美声唱法的起源与发展

美声唱法的起源与发展

音乐和艺术始终伴随着人类的所有社会生活，与人类社会生活有着极其密切的关系。“美声唱法”的意大利文为“belconta”,意思是“美妙的歌唱”、“美妙的歌曲”,在17世纪意大利歌剧的推动下逐渐兴起。多年以来人们不仅发展了美声唱法,同时也为声乐艺术美的欣赏提供了广阔的大地,使其成为人类社会精神文化生活中不可缺少的内容。一、呼吸技术在美声唱法中的应用发声方法的科学性是美声唱法第一个基本的审美特征,在美声、民族、通俗三种唱法中,美声唱法的发声方法是最科学的。美声唱法起源于意大利,是由西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的,文艺复兴以后逐步形成。“美声”一词来自意大利文Belcanto,意思是美好地歌唱,Belcanto在西方音乐界的定义与我们的理解不同,他们对Belcanto的理解是指由作者罗西尼(Rossini)、多尼采蒂(Donizetti)、贝利尼(Bellini)等人当时的作品和歌唱艺术,包括当时的歌唱风格、技巧、内容、形式及歌唱方法,其主要特征是声音轻松自由,音域宽广有共鸣且表现细腻,科学理论的介入与支撑始终伴随着美声唱法的产生、发展、壮大。与之相关的学科有人体解剖学、物理音响学、声乐美学等,并且还衍生出嗓音生理学、嗓音治疗学等边缘学科。这些相关的理论学科详尽地阐述了歌唱腔体的构造以及肌肉的运动规律,为美声唱法提供了理论上的指导与帮助。美声唱法历经几百年的传承和总结,发展的更加成熟。在意大利,拥有世界上最多最著名的声乐教育家,比如欧洲声乐史上的加尔西亚家族。在他们的努力下,美声唱法形成了科学的教育体系,训练逐渐地规范化、系统化、科学化。在演唱过程中声音的运用完全依照极其严格规范并科学的发声方法。如胸腹式联合呼吸法、深喉头位置、面罩共鸣等,用美声唱法进行演唱时,必须严格按照作曲家的原意,依照谱面上注明的节奏、表情、速度、力度、呼吸等具体要求演唱,不允许自由发挥,与民族唱法嗓音运用的说唱性、随意性及通俗唱法嗓音运用的自由性、自然性形成对比。歌唱家在演唱歌曲时,不仅要完成乐谱表面的视唱,充分表现作品的原创意图,更重要的是演唱者用自己的感受与体验来表现作品情感的过程,通过再创造融入个性,从而架起演唱者与观众之间情感交流的桥梁。意大利人认为:“不会呼吸就不会歌唱”,这说明他们极为重视呼吸在歌唱中的重要作用。从某种意义上讲,没有呼吸的科学理论并合理地应用,便没有美声唱法。美声唱法最为重视的是自然呼吸。著名男高音歌唱家梅噢块尔说:“学习歌唱的人可以从躺着的姿态中取得自然呼吸的经验。”意大利女高音歌唱家苔巴尔啼说:“歌唱者应该很好地掌握经过长期实践而形成的所谓‘美声唱法’的原则,让气息饱满,自由地吸进去,用坚实的横膈膜的控制对气息加以支持;然后,向吸气那样自然地把气息送出来。”许多美声歌唱大师把婴儿啼哭的方式当作最为完美的歌唱呼吸技术,认为呼吸最好的老师是婴儿。最理想的歌唱呼吸是胸腹联合式呼吸。兰培尔蹄说:“歌唱者必须运用胸腹式呼吸,因为只有用这种方式,气管才能保持充分的弹性和自然的状态。”胸腹联合式呼吸对气息运用的合理调配,最大限度地减轻了嗓音歌唱的生理负担,使声音听上去松弛、自然,并具有极强的穿透力和致远性能。美声唱法还非常重视起音技术,起音技术是以呼吸和声带闭合的配合关系决定的。硬激起、软激起和舒气起音为美声唱法三种基本起音技术。在艺术实践中以软激起应用最为广泛,这种起音状态嗓音负担最小,且声音柔和。二、声乐作品的审美判断美声唱法混合声区混合共鸣技术,是与胸腹联合式呼吸技术结合在一起的。呼吸上下贯通,确立了体内“空气柱”的形成,而“空气柱”在初始音的振动感应下产生的协振形成了共鸣振动。美声唱法在混合共鸣的应用方面,强调音越高越偏重和加强上部共鸣;音越低越强调下部共鸣。要求任何声音,任何音域的歌唱都包含上、中、下这三个部分的共鸣,把三类共鸣有机地结合在一起,并根据不同声部和不同音区的演唱,按一定的比例进行共鸣分配,把各声部的各个音区的歌声统一在同一种唱法效果之中。美声唱法凭借高超的共鸣技术,使人的嗓音在最小的体能消耗基础上赢得最佳的歌唱效果。宏大的音量、优美的音色、纯净的音质、“弱、强、弱”的嗓音控制能力和突出的穿透力,还有嗓音的致远性能等都源自其共鸣技术。可以这么说,美声唱法之所以如此盛行,在很大程度上得益于它的共鸣技术。美声唱法讲究声音真假混合,演唱歌剧作品时口咽腔和鼻咽腔用得多一些,而在演唱艺术歌曲时口咽腔和鼻咽腔用得少一些,到高音也不用掩盖。这些方法虽说都是美声唱法,但唱不同的作品时在唱法上有细微的变化,才能适应作品的需要。不同时期、不同风格、不同作曲家的作品,即使同一个作曲家,选择曲目不一样,演唱时的风格就不一样,嗓子的用法也不一样。比如俄罗斯学派有些唱法口腔用的比较多,尤其是男中音。这是他们语言的特点,也不绝对是方法的好坏,不完全因为用他们的作品、他们的语言训练出来的就是那样,其中是方法问题,也是风格问题。再拿作品来说,意大利风格热情奔放、灿烂绚丽,德国风格含蓄严谨、细腻优美,而法国风格则是浪漫秀丽、清新典雅,俄罗斯风格又是深沉厚重、雄浑博大,中国风格则是朴实真挚、婉转悠扬。表达人类感情的工具再没有比人声更强烈、更有效果的了,有时甚至不需要语言,让声音的音色及音调来表达,也一样使人感动。德国音乐理论家舒巴尔特说:“人的喉咙是剧作的第一个最纯洁的、最卓越的乐器。”美声唱法要求有一定规范和一定准则的音色,这种音色能穿透几百人的交响乐队,再传到几十米甚至几百米外的听众耳朵里。帕瓦洛蒂说:“我追求的是清彻而带金属声的音色,当然绝不是太监那样的声音。”意大利世界级男高音歌唱家斯泰芳诺能用丰满厚实、自由飞翔的声音,细致、多样的力度变化,强有力的高潮,丰富的音色征服听众。著名女高音歌唱家近六十岁的尼尔森到美国演出时,“她那独具一格声音象激光一样集中,金属般的音质和高音区奇特的音色发挥了震荡屋宇的威力。”《纽约时报》曾评述过著名女高音琼·萨瑟兰:“高音区干净、清彻如银铃一般,使人想起长笛,中声区热情、充实使人产主双簧管沁人肺腑的歌唱印象,而柔润、浑厚的低声区仿佛发自大提琴。”艺术是时代的反映,它记录着时代的本质特征,不同时代的同一种艺术形式有着不同的特征。西洋歌剧艺术的发展也是这样,声乐艺术作品遵循那个时代的历史,具有鲜明的时代性。例如:莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》中费加罗的咏叹调《你不要再做情郎》就充分表现出18世纪意大利青年男女为追求爱情自由而机智斗争的时代特征。创造性使美声唱法的声乐作品在创作中获得生命与价值,并体现了声乐作品的情感。创造性是依据原作从各个角度注入符合内容要求的新意,对原作内容和主题做扩展和延伸,丰富作品的外延和内涵。声乐表演还需要融入个性,在很多情况下,人们更希望听到歌唱者有个性的演唱以及对作品独到的见解与诠释。个性的体现预示着创造性的逐渐成熟,它表明声乐演唱者已具有清醒的自我意识,不仅对声乐作品有自己独到的见解和认识,并能根据自身的条件和特长,找到适合自己的表演方式,形成独特的个性化的表演风格。有位音乐评论家在评述20世纪两位世界著名女高音歌唱家和他们扮演多尼采蒂的歌剧《拉美莫尔的露契亚》的女主人公时说:“卡拉斯倾心于崇高的激情,使露契亚这个角色的解释有了气魄和激昂的表现,她的主人公完全不是个纤弱无力的人物,她不屈服于命运,和命运作斗争。萨瑟兰创造的形象则比较抒情、比较温柔,从歌剧开始就使人明确这是位高傲的、体态威严的姑娘……”这两种结果,显然同表演者的个性特征和主观创作是分不开的。从作品的内涵和生活的真实性出发,通过自己的再创造融入个性,挖掘作品潜在的甚至是作者都没有想到的东西,使歌唱达到感人的境界,产生激动人心的艺术效果。三、声乐美学的核心—音乐情感的丰富性情感是一切音乐作品的审美特征中最为重要的特征,是音乐艺术的灵魂。正如德国伟大的哲学家黑格尔所言:“音乐所特有的因素是单纯的内心方面的因素,即本身无形的情感。”音乐情感的丰富性来源于作曲家情感的丰富性。莫扎特、威尔第、比才、柴科夫斯基等许多歌剧作曲家,既是情感十分丰富的人,又是善于用情感作曲的人。剧中人物情感丰富,是作曲家与演唱者情感世界的桥梁。例如普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》中女主人公蝴蝶夫人的咏叹调《晴朗的一天》,充分表现出蝴蝶夫人幻想着自己朝思暮想的丈夫平克尔顿乘船归来的那种期盼、惊喜、怀疑、羞涩、徘徊等丰富而又复杂的情感。演唱者情感丰富,是连接人物情感与听众情感的纽带。演唱者通过对人物情感的表达,引起听众情感的共鸣,最终达到“以情动人”的艺术效果。美声唱法既要声音悦耳,又要情感深浓,即“声情并茂”。“声情并茂”道出了美声唱法的基本特点,也道出了人们对声乐艺术的更高要求。声乐美学的核心也就是“声情并茂”。声乐语言是通过音乐的手段获得旋律节奏感的歌唱性语言,要具备高度准确、鲜明的形象、强烈的动作等显著的美学特征才行。语言讲究依字行腔,语调色彩讲究轻重强弱、高低抑扬、快慢急缓、顿挫连贯,以及语气、语势的丰富表现。优美的声音是由自然嗓音、科学发声和音乐