第四章欧洲文艺复兴美术

第四章欧洲文艺复兴美术第四章欧洲文艺复兴时期美术

（一）学习目的和要求通过本章的学习，主要掌握和了解欧洲文艺复兴时期意大利、尼德兰、德国、西班牙和法国的美术。并在此基础上认识到欧洲文艺复兴时期各国美术的影响和文艺复兴的缘起，是本课程的重点、难点部分之一。（二）考核知识点1、意大利文艺复兴时期美术；2、尼德兰文艺复兴时期美术；3、德国文艺复兴时期美术；4、西班牙文艺复兴时期美术；文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。“文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。”实际上文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其涵义还要宽泛得多。在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视，并成为驱散中世纪的黑暗，建立新兴的资产阶级文化的重要武器。

人文主义的特征首先在于它的世俗性，与封建文化的宗教性质截然相反。人文主义肯定认识生活的创造者和主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学对人生谋福利，教育要发展人的个性，即要求把思想、感情、智慧都从神学的束缚中解放出来。因此，人文主义的学者和艺术家提倡了人性以反对神性，提倡人权以反对神权，提倡个性自由以反对人身依附。他们反对宗教禁欲主义和来世观念，歌颂世俗生活，蔑视天堂；主张个性解放，宣扬个人现世幸福高于一切。同时人文主义者睥睨贵族的世家出身，嘲笑僧侣的愚昧无知，痛斥经院哲学和神秘主义，提倡理性、探索自然，追求科学知识。人文主义思想：新的时代风尚以关注人本身的价值和社会生活的世俗化为标志。以理性的宗教信仰代替神权，以追求财富和世俗生活的享受代替禁欲主义，以科学的发展代替中世纪的愚昧无知。第一节意大利文艺复兴时期的艺术在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。美术已不再是宗教神学的奴仆，在题材上开始描绘世俗的人和人的现实生活，即使是宗教神话题材，也注入了人性和人的思想感情，把神变成世俗的人；在表现手法上提倡面向自然，以造化为师，对自然以理性的解释，引进科学的成就塑造艺术形象，透视学和解剖学成了文艺复兴美术造型的两大支柱，在这一时期的美术家往往是集工匠、科学家、建筑家、画家、雕刻家于一身，这是一个产生巨人的时代，至使无数优秀的美术家宛如灿烂群星出现在欧洲的上空，照亮了历经千年的“黑暗世界”。

意大利文艺复兴造型艺术的重要特征：艺术作品内容的世俗化、技法的科学化、审美的理想化。意大利文艺复兴的艺术成就：确立科学的绘画体系，建立了古典艺术规范，产生了大批有艺术才华的艺术家。意大利文艺复兴分为开端、早期、盛期、晚期四个阶段一、意大利文艺复兴艺术的开端

意大利文艺复兴艺术的开端：中世纪向新时代的转变，新的写实因素开始出现。乔托（1266—1337），把人文主义精神与现实主义方法在作品中结合，成为中世纪美术与文义复兴的分水岭。《逃往埃及》人物造型世俗化，显露出初步的透视关系，为文艺复兴美术的发展铺平了道路，具有里程碑意义。乔托逃亡埃及乔托将哥特式雕刻的写实风格和拜占庭绘画的明暗透视法结合起来，用明暗法朔造形体，用透视缩短法来表现空间关系，创造出真实生动的形象乔托尤太之吻乔托哀悼基督二、早期意大利文艺复兴艺术15世纪初，佛罗伦萨出现了三位艺术大师，即“小三杰”：建筑家布鲁涅列斯奇，雕塑家多纳太罗和画家马萨乔。建筑家布鲁涅列斯奇：1、文艺复兴新的建筑样式：综合古罗马建筑形式与哥特式建筑结构，并加以创新，创造出由8个块面构成的矢状形，采用了减轻重量的骨架劵结构。2、发现林荫道画法。雕塑家多纳太罗：1、新的雕刻表现手法，就是寻求一种更接近古希腊罗马的写实雕刻并能凌空独立的圆雕表现技术。2、作品有《希律王的宴会》、《少年大卫像》画家马萨乔：继承了乔托的绘画传统并加以发展，将解剖、透视、明暗等知识用于自己的绘画创作中。作品有《纳税钱》、《逐出乐园》等。15世纪下半叶，佛罗伦萨最伟大的画家波提切利（1446---1510）波提切利的作品有《维纳斯的诞生》《春》波提切利创作的《维纳斯的诞生》主题是古希腊的，反基督教的，而不是中世纪的。虽然是遥远时代的女神，却是官能的。表现的是希腊神话中代表爱与美的女神维纳斯从大海中诞生的场景，这幅画的绘画风格在当时颇为与众不同，不强调明暗法来表现人体造型，而更强调轮廓线，使得人体有浅浮雕的感觉，而且极适合装饰作用。画面中的女神肌肤洁白，金色的长发飘逸，无愧为是完美的化身；但脸上却又挂有淡淡的忧愁、迷惘和困惑。

《春》此画取材于诗人波利齐亚诺的诗歌。艺术家以自己的思想去解释古代神话中的形象，画面的情节是在一个优美雅静的树林里展开的，美丽端庄的维纳斯位居中央，她以闲散幽雅的表情等待着春之降临。在她右边，三位女神（阿葛莱西、纳里亚、弗罗基尼）互相携手翩翩而舞，在维纳斯的左边，春神以优美飘逸的健步向观者迎面而来，她全身披戴着饰花的盛装身后是春风之神莎菲尔和一位希腊少女。这种对于人性的赞美，在波提切利的作品中具有非凡的美感。而且，波提切利以其秀逸的风格、明丽灿烂的色彩和流畅轻灵的线条，在文艺复兴诸大家中独树一帜。但在文艺复兴后，有较长时期西方人士未能对他作出恰当评价，直到19世纪浪漫主义和英国拉菲尔前派运动中，他才倍受赞扬，被人们推崇为意大利文艺复兴前期的大师。三、盛期意大利文艺复兴艺术达·芬奇（是文艺复兴最伟大的代表。他精通艺术、数学、医学、地质学、机械工程等领域。将美术与科学紧密结合，极大地推动了现实主义美术的发展。《蒙娜丽莎》是达·芬奇最负盛名的作品之一，寄托了他对人像理想美的认识。这幅画令人惊叹的是人物的自然生动，她好像在注视着我们，但隐隐的微笑中却似乎透出一丝悲哀。达·芬奇巧妙地平衡了精确与储蓄的关系，使作品韵味无穷。他极为审慎地运用

了“空气透视法”使形体自然、柔和，消除了以往作品的生硬感，创造了朦胧、含蓄、微妙的动人境界，体现了一种人文精神，表现了人性的回归。达·芬奇在米兰做过许多事情，最值得一提的是他创作了《最后的晚餐》。那是在1495年，当时的米兰大公鲁多维柯·斯弗尔查请达·芬奇为圣玛丽亚·格拉契修道院的餐厅画一幅《圣经》题材的壁画。画家选择的情节是，耶稣得知自己已被弟子犹大出卖，让彼得通知在逾越节的晚上与众弟子聚餐。耶稣入座后说了一句：“我实实在在告诉你们，你们中间有一个人要出卖我。”此话引起众弟子的骚动，每个人都对这句话做出了富有个性的反应：有的向耶稣表白自己的忠诚；有的义愤填膺要求追查；有的大惑不解询问究竟，整个场面充满戏剧性。当时，画家从技法上要表现人的内心复杂情感恐怕也不容易，因为几百年来中世纪的禁欲主义就是不让表达人的情感和欲望，画家们也不可能在禁锢与束缚中得到实践与提高，所以人物形象总是被处理得那样死板干枯。要与众不同地处理这一复杂场面并表达出人物各不相同的精神状态，不仅是个技法问题，更是对种种限制的突破。达·芬奇能够对人的形象和心理作深入观察与研究，用人物动作与姿态生动地表现微妙的心理，这在当时真是难能可贵了。作品的整个画面严谨、均衡，富于变化。无论从构思的完美、情节的紧凑，还是形象的塑造与技法的纯熟上都极为出色地表达出当时人们对宗教的热忱，更是对古代社会所崇尚的艺术精神与科学理念的完美展现。这幅壁画似乎让以后的画家都打消了在同一个题材、同一种立意上获得更大进取的野心。它被视为伟大的奇迹、人类最优秀的绘画作品、最可珍贵的文化遗产达·芬奇的作品《岩间圣母》

达·芬奇

(1452—1519年)米开朗基罗（1475---1564）其艺术以激情洋溢见长。他在写实的基础上进行理想加工，创造出健硕伟岸，气魄雄浑，带有悲剧性情感的人物形象。《大卫》是米开朗基罗雕塑生涯中具有里程碑意义的作品。这件连基底高达5.5米的巨大雕像，充满意志与力量。他以一个体魄健壮结实，情绪昂扬的青年形象，表现一种顽强、坚定和正义的精神气质与勇敢无畏和自信的人格意志。《大卫》雕像微微扭动的躯体，潇洒地将重心放在绷紧的右腿上，整个人体动势在张弛自如，完美大方中，聚集着一股即将爆发而又锐不可挡的战斗力。另外，米开朗基罗还对雕像的头部和手的大小进行了夸张处理，无论从视觉感上还是从空间透视上，都有产生一种巨大的震撼。象征了文艺复兴时期人们的精神状态。也是对人的本质力量的肯定，对人的英雄品格的赞扬，受到佛罗伦萨市民的爱护和崇敬他与多个男模特有过情感纠葛，为他们写下了众多诗篇。比如他曾花去整整一年时间在早夭、漂亮的布拉奇之墓上刻下诗句：“我卑微的尘躯不再享有你的迷人的脸庞与美丽的双眼，但任何力量都抹不掉你我共枕相拥时，两个灵魂相融所迸发的火焰。”而最得他倾慕的无疑是罗马贵族托马索·卡瓦切里。

达.芬奇老师委罗基奥《大卫》→→文艺复兴初期艺术家多纳泰罗《大卫》米开朗琪罗《大卫》米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。这些都使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

《垂死的奴隶》《被缚的奴隶》米开朗琪罗作品

《西斯廷天顶画》

创作于1508－1512年间33-37岁

1506年，教皇尤里乌斯二世(又称朱理二世)为了纪念叔父西克斯图斯四世，命米开朗基罗重新绘制穹顶壁画。米开朗基罗独自一人于1508年开始设计创作此壁画，并命名为《创世纪》，壁画于1512年最终完成。此幅穹顶画描绘了旧约中创世纪的9个场景。场面宏大，气势恢宏，人物众多。而西斯廷教堂也正因拥有了米开朗基罗最有代表性的两大巨制壁画《创世纪》和《最后的审判》而闻名于天下。西斯廷天顶画以圣经《创世纪》为主线，绘画总面积接近600平方米，人物有几百个。在拱顶上按照它的长矩形（全长40米，宽14米），在中央分割成九个画面，分别描绘《神分光暗》、《创造日月与动植物》、《创造水和大地》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《原罪·逐出乐园》、《诺亚祭献》、《大洪水》、《诺亚醉酒》等九个主题。周围再以建筑结构等柱壁装饰，把每个画面分隔开。并在每一分隔的区域内四角，画上共二十个裸体青年，再在各区域的四个大框内画了十二个形体较大的先知与巫女的形象拉斐尔（1483-1520）拉斐尔（1483-1520），他的作品以优美，典雅和诗一般的风格享誉于世。他的画里始终呈现出明净的色彩，柔和的光线，宁静的气氛和优雅的节奏感，古典艺术的楷模。圣母是充满神性的宗教人物，而在拉斐尔的笔下，却表现出世俗女性温存善良的情感与端庄美丽的休态。《西斯庭圣母》是宗教意味较强的主题，然而在拉斐尔精心绘制的画面中，圣母抱着圣婴从缥缈天界向人间款款走来，洋溢着一种人间亲情。画家在神秘的宗教气氛中融进了生活气息，使虚幻的天国世界回落到真实的现实空间。作品：《雅典学院》《西斯庭圣母》《大公圣母》《椅中圣母》等拉斐尔23岁自画像（1506年）拉斐尔·桑德罗1483年出生于意大利乌尔比诺城，从小受到人文主义思想的熏陶。少年时代在著名画家佩鲁吉诺处学画并崭露头角。其绘画成就与达·芬奇、米开朗基罗齐名，是文艺复兴三杰之一。他所创造的许多理想美，特别是女性美的形象，为后人所难以企及。拉斐尔在其短暂的37年生涯中，留给后世大量的绘画杰作（近300幅）。其代表作主要有《圣母玛丽亚订婚》、《椅中圣母》、《草地上的圣母》、《雅典学院》、《街上之火》和《西斯廷圣母》，同时还有很多优美的肖像画。戴面纱的女子拉斐尔极善运用曲线塑造形象，这幅画从画幅圆形外框到人物的组合、体态、衣着、褶纹都以长短不等的各种曲线构成，整个画面形象给观赏者以丰满、柔润与高度和谐的完美之感。画家造型的色彩配置，基本仍遵循基督教的观念，以红、蓝两色为基调。因为在基督教中，红色是象征天主的圣爱，蓝色是象征天主的真理。所以在宗教画中，圣母的衣着一般以红蓝两色相配搭。在这幅画中，圣母上衣为红色，斗篷为蓝色，小耶稣的黄色上衣，与圣母衣着的红、蓝色构成了调和的三原色，从而强化了艳丽的色彩和画面的华贵。《椅中圣母》

时间：公元1514年

板上油画

拉斐尔当时31岁

特点：亲情、美丽《草地上的圣母》

时间：公元1505年

板上油画

拉斐尔当时22岁

圣母的形象在拉斐尔的作品中具有主要的地位。通过这一宗教题材，画家尽情表达了对人间母子之爱的颂扬。《草地上的圣母》的构图是拉斐尔所钟爱的金字塔的构图，牧歌式的背景显得清新、明丽。圣婴在圣母的保护和注视下站立着，此时受洗者约翰将象征着凡间使命的标记递给他。圣母身上的衣服是当时女人们爱穿的漂亮衣服，那种对孩子的默默柔情仿佛弥漫在整个空间之中，这同样是一种圣洁而又美好的境地。第二类：圣母是保护并给于平民幸福的圣洁的女王《佛利纽之圣母》，1512年1508年拉斐尔到罗马以后，意大利的社会生活发生了巨大的变化。外有异族的入侵，内有封建势力的复辟，经济逐渐衰落，民族独立和民主自由受到了严重的威胁，他们需要一个强有力的人物，来保护自己。于是，拉斐尔笔下的圣母也发生了相应的变化。这时的圣母，不再是世俗的平民，而是具有无上权力的女王。这类圣母像可以1512年创作的《佛利纽之圣母》为代表。西斯庭圣母拉斐尔当时31岁

第三类：圣母是具有自我牺牲精神的英雄女王有权力，是否就一定能使人们摆脱痛苦呢？不是。最理想的圣母，不仅是温柔美丽的母亲，不仅是大权在握的女皇，而且应当是为了人民的幸福而甘愿牺牲自己的英雄。于是，1514年的《西斯廷圣母》应运而生了。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。她走着，一边在倾听颂扬，身上放射着福祉的温和之光；仿佛天上的精灵，化身出现于尘壤。这幅画没有丝毫艺术上的虚伪和造作，只有惊人的朴素，单纯中见深奥圣母的感情是复杂的：一方面他知道自己的儿子33岁时要被钉死在十字架上，因此上面的手紧紧的搂住耶稣，不愿与他分开，两只脚好像止步不前。她的表情是忧郁的，就连耶稣也失去了天真与浪漫。另一方面它不是一个普通的母亲而是圣母，为了解除人间的苦难，他一定要无私的奉献自己的儿子。所以他下边的手不由自主地向外托耶稣，两支脚似在缓缓前进。圣母的左侧是罗马教皇，他穿这金黄色的厚重的法衣，一手放在胸前表示虔诚，另一手指着画外，表示要引领圣母前进。圣母的另一侧是圣女巴巴拉，他在传说中是一个殉教者的形象，在画面上是一个典型秀美的少女，对于圣母降临人间，她那微笑的嘴角显示了喜悦。低垂的眼帘显示了虔诚。她默默地注视着大地，相信人类将得救。这是拉斐尔的画中最美的一部分。画面最下方是两个天真烂漫的小天使，翻起眼睛看天上发生的事情。佛罗伦萨派意大利文艺复兴时期在经济和文化中心佛罗伦萨形成的一个重要画派。该派以资产阶级上升时期的人文主义思想为主导，突破宗教禁锢，表现世俗；作品融入数学、解剖学、透视法、明暗法；注意装饰性，削弱明暗关系；多表现强壮男性。用科学方法探索人体的造型规律，吸取古代希腊、罗马的雕刻手法应用在绘画上，把中世纪的平面装饰风格改变为用集中透视，有明暗效果，表现三度空间的画法。在以宗教神话为主的题材中，把抽象的神象画成世俗化的合乎新兴资产阶级要求的理想的人，成功地创造了人物画新风格。除了油画外，当时多创作大幅温壁画，主要为宫廷、教会和资产阶级上层服务，从而改变了欧洲中世纪绘画的面貌。威尼斯画派十六世纪威尼斯派成为欧洲油画创作中心。威尼斯画派的作品显示，画家不太注重雕塑般的造型和硬朗的轮廓线，他们更多强调追求色彩和光线的细微差别。从一开始起就具有温和的抒情风格而使之与佛罗伦萨传统大相径庭。总之，威尼斯画派有以下艺术特色：画家在绘画时注重色彩，色彩丰富且富于变化，他们重视对自然风光景色的描绘；画女性多于男性，也画天使、基督和圣母，但作品中没有显露出受难的惨状和悲伤的面容，画面中人物体态丰润，衣着华贵，皮肤细腻而洁白，被视为理想化的人物；威尼斯画派的另一特点是装饰性强。

威尼斯画派也是一支影响巨大的美术流派。比较一下我们就会发现：佛罗伦萨画派注重素描和用线造型，威尼斯画派注重色彩甚于素描；佛罗伦萨画派注重理性，追求严谨、崇高的风格，而威尼斯画派注重感性甚于理性，追求轻松、随意、享乐、抒情的审美趣味。代表画家有乔尔乔尼、提香、丁托列托和和委罗内塞等。直至十八世纪仍有提埃坡罗、加纳来多（Canaletto,1697-1768）和瓜第（Guardi,1712-1793）等画家。

在威尼斯画派中，乔尔乔尼是进入黄金时代的第一位杰出的画家。从他的代表作《沉睡的维纳斯》来看，非常明显：作者是借着维纳斯女神的庇护表现一种高雅的世俗情趣，一种人体的优美和谐与大自然的优美和谐的统一，一种人体美对自然美、艺术美对生活美的升华。女人体在这里被描绘的细腻而具体；姿态松弛而自然；肌肤丰满而柔润；线条流畅而优雅。这美妙和谐的女人体与背景起伏多变的山丘、山峦、村落、民宅、树冠、彩云以及被褥褶皱的曲线、弧线、折线形成了和谐的呼应和反差的对比，画面所有的一切巧妙地构成了优美、舒适、安逸、恬静的视觉交响。

《入睡的维纳斯》乔尔乔纳善于运用细腻柔和的笔触和流畅的曲线造型人体组成与背景自然的直线形成柔中有刚的对比，圆润的裸体与繁密褶纹又形成了单纯与复杂的对比，画家以崇高的精神境界与高超的艺术技巧，谱写了一曲人与自然和谐的艺术交响曲。人体美、世俗精神美与自然景色美的完美统一的艺术典范。

《入睡的维纳斯》乔尔乔尼(1477-1510年)全裸的维纳斯作对角线动势，横卧于户外自然中，她微闭双目，带着进入梦乡的安逸明朗的神情，作沉睡状，右手垫在后脑，右脚弯入左腿下，整个人体被一个密封的椭圆形曲线包围着。女神高抬右手枕于脑后，左手的姿势既有遮蔽又有性的暗示，体现一个开放与禁锢并存的时代。画家以人体依对角线布局，有一种视觉伸展的张力，似乎包含着无限发展的空间。画家将女神安置于自然景色中，这是一种非现实而具神韵的意境。女神从肉体到精神均体现了人间女子的全部美质，这种亦人亦神的形象，正是威尼斯文艺复兴初期资产阶级反封建过渡时代精神的反映。画家所描绘的自然正是意大利典型的乡村景色，画家赋予它和平宁静的境界，与沉入梦乡的女神安逸明朗的神情十分和谐默契，情景交融。是人体美、世俗精神美与自然景色美的完美统一的艺术典范。整个画面被统一在淡金黄色调里，落日余晖映照着女神丰腴圆润的身体，放射出玛瑙般的光泽，显得格外纯洁、明亮，散发着青春和生命的活力。画家在女神所处的环境色彩配置上，从上半部的较深红色，转入蓝色、绿色和黄色，使几种颜色交织在一起，既突出人体，又与周围的色调相呼应。

《田园合奏》

乔尔乔尼

(1477-1510年)画中色调运用均衡的冷暖色，配置得恰如其分；色阶的交替变化，华丽而流畅，柔和而有层次感；光线的布置，明暗交错，呈现温暖的金色调，给人们以感官的审美享受。

《暴风雨》

乔尔乔尼(1477-1510年)画家着意描绘暴风雨来临前的瞬间情景，在乌云密布的天空中，一道闪电掠过画面天空，画家相当准确地捕捉住稍纵即逝的闪电，具有真实感。

《三圣贤》乔尔乔尼

(1477-1510年)提香(1487-1576年)提香的艺术生涯和丰富的创作实践推动了16世纪威尼斯画派的发展，他的艺术直接或间接地影响了几代威尼斯画派的画家。提香对于欧洲后来的绘画有很大影响，他象米开朗基罗那样长寿，又象拉斐斐尔那样幸运和受宠。提香对色彩的性能及其相互关系有着深刻的认识和理解(直接画法和提香的金色)，他用色大胆，色调极其丰富明快、微妙而准确；他的笔触热情奔放，流畅自如，不拘陈规；画面响亮而又和谐，洋溢着生命的活力和雄浑、华贵之美.中年画风细致，稳健有力，色彩明亮；晚年则笔势豪放，色调单纯而富于变化。《爱神节》、《酒神与阿丽亚德尼公主》等神话题材的作品，洋溢着欢欣的情调和旺盛的生命力，女人体的魅力。《天上的爱与人间的爱》是提香早年的一幅代表作，裸体女神象征着赤裸裸的真理，也象征着天上的爱；衣着华丽的女性象征着虚荣和富贵，也象征着人间世俗的爱《天上的爱与人间的爱》提香《天上的爱与人间的爱》是提香早年的一幅代表作，显，这裸体女神象征着赤裸裸的真理，也象征着天上的爱；衣着华丽的女性象征着虚荣和富贵，也象征着人间世俗的爱；她们之间的小爱神显然是在强化这“爱”的主题。

从这幅画来看，不论是意境，是情调，还是表现手法都可以看到提香对师兄乔尔乔纳的继承，可是，在色彩表现、色彩塑造和色彩构图上却比师兄显得更大胆、更泼辣、更娴熟、更随意自如，更富有出奇制胜的灵感意趣。无疑，这来自于画家深厚的写实功底和敏锐的直觉感悟，当然，也来自于他那独特娴熟的作画技法。《乌尔比诺的维纳斯》提香所描绘的裸女较乔尔乔内更加具有人性，是充满生命的血肉之躯，体态更加丰腴完美，容貌端庄大方，既富青春魅力，又健康成熟，体现了文艺复兴开放人性的本质精神。《乌尔比诺的维纳斯》

如果说乔尔乔内的《入睡的维纳斯》描绘的是亦神亦人的艺术形象的话，那么在28年后，提香60岁时画的《乌尔比诺的维纳斯》，则完全是世俗环境中的女子。这幅和《入睡的维纳斯》可谓姊妹之作。提香对画中人的动态、神情以及环境的改变，体现了时代的变化。乔尔乔内笔下的维纳斯在沉睡，而提香的女神则已醒来，深情地看着这个现实世界，右手从后脑挪开，打破了禁锢身体的椭圆形密封的包围线，呈开放状，已从大自然来到现实的豪华卧室。整个画面给人的第一感觉是一位贵夫人出浴后躺在华贵的卧榻上。人物的动态、神情和环境已无一点神性，完全是世俗女子的写照，更具感官的魅力。提香所描绘的裸女较乔尔乔内更加具有人性，是充满生命的血肉之躯，体态更加丰腴完美，容貌端庄大方，既富青春魅力，又健康成熟，体现了文艺复兴开放人性的本质精神，用具体真实的艺术形象反对封建的禁欲主义。花神

提香(1478-1576年)画家以半身肖像构图。画中人转身俯

视，目光专注作沉思神态；似乎由于转身的动态

而使宽松的内衣自然滑落，裸露出丰腴的酥胸；金黄色的秀发披撒在圆浑的双肩上，与充满生命

的肉体形成对比，使健壮的身体透露出青春活

力，整个形象给人以庄重、典雅之感。《花神》

花神原为希腊神话中的女神芙罗拉。意大利人把每年的4月28日至5月3日定为花神节，在节日期间人们欢聚一起尽情地嬉戏乐，人们用各种鲜花来装饰自己和动物，环境也布满花草，集会时有花神出现，往往是手鲜花的年轻貌美的女子装扮。历来画家都喜爱借用神话中的女神来表现自己的审美理想，传达人性、人情和人爱的思想感情。《花神》

这是一幅肖像性很强的主题性绘画，画中是位手持花束的威尼斯美人，整个形象就像盛开的鲜花令人倾慕。据说画中女子是画家当时热恋的情人，画家只是借神话之名，表达自己对情人的爱慕之情。画家以半身肖像构图。画中人转身俯视，目光专注作沉思神态；似乎由于转身的动态而使宽松的内衣自然滑落，裸露出丰腴的酥胸；金黄色的秀发披撒在圆浑的双肩上，与充满生命的肉体形成对比，使健壮的身体透露出青春活力，整个形象给人以庄重、典雅之感。提香是一位伟大的色彩大师，他特别强调色彩的和谐，绘画笔触要服从于色彩与光线对比的需要，笔触不仅要刻画对象的质感，同时笔触的动态起着塑造形体结构和传达情绪的作用。我们在花神的形象上看不到笔触和色彩，映入眼帘的是真实的秀发、肉体和服饰，它们之间所富有的节奏韵律恰似一首优美和谐的交响乐曲。用漂亮的色彩和笔触表现欢乐的情趣和旺盛的生命力，女人体的魅力。

用漂亮的色彩和笔触表现欢乐的情趣和旺盛的生命力，女人体的魅力。《丹娜依》

提香(1478-1576年)晚年笔触明显，笔势豪放，色调单纯而富于变化。四、晚期文艺复兴艺术在美术史上，“晚期文艺复兴”又被称为“样式主义”(Mannerism)时期，这是盛期文艺复兴到17世纪巴洛克风格产生之前的一个过渡时期。这时产生了一种不同于以往的新的艺术

风格。样式主义时期艺术并未形成统一的风格，艺术家们各自表现出自己的特色，如夸张变形

手法，强调细节的修饰．突出个性的表现，反对理性、典雅、优美的原则，强调想象等等。总之，

我们把这一时期出现的不同于盛期文艺复兴理性优美原则的艺术，都归为样式主义。

意大利的样式主义艺术家

巴米基安尼诺(Parmigianino1503--1540)是北意大利巴马城的画家，画风主要受柯勒乔

的影响，纤细优美。他到罗马后非常崇拜拉斐尔的作品．并受到其画风的影响。他梦寐以求

的就是创作出比前代大师更有趣、更非凡的作品，因此他画了一些古怪变形的画，如“长颈圣

母”、“镜里的自画像”等。他还是丢勒之后最早做蚀刻版画的画家。巴米基安尼诺可以说是最早的“现代派”艺术家。长颈圣母

巴米基安尼诺长颈圣母巴米基安尼诺长颈圣母(1535，216X132厘米，油画)

为了追求优美雅致，又不遵循古典艺术的常规，巴米基安尼诺把圣母的脖子有意夸张拉

长，恍如天鹅的脖子一般。他笔下的圣母还有瘦削的双肩，纤纤的细指，颀长的身材。甚至连

小耶稣的身体，圣母身边站在最前面的天使的腿，都经过拉长变形，显得怪诞而不合常理。空

旷的背景中立着无顶柱，干瘦憔悴的先知手持书卷站在柱下。这一切有失常态的造型不是由于画家的疏忽，而是为破除常规而有意为之。画中整个透视也显得很不协调，左边似乎以仰视角度画成，右边则更象在俯视角度下完成的。整幅画非写实的主观的色彩相当浓厚，这种“人造”的风格就是样式主义一词的本意。正是这一点，同今天的现代艺术有某些相似之处。

布兰金诺(Bronzino，1503—1572)

布兰金诺(Bronzino，1503—1572)是佛罗伦萨大公科西莫一世的宫廷画师。为满足宫廷

贵族的趣味，他的肖像往往追求艳丽、华贵的效果。他以熟练的油画技巧展现出富丽堂皇、珠

光宝气的奢侈场面。他的样式主义绘画作品有“寓意”，“埃诺拉与儿子肖像”(1537)等。

寓意(1546，155X144厘米，木板油画)

这是布兰金诺为科西莫一世馈赠法国国王所作。作品借寓意来揭露淫荡，我们从中看到

了贵族阶层的奢靡生活和当时人们道德上的困惑。

画中心裸体的维纳斯一手举金箭，一手握金苹果，小爱神正拥抱着自己的母亲，他被描

绘成戏弄母亲的放荡少年。右上角带翼的时间老人一手扯开帷幕，愤怒地揭露这出胡闹。老

人前的小天使正向母子抛撒玫瑰花。背景里手持蜂窝的蛇身女孩代表“欺诈”，双手抓扯自己

头发的是“嫉妒”，他们代表着对这出闹剧各不相同的态度。天蓝和腥红的帘布衬托着人体，给人以感官刺激，也搅得人的灵魂陷入扭曲和不安之中。

寓意

(1546，155X144厘米，木板油画)

布兰金诺作品借寓意来揭露淫荡，我们从中看到

了贵族阶层的奢靡生活和当时人们道德上的困惑。

切利尼(B．Cellini，1500--1571

切利尼(B．Cellini，1500--1571)是佛罗伦萨有名望的金银匠和雕刻家，为美迪奇家族

服务。他曾到法国参加装饰枫丹白昭宫的工作。他是一位相当自负、喜好交际、爱慕虚荣的

人，希望自己成为受众人倾慕的大师。为此他总是别出心裁地创作，尽量让自己的作品惊世骇俗，不同凡响。他的名作有铜雕“柏修斯和美杜萨”，为法王所作的“金盐盒”等。

金盐盒(1543，26X33厘米，金和珐琅)

这件用黄金和珐琅做成的盒子既装盐和胡椒，又是一件华贵的装饰品，盒上做有两个精

彩的人体雕像。手持三叉戟神采奕奕的男人体是海神，他掌握着一只盛盐的小船。优美娴雅的女人体是地神，她拥有一座装胡椒的小神庙。因为盐产自大海，胡椒生长在山林，这真是一

个奇妙的构想。盐盒四周还饰有代表一年四季和一天四个时辰的象征性人物。盐盒小巧玲

珑，上面的人物做得精巧优美，然而也显得有些过分的雕琢。切利尼可能正是要我们欣赏他

精湛的技艺和敏妙的才华吧。

第二章欧洲文艺复兴时期美术北欧文艺复兴受到意大利文艺复兴极大的影响，北方学者所尊崇的传统，是基督教的古典传统。基督教禁欲主义对北方各国的影响很大，对于艺术家来说，他们不像意大利的同行们那样频繁的描绘古典主题，也没有人敢于创作完全不穿衣服的裸体。

尼德兰文艺复兴美术尼德兰文艺复兴美术特点尼德兰画派主要奠基人：罗伯特·康宾扬·凡·埃克伟大艺术家：希罗尼穆斯·博斯老彼得·勃鲁盖尔其他画家作品维登

关于尼德兰尼德兰是荷兰语，被译作“低地之国”。它主要是指荷兰，全境约有四分之一的土地低于海平面，三分之一的土地海拔不到一米。历史上的尼德兰还曾包括今比利时、卢森堡以及今法国东北部的一些地区。文艺复兴时期的尼德兰是西班牙王国的属地，分成十七个省，共有300多个城市，是当时欧洲资本主义经济最发达的地区之一。世界上第一次资产阶级革命——尼德兰资产阶级革命就爆发在十六世纪的尼德兰。文艺复兴时期尼德兰艺术的特点尼德兰没有意大利的古典遗产，也缺少意大利式的科学哲学运动，它的艺术主要受哥特式和中世纪拜占庭细密画的影响，艺术表现较少理想化，更强调个性，更注重细节的描绘。这儿的宗教思想和旧习俗还相当浓厚，民间谚语和传说也同时影响着艺术，尼德兰人本着人文主义思潮，直接关注世态人情，将日常生活融入绘画之中，他们的绘画手法细腻、透视独特、色彩明快、有着丰富而神秘的寓意。尼德兰绘画以细腻的作风同神秘的宗教情绪和地方色彩相融合，形成独特风格。

尼德兰文艺复兴美术特点1、充分体现城市市民性2、人文思想薄弱3、继承哥特式艺术4、缺少大师气魄扬·凡·埃克和他的哥哥胡·凡·埃克在美术史上合称“凡·埃克兄弟”，是文艺复兴时期尼德兰著名画家。是油画材料和技法的革新者。“尽我所能”是他的艺术格言。观察入微、描绘细致，重视对人物性格的刻画，注意光、色的表现。最著名的代表作《阿尔诺芬尼夫妇像》集中体现了他的艺术成就和特点。扬·凡·埃克（约1390-1441）

《阿尔诺芬尼夫妇像》扬.凡.埃克

他的名作《阿尔诺芬尼夫妇像》就是典型的代表。该作品描绘了尼德兰一个典型的富裕市民的新婚家庭，他用极其细腻的笔调，逼真地刻画了年轻夫妇的肖像，尤其对室内的陈设，包括墙上、房顶的装饰，描绘得一丝不苟，展现出画家所特有的书籍插图画的功力。作品在光影、体积、空间、质感的塑造上，在色彩的饱和度、鲜艳度、刻画的精确度、真实程度和深入程度上都超越了同时代的意大利。

《阿尔诺芬尼夫妇像》（1434）板上油画

82×60厘米

伦敦国家美术馆藏

《根特祭坛画》扬.凡.埃克题材虽来源于宗教，但画家以对现实世界的肯定和赞美的态度，以及对人物的细致和写实的描绘，构成了这幅作品的基调，从而使整个画面充满诗意，并具有无穷艺术魅力。《根特祭坛画》可以称为世界上第一件真正的油画作品，色彩鲜明，辉煌艳丽，经过数百年之后，画面仍然如初，这在当时的确是一种绘画技法上的突进。所以，在绘画史上的意义，远远超出了一般的思想内容和艺术形式处理上的革新和独创，而是开创了整个欧洲绘画的新纪元这是画家为圣巴佛大教堂所作的祭坛画，是尼德兰文艺复兴初期的艺术巨制，具有里程碑的意义。这幅类似屏风的祭坛画由内外20个画面构成，分上、中、下三层，上层画的是预告耶酥降生的男女先知4人；中层空间宽敞，以受胎告知为主题，有报喜的天使与满怀激动的圣母玛丽亚及宽大的房间；下层分别为施洗约翰、使徒约翰及供养人夫妇等。画家技艺甚高，造型写实能力极强，它标志了尼德兰文艺复兴时期的绘画水平。

《根特祭坛画》（1432）板上油画350×461厘米根特圣巴佛大教堂《根特祭坛画》

局部《巴利的圣母子》油画1436年122.1×157.8厘米

布鲁日布尔尼克美术馆藏借助寓言故事或宗教题材，来表达人文主义的进步思想。画家往往通过幻想的漫画式形象影射诸如主教、高级僧侣、神学家和封建主等人物，展开无情的揭露和辛辣的嘲讽。画面中的形象显得荒唐滑稽，但又以现实生活为依据，合理地被画家的幻想所支配。写实性与浪漫主义相结合的表现手法，形成了博斯特有的绘画语汇和艺术特色。希罗尼穆斯·博斯（约1450—1516年）《愚人船》（1490-1500）

板上油画

58×33厘米

巴黎卢浮宫博物馆藏《人间乐园》（局部）

约1500年

板上油画

220×96.5厘米

马德里普拉多宫博物馆藏《世俗花园》

油画

1500-1505年

马德里普拉多

博物馆藏《七种死罪》

（1480）

板上油画

120×150厘米

马德里普拉多宫博物馆藏

作品包括油画、铜版画和素描，题材以《圣经》故事、阿尔卑斯山风景和当地农村的风土人情为主，反映尼德兰火热的现实生活。画风淳朴、清晰、线条简练、色彩鲜明、对比强烈，表现出浓厚的装饰趣味和对局部、细节的重视。这种画风源于尼德兰的民族风格，与北欧传统文化中的哥特式艺术传统一脉相承。扩大了风俗画的表现范围，善于使用全景式构图，促进了风景画的独立进程。热情地赞美农民的劳动和乡村的生活，讴歌那勤劳、乐观、淳朴的美德以表现社会的进步力量。老彼得·勃鲁盖尔（约1525—1569年）《画家和买家》

（约1565）

纸上钢笔画

25×21.6厘米

维也纳艾尔伯迪纳

绘画收藏馆

《尼德兰的寓言》（1559）板上油画117×163厘米柏林国家博物馆藏《狂欢者与斋戒者之战》（1559）板上油画

118.1×164.5厘米维也纳艺术史博物馆藏

老彼得·勃鲁盖尔

(冬猎)

《雪中猎人》油画1565年117×162厘米老彼得·勃鲁盖尔

《收割干草》

木板油画1565年

118×163厘米

纽约大都会博物馆藏《农民舞蹈》（1568）板上油画114×164厘米维也纳艺术史博物馆藏

《农民的婚礼》勃鲁盖尔

勃鲁盖尔还画了许多表现农民生活的画，比如画他们的日常劳作、节日庆典、民间游乐等等，村民们在勃鲁盖尔的笔下显得淳朴、憨厚、笨拙甚至有些滑稽，经常让观者看过之后禁不住抿嘴一笑，因此他在当时得了“农民画家”的称号。《农民的婚礼》是他表现农民生活的作品中最有名的一幅，它描绘了举办婚礼喜筵时的热闹场面：地点看上去像一个谷仓，墙垛用干草堆成，人们坐在用树干制成的简陋板凳上，围在长方形桌前就餐《农民婚礼》《盲人引导盲人的寓言》（1568）布上蛋彩

86×154厘米那不勒斯国家美术馆藏

《女子肖像》

1435年

47×32厘米

西柏林国立美术馆藏《安托万·德·戈涅肖像》

1460年

布上油画37×27厘米

比利时布鲁塞尔皇家美术馆藏《下十字架》

1435年板上祭坛画

220×262厘米

西班牙马德里普拉多博物馆《最后的晚餐》

波茨

1464-1468年

88.5×71.5厘米

比利时卢万圣彼得

大教堂藏《旷野中的约翰》

扬斯

42×28厘米

柏林博物馆藏《兑换银钱的人和

他的妻子》

马苏斯祭坛画和风俗画有了长足的发展，而且肖像画和风景画也作为独立画种出现，特别是版画达到了当时欧洲的最高水平。

德国文艺复兴美术阿尔特雷希特·丢勒小汉斯·霍尔拜因阿尔特雷希特·丢勒（1471-1528）是德国文艺复兴时期最伟大的艺术家，多才多艺，学识渊博。是著名的油画家、板画家、雕刻家、建筑师。丢勒的油画造型严谨、气魄宏大。丢勒的肖像画以刻画精细而著称于世，形象具有日耳曼人严峻、刚毅的性格特征，坚强而充满自信。他的艺术兼有尼德兰细腻、精致和个性的特点，以及南欧艺术的优美、理想化和科学性。他是第一位努力将这两种艺术融合为一体的艺术家。他对人体既有细腻准确的解剖分析，又能运用适当加长和理想化的手法，是人体显得更完美和谐。丢勒的重要作品有作于1514年的三幅铜版画“忧郁”、“书斋中的圣哲罗姆”、“骑士、死亡和魔鬼”、木版画“启示录四骑士”，油画“四使徒”，“三博士的礼拜”、“自画像”等。《自画像》

板上油画

1498年52×41厘米

马德里普拉多美术馆藏《四使徒》（1526）

板上油画

215×76厘米（单幅画）

慕尼黑古代美术馆藏《青草地》

水彩

1503年41×32厘米

维也纳阿尔特版画收藏馆《母亲画像》（1514年）

纸面黑粉笔

42.1X30.3厘米

柏林铜版画艺术博物馆藏《最后的晚餐》

（1510）

木刻

39×28厘米

维也纳艾尔伯迪纳绘画收藏馆

《犀牛》（1515）木刻伦敦大英博物馆藏《画师绘制斜躺的女人像》

（1525）木刻8×22厘米

维也纳艾尔伯迪纳绘画收藏馆

《书房中的圣保罗》

木板画霍尔拜因的主要成就在于肖像画，是同时期北欧最伟大的肖像画家。其作品表现了描绘对象的高贵、静穆与专注。1532年再次来到英国，担任亨利八世的宫廷画家，画了许多皇室和贵族的肖像画。1542年因鼠疫死于伦敦。小汉斯·霍尔拜因

（1497-1543）16世纪德国最后一位著名的画家是小汉斯·荷尔拜因他的肖像画风格细腻，注重性格和