西方现代思潮第三章：二十世纪

第三章：二十世纪中期现代艺术欧洲衰落与美国崛起第二次世界大战之后，西方社会发生了两个重大变化，一是欧洲衰落和美国崛起；二是以美国和苏联为两级的冷战格局形成。战后的欧洲面临的不仅是经济和社会的衰落，更重要的是文化和精神的衰落。战后的欧洲知识界普遍陷入到虚弱、失望、无聊的思想氛围之中，萨特的存在主义大行其道。“美国文化的特殊性或与众不同之处在于美国人以为自己就是普遍性，以为美国便是历史的终结。美国人认为，美国的现实不是由文化决定的，而别的现实都是由特定的文化决定的。特殊的文化传统造就了法国人或者中国人，并决定他们不同的所作所为。但美利坚合众国则代表普遍的人性，”——詹明信普世主义既代表活力又意味着稳定的普世主义原则是帝国的基本力量之一，也就是说，帝国应当平等地对待不同的人和不同的民族。这种态度能够将各被征服的民族和个人纳入帝国核心，从而不断扩大帝国的权力范围，超越最初的民族基础。被这一体系所同化的人群规模不断扩大，因为它允许被统治者将自己重新定义为统治者。在被征服者的眼中，征服者最初的暴力转变成宽宏大量。战后欧洲：表现主义存在主义存在主义又称生存主义，当代西方哲学主要流派之一。这一名词最早由法国有神论的存在主义者马塞尔提出。存在主义是一个很广泛的哲学流派，主要包括有神论的存在主义、无神论的存在主义和存在主义的马克思主义三大类。存在主义可以指任何以孤立个人的非理性意识活动当作最真实存在的人本主义学说。存在主义以人为中心、尊重人的个性和自由，认为人是在无意义的宇宙中生活，人的存在本身也没有意义，但人可以在存在的基础上自我造就，活得精彩。法国在二战中充满消极颓废、悲观失望情绪，知识分子中形成一种由于苦闷、孤独、被遗弃、找不到出路而玩世不恭、放荡不羁的风尚。于是，标榜个人的生活、自由、存在放在第一位的萨特的存在主义受到极大欢迎，被资产阶级和知识分子当做最时髦的哲学。至50-60年代，它成为全欧最流行的哲学思潮。英国画家弗朗西斯•培根(FrancisBacon,l909--1992)出生于爱尔兰都柏林，成长于英国，严重的哮喘病阻碍了其接受正规教育的机会。1927年培根离家在柏林呆了8周，而后，培根前往巴黎，参观了美术馆，对绘画产生了浓厚的兴趣。1929年，他回到伦敦，在画室里用了二三年的时间使自己成为了所谓“二流的装饰画家”。培根的地毯设计和早期绘画、水彩，稍具立体主义的风格；不久他又受到上世纪20年代末毕加索的生物形体的影响，作品更加有机而怪异，更具超现实主义的特色。他是一个自学成才的画家，受澳大利亚画家罗伊·德·梅斯特的指导，正式创作约从1944年开始。二次世界大战后，由于长期经受欧战中人民的痛苦形象的折磨，在培根作品中出现一些怪诞的、充满痉挛和恐怖的人物形象。他们不是精神性格被扭曲了，就是长期被囚禁在阴森的牢房里的单个人物。材料多半来自照片，或借鉴影片中某个人物镜头，或诙谐地模拟某个艺术大师的作品的形象，再予以异化或悲剧化，以突出人物的精神崩溃性。培根《基督受难图之一》被毕加索称为“20世纪最伟大的画家”的巴尔蒂斯，原名巴尔塔扎·克洛索夫斯基"巴尔蒂斯"是他从艺后使用的笔名。1908年，巴尔蒂斯出生在巴黎的一个波兰贵族家庭，父亲是一个美术史学家和画家，母亲也在绘画上很有建树。巴尔蒂斯画作的风格浪漫主义、印象派运动把绘画从古典主义割裂的静止发展到了运动乃至分散的艺术模式，而巴尔蒂斯却重新把"静止"请回了绘画，他的一些作品中，画面所呈现的景象似乎永远地停留在那里，超越了语言的描述看不到"何所来，何所去"，这一点作得比古典派还要绝对。巴尔蒂斯《猫照镜3》女孩的服装、沙发、发辫上的蝴蝶结的颜色几乎是纯色，而这种情况下的背景则必然几乎是黑色的。颜色的提炼、简化，使色具有了形的作用，与形一起参与分割画面。巴尔蒂斯极注重造型，他的人物没有细小的转折变化，只有经过精心设计的大的形状，并且在形与形相交造成的不规则几何形状的地方尤其仔细。这样做，使他的画在有很强的表达能力的同时，不会显得僵直，或失去丰富的细节表现，使画面更有力度。让·杜布菲法国画家、雕刻家和版画家。其创作以摆脱观察习惯和文化条件，破除正统的表现规则和油画技艺为特征，并广泛使用各种手段（材料）创造多种风格。20世纪40年代末形成自己的风格，称为原生艺术、涂抹派或塔希主义。后来转向雕刻创作。1962年达到艺术顶峰—“乌尔卢普”风格。其作品使人联想到儿童涂鸦的自发乐趣，也有史前洞窟壁画的野性意味和西方城市街道涂抹画的随意性。生涩艺术表示一种流离于美术传统之外的艺术，与陈旧的样式完全不一样。1945年7月，杜布菲开始对生涩艺术加以研究。1948年，“生涩艺术非盈利同志会”成立，而“生涩艺术收藏”在本质上主要是杜布菲的个人爱好，几乎完全处于其私人的关注下，只在1943、1967年巴黎的展览上才吸引了公众的注目。1971年杜布菲将其作品全部赠予瑞士"洛桑国有美术品收藏"，作为永久性展品。杜布菲的艺术对战后欧洲艺术的发展影响巨大，它对巴黎画派的传统加以反艺术、反传统的正反两面的利用，以探索极端化后的开拓新域的可能性，对现代主义做出了独特的注解。集中地表现了战后头几年视觉艺术中几种主要的倾向。其始创的生涩艺术，就优先考虑艺术家的内心世界，拒绝接受艺术的精英化、组织性、整体统一性的主张，在一定程度上提示了未来的发展方向，甚至在精神上影响了同时代的美国芝加哥的艺术家。美国：抽象表现主义纽约画派在第二次世界大战中，世界艺术中心从巴黎转移到了纽约。超现实主义，抽象形式词汇，成为抽象表现主义运动的主要来源，这个运动以纽约为中心，向战后的西方世界扩展。纽约画派是美国现代绘画流派。也称抽象表现主义﹑动作画派﹑塔希主义﹑行动绘画等。20世纪40年代中期出现在纽约,50年代风靡美国画坛并波及欧洲。代表画家有J.波洛克、W.德.库宁、克莱茵等人。抽象表现主义艺术家反对传统的艺术观念和绘画艺术，采用超现实主义即兴手法，发觉潜意识和心理力量。他们希望观者自发的把握作品的内容，摆脱习惯性的逻辑思维束缚。抽象表现主义者坚信，他们的作品可以唤醒人类心灵中的与所有生命事物关联的感觉。波洛克是这个画派的创始人和首领。他的作画方式和一般绘画不同,1945～1946年间,他开始把画布铺在地板上,然后把颜料洒滴在画布上。他摒弃了画家所必需的工具,诸如画架﹑调色板﹑画笔等,而用排刷﹑枝条﹑泥铲﹑刀子和滴漏颜料,或掺沙的碎玻璃和其它不同的物质而做浓厚的涂抹。他用“滴”彩的方法来寻找新的线条和节奏,开创了“满幅画”的构图。波洛克《蓝色柱子》波洛克《第31号》波洛克创立的行动绘画意义是：一、改变了传统架上绘画的观念，绘画不再是美学的设计，而成了承担由内心支配的人的运动的载体；绘画不再是通过形象或形式来象征地表现情感，却成了画家情感流泻的直接记录。二、改变了绘画的空间，在行动绘画中不再存在前景和背景，传统的构图关系消失了，一切空间关系不复存在了，是一个画家参予的画面。三、画面没有主题，没有中心，没有主次，漫无边际，绘画仅作为这无边际整体中的一块，这种绘画可以任意分割波洛克的画根本意义在于摆脱一切束缚，追求极端的自由和开放，它促使了人类大胆创造意识的发展。色域抽象在抽象表现主义之後的美国，艺术家掀起了一股奇妙的抽象艺术浪潮。这新一代的现代抽象艺术家试图将艺术从过多的形上学意义中解放出来，使其成为纯粹的视觉体验，色域抽象因而被发展出来。色域画家排拒空间深度的幻象与动势的笔触，经常运用几乎覆盖整个画布的大片色彩。暗示著它是抹个大场域的细部图。他们意图减低主题与背景之间的分野，而视画布唯一个单一的面。色域绘画强调绘画的平坦性，正好与形式主义的主张对应。他们要求绘画应尊重其平面的特性本质，而不是特意的去创造一个三度空间的幻象。色彩主义可以说是色域绘画的一个成功的分支。色彩主义(Colourism)，也有人称他们为染料绘画家(StainPainting)，染料绘画家运用色彩来表现欢乐，他们用大片颜料上色，以视觉手法法来传达人类生存之奇妙。色彩能影响情绪，也能超脱形象与主题之外，传达自身的意义。欧普艺术欧普艺术产生于法国的1960年代，是精心计算的「视觉的艺术」，使用明亮的色彩，造成刺眼的颤动效果，达到视觉上的亢奋。欧普艺术所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。因此欧普艺术（OpticalArt）又被称为“光效应艺术”和“视幻艺术”，它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派，兴起于西方二十世纪六十年代。欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。“OP”是“Optical”的缩写形式，意思是视觉上的光学，即视觉效应。正式使用这一名称是在1965年，那时纽约现代美术馆举办眼睛的反应画展，展览会上陈列出大量经过精心设计，按一定规律排列而成的波纹或几何形画面，造成视知觉的运动感和闪烁感，使视神经在与画面图形的接触中产生眩晕的光效应现象和视觉的幻觉。欧普艺术家一方面认为抽象表现主义太随意和偶然；另一方面又认为波普艺术太鄙俗。他们主张要吸引观众，但却不能让观众卷入艺术之中；既不联系具体，也不表达感情和体验，而基本上利用视觉变化来造成一种幻景。欧普艺术几乎同时兴起于欧美各国。其最杰出的代表是法国画家维克托·瓦萨雷利，他从50年代起就开始创作具有运动感和闪烁效果的绘画，成为法国欧普艺术的主流。其他具有影响力的欧普艺术画家有美国的约瑟夫·艾伯斯和安德鲁基威斯，英国的女艺术家瑞利及以色列的阿格姆﹑委内瑞拉的萨图等。虽然欧普艺术盛行的时间并不是很久，到二十世纪七十年代就走向了衰落。但它变幻无穷的视觉印象，以强烈的刺激性和新奇感，广泛渗透于欧美和日本的建筑装饰、都市规划、家具设计、娱乐玩具、橱窗布置、广告宣传、纺织品印染，以及芭蕾舞、电视观赏等到多种设计领域，在国际上产生了很大影响。欧普艺术之父瓦萨雷利代表作《斑马》欧普艺术在服装上的应用据美国《世界日报》报道，欧普艺术以色彩缤纷绚丽著称，经过科学设计，按一定规律排列而成的波纹、圆形或方形等几何图案，常让人产生眩晕和幻觉感。最神奇的是，欧普印花图案所产生的视觉错觉只要运用得当，就可以成功达到修饰、雕塑凸凹有致身材的目的。1.黑白棋盘式格纹

在07年秋冬季，英国知名时装设计师亚历山大·麦奎因、日本时装设计师川久保玲和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等，成功塑造女性丰美的胸线和臀线，以及纤细的腰身。理论很简单，只要将服装胸部和臀部的黑白格纹放大，腰际的黑白格纹缩小，就能产生丰胸、美臀和柳腰的视觉效果。2、圆形、方形几何式条纹

除了棋盘格纹之外，不断延伸重复的圆形、方形几何图案和条纹也是欧普艺术常见的手法。装置、极少主义和观念艺术装置艺术始于60年代，也称为“环境艺术”。作为一种艺术，它与六七十年代的“波普艺术”、“极少主义”，“观念艺术”等有联系。在短短几十年中，装置艺术已经成为当代艺术中的时髦，许多画家、雕塑家都给自己新添了“装置艺术家”的头衔。装置艺术，是指艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。简单地讲，装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术。装置艺术的发展如同其它艺术发展的景况一样，都是受当下多种单一与复合的观念所左右的，也受其自身发展经验的积累所促动。装置艺术日渐在内容关注、题材选择、文化指向、艺术到位、价值定位、情感流向、操作方法等方面，都呈现出多元繁复的状态。但从其总体来看，装置艺术的固有特征并没有朝令夕改。近年来，装置艺术加入了更多媒介，比如说电子产品。尤其是时下最盛行的3D投影。装置艺术的特征

1．装置艺术首先是一个能使观众置身其中的、三度空间的“环境”，这种“环境”包括室内和室外，但主要是室内。2．装置艺术是艺术家根据特定展览地点的室内外的地点、空间特地设计和创作的艺术整体。

3．就像在一个电影场里不能同时放映两部电影一样，装置的整体性要求相应独立的空间，在视觉、听觉等方面，不受其它作品的影响和干扰。4．观众介入和参与是装置艺术不可分割的一部分。装置艺术是人们生活经验的延伸。5．装置艺术创造的环境，是用来包容观众、促使甚至迫使观众在界定的空间内由被动观赏转换成主动感受，这种感受要求观众除了积极思维和肢体介入外，还要使用它所有的感官：包括视觉、听觉、触觉、嗅觉，甚至味觉。6．装置艺术不受艺术门类的限制，它自由地综合使用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、录音、录像、摄影等任何能够使用的手段。可以说装置艺术是一种开放的艺术手段。7．为了激活观众，有时是为了扰乱观众的习惯性思维，那些刺激感官的因素往往经过夸张、强化或异化。8．一般说来，装置艺术供短期展览，不是供收藏的艺术。9．装置艺术是可变的艺术。艺术家既可以在展览期间改变组合，也可在异地展览时，增减或重新组合。极少主义作为一种现代艺术流派，极少主义出现并流行于20世纪50--60年代，主要表现于绘画领域。极少主义主张把绘画语言削减至仅仅是色与形的关系，主张用极少的色彩和极少的形象去简化画面，摒弃一切干扰主体的不必要的东西。极少主义在20世纪60-70年代盛行美国，又被称作最低限艺术或ABC艺术。

极少主义又称ABC艺术或硬边艺术，是20世纪50年代以美国为中心的美术流派。源于抽象表现主义，一般按照杜尚的“减少、减少、再减少”的原则以画面进行处理，造型语言简练，色彩单纯，空间被压缩到最低限度的平面，并力图采用纯客观的态度，排除创造者的任何感情表现。极少主义的表现形式通过对抽象形态的不断简化，直至剩下最基本的元素来进行的艺术探索。特征在于取消了艺术家个性的表达姿态，无内容、无主题、客观化，表现的仅仅是一个客观存在的纯粹物。极少主义的理念最早可以追溯到至上主义和新造型主义的关于艺术必须和实用艺术相结合的原则。极少主义艺术代表了一种具有重要意义的态度，即摒弃作品中丰富多彩的具体内容，而偏向极端纯净和几何抽象性。极少主义艺术作品，包括雕塑和绘画（绘画中包括造型画布），通常具有很强烈的几何学基础，无节制地运用强烈的工业色彩以及基本要素的形状，创作手段极为简约。这类艺术作品的具体特征有：选用非天然或工业材料，没有历史内涵，抽象冷峻，不给观众联想的余地；崇尚机械加工过程，刻意企求画面或雕塑表面的光滑平整；作品经常取消基座或画框，直接与地面或墙面接触，尽力保持形式完美，杜绝干扰；形态构成上，强调整体统一，简洁纯净，以此去抗争混乱无序等等。极少主义建筑在建筑上，极少主义者以减少、否定、净化来摈弃琐碎，去繁从简，以获得建筑最本质元素的再生，获得简洁明快的空间，在简洁的表面下往往隐藏着复杂精巧的结构。追求的是空间的质量，材料的体现。在这之中会有一种抑制不了的激情，在你一失神间，他会喷发而出，然后他又会慢慢分解，直至融入他的氛围。从19世纪末欧洲的新建筑探索，到20世纪20～30年代的现代主义运动，直到目前各种所谓晚期现代主义或新现代主义，整个现代建筑的发展多少就带有一些趋向简洁的倾向。最早在建筑中表现这种简洁倾向并走向极端的建筑师是现代建筑运动第一代领袖之一的密斯·凡·德·罗。一句经典的“少就是多”一时间成了当时极受推崇的至理名言。60～70年代，后现代主义在全球各地甚嚣尘上；尔后，随着菲利浦·约翰逊在纽约现代艺术博物馆举办的“解构建筑七人展”，各种以动态构成、分散构图为主要形态特征的建筑作品也开始到处流行。难能可贵的是，这个时候又涌现出一批执着探索建筑的本质和纯净形式的建筑师和一批以简练的形式、纯净的空间和精巧的构造结构为主要表现特征的建筑作品。法国巴黎国家图书馆法国国家图书馆是法国最大的图书馆，也是屈指可数的世界大型图书馆之一。它是由皇家图书馆发展起来的，其历史可上溯至查理五世（1364－1380年）为收藏历代王室藏书而建立的国王图书馆。后经弗朗索瓦一世（1515－1547年）在枫丹白露重建，称皇家图书馆。法国极少主义建筑师多米尼克·佩罗最引人注目的作品当属巴黎法国国家图书馆。该建筑是法国塞纳河左岸第一个大型公共活动场所，给市民提供了一种新型集散广场。面对面的L形塔像四本翻开的书，进入图书馆就像走进知识的城堡之中。人行天桥纵横交叉的步行广场包围着“一小块森林”。简洁而尺度巨大的体量清晰地标志出法国国家图书馆在城市空间中的位置。该作品是城市设计中的艺术精品。它是简约的艺术，感情上崇尚宁少勿多的原则。在建筑材料的使用和表现上，佩罗将木材、钢和金属网与混凝土结合在一起。在双层玻璃外墙上，他重复使用格子窗，使建筑表面在不同光线的折射下产生一种梦幻般富有动感的奇妙效果。这个方案1997年被授予欧洲建筑师密斯·凡·德·罗奖。极少主义建筑的共同特征1纯净体量的视觉冲击力。这一点跟建筑的周围环境有很大关系，一种情况周围是自然环境；另一种情况是建筑周围是体量都相对较小的旧城区。工业化大尺度的纯净几何体在这样的环境中自然引人注目。

2、材料的丰富表现力。主要通过多种建筑材料巧妙地组合来达到，光线在各种材料及建筑构件之间来回反射、折射，造成丰富而略带梦幻色彩的综合光效。另外，则利用半透明材料，造成整个建筑通体发光的效果。3、巧妙