词500首，词作者为温庭筠、皇甫松、韦庄等18人，编者赵崇祚，字弘基。词以歌咏男欢女爱、相思离别为主要内容，以红楼翠阁、闺房帐幔为主要背景，以香艳浓丽、婉约缠绵为主要风格牲的花间词，对词体文学的物质、特征和特色影响极大。

南唐词

指五代时候，以词人李璟、李煜、冯延已等为代表风格的词。词以白描手法，抒真挚之情，有着强烈的艺术感染力。

豪放词

宋词风格之一，豪放词的特点,大体是创作视野较为广阔，气象恢弘雄放，喜用诗文的手法、句法和字法写词，语词宏博，用事较多，不拘守音律，然而有时失于粗疏平直，甚或涉于狂怪叫嚣。代表词人有苏轼、黄庭坚、辛弃疾等。

婉约词

宋词风格之一,婉约词的特点，主要是内容侧重于儿女风情。结构深细缜密，重视音律谐婉，语言圆润，清新绮丽，具有一种柔婉之美。内容比较窄狭。代表词人有晏殊、欧阳修、柳永等

辛派词人

南宋词人辛弃疾以文为词，进一步解放了词体，扩大了词的思想内容和题材领域；另一特点是用典灵活，引前人话语入词自然畅达。辛弃疾的词在南宋词坛上无疑是一面大旗，在这面大旗下集结了一批爱

古代文论名词解释（先秦）

1．《论语》的“兴、观、群、怨”说

《论语•阳货》说：“子曰：小子何莫学夫《诗》？《诗》可以兴，可以观，可以群，可以怨。迩之事父，远之事君，多识于鸟兽草木之名。”提出了“兴、观、群、怨”说。用现代的话说，兴，就是说诗歌有感发人精神的作用，可以引起人的联想；观，就是说诗歌可以起到观察社会现实的作用，能看到世风的盛衰得失；群，就是说诗歌可以使人们交流感情，达到和谐，起到团结人的作用；怨，就是说诗歌可以干预现实，批判黑暗的社会和不良的政治。孔子的“兴、观、群、怨”说对后世影响极大，成为后世文学批评的一个标准，影响了我国文学中现实主义传统的形成。

2．《论语》的“思无邪”说

《论语•为政》篇说：“《诗》三百，一言以蔽之，曰：‘思无邪。"”提出了“思无邪”说。“思无邪”的批评标准从艺术上说，就是提倡一种“中和”之美。《诗》三百中的作品起初不仅关涉内容（歌词），而且与音乐有紧密的关系。因此，从音乐上讲，“思无邪”就是提倡音乐的乐曲，要中正平和，要“乐而不淫，哀而不伤”；从文学作品上讲，则要求作品从思想内容到语言，都不要过分激烈，应当做到委婉曲折，而不要过于直露。

3．《论语》“诗可以怨”说

孔子在《论语•阳货》提出了“诗可以怨”。“诗可以怨”是说诗可以“怨刺上政”（《论语集解》引孔安国语），实际上就是说诗歌可以对现实中的不良政治和社会现象进行讽刺和批判。《诗经》中许多民歌和一些文人作品就是对当时的社会现实进行讽刺和批判揭露，如著名的民歌《魏风》中的《硕鼠》、《伐檀》等，以及《小雅》中的《正月》、《十月之交》，《大雅》中《桑柔》、《民劳》等，都是“怨刺上政”的作品。

“诗可以怨”对我国后世的文学创作，特别是诗歌创作产生了巨大的影响，成为我国古典诗歌的批判现实的优良传统。古代乃至现代的许多诗人的作品都有批评和揭露黑暗现实的内容，例如屈原、杜甫、白居易、郭沫若、闻一多、艾青等的批判黑暗政治的诗歌都可以说是受到了“诗可以怨”的影响。

4．孟子的“以意逆志”说

孟子的“以意逆志”和“知人论世”都是比较科学的文学批评方法。孟子在《孟子•万章上》中说：“故说诗者，不以文害辞，不以辞害志，以意逆志，是为得之。”提出了“以意逆志”说。所谓“以意逆志”，就是说说诗者（即读者）要根据自己的历练、思想意志，去体验、理解作者的作品，不要死扣字眼，也不要受拘束于词句，曲解甚至歪曲全篇的主旨。孟子以这种方法解说《诗》中的一些作品，比较接近于还了它们作为文学作品的本来面目，为中国文学提供了比较客观实在的批评原则。后世大量的诗话词话大抵是在此原则下展开文学批评和记录读后感想的。

5．孟子的“知人论世”说

“知人论世”说是孟子在《孟子•万章下》中提出来的：“颂其诗，读其书，不知其人，可乎？是以论其世也。是尚友也。”其意思是说，读者阅读文学作品应该了解作者的生平经历和作品写作的时代背景，这样才能站在作者的立场上，与作者为友，体验作者的思想感情，准确把握作者的写作意图和正确理解作品的思想内涵。“知人论世”说“以意逆志”说都是比较科学的文学批评方法论。孟子以这种方法解说《诗经》中的一些作品，比较接近于它们作为文学作品的本来面目，为中国文学提供了比较客观实在的批评原则。后世大量的诗话词话大抵是在此原则下展开文学批评和记录读后感想的。

6．孟子的“养气”说

孟子在《孟子•公孙丑上》中说：“我知言，我善养我浩然之气。”提出了“养气”说。孟子认为，必须首先使作者具有内在的精神品格之美，养成“浩然之气”，才能写出美而正的言辞。这里的“养气”当是指培养自己的高尚思想情操和道德品格。“养气”了，才能“知言”。这种思想影响到文学创作，就特别强调一个作家要从人格修养入手，培养自己崇高的道德品格。“知言养气”的“气”抓住了人的内在最本质的蕴涵，因而被后人广泛地引入文学理论和文学批评，形成了中国古代文论史上以气论文的悠久传统，并引导作家从“养气”入手去指导创作，其影响是积极的。

7．《庄子》的“虚静”说

“虚静”，最早是老子在《道德经》里提出“致虚极，守静笃”的说法，庄子继承发展了老子“虚静”的学说，认为它是进入道的境界时所必须具备的一种精神状态。《庄子•大宗师》说：“堕肢体，黜聪明，离形去知，同于大通，此谓坐忘。”庄子的“坐忘”就是“虚静”，是要使人忘掉一切存在，也忘掉自己的存在，抛弃一切知识，达到与道合一的境界。庄子认为虚静必须在“绝学弃智”的基础上方可达到，然而也只有达到虚静，才能对客观世界有最全面最深刻的认识，才能自由地进行审美观照，艺术创造力才最为旺盛，才能创作出和造化天工完全一致的作品。庄子的“虚静”说对后世影响极大，后世的文学家和文学理论家都或多或少地受到庄子的“虚静”说的影响。

8．《庄子》的“物化”说

庄子的“物化”说是与他的“虚静”说联系的。庄子认为“虚静”是认识“道”的途径和方法，是进入道的境界时所必须具备的一种精神状态。从创作主体来说，必须具备“虚静”的精神状态，这是能否创作合乎天然的艺术之关键。而从创作主体和客体的关系来说。必须要达到“物化”的状态。什么是“物化”呢？在庄子看来，进入虚静状态之后，人抛弃了一切干扰和心理负担，就会忘掉一切，甚至忘了自己，不再受自己感觉器官的束缚和局限，而达到认识上的“大明”。作为创作者来说，主体的人也似乎不存在了，主体的“自然”（天）和客体的“自然”（天）合而为一，这就是进入了“物化”的境界，这就叫做“以天合天”。处在这样状态下的创作自然是和造化天工完全一致的了。

9．《庄子》的“得意忘言”说

“得意忘言”是庄子对言义（即语言与思维）关系的看法。《庄子•外物》篇说：“筌者所以在鱼，得鱼而忘筌；蹄者所以在兔，得兔而忘蹄；言者所以在意，得意而忘言。”提出了所谓“得意忘言”说。在庄子看来，言是不能完全表达意思的，即言不尽意。庄子强调语言文字的局限性，指出它不可能把人复杂的思维内容充分地表达出来，这种认识在一定程度上符合人的认识实践的实际情况，但也有明星的局限性。不过庄子的以言不尽意为根据的“得意忘言”说对文艺创作却影响深远。文学作品要求含蓄，有回味，往往要求以少总多，追求“味外之旨”、“言外之意”，而庄子的“得意忘言”说，恰恰道出了文学创作中言、意关系的奥秘。这对文学理论和文学批评产生了巨大影响，它在魏晋以后被直接引入文学理论，形成了中国古代文学注重“意在言外”的传统，并且为意境说的产生和发展奠定了理论基础。

古代文论名词解释（两汉）

10．司马迁的“发愤著书”说

司马迁在《报任安书》历述韩非、屈原等人的事迹后，总结说：“《诗》三百，大氐贤圣发愤之所作也。”提出了“发愤著书”说。司马迁通过分析历史上许多伟大人物的事迹和作品揭示了一个真理：在中国古代文学史上，真正伟大的作品，大都是作家坚持自己的进步理想或正确的政治主张，在遭到反动势力迫害后，为了抗争迫害而坚持斗争、发愤著书的产物。值得注意的是，司马迁的《史记》对汉武帝刘彻并没有发泄私愤，而是既写了他残忍、好大喜功和追求长生不老等可笑事迹，也写了他的雄才大略和文治武功的伟大之处，有着公正的“实录”精神。“发愤著书”说对后来韩愈的“不平则鸣”说、欧阳修的“诗穷而后工”说都有很大的影响。

11．《毛诗大序》的“情志统一”说

“情志统一”说是《毛诗大序》提出来的一个诗论观点，文章里说：“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。情动于中而形于言。”从这里可以看出《毛诗大序》是承认