两个著名美术馆及其镇馆之作的介绍

PAGEPAGE10两个著名美术馆及其镇馆之作的介绍摘要：本文将对纽约现代美术馆及巴黎奥赛美术馆以及他们的镇馆之作进行介绍。本文选取了存于纽约现代美术馆的毕加索的《阿维农少女》《镜前少女》、梵高的《星夜》、以及存于巴黎奥赛美术馆的塞尚的《葱头静物》、高更的《沙滩上的两个女人》、凡高的《向日葵》和《阿尔的教堂》共七幅作品进行介绍。关键词：纽约现代美术馆巴黎奥赛美术馆镇馆之作纽约现代美术馆及其镇馆之宝1、纽约现代美术馆简介纽约现代艺术博物馆TheMuseumofModernArt（简称MOMA），坐落在纽约市曼哈顿城中，位于曼哈顿第53街（在第五和第六大道之间），是当今世界最重要的现当代美术博物馆之一，与英国伦敦泰特美术馆、法国蓬皮杜国家文化和艺术中心等齐名。纽约现代美术馆从1929年的九件作品起家，发展成了从绘画、雕刻、素描、版画、电影、摄影照片到建筑模型和工业设计图形收藏的大型美术馆，从凡·高和毕加索的画作到最新的直升机和多媒体艺术品，收藏品达十万件以上，拥有世界最为完整的现当代艺术藏品。2、纽约现代美术馆的三幅镇馆之宝（1）Girlbeforeamirror（镜前少女），毕加索的作品，是MOMA里最受欢迎的作品，他在1920年认识了玛丽亚•卡利索，开始了一段秘密的爱情,为她作了这幅画作。通过这幅画，我们看到了画家为我们构造了一个最不同反响的女性形象，画面上的结构分离支解，左边的女子怀孕，镜子中的形象则是模糊而忧郁，镜子中的女子为她而哭泣，因为她正从年轻女子变成妓女的过程，年华老去是她的悲哀，她的眼神勾画得细致入微。在仔细看看，左边的女子有两张脸，一张青春活力，侧面则是黄色的调子带出了一点的沧桑，毕加索正是通过完美的结构转型变体，带给我们无限的遐想空间，也也正是这一伟大作品吸引我们的地方。(2)梵高的“Starrynight”这幅梵高最为著名的风景油画，原名《星月夜》，或《星夜》、《星光灿烂的夜空》，但在中国的美术爱好者习惯称之为《星空》，本作品创作于1889年6月的圣雷米一家精神病院里。这幅画中呈现两种线条风格，一是歪曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现种眩目的奇幻景象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。火焰则与横向的山脉，天空达成视觉上的平衡。《星空》中红褐混合的火焰预示着要从情境内逃出的痛苦，与画布顶点的距离也是绝不能逃出的理由，云层和夜空形成漩涡，不断的吞进吐出，困惑、解脱、痛苦不停缠绕。平静的村庄上方占据了大篇幅的疯狂与悲伤。画布没有真正的如“流动的星夜”中说的那样流动，是悲伤在缠绕着作者，不是画布，画境永远是静止且立体的，每一笔都体现着作者当时的心情。时间不同，心境不一。星星、月亮和希望的光晕，不停挣扎着释放，可终究没有到达村庄里面。仿佛幸福没有照到悲伤里那样他创作这幅画的时候是他的低潮期。他用他无穷的现象力描绘了心中的理想和希望。象火焰一样的树，表现了他当时对未来的忧虑，宁静的画面背后，隐藏了惊心动魄的思想斗争，但黑暗的夜晚看到那么多闪亮的星星，也就代表了希望，梵高用“星夜”诉说了他与命运斗争的故事。从梵高的画中我可以深刻的了解到他对画画的热爱，他是在以生命为画笔去描绘那一幅幅美妙的画作。(3)毕加索名作《阿维农少女》(LESDEMOISELLESDAVIGNON)问世100年,至今仍引发争议。画家是1907年揭开此画面纱的,1939年被纽约现代艺术博物馆获得,并被视为是“镇馆之宝”。博物馆专门为它设立了观赏区,便于所有人从不同角度欣赏这幅画。毕加索的《阿维农少女》展示了有着抽象外形的裸女形象。它的横空出世震惊了世界,同时也开始改变裸体艺术的流行趋势和人们的审美观。博物馆的负责人表示,这幅画至今仍然引发争议,很多人看到这幅大胆作品仍然表示“震惊”。他同时表示,传统的女性裸体艺术已经快被人们遗忘了《阿维农少女》被看作是现代艺术的奠基之作，也是开创了立体主义的绘画作品。“洗衣船（Bateau-Lavoir）”是巴黎人最传奇的先锋艺术家的工作室，当巴布罗•毕加索（1881-1973）在这里向大家展现这幅画时，他的朋友们都被其中的残酷和革命性的人物形象震惊，这些人物都有锋利的表面和杂乱的形体。画作直到1916年才对公众展出。二、巴黎奥赛美术馆及其镇馆之宝1、巴黎奥赛美术馆简介奥塞美术馆位于塞纳河的左岸，这是由一个废旧的火车站而建成的美术馆。隔着塞纳河。从奥塞美术馆可以直接眺望卢浮宫，以及橘园美术馆。在1986年12月9月，奥塞美术馆的落成开幕典礼上。法国总统密特朗特别致辞：“拥抱过往情怀，在自由的思想下尽情享受一切美好的事物。”这正体现了巴黎人的精神及生活态度。奥塞美术馆的收藏以印象派绘画为主，有莫奈的睡莲、雷诺阿的画，其藏品部分来自卢浮宫，蓬皮杜文化中心，卢森堡博物馆等所赠，及一些收藏家捐赠，除绘画作品以外，还有家具、雕刻及平面艺术等。奥塞美术馆现在拥有的油画作品约2300幅、雕塑1500件、250幅粉画、1100件手工艺品、1.5万件图版、建筑模型、都市发展规划草图、书籍和图案设计等各类艺术精品和资料，成为法国仅次与卢浮宫和蓬皮杜文化艺术中心的第三大艺术美术馆。2、巴黎奥赛美术馆的三幅镇馆之宝（1）塞尚的《静物》在塞尚的静物作品中，苹果常常成为他写生的“静物”，几枚苹果凌乱地放在铺着台布的桌子或者果盘里，是一幅特别有意味的画面。当塞尚的静物苹果出现时，西方美术界为之震惊。这是只没有政治，没有所谓思想，没有雄心壮志，不急不躁，不会故作深沉的苹果，它清新芬芳真实可触，忠实于自己的自然属性，安静而光泽。塞尚画笔下的所有女人，似乎都有着苹果般的气质，她们坐在那里，没有所谓为了前途而疯狂打拼的野心，她们安静到只是一只苹果。从《静物》可以看出保罗·塞尚的探索精神和画风特色。在这幅画中，整体关系犹如一张网络，所有物象在网络上各得其所。任何细节和局部似乎都不可随意挪动，否则，整个结构便会失去平衡。对此西方曾有人评论说：“如果试想从17世纪荷兰的静物画中拿一个东西，立即就好像到了你手里；而如果想从塞尚的静物画里挪动一只桃子，它就会连带把整幅画一起拽下来。”和谐、格调高雅，堪称经典之作，集中体现了塞尚艺术的特征。塞尚（1839－1906）被称为“现代绘画之父”，美术史上有“塞尚以前”、“塞尚以后”的说法，塞尚被看作是一个分水岭。作为第一个从真正意义上用主体意志改变艺术对象的画家，塞尚对画面结构的处理和解释给后来的立体派绘画以直接的启发。塞尚艺术具体的贡献是“用色彩造型”、“艺术变形”和“几何程式”。塞尚在绘画前从来不打草稿，相反，他首先要做的是借助对色彩的分层，通过自由联想同时进行比较和对比，创造出空间和色彩透视的深度感，由此造就出并非一个而是多个透视。塞尚的作品，不是由线构成，而是色彩的产物。塞尚的作品中，很少能看到标准的几何形体，而是根据个人特殊的感受，改造对象的形体，使之更单纯、坚实和引起重量感。塞尚想使绘画上的形象，变得像雕刻甚至建筑那样稳定、坚实不可动摇。塞尚以这种革命性的、前无古人的的艺术，一直影响着西方近百年来的现代美术，对布拉克、毕加索、格里斯以至蒙德里安等以形体、构成为主的画家影响更大。（2）高更《沙滩上的两个女人》油画《沙滩上的两个女人》，是高更的作品。被称为“原始性的狂人”的高更（1848－1903），其艺术倾向表现出对时代文明的偏离，他像避开暗礁一样逃避现代文明的生活，并以风格化的艺术，给现代美术尤其是野兽派的产生带来了巨大的影响。为逃避文明世界的侵扰，寻找新的、更原始、更真实而又更真诚的生活方式，高更浪迹天涯，他抛下家庭、孩子和工作，拒绝接受轻易可以得到的荣誉和收获，长期生活于远离人烟的太平洋小岛———塔希提岛，一直住到去世为止。在塔希提岛上，高更发现了未经污染的自然的色彩、原始古朴的艺术，由此，高更以绝对认真的态度把这平实的形式、浓烈的色彩，画进了他的画中。这幅作品就是他来到塔希提岛不久后创作的。高更独特的作画方法得益于日本浮世绘的启迪。具体地讲，就是用平涂的色面、强烈的轮廓线以及主观化的浓郁凄艳色彩来表现经过概括和简化了的形，显出强烈的个性。他总喜欢用深绿和桔红的对比，再加上棕绿、淡黄与黑。这种色彩的偏爱，一方面是来源于对土人生活的感受，另方面也是因为他刻意追求热烈、粗野的美。高更的画不论是形或色彩都服从于一定的秩序，服从于某种几何形的图案，具有很强的音乐性、节奏性和装饰性。（3）梵高的《向日葵》梵高在阿尔勒居住期间,强烈地爱上了遍地生长的巨大的金色向日葵的千姿百态,既有紧闭的苞蕾，也有盛开的花盘,花朵的黄色呈现出丰富的色调,从深橙色到近乎绿色都有。1888年8月梵高画了大量的向日葵写生，他打算用这些习作装饰"黄房子"内他自己房间。他在12月病倒后，借助绘画帮助自己恢复健康。次年1月，他根据早先的写生绘制了这幅令人叫绝的作品。他说：“我越是年老丑陋、令人讨厌、贫病交加,越要用鲜艳华丽、精心设计的色彩为自己雪耻……高更前几天对我说，他在莫奈家看到一幅向日葵油画，向日葵插在一个精美的日本花瓶中，不过他还是比较喜欢我画的这一幅。”15朵形态各异的向日葵，或绚烂或枯委，或隐或现，以淡黄色为背景，以深黄色为向日葵的主色调，另有几朵含苞未放以淡黑色点缀花蕊，颜色上给人一种强烈的对比，画面总体上给人一种明亮而又强烈的生命力，让人感到生活充满希望，阳光是那样的明媚，天空是那样的广阔，整幅画就像是烧遍画布的熊熊火焰。梵高有着火一般炽热的感情和强烈的艺术气质，他个性鲜明，特别喜欢明亮的阳光，喜欢黄色的向日葵。许多评论家们认为，他画的向日葵和那些充满动感的用笔手法，是画家自己心灵感情的写照，是画家精神炽烈的意念真实流露，是表现与技巧的和谐统一。太阳般金黄色的背景，透射着狂热和燥动；大大小小的向日葵，高昂着头颅，扭曲着身躯，绽放着，挣扎着，向梦中的美好世界挤出最后一丝的灿烂，以最辉煌的高音终止生命的乐章，只留下袅袅不绝的回响。他表现的是花的精神，刻画出最高贵的灵魂。作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所