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音乐基础知识介绍-浅谈音乐转音 2009-12-14 11:42:06 什么叫转音 怎么转 怎么分主歌和副歌最佳答案在两个声区交接处有破裂音。转音，简单说，就是躲避破裂音。男声有3个声区，分别是：胸声、头声、假声。 平时用胸声说话，有时唱歌需要灵活的运用头声和假声。胸声浑厚有力，而头声则可以简单理解为通俗音乐界喜欢说的“混声”，假声高音处运用，且流行乐中歌手不好控制假声，这是因为天然假声并没有表现力，而要靠有呼吸和共鸣支持的艺术假声才能很好的表现歌曲。这里就介绍统一声区的简单方法。 在每两个声区交界的三个半音上，要带有另一个声区的色彩。比如从胸声转到头声的时候，一定要降低音量，并微微带上稍虚弱的色彩，等过了破裂音再放大音量。 还要用母音变换，比如o-ou等。如果声区不统一，会引起很多问题：声音不集中，没有至远力，音质虚浮，唱歌不流畅等。总之，歌唱中的大部分问题都跟声区统一的问题有关。注意：很多男的都有这个问题，而女的没有。因为女的只有两个声区：胸声，头声（我把“哨声”也归于头声）。而且女的本来就一直用头声，从起音就用头声，到了男的需要用假声的地方她们还用头声唱，当然女的很少有这个问题。至于主歌副歌，定义我也不想多说。反正流行音乐中，所谓的“高潮部分”就是副歌。-唱歌时，如何唱出颤抖的音最佳答案颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方需要像唱不民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。 没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。-关于唱歌的技巧 一、 歌唱发声器官的组成 声音的形成是发声器官协调工作产生的生理现象，这个现象的产生是气息运动和声带振动所形成的物理现象，但歌唱的发声运动又和我们平时说话的发声有所不同，因而歌唱发声又是一个物理的声学、音响学现象。而进行歌唱艺术实践又是一个复杂丰富的心理活动过程，因此我们的歌唱运动可以说是生理、物理、心理“三位一体”的行为。歌唱的发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分组成，它们是歌唱发声的全部物质基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。1、 呼吸器官 呼吸器官，即“源”动力，是由口、鼻、咽喉、气管、支气管、肺脏以及胸腔、膈肌（又称横膈膜）、腹肌等组成。气息从鼻、口吸入，经过咽、喉、气管、支气管，分布到左右肺叶的肺气泡之中（肺中由两个叶状的海绵组织的风箱构成，它包含了许许多多装气的小气泡）；然后经过相反的方向，从肺的出口处分支的气管（支气管）将气息汇集到两面三刀个大气管，最后形成一个气管，再经过咽喉从口、鼻呼出。与呼吸系统相关的各肌肉群，他们的运动也关系到呼吸的能力，是歌唱“源”的动力和能量的保证。我们日常的呼吸比较平静，比较浅，用不着使用全部的肺活量，但歌唱时的呼吸运动就不同了，吸气动作很快，呼气动作很慢。如果遇上较长的乐句，气息就必须坚持住。而一首歌曲的高、低、强、弱、顿挫、抑扬变化，也全*吸气、呼气肌肉群的坚强和灵活的运动才能完成。2、 发声器官 发声器官，即发出声音的器官。它包括喉头、声带。喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。声带位于喉头的中间，是两片呈水平状左右并列的、对称的又富有弹性的白色韧带，性质非常坚实。声带的中间又称声门，声带是*喉头内的软骨和肌肉得到调节的。吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息；发声时，两声带*拢闭合发生声音。声带在不发出声音的时候是放松并张开的，以便使气息顺利通过。声带发声，一部分是自身机能，一部分是依*声带周边的肌肉群协助进行发声运动。我们在声乐训练的时候，应该充分注意到这些肌肉群的功能作用，合理地运用它们，养成良好的习惯，避免在不正确的发声习惯下唱坏了嗓子。还有喉咙的上部与舌根之间，有一个很重要的软骨，叫会厌。会厌的功能有两个方面，一是起到声门的保护作用，当我们吞咽食物和饮水的时候，它本能地自动盖住气管，让食物通过时避免进入气管，我们往往有时不小心喝水“呛”了气，就是会厌动作不协调所致。第二个作用是歌唱的时候，会厌竖起，形成通道让声音流畅地输出。3、 共鸣器官 人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔和头腔三大共鸣腔体。胸腔包括喉头以下的气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦等。在歌唱中，由于音商的不同，使用这些共鸣腔的比例是有所不同的。一般来说，唱低音时，胸腔共鸣发挥最大，唱中音时口腔共鸣应用较多，而唱高音时主要是*头腔鸣发挥作用了。如果我们能正确、合理地运用好这些共鸣腔体，并相互协调配合好，那我闪就能获得圆润、悦耳、丰满、动听的歌声。4、 咬字吐字器官 咬字吐字器官（即语言器官）包括唇、舌、牙齿和上腭等。这些器官活动时的位置和不同的着力部位，形成了辅音和元音（即语言）。发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比平时说话要更加敏捷而夸张。敏捷是为了使咬字准确清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。所以语言器官是我们在吐字咬字时的物质基础，也是我们学习吐字咬字时出声、引长和归韵的重要器官。声音是歌唱的基础，要训练好声音进行歌唱，首先要了解所参与发声器官的构造和作用。歌唱运动的感觉远不如看得见、摸得着的如钢琴、小提琴训练那样的肌体运动来得容易，这就要求我们每个歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符合 声器官运动的基本规律。还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。任何身体的运动都受到心理的指挥或暗示，歌唱者的意志、情感、愿望及舞台感觉等等，很大一部分与心理的因素有关，有时候心理的制约因素甚至比发声技术更重要地左右着我们的训练，我们应该充分注意到心理的重要性，当我们在歌唱时，尤其在台上表演时，则需将注意力集中在歌曲的内容与情感上，以情带声，而不要把注意力分散在具体器官的位置及活动状态上。二、 歌唱的姿势 有人说：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”唱歌训练，首先要有正确的歌唱姿势，没有经过专业训练的人往往不够重视姿势，姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势的正确了，发声各部分就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。这好比我们的跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。 正确的歌唱姿势是：1、身体自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。2、头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。3、两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重量要平稳，重量落在双脚上。4、面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五官中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。5、嘴巴是歌唱的喇叭，应当张得开，放得松，切记紧咬牙关。6、还有歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线，这样才使气息畅通无阻。7、演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要*在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍分开，自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交*叠起。三、 歌唱的呼吸 学习正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐，呼吸是歌唱的原动力。声乐界有“谁懂得呼吸，谁就会唱歌”之说，说明了呼吸在歌唱中的重要性，它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。 歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸是不大一样的。在日常生活中，人们通过说话交流思想感情，因为一般距离较近时所需音量就较小，气息较浅，不用很大的力度，也不用传得很远，而且我们说话连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。唱歌是为了抒发情感，是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众，须将歌声传至每个角落，因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，要有长时间歌唱的能力，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息，要做到这些，就不是简单的事了。所以歌唱时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，它是一项技术性问题，是后天训练出来的。 呼吸运动包含着吸气和吐气两个过程。1、 吸气 用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附近扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，保持住然后再缓缓将气吐出。2、 吐气 唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来，这就牵涉到一个气息支点的问题。3、 唱歌时要有气息支持点 支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，常常唱歌时，脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来等等，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，当我闪歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。4、 不同的乐句用气是不同的 我们在进行胸腹式呼吸时，呼吸气势的强弱、吐气的方法要根据所唱歌曲（或乐句）的不同要求有所不同。下面我们就介绍几种不同的呼吸练习法。 1） 缓吸缓呼 这是我们在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张（也就是腰围扩张），小腹向内微收。这种吸气要求自然放松，平稳柔和地进行，就像我们去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使我们吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之平稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。有一种感觉可以帮助我们体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练习，我们常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。 2） 急吸急呼 急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出。我们在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。为了培养呼吸的控制力，我们可以采取一些练习曲及歌曲中的某些乐句做带词的练习，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。四、 歌唱的发声 歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。1、 喉头和声带 喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些（就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点）有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水平位”。在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。2、 打开喉咙 在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢？ 1）“打哈欠”的状态 “打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空间增长增大。所以在唱歌时，咽喉不要闭塞，要使咽喉张开，让气息自如地送出来，“哈欠”状态确实是打开喉咙的好办法，也使歌唱者保证了一个很好的演唱状态。在平时练习时，还可以用闭嘴的“打哈欠”，闭口打哈欠的时候，里边的状态也是开的、抬的，如果我们在唱歌的时候都能保持这个状态的话，那你的声音就不会是“白”的、“扁”的了，你的声音就会是“竖的”、“圆的”了。 2）用“微笑”状态来打开喉咙 我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌（颧骨）呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。“歌唱状态就是里边的哈欠，处头的微笑”，这话很精辟。3、 良好的中声区 中声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。练习以中、小音量练习开时，我们先从中声区始，经过相当一段时间的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。中声区应该*前，明亮，轻松流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区的声音不要强求音量，而是要自然自如，要求音色优美和声音的灵活性。每个声部的重要音区都是中声区。中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不论唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。我们常比喻说“声音要像穿珍珠一样，把每个音穿在一条线上”等等，就是说声音要连贯、统一、圆润。4、 关于换声区 当你从低音往上唱时，唱到一定的地方，就会感到困难，容易卡壳，这就是到了换声区了，这时，你必须运用某种方法才能继续入上唱。歌唱者首先应基本掌握了虽声区的唱法，然后因人而异地作具体调整。有几种方法大家可以实践一下： 1）“倒抽一口气”的动作 就是歌者在唱到换声的音时（发元音的同时），做一个倒抽一口气的动作，好像“吓一跳”的生理状态，让喉头稍向下，向后退让，以使口咽腔充分打开，同时将中声区歌唱时向上齿龈背后发送的气息，随着音高逐渐向上挪动，嘴也随着逐渐张开，此时声音感觉更向上，向更远的前方发送。这时声音就自然地进入了换声区。 2）母音转换手法 就是在唱到换声区的时候提前让声音掩盖一点，声音暗一点，出气量小一点，小舌头抬起一点。在碰到换声点时，有一点必须强调指出，就是你感到声音唱上去困难时，甚至声音感到要出现破音时，千万不要变化发声器官的形态，不要乱动，乱使劲，一定要坚持迎着声音唱下去就可以了。其实换声点的总是就是一个“混声”的问题，就是真假声结合的问题。掩盖一些的声音就是有了假声的成分，但又不能全假，必须与真声混合在一起，声音的衔接才不会有痕迹，声音才不会虚和空。所以学会换声点的过渡也就学会了假声的唱法，而假声位置对唱歌、解决声音的统一是大有好处的。如何练习颤音RR 练习舌尖颤音的时候，舌尖轻轻向上卷起（轻到不费一点劲），轻轻接触硬腭前部（轻到没有多少接触的感觉，总之要放松），用连续的呼出气流吹动它，让它自己振动起来。学会吹动舌尖以后，再学习同时让声带振动。开始学习的时候宁可让舌尖多颤动一段时间。实际语言里可能只要颤动两三下就够了。小舌颤音甚至可以用漱口的办法让小舌颤动起来。 可以设想，在大风中空气很快流过高高烟囱的两侧，烟囱也会摆动起来。因为是使用气流吹动的，所以说是伯努利效应的结果。那种运动方式的原理，是跟闪音不一样的。舌尖闪音要*人用神经指挥肌肉去让舌尖运动。 伯努利效应使飞机机翼产生升力，可以飞上天。或者说，机翼上表面的流线型比下表面的流线型长，飞机前进的时候，空气流过上表面比流过下表面快，于是气流压向机翼上表面的负压力大于下表面的负压力，飞机就获得了上升的力量。两条船挨得太近会相向*拢或碰撞，也是那种负压力作用的结果。 声带所以能够振颤，主要是伯努利效应和弹性力的结果，不是神经脉冲指挥的。 补充一点。 练习发舌尖颤音的一开始，舌尖轻轻向上卷起，接触上腭。与此同时舌面边缘也要起作用，把口腔前边的出口全都堵住。舌面边缘用一定力量，紧*左右两侧的上腭和牙床。它们不参加颤动，只是使舌尖的活门缩小，同时使舌尖有弹性。也就是说，舌面两侧的边缘是不动的。呼出气流的压力会把舌尖推开。如果吹不动舌尖，可能是舌尖太紧张（无声），更可能是两侧漏气（有 h. 声）。如果吹的时候听到一声 th. ，然后舌尖停在外头不动了，一定是缺少弹力，也就是两侧太放松，或者舌尖太紧张，也可能是舌尖后卷不够。如果听到的是一声 tx.，是舌根太高太紧张。舌尖活门调得小一些，可能更容易颤动起来。舌尖向上顶得太紧，会听到 trrr ，就累了。东北地区车把式的“得儿驾”就是 trjia 。关键是要学会 rrrrr 的轻松的颤动。 还有两点： 1、增加与颤音发音部位相同的辅音，在音节当中体会舌的颤动。如：嘟/tru/。练习时拉长音，注意力不要放在是否为舌尖上，而应放在气流的体验上。 2、音节末尾的颤音比较难发，根据个人情况可以随意增加一个元音，之后再把该元音弱化。 千万别控制，也不要企图从闪音、卷舌音过度到颤音，一定别控制尤其是舌头，多想一想疾风中的旗帜。要练习颤音,先要知道它是怎么来的.无非两种办法.一,两个相差较小音程的音交替出现;二,气息控制,使得同一音高间歇性重显.抖喉结比较接近第二种,不过不是气息,而是声门的闭与开实现,这样控制起来难度极大.因为每次开与闭的度要高度一致,要不然音高无法控制.中低音还好说,但高音的时候,声带闭合度很高,留下的间隙十分狭小,要控制得如此精细就不太现实,很多时候是颤两下,声带闭死,憋得没声音,要不就是放得太开,跑调了.所以要用气息控制,因为那时你的声带可以一直保持着相似的状态,不用去理会它,并且气息间隙性冲击声带,就有了让声带休息的时间,所以保持的时值反而更长.但这种方法要求气息控制较好,停多长时间,起多长时间,保持多长时间要求相当准确.练习的时候可以放慢速度,先慢慢练,等稳定了,再提速.颤音。这可是很多朋友追求的东西，呵呵！很多人都会认为没有颤音就不够专业、不够拽。殊不知颤音在歌曲里只是一种表达方式而已，没有颤音就不能唱好歌吗？其实不然。颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动比如“刘德华”和嗓子眼的一紧一松的“张信哲”“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。 所以，还是那句话， 气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话， 有时像一种无奈的叹息， 不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全*气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可，但是你一定记住，如果你没有十足的把握把它做好的话，那你最好就不要现去模仿，特别是在录音的时候。没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧多听听刘德华的歌。他的颤音我觉得很舒服，我就是从模仿他开始的。也可以模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。不过你也可以这样想，我觉得这段历史时期流行强调颤音的唱法，也许再过5年后就不流行强调颤音的唱法了。 何必为了没有颤音而苦恼呢？ 颤音虽然能有效的渲染歌曲气氛， 深沉而具有穿透力，但我也愿意喜欢听。编辑：国际艺术界 各种快慢速的呼吸的组合,共有四种可能,只有一种可能不用,那就是慢吸快呼. 1、慢吸慢呼: 这是最多用的一种方法。很多的声乐练习曲先从这种方法入手。很多的简单的带词练声曲也是这样。大多初级的声乐曲也属于这一类型。要练好这种呼气的方法,先要有好的吸气,气满丹田,胸骨软肋向里慢推,逐渐把气压出胸腔,再由气管送到喉部供发声用。这个过程又要与歌曲节拍相适,一般前二拍呼气前一拍从容吸气,正拍送气变声,要细水长流地呼四到八拍(视乐句需要),才算完成。 2、快吸快呼: 这种方法在唱快速的练习曲和声乐曲用。属练习中较难的一种。我在实践中发现,虽然女声的花腔最多用此法,但初级时,大多女声不如男声,可能是体力不同的原故。 此呼法要在放松的基础上,借横膈的力量上下反弹,有弹性地控制气息,使每一次呼气都很准确,时值强弱恰到好处，练习时可多用狗喘气来熟练之。 3、快吸慢呼也很多用。在歌曲结尾处有时只有很少的地方可偷气,练好了快吸慢呼,你就可游刃有余地完成它。有各别曲子有机会让你一口气拖出十几拍,来展示你的呼气功底,练好此类呼法,就可以使你的歌声锦上添花。此法属较高级的练习, 放在稍后再仔细琢磨。 注意三个部分的打开:喉部大致的范围,以声带为界,上面有口腔,下有气管。 打开喉首先是把喉头的位置放到较低的部位。中国人的讲话习惯喉头会不由自主地上移。歌唱是语言的延伸,要采取更积极的方法,去降低喉位,扩大容积。我的练习是体会咽口水。先用手指点在喉结上,再用咽口水入肚的办法,把喉头移到最低,用手指辅助保持这个位置,这样先完成歌唱用的,喉较低位置。. 再体会喉的本身的活动,用形象的吞鸭蛋的方法把喉放松打开,获得比说话时有更大的活动空间。(用吸气的惊呀法也可以做到喉的打开)。喉的最上部的打开,要注意有关口鼻腔的肌肉提起。我多用体会方法是这样的:想象你面前放一枚看似不热的汤园,当毫无防备地把它放进嘴里,准备享用时,突然你感觉到它非常的烫,你想把它吐出已经来不及,只有张开喉咙把它吞下去,为了不使咽管被烫痛,你拼命张开喉管,让汤园快点通过。请你把此刻的动作和状态保持下去,直到声音从下而上自然发出毫无阻挡为止。音乐速度的表示有两种，一种是用文字来表示的，比如“快速”、“中速”、“慢速”、“稍快”等等，还有一种是用音乐术语来表示的，这些音乐术语都是意大利语，目前国际上多采用这种标记，比如：Andante（慢板）、Allegro（快板）、Presto（急板）、Pill mosso（稍快）等等。 再准确的标志就是前面所说的，标明一分钟里唱多少个几分音符，比如：=56，这个记号告诉你，每一分钟唱56个4分音符，就是说明，以四分音符为一拍，每分钟唱56拍，再比如：=72这是说以八分音符为一拍，每分钟要唱72拍。这就很具体的表明了作曲家对作品在速度上的要求。 以“王菲”为例子谈谈唱歌 2006-9-20 10:07:26 最初听王菲，只是为其动听的歌曲所吸引，容易受伤的女人、执迷不悔、季候风、如风这些旋律优秀、哀宛动人的歌曲到今天听起来依然动人心弦。渐渐发现自己竟然陷入这个有魔力的女人的声音不能自拔，只要是她唱的歌曲，我都会觉得好听。曾经看过一本杂志对歌迷的调查，很多人跟我一样，竟然也是迷恋上她的声音，至于唱什么倒不重要了。王菲仅仅凭声音就可触动我的灵魂，深入到内心最细微敏感的神经末梢。然而如果王菲仅仅是个凭声音打动我的歌手，我也绝无理由如此迷恋，很长的一段时间里，我开始琢磨何以有如此多的人如我一样，陶醉于这个女子如春燕呢喃般的吟唱。慢慢听得多了，也算听出些门道，加上与欧美一些实力女歌手唱法相印证比较，对王菲逾听逾是心惊，既惊于这个女子对于流行音乐的敏锐触觉和天赋悟性，更惊于其高超的歌艺，把声学的各种巧妙运用地蕴藏于自然平淡中。 欧美流行乐坛的唱法发展至今，早已形成一套比较独立完整的理论体系和实践范例。内地乐坛这里就不想着墨了，那英算是内地乐坛的潮流人物，唱了这么多年，直到加盟EMI出征服专辑时，才说自己真正才开始唱流行歌曲，其他歌手可想而知。现在内地不少教通俗唱法的教师，本身还是从教美声或是民族唱法转过来的，内地乐坛要在世界上闯出点名堂，还有很多年的路要走。港台乐坛因特殊的原因，与国外流行乐坛接触较早，特别是受日本乐坛的影响较大，在七十至八十年代，也只有少数比较有悟性的歌手吸收了欧美流行音乐的技巧，在一众歌手中显得出类拔萃，拿邓丽君来说，大家都觉得邓丽君的歌很动听，究其原因除了嗓音外，从唱法上比较，你就会发现跟她同时代的华人歌手与她相比落后太多。九十年代以后，港台乐坛歌手逐渐意识到唱法先进的重要性，从音乐体裁和唱腔上纷纷向欧美乐坛靠拢。这就带来一个问题，如何把外来的东西与固有的东西相融合。东方人的嗓子大多具有细腻纯净的特点，与西方人特别是黑人歌手比较宽厚的嗓音不同，一些歌唱技艺直接嫁接过来，表现的效果天差地远；语言问题也不容忽视，汉语讲究字正腔圆，古人对唱曲早已有云“字清为一绝”，与欧美唱法中发浊音甚至有时故意制造模糊的效果，要求上大相径庭；再有就是欣赏习惯，平淡自然是中国传统哲学追求的境界，这些美学原则深深地融入到艺术欣赏的方方面面，拿演唱来说 ，如果演唱中文歌曲总是听到夸张的换气，刻意地转音，久而久之耳膜会不舒服，更谈不上打动听众了。而这恰恰成为一些新生代歌手的通病，为显示自己的唱法“与国际接轨”，不讲究歌曲表达的意境，没来由的炫技，结果以技害意。 这也正是我要把王菲列举出来的原因，不仅仅是为我是她的歌迷，更因为她的唱法对华语乐坛具有着建设性的影响。华语乐坛的发展是一个从学习到回归的过程，欧美的唱法对华语乐坛来说，绝不能是简单模仿，某些音乐人教学生，给学生定一个国外歌星，让其去模仿，这是很可悲的。学习是应该的，借鉴是可以的，更重要的是要结合东方人自己的特点，把欧美的演唱技艺融入到自己的歌艺中去，成为表达歌曲内涵的一种需要。 王菲最可贵的就在这里。在她的演唱中，你几乎找得到全部演唱技巧中想要的理想效果。什么混音唱法、气声唱法、高低音转换的平滑、真假换声点的模糊、共鸣与气声的融合样样俱美。其唱腔既有传统的演唱技法，又吸收了欧美流行乐坛唱法的长处，时而还借鉴美声的技巧，但是其演唱却是完整统一的，各种技艺在其近乎完美的控制下，青山隐隐归于平淡，若是细心体味，却又是无声处听惊雷。 曾经在十面的王菲，蜕变的精灵一文中谈到：“简单地可以把王菲的每一次进化都视为主流和另类之间的摇摆，这也符合事物循环发展的规律。每一次轮回，王菲就获得一次蜕变的成熟，愈变愈见精致，愈变愈见大气，王菲是一个综合的矛盾体。而统领这一切的，是王菲天籁般的音质、超凡的歌唱技艺以及惊人的音乐悟性，三者缺一不可，为王菲赢得了在音乐王国中自由的权力。”不错，任何一个成功的歌手而言，美妙的歌喉是歌手吸引听众的基础，也是驾驭演唱技巧的基础；超凡的歌唱技艺是歌手表现的手段，技艺越精湛纯熟越能够游刃有余地演绎歌曲；音乐悟性则是歌手能否适应不同的音乐体裁，以及表达歌曲内涵的关键，同样一首歌曲，不同的歌手演绎出来意境和听者的体会都是不同的，其实跟歌手自己的音乐修养以及风格有关系。作为一个歌手，能够“自由”，我想这已经是音乐修养的极高境界了，而在自由的前提下，从歌曲的表达需要出发，有所为有所不为，则是至高境界。李宗盛评价王菲王菲（97）专辑，认为其“放弃了技艺”，其实不过是一种反璞归真的表现罢了。这里需要说明的是，自由是指歌手充分发挥自己的潜能，最大限度地实现音乐表现的张力，“自由”是相对的，自由不是万能，非要王菲像玛丽亚.凯丽那样发出海豚才能发出的声音是没有道理的。 欣赏流行歌曲，听声为下，听技为中，听境为上。对于歌曲的内涵与竟境的表达，写来有些抽象，另文撰出，本文仅从王菲的音色和演唱中常见的技艺入手，对王菲的歌唱艺术作些分析，与音乐爱好者们共同探讨。 音色三美： 王菲天生是华语乐坛罕见的美嗓，真声亦具有美声歌手嗓音的某些特质，通透明亮，高音铿锵有力，低音自然柔美，不需要用太多的气息和共鸣即可演唱出亮丽饱满的音色，这为其采用气声和假声演唱一些高难度的歌曲获得了常人没有的先天便利，因为转换更加自如。从王菲本身的嗓音来说，最大的特点是空灵，这也是很多人把王菲的嗓音形容为天籁之音的原因。这就像是上帝吻过她的嗓子时留下的印记一样，无论王菲演绎何种类型和风格的歌曲，都会有着与众不同的味道，因为她那空灵的音色。华语乐坛有过不少女歌手模仿王菲的唱腔，最后都不会成功，技艺上难以跟上是一个原因，天赋的嗓子那更是学不来的。你可以说陈琳、金海心、许茹芸、许美静像王菲，并且找出这样那样的理由，然而他们都没有王菲的特点空灵。 空灵之质通透 声音的质感是音色的主体，王菲的音色质感之美，犹如柔润透明的美玉、清澈见底的溪流，又如澄净深遂的天空，穿透感极强。加上气息的通畅，使王菲的声音天生具有特殊的美感，不需要特别地调整呼息即可发出动听的声音。这种通透的感觉让人聆听王菲的歌曲有种醍醐贯顶的快感，又如盛夏咀嚼冰片般地惬意。像迷、天空、菲靡靡之音这些专辑不用说了，97年以前的王菲演唱方式真声运用相对较多，高音部分也是以欢快明亮的真声直冲云宵，很多经典名曲都是体验这种快意的素材，如梦中人、誓言。97年以后的飞、催眠等也是透明音色的集中体现。 空灵之锋光泽 质感是音色的主体，那么光泽感则是音色边缘的锋芒。王菲的音色具有一种很自然和谐的金属光泽。唱高音不散，唱低音不粘，唱强声不噪，唱弱声不虚。即使只用很少的气息，发出的声音依然聚而成形充满光泽感这其实是很高明的共鸣技巧。说到这里，拿当年的相约九八来作个比较，按说那英的嗓子比王菲的厚实，然而合唱部分王菲的声音却比那英的嗓子抢耳朵，就是这种具有金属光泽感的共鸣音的作用，能够聚声合气，使王菲的嗓子犹如一把锋利的宝剑突围而出。像98年的唱游专辑里面的歌曲，特别是脸、半途而废、小聪明都是体会这种光泽感的典范。 空灵之彩飘渺 王菲嗓声变化之妙，在于共鸣与气息之间的转化。根据歌曲内容的需要，王菲略略放松声线，融入气声的技艺，即成似断还续的飘渺稀声。曾有个别台湾歌手从自己的角度出发，说王菲的声线“飘”，对自己无法企及的领域妄加批评。试想，如果歌曲都以她那样的密实的方式去演唱，流行歌曲也就没有变化可言了。王菲的飘渺是空灵音色加上气息运用结合而成的艺术效果，王菲歌曲中的华彩乐章，往往就是以这样的音色和表现手法去完成。听听王菲的天空、彼岸花等曲目，空旷高远的意境即由飘渺的音色而来，展示出歌曲独特的风格。分裂这首歌曲，唯有王菲以飘渺迷幻的唱腔方能演绎得入味三分。王菲还有首歌曲叫飘，当真是歌如其声，空灵飘渺如天音遗世，听之令人痛入骨髓。 唱法六妙： 唱法与音色的表现是相辅相成的，科学的唱法不仅能够使歌者更容易驾驭歌曲，也能增加音色的表现力。试把92年以前的王菲与之后的王菲相比较，虽然之前的王菲也是好嗓子，但是却不具有后来的王菲那摄人心魄的声音魅力。从美国归来的王菲，以前不少乐评人只注意到其soul唱腔给香港乐坛带来的冲击，实际对王菲而言，整体唱法上的提升，使声音的表现力流光溢彩，才是最重要的，也是她至今仍能屹立华语乐坛巅峰的主要原因之一。可以这么说，没有后来唱法上的突破，就没有今天我们所听到的王菲。 王菲唱法的最大意义在于，吸收了产生于欧美流行音乐特别是黑人音乐的一些技法，结合自己嗓子的特点和传统技巧，通过自己的摸索，找到了融合的方法，并对一些技巧运用程度达到了相当的高度。因此，我才敢断言王菲的唱法对华语乐坛有着建设性的影响，有不少歌手模仿王菲，这实在是一点也不奇怪的事，对此应该是一种宽容的态度，或许在她们的模仿中，还能继续发展这条路子。以下把王菲演唱流行歌曲时的一些常用技术稍作评述，虽然一孔之见，未能概全，但管中窥豹，亦能睹见冰山一角。 1、气声与共鸣 国外一位著名音乐人指出：“谁控制了气息，谁就控制了歌唱。”气息是演唱歌曲的支撑，也是变化的支撑。强弱的变化在于声，虚实的变化则在于气了。 如果把声音的表现分成两端，一端是充分共鸣的亮丽饱满音色，一端是气息流动的放量，这两端中间的过渡带，即是王菲千变万化的音色表现，或清晰或模糊、或明或暗、或刚或柔、或厚或薄，这其实就是气息的控制所产生的变化。王菲属于气息悠长的歌手，在这方面有着先天的优势。 以前很多歌手，演绎歌曲只知要通过共鸣产生饱满圆润的声音，这跟中国以前的民歌和美声的教学方法有关，在以前很多年的时间里，中国是没有真正的流行音乐的，不充分共鸣和气息的掺入恐怕算是离经叛道，“气声”以前在国内的音乐教学中是被教师告诫要避免的。而在王菲的你喜欢不如我喜欢中，她在前半段甚至差不多放弃共鸣，但效果是好的，能够表现一个女人自怨自艾的心态，但这些方法与传统方法是格格不入的。不充分共鸣和气息的掺入之后，如何能够保持声音的美感？这就是技巧问题了。关键看如何保持声音的质感。 拿矜持这首歌来说，这首歌是能够体现王菲运用气声的很好的例子。这首体现少女纯净细腻情感的歌曲，需要极柔婉纤细的声音去表达，很多句尾都是以气声演绎，王菲的声音已小如蚁语，气息已收到细如发丝，但声音仍清晰可闻，质感仍在。王菲能够把少量的气息，聚于一线，即使再少的气息，也能发出有质有形的声音。我认为流行歌曲唱高音其实还未如唱弱声困难，主要是如何弱而不虚，不要成为没有质感的喘气这点比较难。这需要歌者极高的控制力。 再看气声与共鸣的融合，王菲的声音能够在清晰与模糊间自由流转，如行动流水，绝无滞涩。听听王菲的天空，这种气声与共鸣融合流转的功力几达华语乐坛登峰造极之境。 2、真声与假声 前面说过，王菲的音质天生具有美声效果，加上技巧的纯熟运用，这使得真假声之间的界限变得不容易分辩。据我看来，王菲是十分懂得演唱中的“关闭”技巧的，向来很多歌手只懂得打开，希望唱出的声音又响又亮，这样最终会输于变化，打得越开，越不容易实现转音的平滑过渡。王菲无需要太多的气息，即实现了圆融清澈的共鸣，在转音之前，气息瞬音关闭，即调整到假声的演唱状态。真假音之音的过渡平滑自如，无迹可循。初听王菲时，总感觉王菲虽然唱腔中有变化，但变化在哪里却不容易听出来，其实就是转换技艺的高明，既能模糊换声点，又保持声线的舒缓自然，以免技艺的运用损害了歌曲的意境。近年来王菲对于假声的运用更是逾加纯熟，随心所欲，毫无征兆可言。 说到这里，仅拿一首半途而废就可说明。半途而废是一首难度很高的歌曲，节奏是比较明快的，特别是后面的华彩部分，这种快节奏歌曲要频繁采用真假声转换本已不易，由王菲演绎开来，已经达到真假声的完整统一，浑然一体。 在一些比较具有艺术性的歌曲中，可以说假声是必要的手段，也是歌曲风格和意境的需要。试想如果王菲的新房客后面的高音部分，去真声去唱“哪里找一切很好”这些字句会是什么效果？肯定大煞风景。并且王菲的假声也是一种十分艺术化的假声。即使是在采取类美声的假嗓唱脸、寒武纪时，也可明显感觉王菲的假声既不同于专业的美声，也不同于一般流行歌手的假嗓，实则是采用美声歌手的发声位置，把发声点向后调整，而唱法实则还是流行歌曲唱法得到的特殊效果。 3、颤音与挫音 应该说，流行歌手中大多都是懂得用颤音的，王菲只是比较出色而已。就像是人声的“揉弦”，延长音中如果没有揉弦，效果就会觉得干涩。拖长的尾音是王菲的演唱特色之一，因此颤音的运用就十分重要了。动听的颤音来源于原音高和低于原音高四分之一或二分之一之音的来回交替。如果觉得这样说不够形象，就去听听王菲唱游专辑中的飞、你。在王菲的歌曲中，很多颤音的运用早已不仅是声音的技艺，而是表达情绪和拨动心弦的利器了。 把挫音在这里提出来，只是因为同样是王菲处理歌曲字句尾音的方式。这种挫音也时表现为气息的突然中断，如天空里唱到“藏着是谁的思念”，“我们天空何时才能连成一片”、“叠着层层的思念”等句，尾音尽头突然中断，让听者感受到一种顿失所爱般的痛楚，中断之后再衔接，再给人一唱三叹的韵味；也时表现为声音的以急速的气流回收，像感情生活唱到“听得不好意思寂寞”，尾音以气声快速回收，表达的情绪感十分强烈；有时还表现为尾音的突然降调，如过烟云烟里最后一句拉长的尾音，微微一颤就转为降调，比较生动地表达了歌者的无奈的心绪。这些处理方式在王菲的歌曲中还有很多，感兴趣的可以自己去听。 4、咽音 王菲的咽音唱腔技术当初是脱胎于小红莓乐队的主唱Dolo