绘画鉴赏论文（8篇知网范文）,绘画论文

绘画鉴赏论文〔8篇知网范文〕,绘画论文绘画鉴赏是运用感悟、经历体验、知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判定,从中获得审美享受,并理解绘画作品与绘画现象的活动。学会鉴赏绘画是非常有必要的，科技极大地提高审美情趣。本文汇总了8篇绘画鉴赏论文范文，以供参考。绘画鉴赏论文〔8篇知网范文〕之：浅谈抽象绘画艺术鉴赏内容摘要：本文从抽象绘画的渊源着手,分析中西方抽象绘画艺术产生的历史与艺术类别,并针对时下对抽象绘画艺术作品鉴赏的误区,提出相应的艺术鉴赏方式方法,为提高群众对抽象绘画艺术作品的审美与鉴赏能力提供一些科学合理的鉴赏方式方法。本文关键词语：抽象绘画;绘画鉴赏,抽象绘画艺术,鉴赏方式方法一、抽象绘画艺术综述抽象是外来语,原义指人类对事物非本质因素的舍弃与对本质因素的抽取。在艺术中的抽象最初只是对具象的概括和提炼,使得画面消解了详细的轮廓和细节,变得高度象征性。我们能够从毕加索的(牛〕和蒙德里安的(树〕的演变理解西方人的抽象概念最初的含义。后来,抽象走向了极端,彻底摆脱了详细的形象和物象,画面必须没有任何视觉所熟悉的物体,纯粹由色彩、构成、符号、点线面、肌理构成的画面,才称为抽象画。抽象绘画艺术指艺术中不可辨识的、与外在世界无直接关系的内容,既是纯精神表现艺术又具象绘画艺术的高度升华。抽象绘画艺术不是像镜子那样忠实地反映客观世界,而是一种主观化和情绪化的反映,它没有详细的形象,只是一些点、线、面和色彩的组合,画面从形式上彻底摆脱具象造型构造和语言形式,在创作经过中画者的心态始终是放松和自由的。二、抽象绘画的渊源1.中国抽象绘画的渊源。关于抽象概念,在西方的抽象艺术概念传入中国之前,中国文字历史的记载中没有出现过抽象这个词,抽象的汉字翻译是从日本传来的。在中国文字历史上,有意、象、意象和超象的词义和抽象最接近。意能够解释为意境、意思、意念、意想等,象是大象无形象外之象的象,意象是物象、表象与心象合成的有机统一系统,超象是超越物象、形象而非具象。和抽象相比,超象一词,可能比抽象更贴切于抽象的内涵。但是,抽象一词自进入中国文化语系后,早已经被群众约定成俗地认可了。关于抽象绘画的渊源,中国古代的彩陶与传统青铜器上的纹饰,以及中国传统的绘画、书法、民间艺术、织染与园林建筑等,都是最具中华特点的世界性的抽象审美元素,无不是中国抽象绘画创作的灵感与美学渊源。早在中国古代仰韶彩陶文化中就已存在抽象审美符号,那鱼纹、人纹及变幻莫测的几何纹,已是充满美学意味的抽象符号,还有中国传统文化具体表现出的抽象意境与抽象审美思想,充分展现出人类早期的抽象创作天赋。传统青铜器上的兽面、夔纹和几何纹饰,以及离奇变形的抽象动物图案成为这一时期的代表符号,其镂刻精致细密繁缛、手法严谨,多采用对称构成与重叠表现形式,是充满形式美感的抽象审美元素。中国最初的甲骨文具有一种天然的抽象意识,而中国书法,其方圆转折、抑扬顿挫、浓淡虚实、疏密飞白无不具体表现出着中华特点的抽象意境及中华民族几千年的历史文化底蕴。中国书法是中国抽象审美的象征,为中国抽象绘画创作提供了极其难得珍贵的抽象审美元素与原创图式。中华悠久的文化与美学底蕴赋予了现代中国抽象绘画创作浓郁的东方意趣,是独立于西方抽象艺术的。中国现代抽象绘画固然受西方抽象绘画影响,但其精神内涵与文化、美学底蕴无不与中国传统艺术的神秘意象有着深入又内在的关系,其抽象表现语言与图式符号都隐喻地运用了中国传统文化元素与美学符号,具有中华悠久的历史文化烙印[1]。由此可见,中国传统审美意境具体表现出出来的意象、气韵、空灵的传统文化与哲学具体表现出的抽象审美思想,反映在现代抽象绘画创作中,有着本民族独特的审美抽象性,有着特殊的意义与深远影响,使中国抽象绘画作品无论从表现语言和图式构造的角度看,都与西方抽象艺术有着鲜明的区别。2.西方抽象绘画的渊源。抽象主义的美学观念最早见于德国哲学家W.沃林格的着作(抽离与情移〕。他以为,在艺术创造中除了情移的冲动以外,还有一种与之相反的冲动支配着,这便是抽离的趋势。产生抽离的原因是人与环境之间存在冲突,人们感遭到空间的广大与现象的紊乱,在心理上对空间怀有恐惧,并感到难以安居乐业。人们的心灵既然不能在变化无常的外界现象中求得宁静,就只要到艺术的形式里寻找慰藉。人们既然不能从外界客观事物中得到美感享受,使希图将客观物象从变化无常的偶尔性中解放出来,用抽象的形式使其具有永久的价值。沃林格的理论,影响了包括康定斯基在内的抽象表现主义画家。其实,西方的抽象主义在没有构成一个派别之前,抽象艺术的一些最初因素已经出如今浪漫主义和印象派之中。这其实就是它所谓的萌芽期或孕育期。这一时期,欧洲战事频繁发生,政治上的混乱局面使得人们对追求激情和自由的情绪空前高涨,反映在艺术上就是浪漫主义和印象派的兴起,典型的代表画家有融情入画的德拉克洛瓦和印象主义的代表莫奈。他们的作品里不再像传统写实绘画那样普遍注重画面主题,而把绘画本身的语言、题材等排除在欣赏对象之外。相反,他们开场愈加注意绘画创作中的抒情性与表现性,开场重视画面中的光影变化和笔触的挥洒自若。以莫奈的(日出印象〕为例,整幅画面以亮堂的视觉效果先声夺人,使观者在不知不觉间忘却内容的表示出,进而完全沉浸在光色和笔触的抽象美之中。印象主义就是这样在有意无意间打破了写实主义自文艺复兴起建立的再现三维空间的传统绘画造型体系,在一定程度上为抽象主义及抽象艺术的诞生打下了基础、做好了铺垫。终于在1910年康定斯基创作出了知网范文〕之：中国画的写意及其鉴赏方式方法内容摘要：中国画作为我们国家传统艺术的重要瑰宝，具有极为强烈的写意性，这在花鸟画、山水画中表现得尤为明显。结合中国画写意性的表现，从笔墨、气韵、构图、作品所到达的艺术境界等视角鉴赏中国画，以便领略中国画独特的审美趣味。本文关键词语：中国画鉴赏,写意性,笔墨,构图,艺术境界画家在创作中国画时，会在对客观事物进行再现的同时，避免运用写实的方式方法，代之以追求典型性、概括性的方略，并经过超乎中国画形象的神韵特质加以揭示该艺术样式的本质特点，得以彰显中国画所蕴含的艺术情感、传达艺术语言，凸现其强烈的写意性。因而，在中国画鉴赏的经过中，要密切联络其写意性，从笔墨、气韵、构图、作品所到达的艺术境界等角度予以进行，以便深化对中国画写意性的认知。一、写意性在中国画中的表现〔一〕中国画的写与意之意涵写是中国传统文化艺术中最早的书法概念。随着传统文学艺术的不断演进，写在漫长的历史长河中成为绘画领域的一个范畴。也就是讲，写作为将来绘画的一个常用名词，在绘画领域有着十分广泛的应用，如写意、素描、写实、山水、肖像等。在绘画领域，写有描写、模拟、书写、倾诉等多种含义。总之，它具体表现出和表示出了画家的情感和思想。意也是传统绘画中的一个常见名词，其内涵在传统绘画中越来越丰富多样。它不仅能表现画家的思想、观念、主观情感，而且能表现创作者的神韵和情趣。对于中国画来讲，它的原意、创作、情感表现和审美情趣都离不开意。就艺术表现而言，意不仅仅是一种手段，而且是它的归宿。意能够在画中内外表示出，是精神和魅力的有机组成部分。在早期的中国绘画方式方法中，写意通常不太注重客观事物的外观，往往通过简单的沟通到达形式与精神的艺术表现效果，进而突出了中国画创作者的审美趣味和艺术观念。中国的写意能够具体表现出在各种作品中，如写意山水画、写意人物画和写意花鸟画。无论是什么样的写意，始终是中国画创作者对艺术信仰和价值追求的集中浓缩和生动具体表现出。写意就是绘画。在中国绘画创作领域，写意往往是艺术家通过专业的艺术笔触，将眼睛所能观察到的外来物体内化后，将意境精到准确地表现于画中。〔二〕中国画写意的艺术表现从宏观上看，中国画的写意不仅表如今事物的外在形式上，而且表如今创作者的主观思想感情和审美情趣上。这里的写意能够是一种特定的艺术内容，但也包含了一些抽象甚至晦涩的东西，突出了客观层面的真实性，以及主观层面的情感因素，能够讲是主客体的相容性、形式的结合性。故中国画也将呈现出生动魅力的艺术效果。比拟典型的是写意山水画。中国画的创作者非常重视绘画的写意性，但不能单纯局限于类似性的层面。通过对绘画的仔细观察，笔触和线条往往不清楚明晰、不明显，事物的形态也不逼真。然而，假如从远处看，创作者能够看到整个画面是一气呵成的，有一种自然的感觉，同时，几乎能够感遭到创作者想给欣赏者带来的情感元素。比方北宋着名字画家米芾就大力提倡写意绘画，重视绘画所蕴含的意境，这亦是当时选拔绘画人才的重要标准。在这种绘画思想的引领下，皇家画院也大张旗鼓地开展了绘画改革，以具体表现出绘画的现实审美旨趣。故有宋一代的绘画，均不乏强烈的诗意和情感因素，借由新颖的艺术表现手法，对中国画将来的演变产生了很大的影响。中国画之所以具有强烈的写意性，与传统绘画中的审美思想有着密切关联，这也不同于西方绘画所推崇的以原创性的方式复原客观事物相貌的境界。中国画在很大程度上是为了彰显当时的创作者的思想情感诉求。创作者往往有一种天人合一的朴素哲学观念和宇宙观。这些创造者往往把花、鸟、虫、鱼和生活的变迁视为来自自然界的创作取材对象。当然，它们不是外在的，而是直接来源于自然界的。因而，他们非常重视山水音乐，并将其生动地反映在绘画中。显然，画中所流露出的和谐生动的意境，使中国画的艺术表现不再拘泥于形式主义的描写，而在于对客观物质世界的深入的艺术思维和主观想象，在一种状态下实现了它的哲学和文化建设。几乎脱离自然，进而在绘画中凸现更高层次的思想认识和艺术气质。从古代到当代，中国画的创作者大多是文人群体，其深受儒释道传统思想的浸染。例如，在魏晋南北朝中国山水画诞生之际，固然面临着支离破碎、政权更迭频繁的复杂社会局面，但道教玄学的发展仍然进入了昌盛时期。魏晋玄学十分注重心，忽视物。这与中国传统山水画重艺术表现、轻艺术再现、重同声传译、轻客观表象遥相照应。形而上学哲学思想的发展在一定程度上丰富了中国山水画的美学内涵和艺术观念。这些传统山水画的创作者始终坚持万物在空气中的思想，其笔触突破了外在情境的限制，进而生动地展现了中国画的写意特征。二、基于写意的中国画鉴赏方式方法〔一〕笔墨的运用提及中国画的笔墨运用手法，就不得不成认笔墨的相对独立性，笔墨在中国画中的独立性愈发遭到画家的关注。笔墨的独立性，用通俗的比方是一幅画中的瓷瓶与菊花均用毛笔与水墨绘制而成，笔、墨同客观世界的对象结合得相对牢靠，无法分离。也就是讲，笔墨的独立性较小，很难单独地给予分析。在中国画创作中，笔和墨之间的关系就好像骨和肉之间的关系，两者结合起来相得益彰方能使中国画的画面显得血肉饱满。恰如韩若拙所讲：笔以立其形质，墨以分其阴阳，表示清楚了笔和墨运用的关系，也就是讲，用画笔作为主导，但必须将之同墨相结合，遥相辉映，方能产生相对理想的艺术效果。笔墨能否较理想地联络运用，从很大程度上关乎气韵生动，而气韵的生动则是笔墨技能在中国画中最直观的显现。随机找来一幅中国画，笔墨运用得当与否，直接窥探出创作者实际的创作功底，同时亦是绘画创作者艺术技能的集中表现。在中国古代批评画作中，按上乘作品细分，则有神品、妙品、绝品之别，这往往根据作品的气韵加以研判，这在现实中亦是对笔墨运用所呈现视觉效果的科学定位。〔二〕气韵的适当具体表现出着名艺术家潘天寿曾精辟指出：中国画在气韵、审美旨趣以及意境表现方面堪称绝妙境界。从这几个因素看，气韵作为传统绘画艺术中独领风骚的一份子，现已成为中国画中最为关键的元素。其并非详细的、本质性的东西，而是一幅作品中，作者思想境界的生动渲染和特定写照，是创作者精神情质、情感意志的本真具体表现出。诚然，每一位绘画艺术创作者在推崇艺术气韵的经过中，均会不可避免地遭到思想境界的约束，这本身即带有创作者浓烈厚重的个人偏好，而且也是每位创作者所彰显的艺术气韵，均有特定的基调和特征。中国画的写意不但要有气韵，更要直抒胸臆。在漫长的艺术进化长河中，诗歌创作切忌故弄玄虚、装腔作势，而是要真实地表示出本身的思想情感，亦或托物言志。文学和艺术在这方面的出发点是一致性的，作为重要艺术形式的中国画，其创作同创作诗歌一样，讲求直抒胸臆、别具一格，尤其在笔墨运用的技法上，总体画作的呈现抒发了创作者一种真实性情，描绘了一种至善至美的艺术境界，具体表现出了一种原汁原味的生活情调，彰显了一种愉悦生动的感官享受。尤其在传统中国人物画作中，人物的精神形态的逼真给画作的气韵生动提供了基本遵循。在山水画领域，气韵要生动化、意境要脱俗化。唐朝以来，气韵生动的标准和要求逐步从传统中国人物画扩展至全部绘画范畴中，并被外界公以为批判中国画的最高美学要旨。事实上，气韵生动在中国画中切不可单独存在，其实现要借助翰墨的乖巧运用，构造的精妙布局，设色的活泼精准，进而共同完成中国画作品。〔三〕作品所能到达的艺术境界在鉴赏中国画作品时，要密切注重其艺术境界。艺术境界，推而广之，能够是作者的思想借助作品所要向鉴赏者传达的思想语言，也就是讲，通过一幅画作，创作者的精神情质、情感理念均能原汁原味地流露，方能称之为成功的中国画作品。作品艺术境界的首要条件是情真，这有隔与不隔，画作亦有相关区别。正所谓：言情必沁人心脾，写景必豁人耳目。从广义上看，绘画艺术境界之高虽然有大量元素，但真字却总会贯穿始终。当然，对艺术境界尚有多种不同的解读，这些解读演变成了不一样的审美观。在现实世界中，美与丑既互相区别，同时亦存在某种程度的互相转化的关系，也就是讲，美与丑并非在任何条件下都能互相转化，但两者又是有一定联络的。例如，并不是一切丑的事物都能转化成美妙的事物，然而却不能否认有若干事物在外表看起来并不怎么美，甚至很丑，但其有很深的美感。这种案例在生活中随处可见，只是不那么引人关注罢了。在中国画创作经过中，经过艺术家的独到理解和成熟见解，把这一现象赋予代表性意义，在画家不断的尝试中，诞生经得起艺术和时间检验的作品，使之拥有更高层次的艺术境界，应当成为中国画创作的责任和担当。创作者的笔触下，艺术之美的巅峰极致是静穆幽深。潘天寿直接指出，静是中国画向高境界转化的重要推手，其对于静有本身详细的感受。为数不少的鉴赏者称潘天寿的画作有静气，并竭力推崇甚至为之折服。纵观潘天寿的个人中国画作品，鲜少有人，即使是在画作中出现人，那也都是静态的人。其在绘鸟、猫、鹰等动物时，亦确保其静态化。花草树木的姿态虽然各异，但亦能保持其静止。其本人鲜少描绘风雨，却喜欢风雨后的空气清新及静夜时的圆满之月。在他的画作中，微风燕子斜似乎已成为其画作中最明显的动势了。蛙声鸟鸣尽管是动，但却更能反衬静。所有的一切，非出自偶尔，而是创作者的主观情感追求，进而使中国画作品的境界愈发高深。〔四〕构图的取舍在传统中国画创作中，往往将构图构造称之为章法，假若章法第一，中国画笔触落时讲求构造，也便是构图落幅，也就是画面的详细内容所在的方位要得到详尽的安插与摆放。中国画同西方绘画所具有的鲜明区别，主要在于落幅并不注重核心透视，勾画时不局限在外观上的形似，而是首先夸张创作者的主观情调，进而彰显创作者所用绘画工具的性灵。在中国画发展的各个历史阶段，不少画家要么按照审美旨趣所需，要么按照质料所限，或者索性按照自我偏好，创作了类别较多的中国画绘图情势，这能够见诸书页、