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1、艺术欣赏目 录12345下一页返回第一章 绘画第二章 雕塑第三章 书法第四章 音乐第五章 舞蹈目 录678上一页下一页返回第六章 戏剧第七章 摄影第八章 影视谢谢观赏第一章 绘画123知识点1 绘画的艺术特征知识点2 绘画的基本表现手法知识点3 绘画作品赏析绘画是视觉艺术，是依赖于视觉来创造、感受和欣赏的艺术，它除了具有造型艺术的直观性、永固性和造型性等共同特征之外，还具有独有的艺术特性。绘画是静态的、瞬间的艺术，是具有再现性与表现性的艺术，是在平面二维的空间中，在画布、墙壁、纸张的表面上用线条、色彩、构图、明暗、笔触等造型手段创造的艺术。传统绘画是通过色彩、线条和形体等来表达客观世界的。它虽

2、然没有雕塑的实体性，但它可以通过视错觉、体面的造型、色彩的运用等表现手法在平面上表现视觉上的空间感与立体感，具有独特的表现力。而且表现题材广泛，凡是可视的客观事物都可以成为绘画的对象，甚至连想象、幻想中的事物都可以表达，这是其他任何艺术都无法相比的。这正说明了绘画艺术的独特性。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页一、绘画是静态的艺术绘画是静态的、瞬间的造型艺术，它局限在二维的平面空间中。绘画的内容题材和形象塑造可以取自静态的物体，也可以取自运动的瞬间，即某一瞬间的形象或场景，而这一瞬间的绘画可能给人以前后的联想或暗示，以突破时空及运动的局限性。绘画正是通过对这些或静或动的物象的描绘来表达艺术家的

3、审美感受和审美理想。绘画的瞬间性表现在它可以突破时间的限制把过去和未来的景象凝聚在某一瞬间。同时，由于绘画是静态艺术，在表现人物和事件的发展过程的时候，即使是组画、连环画，也只能用一组画来表现事件、动作中某一瞬间状态，而不能像小说、电影、戏剧、舞蹈那样可以自由地在时间的流动中展示整个事件、动作的连续不断的发展过程。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页所以，绘画往往因为受到画面的局限，只能选择最富于表现力的一瞬间来反映现实生活，表达人们的审美感受。这就要求画家能够善于选择和捕捉最有代表性的瞬间形象，加以概括、提炼和升华，创造出富有生命力和表现力并富于联想的形象，将过去和未来凝聚在某一刻的画面

4、上，使之超越相对静止的时空范围，从而达到深广的艺术境界。虽然绘画并非是唯一一种静态的、瞬间的艺术，摄影艺术同样具有这样的特性。但是与后者相比，绘画在表达静态的“瞬间”的时候更加自由。摄影机所固定的“瞬间”是在相机镜头“视野”范围之内的形象，摄影艺术，只能表现按下快门那一瞬间的情景。绘画就没有这种限制，它可以通过艺术家的想象和加工，表现已经过去或正在发生的甚至是未来的某一瞬间。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页二、绘画是再现性的艺术再现性绘画注重的是画面描绘的精确性，强调的是所描绘物象形体、质感的逼真性，有时甚至会达到乱真的地步。虽然随着不注重形式的中国写意画和西方现代绘画的兴起，精确的描

5、绘已不被人们所重视，但商品广告和工业设计、建筑设计的效果图等，仍然体现着绘画这一特点。与再现性绘画相反，表现性绘画则是着眼于表现主观世界。绘画不仅表现主观心态、思想哲理，还可以描绘梦境、幻境。有些表现性绘画可以没有描绘的准确性、技术性，但它必须有感人的艺术魅力。其艺术魅力，在于形式的独创性，手法的新颖性，造成给人视觉冲击的强烈和形式美感。但是，再现性与表现性并不是非此即彼地单一存在于绘画之中的。只是不同类型、不同风格绘画的表现方式会有不同的侧重。因此，一般来说，我们可以将不同风格类型的绘画分为再现性绘画和表现性绘画。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页例如，西方传统绘画更加注重画面形象的具

6、体逼真。艺术家以再现客观世界为主要目的，艺术表现手法上侧重于对外部客观世界的再现和模仿，这种艺术可视为再现性绘画或模仿性绘画。由于再现性绘画所呈现的“图像”与人们视觉感知的现实世界相近似，所以在欣赏此类作品的时候，多数人喜欢把画面形象同客观物象进行比较，并通过参照形象的比例、形状、结构、色彩、特质、时间、视角、环境等，来感受面前的艺术世界。然而，艺术创作并不仅此而已，即便是侧重写实再现的绘画，也会因为艺术家对于点、线、面、形、色等纯绘画语言的不同强调，表现出带有主观色彩的不同于现实世界的艺术形象。因此，欣赏再现性绘画艺术作品不能只停留在对形象的自然性的简单对照上。知识点1 绘画的艺术特征返回下

7、一页上一页以文艺复兴时期的作品为例，米开朗基罗创作的大型壁画创世纪、最后的审判，其形象所具有的强烈艺术感染力，除了准确的形体刻画外，那些生动、奔放的色彩和强劲有力的线条更具有视觉震撼力。即便是强调写实的古典主义，也常常在表现事物的时候不自觉地加入艺术家的主观因素。例如，19世纪的法国新古典主义大师安格尔(Jean Auguste Dominique Ingres，17801867年)，他的油画有一种典雅气质，同时画面中透出几分明快的、清新的气息。安格尔对于色彩的运用有特殊的方法：他喜欢用很强烈的、鲜艳的、夸张的颜色强调所表现的形象；他十分注重表现中间调子、各种中间色以及各个颜色平涂块面的和谐这

8、使他的画面显得生机勃勃，充满活力又不失古典主义的宁静典雅。此外，安格尔对素描十分重视。他曾说过：“素描包括了除色彩以外的一切，线条就是素描，就是一切。”这也足以看出他心目中线条和色彩在画面中的重要性。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页他的代表作品，如莫阿特夫人像、土耳其女奴与宫女，不仅给人一种真实自然的感觉，而且很容易让人感受到人物形象的感人魅力。在莫阿特夫人像这幅画中，人物天真活泼而又优雅的气质表现得淋漓尽致。这不得不归功于色彩在画面中的运用。安格尔为了更好地表现贵夫人的性格特点和身份，除了周围环境和谐、统一的色彩搭配外，人物的色彩则运用强烈的、鲜艳的、纯度较高的对比色。背景深灰的镜子

9、与人物的鲜艳色彩也起到了很好的对比与衬托作用。这样的色彩搭配既突出了人物性格，也增加了华丽、高贵的感觉。与安格尔同时代的浪漫主义大师德拉克罗瓦，他的作品也是写实性的、情节性的，他的成就也是在色彩的独特性上。他用色强烈奔放，突破了自然色彩的制约，更强调色彩的表现性、情感性、生动性。另外，他的笔触也更加自由、奔放、有流动感，增强了艺术的魅力。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页再如，在达芬奇(Leonardo da Vinci，14521519年)的被奉为构图经典的壁画作品最后的晚餐中，为达到特殊的视觉效果，暗藏于画面中的透视线起到了决定性的作用。为了使耶稣的形象成为画面的视觉中心，达芬奇把透

10、视点定在耶稣的头部，房屋的结构线引导着观者的视线通往耶稣身上。这种运用构图来强化画面效果的方法，成功地突出了主体，吸引了观者的注意，从而表达了中心内容。与再现性绘画长于描绘、注重表现现实生活相比，表现性绘画更多的是用变形或非具体的形式表现艺术家的主观世界。绘画艺术中的“表现”是在对客观事物观察的基础上进行的眼、脑、手的创造性组合，用艺术家的主观意志将点、线、面的形式组合成艺术形象，这也正与中国传统美学所强调的“诗言志”、“诗缘情”的具有“表现性”的美学思想相类似。西方现代主义绘画和中国的水墨写意画都可视为表现性绘画。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页通常，在表现性绘画中，现实因素不再成为

11、绘画形象的标准，而是通过改变客观物象的形与色达到夸张的效果。艺术家在创作时根据自己的创作意图来处理构图、形象、色彩，为了达到一种需要，可以不考虑客观对象、自然规律。然而，即便如此，表现性绘画不仅注重展现主观世界的多方面性，还跟自然形象有着较多的联系，表现性绘画中的点、线、面、色彩常常是由自然形象提炼、加工而来。一般来讲，在欣赏时，应多去体会画家的意图，必要时应对作品及画家作应有的了解。当然，对于多数表现性绘画而言，我们纯粹地从绘画语言就可以感受到一些东西。西方表现性绘画艺术大师如凡高、蒙克、达利的作品都具有这样的特性。例如，蒙克的呐喊，画中近处是一个极度变形的人物形象，这一形象的头部只是一个光

12、秃的倒葫芦形。人物似乎处于某种压抑的、惊恐的心理状态下，依稀可辨的扭曲的身躯和手也只是简约的外形。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页整个形象由于过度变形，我们不能用写实性绘画的标准去衡量画的是不是一个人。然而，正是通过这种变形、夸张的形象处理，画家很好地将恐惧紧张的气氛传达出来。画中的其他人物，头部边缘是旋涡状的深紫色和橘红色线，天空是大面积的红色等，都是一种令人躁动不安、窒息的搭配。桥上的扭动的色线又造成了一种不安定性，桥尽头是两个影子般的人形我们无法通过细节判断这些是什么形象，但完全可以感受到画家所要表达的思想人的一种被压抑、心理负担沉重、对前途感到迷茫、精神处于崩溃边缘的心态。这依

13、赖于色彩、线条等纯绘画语言的表达。法国印象派后期画家凡高的作品就是表现性绘画的很好例子。他的星空这幅画，用扭曲的笔触、色块描绘夜空中流动的云、星星和月亮的光晕。树木、远山和房屋也是用类似的色线去表现，整个画面造成一种极其强大的运动感。凡高的色彩搭配以对比色为主，他最喜欢用黄色，这使他的绘画常常给人一种强烈的躁动感。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页这实际上与画家的情绪、心态有关，画家正是通过运用主观的色彩表达出与命运、自我抗争的精神。凡高后期的作品都具有这样的特质。总之，无论是再现性绘画还是表现性绘画，都不是纯客观地描摹现实，而是融注了画家的审美感受、审美情感和审美理想。即使是最写实的绘

14、画，也要求画家在摹写客观现实时，不是单纯地摄取和反映，而是通过自己的意志和技巧加以主观的表现，达到主观与客观的统一。绘画家在对客观世界的观察、感受、理解和评价中，势必融入个人的修养、气质、性格、情思、才能等主观因素，按照美的规律进行艺术再创造，以概括化、个性化的外在造型抒写内心世界。即使是现当代的照相写实主义的绘画作品，仍具有绘画的这些特质。三、绘画是平面的艺术众所周知，绘画是运用色彩、线条、形体和构图等基本表现手段，在平面内(即二度空间内)反映现实美，表达人们的审美感受的造型艺术。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页它与雕塑、工艺美术、建筑艺术等其他的造型艺术有着共同的特征，都是通过静态

15、的视觉艺术形象来反映现实生活，表达审美感受。但是，绘画造型不像雕塑、建筑和一部分工艺品那样，占有三度空间，塑造立体的艺术形象，具有物质的实在性。它是在平面上描绘出具有一定形状、体积、质感和空间感的二度空间艺术，其艺术形象是虚幻的，只能从正面去观赏。但绘画运用透视学原理、明暗向背关系、色彩的浓淡冷暖变化等，却可表现物体的远近层次，使平面的画呈现出具有深度和立体感的空间效果。正因为绘画是在二度空间表现三度空间内容的造型艺术，因而就有它自己独特的审美意义。绘画的造型并不是自然实体的直接再现，也不是单纯的外形模仿，而是艺术家通过线条、色彩、明暗、构图(透视)等表现手段在平面上造成的一种视错觉。此外，绘

16、画还可以借助艺术家的想象并应用一些特殊的表现手法来突破时空的限制来表现艺术形象。在传统中国画中，绘画的这种特性表现得尤为突出。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页从西方现代绘画开始，艺术家通过艺术实践，更加注重绘画艺术自身特有的平面性探索。现代绘画艺术从古典绘画的三度空间的立体效果向追求二度空间的平面性发展，成为一种趋势。艺术家将绘画的平面性视为绘画艺术的最本质特征，根据这一特有的条件，打破了传统绘画的叙事性、文学性和再现功能。事实上现代绘画并非完全摒弃对具体形象的表现和描绘。同时，平面化也不等于取消画面空间的表达，而是对模仿现实的三度空间幻觉的消除。在具体创作中，绘画作为空间造型艺术仍需

17、表现空间，只不过艺术家按照个人的需要去重新设计画面，创造出新颖的、不同于现实的绘画空间。画家不是依靠体积和光线，而是依靠轮廓线、色彩等对画面空间重新安排。由于点、线、面、形、色等因素的存在，仍使人感受到它所具有的空间效果。知识点1 绘画的艺术特征返回下一页上一页现代绘画中由对现实物质的关注转为对精神主体的关注，表达非现实空间成为此类绘画的重要特征之一。例如，流行于20世纪上半叶的超现实主义绘画，由于受到弗洛伊德的潜意识学说的影响，其绘画空间观念从现实的物质空间转移到心理的虚幻空间范畴。超现实主义绘画，从艺术家主观出发，认为下意识幻觉本能是创作的源泉。在绘画中，常常通过一种引起错觉的写实手法制造

18、游离于现实与非现实之间的、荒诞虚幻的空间。例如，比利时画家马格里特的作品比利牛斯山的城堡中，将巨石悬浮在空中，创造不合理的超自然景象。他们也常常运用透视法，或用真实透视(近大远小)，或用逆透视(近小远大)，或用异常透视(近突然巨大)，来制造梦魇似的空间。这种在绘画中将“暗示的空间感”表现出来，被称为意识的空间或心理的空间。它对空间的表现不再存在于画面中而在观者的精神中。知识点1 绘画的艺术特征返回上一页绘画艺术的基本表现手法主要包括线条、色彩、形体、构图、明暗、材质等。这些手段在描绘形象和表现画家的情感方面均有其特殊功效。如线条在西画中用以把握实体感觉，在中国画里则用以暗示物象的骨骼、气势与动

19、向；色彩的冷暖和丰富性给人以多种联想；形体除表现具体物象的形貌外，还表现它所暗示的情感倾向。画家正是利用线条的韵律、形体的写实性和象征性的融合，以及“色彩关系”的变化来赋予作品丰富的内涵。我们则可以借助它们来解读作品，深入领略画作的寓意，并展开自己的想象，进入“再创造”的欣赏佳境。绘画的这些表现手段所构成的画面的基本元素，如点、线、面、色彩、形等，是欣赏者面对一幅绘画作品时首先凭视觉就可以直接感受到的东西。因此欣赏者首先就应从这些方面切入作品，从而达到初步地欣赏、感受作品。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页一、线条线条是绘画中最基本的、也是最重要的造型表现手段，是绘画中人们认识和反映自然形

20、态时最概括、最简明的表现形式。线条是绘画的骨骼和轮廓，艺术家用线条画出物体的形状和态势，体现为对物态质感、量感、重力与动速的客观感应；线条也是绘画的气势与神韵之所在，是艺术家从万千世界中提取出来的赋予了艺术生命的高度抽象化的艺术符号；线条是构成视觉艺术形象的一种基本因素，不论是平面的还是立体的作品，不论是写实，还是装饰，不论是抽象的，还是具象的不同的线条也会引起人们不同的感知。在长期的美术发展过程中，“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。由于受到不同文化背景的影响，在东西方传统绘画中以线条来描绘物象出现了两个趋向。线

21、在形式美感上的表现有所区别：西方绘画中线是造型的基本单位，由线组成的明暗、体积、块面是绘画的主要语言。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页在这里，线是描摹客观物象的工具，具有较强的理性特征。东方绘画的造型语言以黑色线条为主，线不仅是画面形象表现单位，同时也是形象主体。这也就决定了东方绘画中的线注重表现情感，具有较强的写意性，形式上富于韵律感和装饰美。因此，对于中国画来说，线是画面最基本的造型，体现了绘画的灵魂所在和精神文化的韵律。具体来说，西方绘画，尤其是文艺复兴时期的大师们十分重视素描，注重对形体结构的钻研，强调内在结构与外在形体的统一。在描绘人物和动物时强调比例，在解剖、透视和结构

22、等方面的运用，无不渗透着严谨的科学精神。他们的线条，强调的是形体、体积、运动、节奏、韵律、虚实、明暗、光影、透视、解剖，他们以线来表现结构、秩序，同时也用来表现明晰的空间以及对象在空间中的关系。中国的绘画线条是东方绘画中最具有魅力的表现形式之一。由于中国绘画与中国文字的书写方法有着密切的联系，中国绘画的线条风格与书法线条颇为相近。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页画家为表现各种物质不同的质感，创造了各种各样的线条，线条在中国绘画中不只是细细的长线，粗厚、宽阔的墨笔同样也是线条。如描绘衣纹就有十八种线条，每一种线条都有一个非常形象化的名字，如游丝描、蚯蚓描、铁线描等，总称为“十八描”，

23、各自都有不同的用途。可以说中国绘画丰富的线条具有无穷的表现力。中国历代画家以线条为造型最基本的手段，在长期实践中积累了极为丰富的经验。如各种描法，山水画的各种皴法等，一方面体现为对造物自然生态的认识，一方面又表现为画家气质情趣的个性流露。然而，线条造型在东西方美术作品中是部分相通的，不能把这两者严格对立起来。特别是到了近现代，东西方美术都发生了巨大变化，线作为具有丰富的表现力的艺术手段，已经突破了传统的绘画造型观念，发展出了更加独立自由的表现方式。这种变化使东西方绘画中线的表现特点和审美意趣出现了交会的部分。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页西方20世纪的表现主义、抽象主义等现代派绘

24、画，对线条表现的纯粹语言进行了多方面的尝试，运用线的各种不同变化，来表现形象，传达艺术家的各种情绪或精神，创造了全新的绘画语言。一根线条可以有它自己的一种生命、一种表现力，以及它自己的个性特征，具有独立的自身价值。例如，20世纪初，法国的野兽派画家马蒂斯(Henri Matisse，18691954年)的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统，又吸收了传统东方艺术的特点，给人一种新的审美享受。在中国，随着中西文化的不断融合，中国传统美术也有了新的发展和变化，特别是近一百年来，随着西画东渐，“中西融合”成为历史潮流，这一点更加突出。例如，我国老一辈抽象画家吴冠中的画在线条运用上就很有

25、新意，既有中国写意画的特色，又有西方表现派绘画的因素，表现出一种强烈的节奏和优美的韵律。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页总之，从中西绘画发展历史来看，要表现任何具体的、有形的物质，都需要通过线来塑造形体，所以线条在绘画中具有十分重要的地位。线描是最基本、最原始的，同时也是最高级的。无论在东方还是在西方，人类早期的美术作品都是与线条分不开的。不同类型的线与线的组合、线与线的连接，反映了不同的文化底蕴和民族气质。随着绘画艺术的发展与进步以及不同民族间艺术的交流与融合，线条在当代绘画中发挥着越来越重要的作用。二、色彩一般来讲，色彩是绘画的重要表现手段，是传达艺术精神的重要形式之一。它不是

26、我们通常所说的“颜色”，而是视觉艺术的一种语言形式。在绘画中，色彩指的是不同颜色之间的关系，这种关系不仅反映出画家对艺术规律的认识和把握，还传递着画家的感情、气质和思想等精神层面的信息。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页画家对色彩的表现不仅仅是对美的颜色的发现和创造，更是心灵与对象的色彩之间的碰撞与融合。因此，观者品味色彩应该更多地体味色彩所蕴涵的意味，即色彩表现背后所隐含的画家的情感和精神境界。俄国画家康定斯基认为色彩是抒情诗人，“是直接对心发生影响的手段”。在他看来，色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。他将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，用色彩来展现音乐

27、中的心灵震荡的效果，并直接达到精神深处。康定斯基曾打了一个比方：“色彩是琴上的黑白键，眼睛是打键的锤，心灵是一架具有许多琴键的钢琴。艺术家是手，他通过这一或那一琴键，把心灵带进颤动里去”。色彩不仅是一位抒情诗人，还是一位神秘的哲人。塞尚曾经这样描述：“色彩是伟大的本质的东西，是诸观念的肉身化，理性里的本质化。我画的时候，没有想到任何东西，我看见各种色彩，它们整理着自己，按照它们的意愿，一切都在组织着自己，树木、田园、房屋。”知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页不论是写实的再现性绘画还是抽象的表现性绘画，色彩的形象塑造都是完成艺术形象的主要途径。艺术家对色彩的感觉和表现，构成了色彩的内涵

28、。在欣赏绘画的时候，首先要了解并掌握色彩的内在本质特征，才能体会画面中不同色彩表现力带给人的不同感受。对色彩的了解不能仅仅拘泥于对客观色彩的理解，更应该认识到色彩在主观意象上的独特表现力量，以建立新的审美价值取向，构筑新的色彩欣赏体系。色彩是绘画语言中最具覆盖力、最具表现力、最富情感力的部分。如果说线条是绘画的骨骼和神韵，那么色彩就是绘画丰满的肌肤和饱含的情感。绘画艺术的色彩是画家眼中的万千世界，更是画家胸臆中的情感。三、形体形体是绘画艺术语言中最见功底的部分。在绘画语言中，形体并不是一般意义上的形状和体量，作为艺术语言它更主要的是一种画面的构成关系。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一

29、页形体在绘画中是最具有视觉力度的因素，也是最具有视觉内容的。在绘画中，形体是指由线条、明暗、质感所形成的面积，形体的本质是平面的，是二维的。绘画中，形体的塑造、质感的表现、画面气氛的渲染以及绘画风格的形成，都与不同种类画笔的笔法运用有密切的关系。在绘画的造型语言和方式上，由于工具材料的不同和受政治、宗教、哲学以及审美趣味等因素的影响，传统的中国画和传统的西洋画有各自特点，形成各自体系，有着明显的区别。西方传统绘画观念认为，形体是客观物象存在于空间的外在形式。任何物象都以其特定的形体存在而区别于其他物。在这种观念中，形体属于绘画造型的基本依据和不变因素。对形体的认识，可以分解为外形和体积两个因素

30、。外形指平面的视觉外象而言，体积指空间的立体体量而言。在绘画中这二者既有各自独立的意义和价值，又是相辅相成、不可分离的统一体。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页形是体积的外像，而体积又必须是由形来体现的。所以，对形体也可以理解为有体积的形。这就是说，对绘画造型因素中的形体的认识，要树立起立体空间的观念。到了法国后期印象派大师塞尚那里，任何复杂的形体都可以概括为几种基本的几何形体，这就是：立方体、圆球体、圆柱体、圆锥体。日常生活中更多的是多种几何形体按不同形式组合而成的物象。艺术家在观察物象时，应首先注意其整体呈现的基本形。构成物象的基本形不同，则物象的形体特征就会不同。基本形是物象的

31、大关系，把握住对象的基本形，就抓住了其形体特征。而准确地把握物象的形体特征便奠定了绘画造型的基础。而在中国传统古代绘画理论中，对于绘画中形体的认识有苏轼的“论画以形似，见于儿童邻”的说法。在这里，形体不只是指单纯的外形。中国画中表现的自然界的形体是笔墨与情感的载体。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页南朝谢赫的绘画六法中的“应物象形”更多指的是绘画的过程，它不仅仅止于形似，而是始于形终于神，达到形神兼备，进而为“气韵生动”做好铺垫。中国艺术不论是绘画方面、文学方面，还是戏曲方面，始终都是围绕着“言志缘情”的思想性进行发展的。“精神的符号”、意象式特征是整个中国传统文艺共有的、基本的特征

32、。中国画重笔墨、重意境的表达，具有简约美，同时对笔墨与情感的载体形本身的表现并不十分重视。从这个意义上说，形式感和色彩是以文人画为主流的传统中国画区别于西方写实主义的传统绘画的主要方面。我们生活在一个由各种形状的物体组成的世界，而各种物体和我们生活的空间都是由高、宽、深构成的。作为“造型艺术”的绘画，其本质特征之一就是表现或创造出各种各样的形体和空间。所以，形体与空间也是美术基本的造型要素。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页绘画作品中形体的表达是一种艺术创造，它与真实的自然并不完全相同，画家们是通过在表面上创造出不同的视觉形象或心理形象，然后在欣赏者自己的实践和体验中加深对画面中形、

33、形体和空间的理解。只有把欣赏者在现实生活中对形、形体与空间的感觉和体验，与画家在绘画中描写与表现的形、形体与空间联系起来，才能领悟绘画作品的真正意义。随着人们对美术的内涵和外延的认识的拓展和改变，在美术作品中所表达的形体和空间的形式也趋于多元化、多样化，这是美术发展的本质规律之一。对于形、形体、空间也应该从传统、现代或后现代等不同角度去把握，方能贴近美术的本质特征。四、构图构图是绘画中重要的基本表现手段。在绘画作品创作过程中，构图与线条、色彩等绘画语言占有同等重要的地位。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页绘画创作与欣赏都离不开构图，绘画的构图体现着画家不同的审美意向、追求和个性，从而

34、给观者带来不同的视觉感受。构图是造型艺术的形式结构，是全部造型因素与手段的总和。绘画中的构图是指画家在绘画的平面空间范围内，安排、组织所要表现的形象，将画面各部分通过组合、配置、对比和在有限的平面框架内对所要表现的形象、空间进行组织，形成形象的部分与整体之间、形象空间之间的特定的结构、形式。构图是绘画中艺术形象的结构配置方法，是绘画艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。在各种造型艺术中，构图称呼有别，例如绘画的“构图”，设计的“构成”，建设的“法式”与“布局”，摄影的“取景”，书法的“间架”与“布白”等均指构图。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页构图概念丰富，它包括：艺术形

35、象在空间位置的确定；艺术形象在空间大小的确定；艺术形象自身各部分之间、主体形象与陪体形象之间的组合关系及分隔形式；艺术形象与空间的组合关系及分隔形式；艺术形象所产生的视觉冲击和力感；运用的形式美法则和产生的美感。构图是艺术家创作能力和艺术水准的直接体现，也往往是艺术作品思想美和形式美之所在。构图合理与和谐反映了艺术家思想感情与艺术表现形式的统一性。绘画创作中，构图的好坏，影响到作品的艺术价值，因而占有相当重要的地位。在绘画欣赏中，构图分析是理解绘画语言的重要的一步。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页绘画的形式线和基本形，在构图中起主要作用。分割画面的主要长线有竖线、横线、斜线、折线、

36、波浪线。画面表现形象主体组合的基本形状有三角形、圆形、断环形、放射形、旋形、同心圆、十字形、栅栏形、“S”形等。正是这些形式线和基本形成为构图的主要构成形式因素。由于基本形和形式线与世界上各种自然现象或人的形态相似，便具有丰富的感情联想性。例如，达芬奇的岩间圣母中，圣母、圣婴和圣约翰组成的三角形构图，给人一种稳定感，既表现了人物环境的宁静与祥和，又使画面具有神圣的宗教气氛。因此，构图的形式线和基本线也是获得形式美感的主要因素。构图是绘画的灵魂。通过实验、总结和探索，我们受到了前人的启示又有了新知，在我国许多优秀的绘画创作中，充分发挥构图的各种功能，达到了理想的效果。在现代绘画的构图中，边框具有

37、规范、骨架、语言、审美、引申的功能；位置布局具有主次分明、突出主题、增强表现力度的功能。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页构图是绘画的基础，是对绘画艺术语言进行组织，使之构成一幅完美的画；构图也是能否表达作者构思和给人以形式美感之所在。从欣赏的角度来讲，应注意把握绘画构图的以下几方面：宾主关系明确，位置安排得当。例如油画开国大典，毛泽东站立于人群前面，居主要地位，身着深色服装，在明亮天空衬托下显得突出，并在灯穗的飘向、栏杆透视线的引向和其他人物精神意向的作用下，使观众一眼便注意到这一伟大人物，并看出所表现的伟大事件。构图结构形式与内容相统一。作品的画幅和艺术语言的结构形式，是为了贴切

38、地表达内容。例如日本画白夜光表现的是开阔而宁静的意境，利用长方形画幅和水平线给人以平静舒展的心理作用，将树木沿着条状带的结构形式进行组合，弱化个体树木的鲜明性，强化水平线给人的宁静感。中国画太行丰碑，画家用竖幅构图，将山按方形结构组合，并运用强烈的黑白对比构成一种坚实、敦厚、沉重的宏大气势，与将太行山作为抗敌的历史丰碑立意相吻合。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页色彩与表现内容的统一。色彩是最富有感情的形式因素，画面的色调对内容的传达起到重要作用。例如，开国大典色彩富丽明快，白夜光色调暗绿、深静，都与表现内容相统一。构图要符合形式美法则，给人以形式美感。构图所运用的形式美法则包括均衡

39、与对称、渐次与重复、对比与调和、比例与尺度、节奏与韵律、陪体与主体、微差与统调、特异与秩序前者代表活泼和运动，而后者显示秩序和稳定。这些形式法则，包含了生动与秩序，变化与统一，多样与整体，既对立排斥，又影响制约的两个因素。它们存在于一个统一体中，相辅相成，构成了形式美法则的本质和灵魂，也是形式美法则必须遵守的规律。如过分追求生动、变化，构图会变得杂乱无章，这样不仅失去了秩序美，原先所追求的生动美也荡然无存；反之，如一味强调画面构图的秩序、统一、稳定、平衡，作品会变得呆滞。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页一件绘画作品中可能运用多种形式美法则，而关系处理的好坏，则显示出画家水平的优劣。

40、我国著名美学家王朝闻说，美学是关系学，形象而且生动地揭示出运用形式美法则的实质。总之，构图是绘画欣赏中一个不可忽视的知识点。此外，随着现代社会的发展，高科技对视觉艺术的种种挑战与突破，认定于古希腊、古罗马、文艺复兴时期的构图观念已有了巨大的改变，构成与设计的分析已经在某些专业美术领域中替代了构图这个词，在这些领域中，需要以“线、面”切割画面的角度去理解构图。五、明暗明暗是绘画的基本要素之一，是描绘物象立体与空间效果的重要因素。任何物体在光的照射下都会呈现一定的明暗关系。光源的强弱、距离光源的远近及照射角度的不同，都会使物象呈现不同的明暗。光是物体明暗形成的先决条件，也是物体明暗变化的外在因素。

41、知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页物体在一定角度的光照下，会产生受光部分和背光部分两个既相互对比，又相互联系的明暗系统。物体的明暗层次可概括为三个大面、五调子，它们以一定的色阶关系连接成一个统一的整体，这就是明暗变化的基本规律。在一定的光线下，明暗变化是由形体的机构起伏、转折而产生的。因此，明暗在任何时候都只属于特定的形体结构，明暗的调子变化也就是在表现结构的起伏转折变化。结构是内在的、本质的因素，明暗是外在的、表象的形式，形体结构需要通过明暗来表现，而明暗关系中又处处体现着内在的形体起伏和结构变化。明暗除了表现形象的立体感，在画面中更是表现整体空间效果的主要因素，明暗的层次处理及虚

42、实、强弱的对比作用，是表现前后空间关系和整体气氛的基本手段。画家在创作过程中面对静物或者大自然时，是受“光线”的变化和形体的结构的转折的影响，更多的是考虑如何将“对象”画得更为符合解剖、透视和光线的变化等。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页西方绘画中的“清晰”，一般指的是按照物体形体表现的需要进行重点刻画，以明暗交界线，以及受光部分的轮廓线来表现物体局部和它的整体结构；而非重要部分的刻画，是以受光侧面部分和背光部分的模糊处理。在画面主要部分的用线，往往是比较“精细”，非重要部分就用比较粗略的线条来简单地概括。在受光的轮廓位置和它的边缘部位，用线比较“轻细”，以表现对象的受光变化不同的

43、效果。明暗的有效运用一方面能够使绘画增强厚度和空间深度，另一方面还能使绘画陡然获得韵味而富有魅力。明暗对比是一切对比中最强烈、最具视觉冲击力的对比。中国画以线描作为造型的主要手段，摒弃对象的光影明暗，注重形象的神韵。西方油画以明暗、色彩为主要造型手段，重视形体光影描绘，注重表现立体空间感的真实效果。考察西方绘画的艺术历史事实，从平凡开始逐步走向崇高，利用明暗光线来塑造自然形体，从而西方绘画以形体、块面、明暗来表现画面的最佳效果，给人以强烈的视觉冲击力。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页在美术史上，明暗的表现经历了一个漫长的发展过程。早在古希腊时期，雅典画家阿罗多斯就潜心研究绘画光影的

44、处理方法，被人们称为“表现阴影的第一人”。古罗马时期，明暗表现的要素“五调子”已经基本形成，这种调子的处理方法成为西方传统绘画的基础性表现技法，一直延续至今。此后，利用单色线、面的处理，反映物体在光线作用下的空间关系，成为画家艺术表现空间最直接的方法。到了文艺复兴时期，在绘画空间的明暗表现上又有了新的发展。文艺复兴早期的意大利画家马萨丘(Masaccio，14011428年)创造了一种新的明暗法：采用来自一个集中且固定的光源，并以固定的倾斜角投射到形象上，从而表现出明暗层次，产生更强烈的空间效果。马萨丘的方法对此后的一大批文艺复兴时期的画家产生了巨大影响。在文艺复兴时期，达芬奇接受和发展了马萨

45、丘所发明的“明暗画法”，并创造了被称为“渐进法”的明暗转移法。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页这种方法主张由明到暗的缓和过渡及柔和处理。达芬奇的肖像画蒙娜丽莎正是这种“渐进法”产生动人魅力的例证。“渐进法”被以后文艺复兴时期以及17、18世纪画家广泛采用。后来，“晕光法”也是艺术家空间表现常使用的方法。晕光是现代光学证明存在的一种自然现象。“晕光法”处理背景往往使画面的空间感更加强烈。总之，绘画中的色彩的明度和亮度变化，起着非常重要的作用，它们决定了画面中主要物体色彩之间的明暗对比。画面色彩如果没有明度变化，没有深浅对比，那整个画面不是漆黑一团，就是灰白一片。明暗也是绘画的一个重要

46、的可视性因素。明暗的有效运用一方面能够使绘画增强厚度和空间深度，另一方面还能使绘画陡然获得韵味而富有魅力。明暗对比是一切对比中最强烈、最具视觉冲击力的对比。因此，了解画面中的形象的明暗关系，是提高绘画欣赏水平的重要一环。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页六、材质所谓材质(或称媒介)，一般是指绘画语言所借助的材质媒介和作品的装裱及所被放置的环境。以上三者应是一幅绘画作品必须具备的构成元素，欣赏者可以从这三个方面切入作品进行欣赏活动。绘画所使用的物质媒介，如材料和工具，包括纸、木板、笔、墨、颜料、刀等。绘画的物质材料除起一种工具的作用外，材料本身固有的特性，也是创造艺术形象，特别是构成审

47、美价值的重要因素。例如，中国画的笔情墨趣，油画的笔触和丰富的色彩感，木刻的刀法和“木味”等，不仅与艺术形象有着不可分割的关系，而且它本身也具有审美价值。因此，绘画材料在一定程度上决定绘画作品的效果。在实际应用中，不管在油画布(亚麻布)、木版、水彩纸、素描纸、道林纸等材料上绘制作品，它们都有各自的特性，表现出来的线描也不相同。画家通过绘画实践来感受在不同材料上的表现力，从而选择不同的材料作为媒介进行创作。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页绘画中的艺术趣味主要来源于各种绘画技巧。除各种不同的表现形式和各种不同的表现手法外，各种绘画用品材质的充分发挥也能加强画面趣味性。中国画始终如一地采取

48、线描造型的方法，创造了中国独具一格的绘画风格，从而形成了“东方绘画”，就是今天我们沿用的传统水墨绘画。水墨绘画，前提是以毛笔和水墨为基础，其中毛笔属于“软笔”，是用动物的“毛”制造成的，书写时极为复杂，难度较高。有一定书法基础的人书写时，具有流利的线描和婉转的艺术魅力。同时水墨在中间起着重要的作用，水墨本身有积水功能，浓淡表现在纸上是不相同的，特别是在宣纸这种特殊材料上，更使这种浓淡生动地加以表达和应用。用毛笔画出来的线条具有多样化的艺术特点，它的艺术魅力令人叹为观止。绘画作品的材质媒介是欣赏活动中必须关注的因素。材质媒介在传统绘画中一般表现在作品的装裱上，就是外框的式样、颜色与画面如何达到协

49、调，外框如何更好地衬托作品，还有画布质地的选择及与之有关的画面肌理。知识点2 绘画的基本表现手法返回下一页上一页现代绘画在材质方面有了重大的突破，不仅在作品的装裱上，而且在作品的制作上(对材质的选择)已走向综合性。对于材质的使用往往追求尽可能完善地为作品所用，所以，材质媒介与作品有着比传统绘画更为紧密的联系。随着现代艺术的发展，画家们愈来愈认识到由媒介本身所呈现出的质感在绘画中积极的视觉作用，更加注重由媒介巧妙地运用产生趣味性极强的质感所体现的绘画的视觉效果和表现力，因而也更加注重绘画的制作性。知识点2 绘画的基本表现手法返回上一页一、洛神赋图东晋画家顾恺之的洛神赋图，是以曹植的名篇洛神赋为创

50、作题材的绢本着色画卷。洛神赋图长达6米，是由多个故事情节组成的类似连环画而又融会贯通的长卷，图的大意是曹植和仆从归途长途跋涉，人困马乏，人在舒展身腰，马在地上打滚，黄昏时节，停歇在洛水边上。曹植在恍惚中看到了美丽的洛神，他和洛神互赠礼物，共登云车，畅叙衷情和遗恨。待洛神离去，只剩懊恼思慕的曹植，坐着一叶轻舟，面对两支残烛，通宵不眠，浮在洛水上不肯离去。回到岸上，曹植带着沮丧的表情和无穷的依恋乘上四马盖车，怅惘地返回自己的封地。洛神赋图是一幅题材非常吸引人的作品。它不只表现了曹植洛神赋这一文学佳作，重要的是作者用绘画展现了文学作品所蕴涵的那种真挚的情感。画中巧妙地把诗人的幻想在造型艺术上加以形象

51、化，把神人之恋描绘得缠绵凄婉、动人心魄。知识点3 绘画作品赏析返回下一页如洛神曾多次出现在水面上，衣带飘飘，动作委婉从容。她似来又去，含情脉脉，表现出一种可望而不可即的无限惆怅的情境。曹植头戴梁冠，身穿宽衣大袖，在打着华盖的随从者的簇拥下，有着贵族诗人的优雅风度。画中用来衬托洛神的景物也被形象化了，如画面上有高飞的鸿雁和腾空的游龙，有云中的明月、初升的朝霞和出污泥而不染的荷花，还有传说的风神在收风，水神使洛水平静地与女娲在歌唱。这借以描绘神灵都同情曹植和甄氏的爱情遭遇，不仅增强了人物之间的联系，而且更添加了神话梦幻的色彩。我们可以选取其中的局部进行欣赏。子建睹神(图)部分画的是主人翁曹植在翠柳

52、丛石的岸边突然不经意地发现崖畔洛水之上飘来一位婀娜多姿美丽照人的女神时如痴如醉的神情写照。他生怕惊动神女洛神，下意识轻轻地用双手拦住侍从们，目光中充满了初见洛神时的又惊又喜的神态。此画的高超之处在于，顾恺之在处理曹子建的侍从时，将他们画得程式化，用侍从们呆滞的目光、木然的表情，以衬托出曹氏喜不自禁的神情，使画面形成一种鲜明的对比。知识点3 绘画作品赏析返回下一页上一页这时曹植的神情却是既专注又惊讶，内心既激动外表又矜持的复杂心情，这是言语所难以表达的。而云东以载(图)部分，可看出画家所创造的“高古游丝描”之真容。图中有大量的对于云和水的写照。画家所勾描的对于水的势态的描绘，有时舒展自如，有时平

53、滑光洁，有时荡漾回旋。总之，画家笔下不同的水势、水态、水性千变万化的组合，使这种种波涛律动的江浪之美又与画中人物的惊讶、激动、惆怅、流连烘托成一体，影响着画中气氛，将画家的情绪传染给观者，使观者一同受到感染，可谓高明之笔。顾恺之在洛神赋图中还根据曹植的洛神赋中文字的描绘，创造了许多神仙和奇禽异兽。实际上，这些神兽在现实生活中是没有的，完全是画家凭想象将多种动物的特征融合成一体而画出的视觉形象。如他画出的海龙就长着一对长长的鹿角、马形脸、蛇的颈项和一副如羚羊般的身体，他画的怪鱼也长着一只豹子一样的头。知识点3 绘画作品赏析返回下一页上一页它们虽然奔驰在江水之上，却没有飞溅的水花，就如同腾飞于空中

54、一般。这种高超的绘画技法，烘托出了画面的热闹，增强了故事的传奇性和神秘感，几千年来一直受到人们的青睐。观洛神赋图，不但可以一窥顾恺之早期代表作之风貌，亦可发现中国画早期的绘制风格。中国古代绘画，特别是在顾恺之那个时代，是几乎不讲透视和比例关系的，而是采用一种感觉经验中积淀的对重要表现对象的夸大处理。比如，重要人物就画得比次要人物要高大，以突出重要人物的神情及衣着。洛神赋图保留了较多的古代壁画的造型与设色方式，铺陈叙述故事的构图方式也和汉代画像石的布局相似。此外，洛神赋图也是诗画结合的杰出范例，也是了解当时服饰与社会生活的重要代表作品。知识点3 绘画作品赏析返回下一页上一页顾恺之的洛神赋图现在传

55、世的共有四件，绢本、设色，均为宋人摹本。它们分别收藏在中国北京故宫博物院(2件)、中国辽宁省博物馆和美国弗利尔美术馆。美国弗利尔美术馆收藏的洛神赋图与北京故宫博物院收藏的洛神赋图第一卷相同，只是首尾缺损较多。二、游春图(图1-1)隋代画家展子虔所画绢本游春图是我国现存最早的一幅卷轴山水画。全图描绘了官贵仕人在风和日丽、春色宜人的季节，于郊外“踏青”的游乐情景。图卷以自然风光为主，鸟瞰方式遥摄景物，水波浩渺，万木复苏，祥云涌动。游春的男女纷纷涌向山间水湄，他们有的骑马伫立水滨，有的乘船泛于水中，有的在岸上迟疑不进，有的望春波翘首待渡。山深水阔之间，游人散布于各处，点缀其间。人的活动与山水的境界交

56、相辉映，将一个“春”字抒写得淋漓尽致，无处不在。知识点3 绘画作品赏析返回下一页上一页画面整体上以大对角线构图，青山与彼岸的对峙与开阖，春水的自右下向左上流动，右上斜角的实则虚之与左下斜角的虚则实之，变化有法，激活了潜藏在山水和山水画之间的生命力，带来一片生机盎然的景象。全画风格细腻，与画工画的朴拙之风有所不同，显现早期山水画敷彩浓烈、富丽堂皇的古拙之美。用笔设色上，游春图中的山、树、人物、波纹、屋宇，皆用细线画成，有勾无皴以青绿添色，轮廓准确优美；山染以石绿，略施淡赭；花用粉点，树敷浓绿，人物与屋宇则染以白粉或朱红，愈见轻快显目。在画山上小林木时，径以赭石写干，以水沈靛横点叶，大树多用勾勒。

57、松不细写松针，直以苦绿沈点等。远山树木，亦以细笔勾出再填深绿，树叶多为类叶，或以色写，或墨勾填色。整幅画在青绿金碧的大背景上点出红艳之色，极富意趣。而勾画山水树木的古拙之笔与勾画人物、水波的纤细流畅之笔相结合，益见得意态万千。知识点3 绘画作品赏析返回下一页上一页画面采用俯视法取景，将远景、近景一同向中景聚拢，使各种景物完整地统一在一个画面中，获得一种“咫尺千里”的艺术效果和品赏趣味。魏晋时代诗歌从谈玄说道到这时已转向对自然景物的描写，遂开启山水诗、田园诗的创作，以田舍园林风光、农耕生活为题材，抒写隐居生活和恬淡的心境，代表诗人是陶渊明。文学上的新追求必定会慢慢体现在视觉艺术上，山水画的兴起与

58、之有某种关系，当贵族们开始想在山水中寻找理想与慰藉的时候，便对山水画有了需求，因此，就有了游春图这类作品的出现。艺术史中一般将游春图说成是中国第一幅独立的山水画作。这幅画的积极意义在于不仅说明隋代山水画独立成宗，而且改变了魏晋以来山水人物比例失调的现象，超越了以前“人大于山，水不容泛”的山水草创阶段，形成了“丈山、尺树、寸马、分人”的合理比例。此时的树木也不再是“伸臂布指”的幼稚形态，画法有了很大的进步，出现了“夹叶点”。知识点3 绘画作品赏析返回下一页上一页但山石的画法仍处于“有勾无皴”(一种表现山石质感的用笔方法)的初级阶段。在色彩上所运用的浓重青绿填色，开青绿山水画之先河。这幅被誉为“唐

59、画之祖”的青绿山水画作，对初唐山水画家的山水画起直接的启迪和楷模作用。这种画法的特色，发展到了唐代的李思训、李昭道父子，便形成了“青绿山水”，成为中国山水画中一种独具风格的画体。游春图将中国山水画的发展推向了一个新时期，其自身的艺术价值，亦是辉耀千古。应该说，这幅画对中国绘画空间美的认识及诗画合律的表现，标志着中国山水画达到了一个新的境界，这就决定了游春图在中国绘画史上的重要地位。三、清明上河图(图1-2)清明上河图是北宋画家张择端所作的绢本设色长卷。描绘的是北宋都城汴京清明时节的繁华景象。知识点3 绘画作品赏析返回下一页上一页图中的清明上河是当时的民间风俗，如今天的节日集会。全图规模宏大，结

60、构严谨，大致分为三个段落：第一段是市郊景色画，第二段是汴河，第三段是城内街市。先是汴京郊外的景象。农民在田里耕作，有钱人扫墓归来。路上，驮队、挑夫、骑马及坐轿者匆匆进城。接下来是最精彩的部分汴河。汴河上的拱桥如一道彩虹，桥上行人如潮，熙熙攘攘，摩肩接踵，桥下舟楫相竞。许多细小情节刻画得极有情趣。如桥头一匹惊马造成险情，毛驴被惊吓，好奇的人在围观。接着又描绘汴京的街市。汴京作为当时政治、经济、文化中心，城中官府衙门、民居宅院、作坊店铺、茶肆酒楼，屋宇错落，林林总总，街上车水马龙，三教九流，应有尽有，百业兴隆，热闹非凡。画家通过对汴京城内建筑、商贸、交通、运输几个方面的描绘，再现了北宋都城的繁华和