水彩教学计划（共18篇）

水彩教学计划（共18篇）第1篇：水彩教学大纲《水彩画》教学大纲适用专业：三年制（专科）总学时：18学分：1编号：一、课程性质与作用水彩画的学习，使学生掌握一定的色彩理论知识和自然光色变化规律，熟悉水彩画及其工具材料的性能特点，使学生在绘画中将感性认识理论化、科学化，并运用正确的观察方法和表现技法，运用理论知识指导水彩表现技巧，提高学生水彩修养的创造性和水彩的思维能力。通过本课程的教学，解决造型艺术中诸多最为基本的问题，从而逐渐在技术和经验的获得中具备表现自然的能力，为独立地进行艺术创作做准备。通过静物写生或外出风景写生将色彩理论与水彩实践相结合。初步了解水彩艺术中“水”、“色”、“时间”三要素在作画过程中承担的重要作用；了解由水彩丰富的偶然因素所产生的水彩画独有的艺术魅力，并在此基础上学习优秀作品成熟的绘画理念，开拓眼界，提高个人艺术修养。二、教学目标水彩画教学的目的综合起来有以下几个方面：1、了解色彩的艺术特点以及形象与色彩的相互关系。2、掌握水彩画的特点和写生步骤与方法掌握工具及材料的应用。3、正确地运用色彩观察方法，从整体出发，通过对比区别色彩倾向，表现出他们之间的色彩关系。在写生过程中逐步掌握色彩调配，色彩对比和谐调等规律。4、掌握用色彩塑造形体，表现立体空间的方法。5、通过写生了解水彩画的各种表现技法，掌握构图的基本原理，提高组织画面的能力。、6、认识画面整体关系的重要性，提高驾驭画面的能力。7、具有对色彩的记忆、想象在创作中运用的能力。（三）观察研究摆在初学者面前头等重要的大事是培养正确的观察方法，在作画之前，先将静物之间的各种关系进行整体观察和分析，而整体观察应始终贯穿在整个作画过程之中，要从色彩诸因素的相互联系中观察色彩。从相互比较中找出色彩变化关系，在变化中找出主调色彩，要敏锐地捕捉色彩总的倾向，确定基调，然后再进一步分析研究局部的色彩关系。但又不能陷入局部孤立地观察色彩，还要回到整体以观察色彩。（四）水彩画写生的方法和步骤1、构图与画轮廓，构图应注意研究以下几个方面：a、对对象的位置、结构、比例、形体特征要准确而肯定。b、物体、景物、人物的位置距离要有疏密、主次、远中近的变化。要注意视点的高低、角度与表现内容的情感联系。2、铺大色调3、大体塑造4、深入刻画5、整体调整四、教学实施建议（一）课时安排《水彩画》课程于第三学期内开设。授课每周2学时，共9周，合计18学时。各章节教学内容的学时分配如下：第一章概述（2学时）第一节水彩画的概念及特征第二节水彩画的起源与发展第二章水彩画的工具和材料（1学时）第一节水彩画的工具第二节水彩画的材料及特性第三章水彩画技法（2学时）第一节基础技法第二节特殊技法第四章静物写生（13学时）第一节水彩写生的步骤与方法-345-人民美术出版社中国建筑工业出版社第2篇：水彩风景画法教学风景写生的特点风景与静物不同的是，静物可以由人来支配组合，人为的因素比较多，而风景则更加自然原本，不受画家的情感的支配，只是画家在选择和描绘时才加入了感情的因素，因此风景画更能锻炼画家的观察力和概括力。在画风景的过程中，应选择不同的内容来训练绘画的技巧。如同一风景在不同的季节、气候及光线下的变化，可用水彩画的干湿的不同技法来表现不同的内容、气氛和色调。如：雨天和雾天的景色就适合用水彩的湿画法来表现，晴天和阳光下的景色则适合干画法，而有些景色则需用干湿结合的画法来表现，要根据不同的对象特点灵活选择相应的技法，以达到画面的完美。风景画中很重要的一点就是取景，也就是我们的视角，应从绘画的角度出发，强调绘画的特殊语言，用造型、比例、色彩、构图和色调来表达我们的情感世界。在这里介绍一点最基本的水彩技法，当你通过自己的实践的积累，经验丰富之后，具体画什么就不成问题了。画得好坏就看你是否经常练习了。风景写生的空间处理初画风景的时候常会碰到如何处理空间的问题，所面对的景物空间可能是十分复杂的，要比在室内画静物时的空间复杂了很多，该如何解决这个问题呢？以下几点是一些有效的办法。1.处理好画面景物的明度变化色彩的明度变化可以很自然的给画面拉开空间，一般来讲，远景的明度比较高，近景的明度比较重，如：当观看群山的色彩时，就会发现群山远近的色彩明度变化了。2.刻画的精细程度对空间的影响一般来讲，在一幅画面里刻画比较精细的物象会在视觉的前面，更引起观者的注意，相反则会在视觉的后面，比较虚。3.色彩的纯度（彩度）的处理在人群中最能引起注意的是身着鲜艳色彩服装的人。同样画风景时，就应将前面的物象或主体的颜色画得纯度高一些，远处的物象及次要的物象的色彩纯度画得低一些。4.色彩的冷暖对空间的影响一般来讲，暖色给人近的感觉，冷色则给人远的感觉。在处理画面时应用比较暖的色彩来描写前面的主体，用比较冷的色彩来表现后面的次要的东西。5.笔触的处理在一幅画面里，一般笔触大而明显的部分会更触动人的视觉，更引人注目，而笔触小而模糊则会引不起视觉的关注。所以描绘的过程中一定要考虑笔触运用对空间的影响。6.光影对空间的影响在一组风景中，光影的变化会对空间产生很大的影响，光影的对比愈强烈愈会加强画面的空间感，我们要加强画面主体及前方物象的光影对比，远处及比较虚的物象则应减弱光影的对比。7.干、湿画法的运用水彩画的实践证明，干画法与湿画法的不同运用对空间的变化有着十分明显的影响，一般我们都会用干画法来表现前面的主要物象，用湿画法来处理远处的比较虚的物象。8.不对称的形象可加强空间感我们在画风景时要尽可能不让画面上出现对称的形象，因为对称的形象会使画面缺少空间的感受。另外我们还可以在画面上人为的点置一些小动物或一些与画面有关的器物及图案和肌理来处理画面的空间。风景写生步骤白桦秋色（渲染法重叠法），水彩风景步骤图。用HB铅笔画出白桦树的姿态。将白桦树干及主要的技子用遮盖液涂上，树干下面的草地部分，用蜡笔不同的冷暖色点出不规则的点子（省略图例）。将天空、远山和近处的草丛的颜色涂出，涂色彩之前先将纸面用清水打湿，草丛涂上色彩后，用了喷水、弹色及撒盐的方法，产生了丰富的肌理变化，使草丛色彩更加丰富生动。将画面上所有的遮盖部分用橡皮擦去，之后深入的刻画树干部分及树枝的变化，点出树的叶子，调整画面的关系，丰富草丛的色彩。这幅作品采用的是渲染法和重叠法，表现深秋时节白桦树的姿态及优美的秋天的色调和丰富的色彩变化。强调白桦树的动态表情和特有的高雅的性格、画树木时，一定要了解树的生长特点和它结构的特征，用生动的形态来表现它们的个性和精神。第3篇：水彩人物画法教学1.人物写生的特点在水彩画中水彩人物是比较难掌握的，不像静物和风景那样可以把对象随意的增减、修改比例、变换色彩，它要求有十分准确的造型能力和良好的素描功底，特别是人物表情和动态神色的刻画需要画家有十分深厚的功底。人物的肤色变化是非常微妙的，在不同的光线和环境中肤色的变化就更加丰富了，我们须在纸湿的过程中来表现颜色的变化，使颜色相接的比较自然生动。要抓住大的肤色基调，大胆的概括，下笔干净利落，不拖泥带水。初学者可多画一些淡彩人像和人体速写，这对提高技法是十分有益的。2.人物写生分类①头像：在画人物头像时，首先要注意面部的结构及肌肉的变化特征，抓住大的色调及冷暖关系，强调五官神态及微妙的色彩变化。画头发时不要只用单一的墨色来表现，要考虑环境色及淘汰色对头发的影响，强调冷暖色的对比。画的过程中适当的加入一些褐色或普蓝色倾向的色彩，可使头发的色彩变得生动而自然，还要注意干、湿画法的结合运用及高光的处理，画面的高光最好是留出纸的空白。②半身像和全身像：画半身像和全身像时，要处理好面部色彩与服装色彩之间的关系，注意手和脚的刻画，还应注意人物与背景的构图处理。肤色的变化直接受到服装面料颜色的影响，要仔细的观察对比光源色及环境色对肤色的变化所起的作用，同时也要主动的处理好画面的主次虚实关系。处理服装时要从画面的整体出发，色彩及图案要恰到好处，不可喧宾夺主。③人体：用水彩来表现人体是有相当大的难度的，要求你既要有严谨的造型能力，又要有表现色彩的丰富的经验。我们要认真了解人体的结构特征及肤色的变化特点，做到胸有成竹，一气呵成。3.人物写生步骤太行山娃。①用HB铅笔起稿子，注意造型和素描关系，为上颜色打下好的基础。②画出小山娃的面部色彩及衣服的大的色彩关系，下笔要大胆准确，不可拖泥带水。面部是先用清水打湿纸面，之后再上色，并画出大的明暗关系，使颜色的衔接比较自然。③进一步刻画面部的色彩变化及头发的颜色，将衣服的色彩及衣纹深入表现。④将背景颜色全部涂上，调整人物的面部色彩，刻画面部的神态，画出衣服的花纹和背景的色彩，画背景要注意虚实的处理及冷暖的变化。这幅人物作品是要表现太行山区的农家小女娃在上午的逆光环境下的动人的神情。面部的神态在逆光的条件下显得比较朦胧，裤子的鲜艳的红色同背景的色彩形成强烈的明暗及色彩的冷暖的对比。画面是要强调小女娃的面部神情，背景画的比较写意，增加了画面的虚实效果，突出了主题。画人物是比较复杂的，即要有严格准确的造型，又要有丰富微妙的色彩变化，要学会用色彩来塑造形象。第4篇：水彩教案水彩画教案第一章水彩画概述一、授课名称：水彩画概述二、教学目的：了解水彩画的形成与发展历史以及现代水彩画的现状和流派。三、教学要求：掌握水彩画的发展规律。四、教学重点和难点：五、1、水彩画的特点；2、水彩画的演变以及代表画家。六、教学方法：讲授法七、教学手段：以理论讲述为主，并辅于图片和多媒体教学。八、教学内容：一水彩画的概念什么叫水彩画？它的概念的内含和外延是什么？水彩画用水调彩作画，可分广意和狭意两种。广意的水彩画是指用水调彩进行描绘的一种绘画形式。如果以此为定义，那么水彩画会由于自身外的广泛性而把多种不同手段画成的作品都包括进来，如中国古代的壁画和以后的彩墨画、水粉画，西方的某些湿壁画、蛋彩画作品，甚至史前文化中的岩洞画等。西方将我们所说的水粉画称作不透明水彩画，而我们所说的水彩画则被称作透明水彩画。狭意的水彩画是用水调特制的颜料。（大多为透明和半透明的），在特制的纸上进行描绘的一个画种。这种意义上的水彩画，是近代从欧洲发展起来，其历史不过三、四百年左右，传入中国只有百余年之久。经过几百年的发展，水彩画已形成一整套完整而又独特的技法，它以其轻快、透明的色彩效果，淋漓酣畅的技法特点而有别于与它同时发展起来的油画及其它画种，并以其特有的审美价值而独立存在，从而受到人们的青睐。本章我们所学的正是这种意义上的水彩画。二水彩画的特点水彩画的特点，即其与水粉画、油画等其它色彩画相比较，其特殊的、突出的不同之处。水彩画用水作为调色的媒介，通过“水”和“色”的相互作用，使画面具有清淡、透明、轻快、流畅和润泽等特点，能获得特殊韵味的效果。关于水彩画的特点，曾有不同的描述（1）“清淡、透明、清新、明快”；（2）“空灵、明净、流畅、洒脱”；（3）“善于表现朦胧美”；（4）“水和色交融的谐趣”。这些都从不同方面阐述了水彩画的特点，且都有一定的道理。如果将油画艺术比作交响乐，那么水彩艺术则好比是轻音乐；将油画艺术比作文学作品中的大本小说，那么水彩艺术则好比抒情诗歌。19世纪美国著名水彩画家和理论家拉斯金曾对水彩画做过这样的描述：“水彩在画家的处理下，水滴和它明快性质所形成的幻想与造化，溅泼的痕迹，凝结的色块，以及斑斑的粒状虽然对于画面的表现没有什么意义，但由它偶然产生的梦境似的造化，清新的趣味，明丽的色调与松柔的感觉，是其它材料所没有的”。这完全阐明了水彩画的特点。实践证明不少成功的水彩之作，都是有着随意性，并且产生了偶然的效果，所以水彩画的过程即“寓画于乐”。另外，水彩画与油画和水粉画等相比，其工具轻便，携带方便。中外有不少画家外出写生或搜集创作素材，喜欢用水彩画这种形式去表现。加上水彩画材料价廉，所以世界上不少国家和我们国家的中、小学、中等师范学校及高等师范院校的美术学专业、高等美术院校的美术教育专业和国画专业等，都把它既作为色彩基础课，同时又作为专业课。当然，由于工具、材料等因素，水彩画与油画等其它色彩画相比较，也有其局限性，如画幅不宜很大，颜色衔接困难，不宜多遍修改，要求下笔前做到胸有成竹，这些也是水彩画的难度之所在。三水彩画的起源与发展（一）水彩画的起源水彩艺术起源于欧洲，这个观点已被美术史学家们所公认。古埃及时代就有人以水为媒介剂调合颜料在草纸上作画，中世纪的欧洲人也曾使用类似的方法，绘制祭祀的手抄经本里的插图。14世纪欧洲已开始用水墨单彩的形式来起壁画稿，佛罗伦萨教堂里的壁画就是见证。美术史学家们认为这是水彩画的初级阶段，还不能算是完全的水彩画，因为它不能完全体现水彩画中“水”和“彩”的特点。15世纪之前，欧洲的画家们已经使用水和胶调合透明、半透明的颜料在羊皮纸上作画。那时的色彩颜料种类不多，画家们用水彩颜料也多以单色为主，当时的水彩和素描是不分家的。文艺复兴时代，有些画家开始尝试用多种水彩颜色作画。由于当时的画家正热衷于油彩绘制架上油画及宏大人物场景的壁画，只是在素描或画稿中才偶而使用水彩，颜色也很单调，主要是为素描画稿涂一点明暗调子，作为一种素描技法的补充。这是因为16世纪的欧洲，虽说商业资产阶级已经崭露头角，但整个社会的经济还处于较低的水平，世俗的需要决定艺术商品市场的繁荣，这样，水彩画的发展就缺少了有力的支柱。另外，水彩画又受技法所限制，无法适应当时巨幅画作的特定要求，所以，到了17世纪甚至18世纪初，水彩画在欧洲的发展还是相当受限的。尽管如此，在15世纪未至16世纪初，水彩画已经脱颖而出，并逐步走上独立发展的道路这一史实，是应当肯定并给以一定评价的。德国美术大师丢勒（1471—1528）利用水墨技巧发展为比较完整的水彩画，被公认为欧洲第一个作水彩画的画家。作品有《大草坪》、《阿尔卑斯山》、《一簇樱草》等。其水彩画精细、工整，并略施以粉质。虽然他的作品在技法与色彩的运用上还比较简单，但作为独立的水彩画作品与世人见面，无疑是开日后水彩画之先河。在德国画家中，霍尔拜因（1497—1543）和克拉那赫，以及意大利的彼罗西奥都曾作过水彩肖像和其他题材的水彩画。（二）尼德兰诸画家的水彩画十七世纪是欧洲油画发展的繁荣时代，这一时期的著名画家鲁本斯及其门生凡·代克也常常喜欢用水彩画一些习作。在十七世纪中叶脱离西班牙统治下的尼德兰而独立后的荷兰，因为航海业发达，人们眼界大开，教育普及，思想自由，科学迅速发展，商埠的开拓使社会经济大大繁荣起来，人们的物质生活水平也得到了很大的提高，追求生活幸福美满，及时行乐成了新兴资产阶级的生活风尚，这也就促进了艺术的兴盛，并使艺术摆脱教会和贵族的束缚，朝着商品化的方向发展。当时中产阶级平民百姓的一般家庭，都有购买绘画作品的能力，挂藏艺术品成了一种风气，在油画方面，荷兰小画派就是在此时应运而生的。在这种情况下，同样是反映世俗生活情趣或典雅的自然景色，而材料、工具乃至作品售价都并不昂贵的水彩画，经由画家刻意制作并在艺术市场上出售，自然会同小油画一样为顾主所采购了。这些水彩画家，包括著名的沙维利（1576—1639），亚维甘蒲（1585—1634），奥斯达特（1610—1685），埃沃汀根（1621—1675）等，他们现存的作品有《冰上高尔夫》、《在室内玩棋的农民》、《山路》等。荷兰这一时期的水彩画，继承前人之开端，向独立发展的方向迈进了一大步，在运用色彩方面也有所突破，但从水彩技法的角度看，还未臻完善，也由于以伦勃朗为代表的众多油画巨匠的作品的夺目光辉，它们几乎完全为历史所湮没，以至后人对荷兰这一时期的水彩画作几乎一无所知。十七世界的荷兰绘画，在世界艺术史上可谓奇峰突起，对后来的欧洲绘画产生了极其深远的影响。而就水彩画的发展来说，他们的水彩画对继之而来的英国水彩画的兴起，其意义是应予肯定的。（三）英国水彩画的兴起水彩画取得长足发展，始于十八世纪的英国。英国资产阶级革命的成功，使它在以后的两个世纪里逐步上升，为欧洲主要的资本主义强国。工业革命、军事及科学技术的进步，是促进英国民族文化艺术形成和发展的根基。英国较早的水彩画，主要是在地形景物测绘方面的实际应用，以适应科学研究、航海、军事需要为目的而逐步发展。有关机构都雇用了专职画工从事地形图的绘制工作。这种地形图是以素描加水彩的形式，将某地的环境、地貌精确地描绘下来。最初的地形图毫无艺术性可言，但随着画工们不断改进、完善他们的地形图，多种多样的水彩形式也随之带进了画面。这种地形图也因为在绘制过程中，渐渐地被注入了画家的感情而各具特色，因而，除了作为工具而应用外，这些图画也同时兼备了具有相当欣赏价值的美丽风景画了。保罗·桑德比（1725—1809）就是这样一位出身绘图职业画师的水彩画家。他曾受聘于军事当局从事地形图的绘制工作。从青年时代起，他就借工作之机，对英国的优美自然景色作仔细的观察体验，并不断提高自己的写生能力。后来定居伦敦，以绘画及教学为生。桑德比毕生从事水彩画的研究，并集前人之大成，创造了用多种色彩点染描绘的形式，使水彩画技法取得了重大突破。他的水彩画多取材于乡村人物和风景，形式朴素简洁，感情真挚，充满牧歌式的情调。桑德比在水彩画方面的贡献，使他成为英国水彩画之奠基人。十八世纪英国的水彩画坛，其始可分为写实与浪漫两大派。写实派的代表当推桑德比，而浪漫派则以柯岑斯（1752—1797）开其端倪。前者对景物以如实描写为本，且着重英国本土的风光。而后者则以想像力纳入他们理想的构图中。而他们的作品，亦多仿照十七世纪的理想画面。柯岑斯始受其父老柯岑斯的画风影响，后在旅游欧洲大陆时眼界开大，与瑞士的水彩画家接触并受到阿尔卑斯山的雄伟风景和意大利风光的熏陶，使其具有独特诗意的创作风格得到了发展。在他的作品中，阳光和天空的描绘极富浪漫的戏剧性效果，他的阿尔卑斯山的风景画充满动人的神秘气氛，他善于在小小的画幅里，表现出崇山峻岭的万千气概。他喜欢用蓝绿、蓝灰的沉着色调，在迷离的山川水色中自然地流露出一种莫名的伤感。小柯岑斯名噪一时，其后的泰纳和格尔丁均深受其技巧之感染。（四）水彩画的繁荣时代从十八世纪中叶起，英国水彩画日益趋于完美的境地;到了十九世纪上半期，英国的水彩画在世界画坛上放出了异彩。英国水彩画之兴盛，自有其内在因素。一是英伦三岛气候湿润，经常笼罩在雨雾弥蒙之中，大自然的光线及色调变化迅速而微妙丰富。水彩是表现这种自然景色最具长处的恰当而轻便的工具。尤其是十八世纪末叶，英国有了专门制造水彩画纸及颜料的工厂，工具材料的改造使画家们如虎添翼；再者，工业革命以来英国的社会及自然环境的崭新面貌，激发了画家们的爱国热情，他们试图以水彩画创造出一种表现英国风景的艺术形式以抒发自己对时代的感受，画家们以当时英国的铁路、火车、工厂和桥梁工业化的产物作为主题。他们勇于突破前人因袭古典主义构图、优美典雅的背景、古典神话的主题三者合一的虚假的成规及矫饰的画风，从而直接走上研究和表现自然之路。他们历尽艰辛，契而不舍地探索，使英国的水彩画从形式到内容都开创了新的面目。这一时期的英国水彩画坛名家辈出，他们在前辈水彩画家的成果的基础上，创造了多样的新的水彩技法，大大地丰富了水彩画的表现力，并使之日臻完善和成熟。因为不满于皇家画院对水彩画的歧视，水彩画家们于1804年成立了水彩画会。华里（1778—1842）是创始者之一，他是一位敏捷的画家，根据一定的形式作画，清新趋时，以应市场需求，但其作品缺乏一定的深度。其后，觉斯（1783—1859）和荣特（1784—1849）等人的加入，使水彩画会逐渐成为一个有实力的艺术群体。觉斯擅长以水彩画法捕捉自然界倏忽间的变幻，笔法强劲，色彩丰富透明。荣特则善以朴素平凡的乡野景色表现宁静的诗意的美。他的画被认为是能充分显示英国水彩多次重叠画法的特色的作品。科特曼（1782—1842）生时并无盛名，死后则被认为是天才。他的画有独创性，把对象简化成图案式，以抽象观念观察事物的趋势，当时被认为违犯常规，但无可否认他有杰出的艺术技巧和灵感，简明概括，富有表现力，如其作品《玛尔坑》等。尽管水彩画在那时已经很受公众欢迎，但对于保守的皇家画院来说，水彩画只是不登大雅之堂的小品而已；官方的皇家画院从没有为水彩画举办过任何专门的公开展览，而在综合的展览会大厅中，水彩画在夺目的巨幅油画的映衬下，显得如此的微不足道，以至往往被看惯了大油画的观赏者所忽略。因此，为了争得自己应有地位的水彩画家们，除了组织水彩画会与之对抗之外，一些有志的水彩画家在受到排斥和压抑的逆境中，举起了要使水彩画在展览会中与油画分庭抗礼的大旗。格尔丁和泰纳等人，向油画展开了挑战。他们在画面效果上向油画看齐，力求水彩画画得像油画一样厚重、丰富而有深度。因此，在一段时间内，巨幅而低调的水彩画大量涌现。在技法上，他们主要是采用反复层层叠加的办法，对景物进行细致深入的描绘，用这样的办法画出来的水彩画，色彩和谐而丰富，并且呈现出一种浑厚、深沉的画面效果；但与此同时，却使水彩画出现灰暗污浊的弊病，失去了颜色透明，运笔酣畅的特点，而这点正是水彩画较之油画的最大优点。水彩画家们很快醒悟到自己走了弯路，于是不断探求和改进，使水彩画达到既能发挥轻盈明快之所长，又兼得浑厚而丰富的生动效果。经过画家群体的共同努力，他们终于在英国画坛上，将水彩画推向能与油画相抗衡的殿堂，成为当时世界艺坛上一枝独放异彩之花。与此同时，英国也就产生了一批才华洋溢，声名昭著的水彩画家。主要有：格尔丁（1775—1802）其水彩画多描写古代建筑和广阔的原野，起伏的田畴以展示无限的空间。他与泰纳等画家共同开创英国水彩画的新路，可惜未能尽展才华而年青早殁，只活了27岁。他的水彩画直接影响着同辈画家如泰纳以及后来者。在这个意义上，他是十八世纪的素描染色水彩和十九世纪以色彩为主表现对象的水彩画之间的桥梁。泰纳（1775—1851），自幼喜爱绘画，1789年进入皇家美术学院学习，翌年，以他的第一幅水彩画在皇家美术学院展出，1802年，年仅27岁的泰纳，被选为皇家美术学院正式院士。泰纳是一个勤勉而多产的画家，一生中作过许多水彩、素描、油画。年轻时起，便蜚声世界画坛。他与同时代的另一位画家康斯太勃，对英国美术的发展，特别是对英国风景画独立风格的形成做出了巨大贡献，对后来法国的印象派绘画也产生了很大影响，他们被认为是英国最伟大的画家。泰纳一生创作了数以万计的水彩画作品，最初以传统的地形景物画法画风景，后受十七世纪荷兰风景画和古典派风景画的影响。尔后，游历欧洲，并且画风渐变，一反意大利风景画的矫饰之风，面对大自然，画出质朴的作品来，并逐渐形成了自己的风格。他的作品，摆脱了过去色彩受素描限制的束缚，致力于用色彩表达光的效果。康斯太勃说他是以“有色的光流”作画。他中期以后的作品，抛弃了前期作品中那种四平八稳，记录详尽的画法，到了晚期则更强调绘画性和写意。从《着火的房子》、《日出》两幅水彩中，可以看出他以极其洗练的笔法进行写意的高超技巧。他画水彩，非常注意恰到好处地利用在绘制过程中画面上出现的美妙的偶然性效果。另外他的水彩写生方法亦很值一提，他到户外写生，常常只打铅笔稿，然后回到工作室，依自己的视觉记忆进行着色加工，并且往往是多幅画同时并时。据说他乘船游弋威尼斯大运河时，曾于一天画出八十幅画稿，并且把色彩记在心里，回国后再把画稿完成的。《战舰》、《达德利堡与河上的船》和《廷尼湖风景》等都是他的杰作。康斯太勃（1776—1837）英国著名的风景画家。他的成就主要在油画方面，亦擅水彩。其水彩画多是速写，以大胆轻快的笔触纵横挥洒，把郊外获得的新鲜印象迅速记录下来。康斯太勃的影响甚至超出了风景画的领域。意大利现代著名美术史论家文杜里（1885—1961）对他给以很高评价，把他与哥雅相提并论，认为十九世纪绘画的艺术趣味，是从他们开始的。他崇尚自然，是一个朴素的、积极的现实主义风景画家，认为要在自己的画里表达的“就是光线、露水、微风、花开、清新的空气”。他对法国浪漫主义画家，如德拉克洛瓦等都有很大影响。一些美术史论家甚至认为，欧洲印象派绘画的兴起，应溯源于他和泰纳。博宁顿（1802—1828）很有才华的水彩画家，可惜仅活26岁。他练就一手熟练的水彩技巧，特别擅长表现建筑物。他的水彩画色彩明亮，笔法流畅，画法趋时。他大部分时间居住在法国，据说英、法的追随者都甚多，后人认为他是沟通英法绘画的少数英国画家之一。其代表作有《崖下》和《威尼斯风景》等。在十九世纪以前，英国水彩画的主流是风景画，十九世纪中叶开始，在当时英国画坛的现实主义运动及拉斐尔前派的推动下，水彩画题材开拓到人物画、风俗画和历史画。新的题材促使画家们摆脱了水彩画的流行画法和观念。技法高超，形象逼真的肖像画及表现众多人物及浩繁场面的风俗画、历史画大量涌现。但在拉斐尔前派画法的影响下，一些水彩画家又把绘画带回到中世纪的描写方法，精雕细琢，以惊人的耐力，把水彩画像精嵌细工般填写，其代表人物有罗蒂（1828—1882）和琼斯（1833—1898）等人。十九世纪的下半叶，英国的水彩画已不如前半叶那样多姿多彩，不过，也仍然有像威斯勒（1834—1903）那样出色的抒情画家。十九世纪欧洲各国的油画家，也涉猎水彩画。英国画家邦宁顿在法国旅居时，由于他的水彩画的高超技巧，极富吸引力，使很多法国画家跃跃欲试。他的好友德拉克洛瓦在中东和北非诸地旅行时，作过许多水彩速写。据说柯罗也因为有一天偶尔看到邦宁顿的水彩画，才立志要做一个画家的，可见其吸引力之大。法国画家杜米埃也作过大量的水彩画，他运用大块的明暗、奔放粗狂的线条，强有力地刻画出巴黎下层人民生活的欢愉和痛苦。十九世纪后期，法国印象派的画家也画一些水彩画。其中点彩派的发扬者忒纳（1863—1935），他的水彩画以点点斑驳的色彩来表现，光彩夺目，可视作水彩画的一种新技巧。梵高也有很出色的水彩画。塞尚则是印象派诸家中，认真地以水彩作为他绘画的主要工具之一的画家，他的艺术生涯中，曾有一部分时间沉迷于水彩画的研究，他认为水彩是一种简洁而有力的表现方法，其效果足与油画相抗衡，十九世纪俄罗斯的很多油画大师，也喜欢画水彩画。布留诺夫、列宾、苏里柯夫、赛罗夫、弗鲁贝尔等人，都画过很多极其出色的水彩画作品。十九世纪未，在俄国就成立了俄罗斯水彩画协会，举办过几次有意义的水彩画展览。（五）现代水彩画十九世纪是英国水彩画在世界艺坛上称雄独美的时代，到了二十世纪，水彩画已经流传甚广，除美国之外，在法国、德国和前苏联等国也出现了许多优秀的水彩画家，各树一帜，争妍斗艳。二十世纪是一个绘画观念及绘画技法都发生突变的时代，在艺坛上形形色色的“主义”、流派应运而生。在水彩画领域来说，也显然有新的面目。欧洲的新画派，如野兽派、立体派、抽象派等，他们的作品及理论被介绍到英国来，影响了英国的绘画界，英国的水彩画家，在技法上也就相应的起了变革。在这方面来说，保罗纳斯和约翰纳斯可说是接受变革的。他们以立体主义对于形体的分式方法作画，但就内容和题材来说，则与英国传统的水彩画步调一致。不过二十世纪的英国，大多数水彩画家仍然是较为保守的，他们从写实主义传统的技巧中加以发扬，精益求精，有独到之处，能自成一体。但就其整体而言，英国现代水彩画，不过是十九世纪他们先辈的水彩画鼎盛时代的回光反照而已。在德国，甚少专门的水彩画家，但水彩画的业余爱好者则不乏其人。如包豪斯学院的诸画家，表现主义画家可可殊加，努尔特等都喜欢画水彩画。在法国现代画家中，邦纳、毕加索、玛尔冀等都作过许多出色的水彩画，但只有杜斐才是以水彩画驰名于世的。他的画一挥而就，下笔不改，只求神似。他的妹妹约安也是水彩能手。英国的水彩画作品于十九世纪下半叶被介绍到美国以后，引起很大的兴题，一时爱好者甚多。贺墨、哈桑等能熟练地用水彩作画。肖像画家沙金的水彩画尤其老到，他在旅行时的写生画多是水彩，用笔自如，很有趣味。其代表作有《流浪者》等。现代美国水彩画家贺培、斐尔等的水彩风景画都有新意。魏斯是我们较熟悉的画家，他用透明和不透明水彩，画出了大量美国乡土题材的风景和风俗画，色彩朴素而响高，刻画精细入微，而真情并注，看他的画犹如听美国民歌。美国还有一批为数不少的写实的水彩画家，他们致力于水彩技法方面的探讨，并特别注意在技术手段和工具材料方面的研究和出新，从食盐到松节油等等，几乎所有能使画面的肌理、色彩及水分等发生特殊效果的东西，他们都不择手段地在写实所允许的范围内加以尝试，而且取得相当大的成绩。他们的作品大多色彩鲜明，生动活泼，令人感到一种“美国式”的华丽和畅快；但也显得甜俗而且缺少深度。但就其在探索水彩画技术的经验和精神来说，仍然有许多值得借鉴之处。前苏联水彩画坛进入20世纪以来也甚为活跃。老一辈的前苏联画家中，A·格拉西莫夫、同祭洛夫斯基、德涅卡、萨里扬、C·格拉西莫夫等画家，都创作有技巧高超的水彩画作品，但他们的水彩画往往是即兴之作。另外一些版画家，在为书籍作插图时，也很喜欢使用水彩。五十年代中，在莫斯科举行了首届全苏水彩画展，参加者甚多。在展期期间，筹建了全苏水彩画创作委同会。它是全苏美协理事会的直接机构。自此以后，水彩画在前苏联逐步风行，先后举办过130余次不同规模的水彩画展览。前苏联水彩画在数量及质量上都有很大发展，题材及技法方面也有很大的变化。前苏联水彩画作品的最大特点是题材广泛，生活气息浓厚。作者们多从现实生活中发掘题材，并通过作品中的艺术形象揭示自己对生活的感受和热爱，作品中洋溢着画家们的乐观和热情。当然，就前苏联水彩画作品的基调来说，还脱离不了前苏联当代油画的模式。但在形式感上，似乎较后者更活泼，更少受束缚。这与水彩画画幅较小，技法、工具和材料都较为轻灵不无关系。在艺术风格上，前苏联水彩画作品可分写实的和带装饰性的两大类，其中则因画家的个性及作品的不同而呈丰富多彩的面貌。（六）中国现代的水彩画中国水彩画的出现当在纸和毛笔发明之后，蔡伦造纸，蒙恬制笔，远比西欧早，水墨技巧到宋代已相当成熟了。宋沈括在《梦溪笔谈》中说：“徐崇嗣乃效黄之路，更不用墨笔，直以彩色图之，谓之没骨图。”实质上就是水彩画，但在表现方法上与西欧的水彩画不完全相同。西欧的水彩画传到中国大约有百余年之历史。由于水彩画使用的工具和用水、用笔等方面与中国的传统画有好多相似之外，其传达的情趣亦有不少相同之处，并和东方民族含蓄委婉、抒情达意的审美心理相吻合，所以，西方的水彩画传到中国后便很快被人民大众所喜闻乐见。中国的水彩画家们走出国门，去西欧学习、取经，并结合中华民族绘画的经验，创作具有中华民族特色的现代水彩画。中国水彩艺术的起步和发展历经几代。19世纪末20世纪初，李铁夫先生就曾追随欧美的萨金特与怀斯学习油画和水彩艺术，并画了大量流畅的、洒脱的水彩画作品；20世纪30年代，李剑晨和关广志等先生先后远渡重洋，去英国学习水彩艺术。回国后，他们对推动中国水彩艺术的发展起了不可估量的作用。40年代，上海水彩画群体就已形成；五六十年代，北京、上海、江苏、浙江等地的水彩艺术活动活跃，不论是作者队伍的规模，还是作品的质量，都走在全国前列，有力的带动着全国的水彩艺术向前发展。80年代，广东省的水彩艺术以异军突起之势迅猛发展，特别是以王肇民教授为首的水彩艺术风靡南国，进而影响着长江以南不少省、区的水彩艺术的发展，并形成了一支庞大的水彩画作者群体和独特的艺术语言及鲜明的地域风格，大大促进着中国的水彩艺术。90年代，山东和东北三省的水彩艺术发展迅速，形成了一定规模的群体队伍和强烈的地域风格。湖南、湖北的水彩艺术，多年来一直颇具实力，实力派作者层出不究，作品富有个性，引人注目。特别是近十几年来在中国美协和水彩艺委会的领导和策划下，曾先后举办了多次每两年一届的水彩画·粉画展和“中国首届水彩艺术展”、“97·中国青年水彩艺术展”、“首届中国水彩人物画展”、“全国首届小幅水彩画展”等。每届展览都举行了学术研讨会和专题讲座。这段期间，中国水彩艺术展览活动之频繁，学术活动之活跃，在历史上前所未有，其发展的速度惊人，令世人刮目相看。水彩艺术之火可谓已燃遍大半个中国，大有燎原全中国之势。在中国现代水彩画家中，影响较大的不乏其人。主要画家及其水彩艺术特色有：李铁夫是老一辈著名油画家，在水彩画方面也很有建树。他的作品往往是一气呵成，色彩动人，运笔雄健，水分酣畅，且兼得中西绘画之情趣。前辈画家张眉荪擅长叠层敷彩，是爱用干画法的画家，其作品概括而有变化。潘思同则以湿画法见长，在水分的运用方面有独到之处。梅雨天和冯国勋等也是水彩画的老手。李剑晨和张充仁是上海著名的水彩画家。前者汲取英国水彩技法之长，色彩的运用兼蓄轻快与浓重；后者则独树水彩画的填缝技法，以静物写生为主，风格简洁而典雅。王肇民是中国当代著名的水彩画家，几十年默默的耕耘在水彩画及教学领域。他的画沉实而华丽，博大而精微，富有哲理意味，实属当代中国画界之大手笔。版画家古元，对水彩画也很有研究，其晚年所作的水彩风景画，色彩鲜明，落笔概括，极富韵味。油画家吴冠中也作了很多速写性的水彩风景写生，轻快流畅，充满生机。在水彩画的教学方面，经蔡元培，丰子恺等前辈的倡导，水彩画在20世纪50年代初就已成为我国小学美术课的必修内容，今天又是我国普通中学和中等师范学校美术课的必修内容，并作为培养学生绘画色彩知识及技巧的重要课程。一些高等艺术院校的中国画系，也设立水彩画课，以借鉴和溶汇西方艺术之长。近年来，我国不少美术院校的教育系开办水彩专业，并招收水彩专业的硕士研究生，为水彩艺术教育培养师资，这对我国的水彩艺术专业的发展促进很大。九、作业布置：思考题：1．什么叫水彩画？它的概念的内含和外延都包括哪些内容？2．水彩画起源于哪个国家的哪个画家？简述欧洲水彩画的起源和发展情况。3．简述当代中国水彩画的发展情况，并说出几位具有代表性的画家及其代表作品。十、参考书目：1．《英国水彩画简史》刘汝醴、刘明毅编著，上海人民美术出版社1991年10月出版。2．《中国水彩画史》袁振藻编著，上海画报出版社2000年9月出版。3.《色彩教程》党天才主编西北大学出版社2004年9月第一版第二章水彩画基本常识第一节初识色彩二、教学目的：研究色彩的基本要素和一般的变化规律，为色彩写生打下良好的基础。三、教学要求：掌握水彩画色彩的基本概念。四、教学重点和难点：1、色彩的要素和相互关系；2、色彩的一般变化规律。六、教学方法：讲授法七、教学手段：以理论讲授为主，并联系实际，辅于范画、图片、录相带、多媒体教学。八、教学内容：色彩的三元素指的是色相，明度与纯度一色相就是指色与色之间的区别，又称为色调，例如，黄色、红色与兰色，当一种色相与另一种色相混合，又会产生另一种色相，因此，世界上的色相是千变万化的。原色，指的是不能够以其它色相调出的基本色，如：红、蓝、黄等。间色，等量的两种原色混合而成的色相。如：橙、绿、紫等。色环，将色彩以三原色做环状衍生形成色环，常见的有六、八、十、十二、十八、二十四色环等。充分利用色环的原则，可以使我们对色彩的掌握更得心应手。二明度色彩的明暗度而言色彩越接近白色，明度越高；越接近黑色，暗调越高。三纯度也称为彩度，指色彩本身的纯度或强弱程度。换言之，色彩含色素越高，即饱和度越高，彩度越高。四色彩的感觉（一）冷与暖暖色---红，黄，橙构成暖色调冷色---蓝色系构成冷色调介与于冷、暖之间的构成中间色调（二）轻与重高明度的色彩会产生轻巧感；反之，低明度的色彩则产生稳重感（三）前进、后退、膨胀、收缩明亮艳丽的色彩（如橙，黄）有前进、膨胀感；深暗平静的色彩（如深蓝、深紫）有后退、收缩的感觉。九、作业布置：熟悉并掌握色彩的性质及其变化规律。十、参考书目：《水彩画》杨云龙高等教育出版社《色彩教程》党天才主编西北大学出版社2004年9月第一版第二节水彩画的基础知识一、授课名称：水彩画的基础知识二、教学目的：了解水彩画的一般性适合特征。三、教学要求：工具材料的性能及特点。四、教学重点和难点：1、水彩画的特点；2、工具材料的性能和特点。六、教学方法：讲授法、演示法、参观法七、教学手段：以理论讲述为主，理论联系实际，适当进行技法演示。辅助范画、图片、录相带和多媒体教学。八、教学内容：水彩画是广为普及的一个画种，作为独立的绘画形式，其形成与发展经过了一定的历史过程，世界上第一幅水彩画是出自德国画家丢勒之手，但成为独立画种并兴盛、发展是在英国，至今已有三百年的历史了。水彩画同其他画种一样，因为使用的工具、材料的不同，有其特长，也有其局限，从而形成了能够独立存在的艺术特点。一工具性能学习水彩画必须首先了解和熟悉水彩的工具性能，然后才能更好地掌握与运用它。（一）水彩颜料水彩颜料色粒很细,与水溶解可显示其晶莹透明;把它一层层涂在白纸上,犹如透明的玻璃纸叠加之效果。水彩浅色不能覆盖底色，不象油画、水粉画颜料有较强的覆盖力。水彩颜料的群青、赭石、土红等色属矿物性颜料，单独使用或与别的色相混都易出现沉淀现象，巧妙运用可产生新颖的效果。（二）画纸水彩画用纸比较讲究，它对一幅画的效果影响很大，同样的技巧在不同的画纸上的效果是不大一样的。理想的水彩画纸，纸面白净，质地坚实，吸水性适度，着公后纸面比较来整，纸纹的粗细根据表现的需要和个人习惯选择。不要以为初学不管什么纸都可以作水彩练习，太薄的纸着色后高低不平，水色淤积，影响运笔；吸水太快的纸（如过滤纸），水色不易渗化，难以达到表现意图；太光滑的纸水色不易附着纸面，都不适合画水彩之用。应熟悉自己使用的画纸性能物点，善于巧妙地掌握它。（三）画笔水彩画笔需有一定弹性和含水能力，油画笔太硬且含不住水分，不宜用来画水彩（但有时可以用来追求某种特殊的效果）。狼毫水彩笔、扁头水粉笔、国画白云笔、山水笔等都可用来画水彩。准备一支大号的涂大色块用，具体塑造与细节描绘有两三支中、小画笔即可。二水彩画的特点水彩画因工具材料的特性、技法与其他画种不同，形成自己的艺术特色，把水彩画比如轻音乐或抒情诗般的轻柔，是比较确切的。一幅好的水彩画除去内容与感受情的表达深刻之外，给人的感觉是湿润流畅、晶莹透明、轻松活泼，此种感觉就是水彩画的特点。水彩画之特点是与其他画种相比而言，油画的覆盖、厚涂形成厚重的特点，水彩颜料透明，又以薄涂保持其透明性，画面则有清沏透明之感受。用水调色，发挥水分的作用，灵活自然、滋润流畅、淋漓痛快、韵味无尽。九、作业布置：阅览有关参考书目，并简述水彩画的特点。十、参考书目：《水彩画》杨云龙高等教育出版社《色彩教程》党天才主编西北大学出版社2004年9月第一版第三节水彩画的基本技法一、授课名称：水彩画的基本技法二、二、教学目的：熟悉和掌握水彩画的一般表现技法。三、三、教学要求：注重内在情感的抒发，灵活运用，自然发挥。四、教学重点和难点：1、干画法和湿画法；2、干湿结合灵活运用。五、学时分配：2学时六、教学方法：讲授法、演示法七、教学手段：以技法理论讲述为主，理论联系实际，适当进行技法演示，并辅于范画、图片、录相带、多媒体教学。八、教学内容：一干画法和湿画法（一）干画法干画法是一种多层画法。用多层叠加的方法在干的底色上着色，不求渗化效果，可以比较从容地一遍遍着色，较易掌握，适于初学者进行练习。表现肯定、明晣的形体结构和丰富的色彩层次，是干画法的特长。可分层涂、罩色、接色、枯笔等具体方法。层涂：即干的重叠，在着色干后再涂色，一层层重叠颜色表现对象。在画面中涂色层数不一，有的地方一遍即可，有的地方需两遍三遍或更多一点，但不宜遍数过多，以免色彩灰脏失去透明感。层涂象有色下班重叠，事先预计透出底色的混合效果，这一点是不能忽略的。罩色实际上也是一种干的重叠方法，罩色面积大一些，譬如画面中几块颜色不够统一，得用罩色的方法，蒙罩上一遍颜色使之统一。某一块色过暖，罩一层冷色改变其冷暖性质。所罩之色应以较鲜明色薄涂，一遍铺过，一般不要回笔，否则带起底色会把色彩搞脏。在着色的过程中和最后调整画面时，经常采用此法。接色：干的接色是在邻接的颜色干后从其旁涂色，色块之间不渗化，每块颜色本身也可以湿画，增加变化。这种方法的特点是表现的物体轮廓清晰、色彩明快。枯笔：笔头水少色多，运笔容易出现飞白；用水比较饱满，在粗纹纸上快画，也产生飞白。表现闪光或柔中见刚等效果常常采用枯笔的方法。干画法不能只在“干”字方面作文章，画面仍须让人感到水分饱满、水渍湿痕，避免干涩枯燥的毛病。（二）湿画法：是在湿底子上着色的方法。趁纸面水色未干进行连续着色，故又名连续着色法。湿时连续，湿时重叠，湿时点彩，沉淀等法，均属于这一类画法。1湿纸着色：也叫浸纸着色，就是把纸浸湿或染湿后着色的方法。将纸面全部或局部染湿，甚至在已干的色层上染水，再次着色，是湿画法中经常使用的方法。利用水分的自然渗化，可使笔触强度减弱。色彩混合呈朦胧状态，给人若隐若现的感觉，有水色淋漓的特殊效果。另一种方法是将画纸背面用湿布平均染湿，裱贴在画布上，待全部干后，纸的正面再着上一层水。留心观察纸的表面已开始吸收的水分，趁未干时即下笔着色，形色容易掌握，仍能达到湿画的效果。2湿时重叠：是根据水彩画用水调色的特点，趁画面水、色未干时进行重叠着色，使色彩柔和润泽，笔触减弱，效果自然而圆润。表现雨雾气氛、湿润清雅的情趣是其特长，为某些画种所不及。3湿时连接：是趁湿时不断连接色块来表现对象的方法。邻近末干时接色，水色流渗，交界模糊，表现过渡柔和色彩的渐变多用此法。接色时水分便函用要均匀，否则，水多向少处冲流，易产生不必要的水渍。4湿时点彩：是趁水、色未干时用点作补充，利用水的流动，使它自然融合，求得色彩变化的效果。5沉淀：水彩颜色各色的质地有差异，经水浮动，有些色浮在上面，有些色沉淀到下层画纸的纸孔里面去，正好为水彩画创造了一种特有的沉淀效果。画水彩大都有干画、湿画结合进行，湿画为主的画面局部采用干画，干画为主的画面也有湿画的部分，干湿结合，表现充分，浓淡枯润，妙趣横生。二水分的掌握水分的运用和掌握是水彩技法的要点之一。水分在画面上有渗化、流动、蒸发的特性，画水彩要熟悉“水性”。充分发挥水的作用，是画好水彩画的重要因素。掌握水分应注意时间、空气的干湿度和画纸的吸水程度。时间问题：进行湿画时间要掌握得恰如其分，叠色太早太湿易失去应有的形体，太晚底色将干，水色不易渗化，衔接生硬。一般在重叠颜色时，笔头含水宜少，含色要多，便于把握形体，以可使之渗化。如果重叠之色较淡时，要等底色稍干再画。空气的干湿度：画几张水彩就能体会到，在室内水分干得较慢，在室外潮湿的雨雾天气作画，水分蒸发更慢。在这种情况下，作画用水宜少；在干燥的气候情况下水分蒸发快，必须多用水，同时加快调色的作画的速度。画纸的吸水程度：要根据纸的吸水快慢相应掌握用水的多少，吸水慢时用水可少，纸质松软吸水较快，用水需增加。另外，大面积渲染晕色用水宜多，如色块较大的天空、地面和静物、人物的背景，用水饱满为宜；描写局部和细节用水适当减少。三“留空”的方法与油画、水粉画的技法相比，水彩技法最突出的特点就是“留空”的方法。一些浅亮色、白色部分，需在画深一些的色彩时“留空”出来。水彩颜料的透明特性决定了这一作画技法，浅色不能覆盖深色，不象水粉和油画那样可以覆盖，依靠淡色和白粉提亮。在欣赏水彩作品时留意一下，会发现几乎每一幅都运用了“留空”的技法。恰当而准确地空白或宛浅亮色，会加强画面的生动性与表现力；相反，不适当地乱留空，易造成画面琐碎花乱现象。着色之前把要留空之处用铅笔轻轻标出，关键的细节，即或是很小的点和面，都要在涂色时巧妙留出。另外，凡对比色邻接，要空出对方，分别着色，以保持各自的鲜明度。有的初学者把不必要的空的形状空了出来，然后顺沿轮廓涂描颜色，还有的把该空的地方顺沿轮廓空得很死、太刻板，失去生动感。空的既准确又生动，是技巧熟练的体现。在实践中反复练习，就会熟能生巧。四笔法笔法即用笔的方法。用笔与用水、用色是紧密相关的，作画时每一笔均含水与色，或水多色少，或色多水少，或水色适中。笔在纸上运动会出现笔痕，就是我们通常所说的“笔触”从笔触可以看出作画时的笔法。画纸的粗细，画笔的硬软，运笔的快慢，根据物体的结构，笔法变化多端，有点有线，刚柔渴润，从表现物象的形与色出发，恰当地用笔增强塑造性和画面生动性。水彩画面积较大的涂色，水分的渗化将笔触隐没，趁湿重置色彩笔触感觉含蓄，较干时作画，笔触清晰可见。着色过程中一刻也离不开用笔，越是接近完成用笔越重要，其笔触不再被覆盖，暴露无遗地展现给欣赏者。九、作业布置：临摹2幅水彩画作品十、参考书目：《水彩画》杨云龙高等教育出版社《色彩教程》党天才主编西北大学出版社2004年9月第一版第四节水彩画的基本技法二、教学目的：了解水彩画的调色方法，学习并掌握水彩画的特殊表现形式。三、教学要求：初步掌握水彩画的工具材料的性能，研究水彩画的表现语言。四、教学重点和难点：1、水彩画的调色方法和基本技法。2、各种特殊技法的试验；3、特殊效果的把握和运用。六、教学方法：讲授法、演示法、练习法七、教学手段：以技法理论讲述为主，理论联系实际，适当进行技法演示，并辅于范画、图片、录相带、多媒体教学。八、教学内容：一水彩画的调色方法：水彩画颜色的调配，可以采取以下几种方法：即混合法、溶合法、重置法以及并置法。应注意的是作画过程中，根据画面需要灵活运用。（一）混合法：把不同色相的颜料调水稍加拨动，不完全调匀，即画到画面上，使其趁湿混合，形成需要的色彩。必须注意的是：1调色的种类不宜太多；2色性冷暖不同的颜色调和时，不宜等量调和；3颜色不宜调得过浓，保持一定的透明度。（二）融合法：在画上面直接调配所需的颜色，使之相互渗透或溶合，这种调色较生动，色彩也比较鲜明，适用于画大面积的色块。（三）重置法：即在有底色的画面上，再加上别的颜色，有意识地将第一遍颜色画的暖一些，待全部干后，用较冷的颜色薄薄地罩上一层，使冷色中透出暖色，以丰富色彩，或先画冷色，再罩暖色，根据实际情况而定。（四）并置法：运用色点和小色块，将不同色相的颜色，经水调和直接并置在画面上，只要色彩关系正确，同样可以达到表现对象的目的，使画面色彩更为鲜明，产生一种闪烁跳动的感觉。二水彩画的特殊技法水彩画的技法是多种多样的，画者可根据不同对象的需要，采用适当的技法来表现。水彩画的特殊技法即是用特殊的工具材料和手段，造成特殊的效果。（一）刀刮法：用一般削铅笔的小刀在着色的先后刮划，是破坏纸面而造成特殊效果的一种方法。着色之前先在画纸上用小刀或轻或重、或宽或窄地刮毛，以破坏部分纸面，着色之后出现较周围颜色重一点的形象。这是因刮毛之处吸色能力强，所以变重了些。它表现虚远的模糊形象或隐约可辨的细节效果较好。着色过程中进行刀刮，水多时会产生重的刀痕，水少时浮色被刮掉又会产生较亮的刀痕，处理有关细节可用此法。另外在颜色完全干透之后，用刀刮出白纸，或轻巧断续地刮，以表现逆光时的亮线、亮点或较小的亮面、闪动的光点和冬天飘落的雪花等，虚虚实实，自然有趣。（二）蜡笔法：用蜡笔或油画棒，着色前涂在有关部分。着色时尽可大胆运笔，涂蜡之处自然空出。用以描绘稀疏的树叶、夜晚的灯光、繁杂的人群等都比较得力，可以收到事半功倍的效果。（三）吸洗法：使用吸水纸（过滤纸或生宣纸）趁着色末干吸去颜色。根据效果需要，吸的轻重、大小可灵活掌握，也可吸去颜色之后再敷淡彩。用海绵或挤去水分的画笔吸洗画面某些部分，也别具味道，有异曲同工之妙。（四）喷水法：有时在毛毛细雨的天气下画风景写生，画面颜色被细雨淋湿，出现一种天趣，引人入胜。有时在着色前先喷水，有时在颜色未干时喷水。喷水壶要选用喷射雾状的才好，水点过大容易破坏画面效果。（五）撒盐法：颜色未干时撒上细盐粒，干后出现象雪花般的肌理趣味。撒盐时，应视画面的干湿程度，过晚会失去作用。盐粒在画面上要撒得疏密有致，随便乱撒，会前功尽弃。（六）对印法：在玻璃板或有塑料涂面的光滑纸上，先画出大体颜色，然后把画纸覆上，象印木刻一样，画面粘印出优美的纹理，颇得天趣。此种效果用细纹水彩纸容易见效，以对印为主，稍作加工即可成为一幅耐人寻味的水彩画。有的局部使用对印方法，大部分仍然靠画笔完全。（七）油渍法：水与油不易溶合，利用这一特性，着色时蘸一点松节油，会出现斑烂的油渍效果，使平凡的色块增加变化，也是颇具天趣的。（八）蛋清画——附着力强——精细；（九）掺浆糊——增强笔触、利用形体塑造；（十）、色纸画——调子易统一；第5篇：水彩总结水彩总结在经过这几周的课程后，我更加深刻的感受到水彩的魅力，但同时也感觉到了自己有太多的不足，在造型上、色彩上、包括在构成上面的安排也是。老师在这几周的时间上也教会了我们很多，很尽心尽力的教我们，尽可能的让我们能学到更多。第6篇：水彩静物画法教学（推荐）静物画，是指以表现现实生活中静止物象为内容的绘画。凡具有审美价值的、静止的物象都可以作为静物画的描绘对象。对静物的描绘可作为独立的画科进行教学和创作，也可以成为绘画作品的有机组成部分，还可以作为造型基础训练的重要手段。由于静物的造型往往比较单纯，静止不动，置于室内，受光状况常较稳定，可根据画者的需要和能力组合描绘，对培养观察、分析对象的能力和提高绘画技能是条有效途径。因此，中外均采取静物写生形式进行绘画基本功训练。对于初学者，这种形式尤为适宜。静物写生的训练程序人们对知识的积累，技能的掌握有其过程和规律，都要经历一个由无知到有知再到博学，由不掌握到初步掌握再到熟练掌握的过程。静物写生训练，也是学习知识，掌握技能的过程，故必须从基础学起，由易到难，由简到繁，循序渐进地不断学习和训练。水彩静物写生的一般训练程序，按静物组合的复杂程序排列常是：单个静物练习——简单静物组合练习——复杂静物组合练习；按用色难度排列常是：单色练习——限制颜色练习——不限色练习。在水彩静物写生的训练过程中，一般是把以上两种顺序综合安排，穿插进行。另外，根据学者的基础、需要、时间和教学者的习惯，在由浅入深、由易到难、由简到繁的规律指导下也可作多种程序安排。有的以静物难度为序；有的以用色难度为序；有的综合安排但舍去某些程序又增加某些程序。如对于无绘画基础的初学者，就可能在单个练习之前，作涂色块练习；对基础较好的，也可舍去前训练，而有意增加作业难度。自学者可根据自己的基础情况，参照以上程序进行安排。下面分别谈谈单色静物练习和限制颜色的练习。单色静物练习：是指用单一色相的水彩颜料来画静物。这种形式既是水彩又是素描，说它是水彩，是因为它运用水彩颜料作画；说它是素描，是因为它运用单一颜色来描绘对象。这种方法，多用于初学者从素描练习到水彩练习的过渡。它排除多种色彩表现的复杂任务，运用初学者在素描练习中已熟悉的方法去画水彩，这样就可以把注意力集中在熟悉水彩画的工具材料性能和方法步骤上。任务单纯，解决问题迅速，是从素描向色彩画过渡的一种有效方法，可为造型打下良好基础。其具体做法是：用一种具有一定深度的水彩色，如赭石、土红、熟褐、生褐、深蓝、紫、深绿等均可，并加进少量黑色，将它们调配在一起，作画时根据需要用水冲淡使用。其着色程序常是由浅到深，由明到暗，由大面积到小面积，把画面铺满后，再根据需要逐层加深，直到调整完成。初学者要认识其意义，作一点单色静物练习是大有好处的。限制颜色的练习：是根据静物组合的几个基本色相，有意限制几种颜色来作水彩静物练习，有的甚至从两三种颜色练习起，等熟悉其调和效果后再增加色彩进行训练。初学者画色彩画，一开始就用多种颜色是非常吃力的。因还不知各种颜色的性能，它们的色相、色性，以及不同纯度、明度的状况，更不知两色甚至三色调配后的效果和表现力。采取限制颜色的作画方法，就可以一一熟悉各种颜色的性能和它们之间的关系，逐步掌握各色的性能，充分发挥各色的表现力。同时，可养成分析对象色彩组合，注意画面色调和严格用色的习惯，培养以简练的语言求达意，以质朴的美姿去感人的艺术品质。静物的选择和组台画静物，首先要选择静物和摆设静物。怎样选择静物和摆设静物呢？下面看看《新疆瓜果》一画的静物选择和组合过程，然后再谈谈在静物的选择和组合中应注意些什么问题。这样可能较为实际。该幅画是为乌鲁木齐市中小学美术教师水彩画学习班进行静物示范表演时绘制的。学习班主持人邀作者进行水彩静物示范，准备了大量瓜果、器皿、衬布由作者挑选。结果选择了哈密瓜、无核葡萄、红色果盘和红绿交织的壁毯作为道具进行静物组合。哈密瓜、吐鲁番的葡萄在新疆瓜果中自然最为典型，果盘和壁毯亦是新疆少数民族常用的生活用品。这样的选择既符合生活真实，又是艺术表现的需要，更增强了地方特点和民族特色。其形色的选定，既是为了主体物的突出和画面的统一协调，又是为了加强热烈迎宾气氛的需要。静物选定后则是进行静物设置。为了主体物的突出，将哈密瓜和几串无核葡萄置于果盘的中心部位，并将果盘放于位置较低的平铺壁毯上。这样的设置既符合新疆席地共欢的生活习俗，又可使观众产生亲临其境之感，有利于主题的表现。这个静物设置后，又在适当位置增放了几个苹果，这既是构图的需要，又增加了果品丰盛之感，并避免了哈密瓜和葡萄大小过于悬殊的缺陷。这组静物就这样设置就绪了。上述例子可看出，静物的选择和组合应注意以下几点：首先，要对描绘的对象有所感受，要有明确的构思。其次，根据主题、构思选取主体物，再根据主体物选择陪衬物。在选取时要注意内容的内在联系，既符合生活的真实又符合艺术美的要求。第三，静物的组合，要符合突出主体的需要，并做到合理自然。也就是说，组合物的形状、大小、色彩、质地的统一与变化，光线的照射，背景的处理，组合物的位置和关系等，都应有利于主体物的突出并符合美的原则。总之，静物的选择和组合，是一门值得研究的学问，其中色括很多构图学的原理，仅此一例，难以一一述尽，这需要认真研究，不断实践去掌握。作为教学者，在摆设静物时，要阐述为什么这样选择和摆设，有机会也可以让学习者自己选择和摆设静物。这将有利于学生学刁积极性、主动性和创造性的发挥，有利于对静物的理解和艺术处理。下面结合《青桔》一画，介绍着色方法的综合运用。这幅画有水果、丝织衬布、金属、玻璃、草编器皿等几种不同材质的物象，描绘时作者采用了不同的着色方法。为表现青桔明亮而模糊的高光，采用干擦法着色；为表现金属保温瓶明亮而清晰的高光，预涂白色油画棒遮挡；为表现玻璃和金属高光的差异，采取干后重叠留空，体现出玻璃的高光。草编果盘光色变化柔缓，采取干后重叠法描绘；绸巾底色与花纹色相距甚远，则采用并置法着色。总之，画法的运用要以表现对象为目的。着色程序的安排水彩画十分重视着色程序的安排，这是其工具、材料特性决定的。水彩画用水调和透明的颜色作画，色调的浓淡是借助亮度和色层的厚薄体现的，水分的多少，底层的干湿，接色的快慢，对画面色彩的准确性和表现效果关系极大，必须重视着色先后程序的妥善安排。水彩画的着色程序，可以归纳为以下几种：1.先浅后深或先深后浅这是从色彩的深浅来分析画面着色的先后次序。水彩画是使用透明或半透明颜料作画，透明颜料深色可以覆盖浅色，浅色难以覆盖深色。因此，水彩画多是先画浅色，后画深色，先浅后深是水彩画一般常用的着色程序。这不仅对画面深色块和浅色块而言，并包括对单个物的深色和浅色而言。《西陲果香》一画就是从浅色衬布画起的。从画面深色画起或部分从深色画起，有时也是必要的。从深色画起一般容易用色肯定、明快、单纯、概括，适宜表现明暗显著，轮廓清晰，层次分明的物象，并有利于短期作业的迅速完成和对色彩、形体的概括。《新疆瓜果》一画就是从深色的背景画起的，但背景却又是从浅色部分先起的。2.先主体后环境或先环境后主体这是从主宾关系来分析画面着色的先后次序。主体物是画面的中心所在，一般在画面占较大面积，明暗显著，色彩突出，根据先画浅色、先画对画面起决定作用的颜色的原则，一般先画主体物，后画陪衬物和背景。这样的着色程序有利于主体物的刻划和表现。《丁香和波斯菊》一画就是从主体花头先画起的。但有时环境与主体物在明暗、色彩和虚实关系上距离较大，不先画环境则影响主体物的描绘和对整个画面色彩的把握，在这种情况下，又可能先画环境，后画主体物。如《新疆瓜果》一画。3.全面展开，逐层深入或部分展开，一次直取这是从画面的展开度来分析着色的程序。全面展开逐层深入是把对象各部浅颜色铺满后，再层层加深，逐步深入的着色方法和程序。采取此程序着色，便于画面的全面比较、调整和充实，是初学者易于掌握和比较稳妥的着色程序，适宜长时间作业，对复杂对象进行描绘（如《青桔》一画）。部分展开，一次直取是一部分画完或基本画完，再画另一部分的着色方法和程序。有经验的老画家多采用此程序作画，学习者则用在短期作业或对象复杂，画幅较大，又需湿画效果的画面，只能根据画面情况，将其分成几个部分，一部分一部分完成，才不失湿画效果。采取此程序着色，虽从部分着手，但必须整体观察，胸有全局，方能收到较好效果。4.从鲜颜色画起或从灰颜色画起这是从色彩的纯度来分析画面着色的先后次序。从鲜颜色画起，就是从色彩纯度高，易于辨认的颜色画起。此程序多用在色彩对比较强的画面，《水蜜毛桃》一画就是从鲜艳的水果画起的。在对象色彩调和、接近的情况下，又可能先找准画面灰色，然后再画纯度较高的颜色。这样，可以使个别纯度较高的颜色仍居于统一的色调之中，而不致走调，影响画面色彩的表现。《新疆瓜果》一画，就是先画灰色，后画鲜艳颜色的例子。以上是从几个不同角度分析画面的着色程序，为的是述说方便，但对于具体作画来说，它又可能是几种程序同时并用，穿插交替使用。既可能是这一程序，又同时是那一程序；或是先采用这一程序，后又采用那一程序。将其多种程序置于一起对照说明，为的是使初学者了解着色程序并不是绝对的，只不过是在特定情况下，可能按某种程序着色更为适宜。有经验的画家可以从画面的任何一处画起，因为他善于解决遇到的难题。对于初学者来说，还必须学会妥善安排画面的着色程序，不仅考虑哪先画，哪后画，而且要结合着色方法、接色时间，对画面着色程序作详细而周密的安排。室内光色状况分析表现物象在特定时间、环境和条件下的光色状况是写生色彩的重要要求。为了使初学者在开始进行色彩画训练时，就能以写生色彩的要求去观察和描绘对象，进行光色变化规律的研究和探讨，现结合静物写生需要，对室内物象的光色状况作以下简要分析。1.室内物象光色一般状况室内物象一般受特定角度射入的天光照射，光线比较稳定、柔和，明暗和色彩对比不强，暗影较多。受天光照射的物体，明部较清晰；处暗影部分，色彩较灰暗，明暗也不清晰。室内空间较小，物象的色彩空间透视变化没有室外显著，固有色较显露。景物之间的距离较小，色彩的互相影响较大，背景的色彩对物象影响也较显著。2.物体明暗各部光色状况物体的高光是物体上反射光最集中部分，亦称辉点。室内物体的高光一般是天光的反射，色性偏冷，其色相是天光色或接近天光色。物体的明部受天光的照射，多是天光色和固有色的综合，一般偏冷。但如环境反光色比天光色更冷，明部在暗部偏冷的对比之下，也会出现偏暖的现象。物体的半明部（或称中间调子、半调子）是侧受天光部位，也受环境反射光影响，但一般影响不大，因此固有色较明显。其色相是固有色、光源色、环境色三者的综合，又以固有色为主。其色调的冷暖一般以物体固有色的冷暖状况为转移。物体的反光是接受环境反射光部分，受环境色影响较大，其色相是固有色和环境色的综合，常以环境色为主。物体的明暗交界部分，是既不受天光照射，又很少受环境反射的部位，故色度较深，其色性冷暖一般界于明部与暗部之间。但在明部受冷光照射，暗部也受冷光反射的情况下，这部分色性则偏暖。反之，则偏冷。3.光照角度不同所产生的变化正面光照射的物体，光线从画者方向射向描绘物，物体中间明，边沿暗，明部面积大，变化丰富，暗部面积小，变化较少。物体明暗变化微弱，光色现象不明显。侧面光照射的物体，光线从侧面一方射向描绘物，物体呈半明半暗状态。受光面光源色明显；背光面环境反光色突出；中间部位固有色清晰。物体明暗层次多，色彩变化丰富。如《西陲果香》一画。逆光的物体，光线从画者对面方向射向描绘物，一般呈上明下暗状态。物体光色变化显著，冷暖对比强烈，明暗对比突出。明部面积小、变化少，多受天光影响，色性一般偏冷；暗部面积大，反光明显，色彩变化丰富、透明，色性一般偏暖，如《水蜜毛桃》一画。总之，室内物象的光色变化是极其丰富的，它是物体固有色、环境色和淘汰色相互作用的结果，描绘时它又与物象位置、画者角度、画面色调密切联系。研究物象各部色彩变化，就必须把几方面联系起来进行具体观察、分析和比较。机械搬用以上规律不能表现千变万化的光色世界。小色稿的练习静物写生中的小色稿，是为了绘好一幅静物在绘制前所作的小幅色彩摸索练习。在正式画一张色彩画之前，先画一张或数张小色稿是非常必要的。这就像进行一项新工作前的试点，生产一种新产品前的试产。目的是通过试验发现问题，解决疑难，摸索工作规律，为正式进行此项工作创造条件。画小色稿对于静物、风景、人物写生都是必要的。小色稿练习的中心任务是研究和把握对象大的色彩关系与明暗关系。在小色稿的绘制过程中，必然会对绘画诸因素进行研究和试验，并获得绘制过程中的经验。譬如：构图处理、方法步骤、着色程序、色彩调配、用笔等方面的研究和经验积累，这是无疑的，而且这些方面的收获对绘制正稿也是有益的。然而，这并非是绘制小色稿的主要任务和目的。如色彩小稿在把握对象大关系上确有所获，它将为绘制色彩正稿提供有益参考，为把握色彩大关系奠定基础。这些对于画好一幅色彩写生是至关重要的。绘制小色稿的方法，是在初接触对象的新鲜色彩印象下，在小块画纸上把对象大的色彩关系、印象和气氛记录下来。它不求画面的完整和细致，要置细节于不顾，不择手段的摄取对象大的色彩状况，一次未达到者，可通过调整修改或多画几张，达到准确而概括地体现。初学者画小色稿常出现以下两种情况：一种是草草几笔，大的色彩关系未体现也不修改，这是对小色稿不重视或误认为小色稿就是寥寥几笔，不需修改所致；另一种是画得十分完整细致，把小色稿画成了正稿的缩样，这是不理解画小色稿的目的和意义，混淆了小色稿同小样稿的区别所造成的。以上两种情况均不符合绘制小色稿的要求。画好小色稿，关键在于整体观察和善于概括提炼。写生色彩要求表现对象的色彩关系，把握对象色彩关系的关键在于整体观察，全面比较。方法是以描绘主体为视觉中心，一眼看到对象全部，进行广泛而全面的色彩比较，以求得色彩关系的准确。这是写生画把握色彩关系的关键，也是画好小色稿的前提。再者，艺术不同于自然，概括、提炼是艺术不同于自然的特征，小色稿在较小的画面里，体现对象大的色彩关系和明暗关系，自然更应注意概括和提炼。画小色稿时要有意舍弃其不必要细节和明暗层次，以概括、洗炼的形式，体现对象色彩基本特征，否则就达不到绘制小色稿的要求。《熟透的苹果》是正稿和小色稿的对照，可以从中看出它们之间的差异。总之，绘制小色稿对绘制正稿，把握大的色彩关系是十分有益的，对培养正确的观察方法，训练概括、提炼的能力，也是有好处的。初学者一定要养成绘制小色稿的习惯。质感的认识和表现不同的物体具有不同的质地。质感是指造型艺术通过不同的表现手段，表现出各种不同的物体所具有的物质。真实而生动地表现出不同物体所具有的特征，是写实绘画表现真实感的需要，是静物写生的突出要求，是衡量绘画基本功的重要方面。初学者要注意利用静物写生描绘不同物体的良好条件，锻炼和提高对于不同物体质感的表现能力。绘画表现物体质感，就是表现物体质地所显现出的可视特征。不同的物质材料构成不同质地的物体，不同质地显现出不同的可视特征。如坚硬或柔软、光滑或粗糙、厚重或单薄、透明或不透明、蓬松或板结、鲜嫩或枯萎等特征。绘画是造型艺术，它一般不直接显现实物，对于物体质地和真实感的表现，是通过描绘其可视形象来表现。即通过线条、明暗、色彩、笔、材料等表现手段，在平面上描绘出物象的形体、纹理、表面及吸收和反射色光的状况等质地可视特征，并借助于人们的经验和联想，形成某种质地的感觉和实物的印象。如表现了物体的折光现象，就可以使人感到这是透明的物象。又如具体而准确地表现了某一玻璃器皿的折光、反光、形体、纹理、表面等质地可视特征，人们就可以认定是描绘的这一玻璃器皿，而不是其他物象。绘画就是在平面上，通过表现物体质地可视性，表现物体的质地感，简称质感。表现物体质地感，要抓住物体质地主要可视特征和典型部位进行描绘。物体质地可视特征是多方面的，包括形体、表面、纹理及吸收和反射色光的能力等，它们之不同，则是显现不同质地物体的可视区别。描绘时，均应注意体现，但其仍有主次之分。如金属制品和木制品质地不同，其形体、表面、纹理及吸收和反射光的能力也就不同。金属反射色光的能力强，木器反射色光的能力弱，并有突出纹理，这是它们各自的主要可视特征。表现时，在拒绝其他可视特征的同时，要重点抓住主要可视特征进行描绘，甚至进行强调和夸张，金属和木器的质感就能很好地