《大学美术鉴赏》巨人的时代-文艺复兴美术

大学美术鉴赏FineArtAppreciation1234目录CONTENTS高贵的单纯静穆的伟大——古希腊美术远古的呼唤——原始美术、古埃及美术巨人的时代——文艺复兴美术自然的镜子——十七世纪佛兰德斯、荷兰的美术5678目录CONTENTS光影的世界——十七至十九世纪的西班牙美术光线和色彩——十七、十八世纪意大利、法国美术流派的纷呈——十九世纪的法国美术没有结尾的故事——二十世纪西方现代派艺术9101112目录CONTENTS礼仪之美——先秦时代的美术文明之光——中国史前美术永生的想象——秦汉美术气韵生动——三国两晋南北朝美术13141516目录CONTENTS风俗的世界——五代与两宋美术艺术与权力——隋唐美术书斋里的山水——元代美术商业网络中的艺术——明代美术1718目录CONTENTS古今中西之间——中国近现代美术艺术家的个性与社会的变迁——清代美术巨人的时代——文艺复兴美术part3一、意大利早期文艺复兴的美术早期文艺复兴建筑上具有代表性的艺术家非布鲁奈列斯基莫属。他是建筑史上的天才，独自研究数学、力学、透视学等科学知识，并和多那太罗一起到罗马测量宏伟的建筑与结构完美的教堂。这些教堂都是古罗马时期建成的，不仅外观造型高大、宏伟，结构也完美无缺。1.建筑天才布鲁奈列斯基（Brunelleschi，Filippo1377—1446）他默默地研究如何完成佛罗伦萨主教堂的穹顶。由于穹顶的直径达45米，采用传统的结构不能建成这个穹顶。只有他通过对古罗马建筑的测量和研究，最终采用八边形的平面、双圆心的矢形穹顶轮廓、内外两层而中空的骨架券穹面结构将穹顶建成外部的大理石肋拱产生的向心力支持了整个穹顶，相互连接、自我支撑的砖石系统使得八个墙面各在其位，十分牢固。为了减少压力，还在八个面上开了玫瑰窗。1.建筑天才布鲁奈列斯基（Brunelleschi，Filippo1377—1446）1.建筑天才布鲁奈列斯基（Brunelleschi，Filippo1377—1446）佛罗伦萨主教堂高度为107米的佛罗伦萨主教堂的穹顶于1418年完工，这大大增强了佛罗伦萨人的自信。人们把佛罗伦萨主教堂，称为文艺复兴的“报春花”。布鲁奈列斯基还设计了佛罗伦萨的巴齐礼拜堂、因诺琴蒂医院、圣洛伦佐教堂等建筑。在这些作品中，我们看到他将古典的符号进行简化，与时代的脉搏结合，颇有些后现代的感觉。巴齐礼拜堂布鲁奈列斯基2.忧郁的波提切利（SandroBotticelli，1445-1510）意大利文艺复兴早期的画坛人才辈出。这些画家的首要任务是研究透视，解剖技法，探索如何真实地表现对象。成就最高的是文艺复兴早期绘画的集大成者波提切利。出生于佛罗伦萨，从小体弱多病，对绘画情有独钟。他早期的作品受利比的影响，人物形象清秀、典雅。后来，他吸收其他画家的成果，再经过自己的熔炼，慢慢形成了一种富有诗意的忧郁风格。2.忧郁的波提切利（SandroBotticelli，1445-1510）《庄严的圣母》中的圣母形象，感受到了他的忧郁之美。这种风格不仅反映在人物形象的塑造上，而且反映在色彩和线条的运用上。尤其是线条的运用，使画面有一种音乐的流动感，成为波提切利抒发情感的重要手段。为了构图完美，他只有牺牲人物的结构。晚年的波提切利曾焚毁了自己大量的作品。2.忧郁的波提切利（SandroBotticelli，1445-1510）《春》创作于1478年，对其主题一直存在纷争。无疑，这是一幅自然与人类保持和谐的寓意画。整个画面虽然洋溢着春天的气息，但也时时流露出淡淡的哀愁。这件精美的作品从主题到构图以及人物的描绘，在文艺复兴早期甚至在整个欧洲美术史上都是独树一帜的，充满浪漫气息。

2.忧郁的波提切利（SandroBotticelli，1445-1510）《维纳斯的诞生》取材于古希腊诗人赫西俄德的《神谱》。维纳斯从海上诞生的故事是很浪漫的，波提切利的画更是突显了这种浪漫。通过波提切利的《春》和《维纳斯的诞生》，我们感受到了强烈的人文主义气息，对宗教和禁欲的反动，对生命和美的礼赞。二、意大利盛期文艺复兴的美术意大利盛期文艺复兴是成就辉煌的时期，其间巨匠辈出。他们对美术史以及对整个人类的贡献如此巨大，很难想象一个人能涉足如此多的领域，而且在这些领域都能取得卓越的成绩。恩格斯说，文艺复兴是一个需要巨人，同时产生了巨人的时代。有史以来最伟大的艺术家都在此时诞生：佛罗伦萨的达·芬奇、米开朗基罗；翁布里亚的拉斐尔；威尼斯的乔尔乔内和提香。1.学者型的画家达·芬奇（LeonardodaVinci，1452—1519）出生于托斯卡那的一个村庄。他是法律公证人和农妇的私生子。他的父亲不仅承认他，而且还让他接受了良好的教育。达·芬奇从小善于观察，喜欢科学探索，没有一样东西不引起他的好奇心，激发他的创造力的。达芬奇自画像1.学者型的画家达·芬奇（LeonardodaVinci，1452—1519）当然，达·芬奇最感兴趣的还是绘画。在他童年的时候，他的父亲发现他的绘画才华和对绘画的热爱，就送他到著名画家委罗基奥的作坊去学习。在委罗基奥的作坊学习的时候，达·芬奇已经显示出过人的绘画天赋。《基督受洗》中的两个天使1.学者型的画家达·芬奇（LeonardodaVinci，1452—1519）《蒙娜丽莎》是美术史上最有名的油画作品之一，是为佛罗伦萨的银行家乔孔达的妻子画的肖像。据说为了使蒙娜丽莎在绘画时保持愉快的心情，请了乐队为她演奏，她的情感自然流露。《蒙娜丽莎》的微笑已经成为一个神秘的符号。达·芬奇发明的渐隐法（Sfamato），通过模糊轮廓线和采用柔和的色彩使一个形象融入另一个之中，给观众留有想象的空间。于是，避免了枯燥、生硬的形象。在《蒙娜丽莎》中，无论是人物的轮廓、手的轮廓和胸前衣服的轮廓的处理，达·芬奇都采用了渐隐法，使轮廓线模糊，相互融合。最典型的应用是描绘蒙娜丽莎的眼角和嘴角。因为这是表现人的表情最关键的部位，达·芬奇有意识让它们模糊，逐渐融入阴影之中。这样，蒙娜丽莎的表情总是让人琢磨不定，每一次看她都有不同的感觉。也许这是蒙娜丽莎微笑神秘的关键所在。空气透视法是通过空气的稀薄和浓厚来表现空间感的。这不仅能使远处的景物与人物拉开距离，也能使人物更加生动。在《蒙娜丽莎》中，此法使我们忽视了画面风景不在同一地平线的事实。达·芬奇的绘画《岩间圣母》、《吉内弗拉·德·本齐》等作品则体现了他对光的理解和运用，对人物内心世界深入细致的刻画。岩间圣母吉内弗拉·德·本齐2.创作型的天才米开朗基罗（MichelangeloBuonarroti，1475—1564）他在生前获得巨大的成功，被当作神一样崇拜，但他心中总是充满痛苦。这是一种与生俱来的痛苦，从生命的核心中发出，毫无间歇地侵蚀着生命，直到把生命完全毁灭为止。这种痛苦使米开朗基罗的作品带有强烈的悲观的英雄主义色彩，每一件作品都是他对人生、哲学、宗教和爱的思考。他深邃的思想和灵魂深处的痛苦无不溢于笔端，凝于凿刀。2.创作型的天才米开朗基罗（MichelangeloBuonarroti，1475—1564）米开朗基罗的才华使美第奇非常喜欢，遂收其为养子，这为他日后成为艺术家而不是艺术匠打下了良好的基础。米开朗基罗少年时代的作品《梯边圣母》、《赫丘利与肯陶洛斯之战》，其构思新颖、技艺精湛，可以等同名家之作。他在少年时代展露的才华令同伴十分嫉妒，为此同伴把他的鼻梁打断了，留下终身的遗憾。2.创作型的天才米开朗基罗（MichelangeloBuonarroti，1475—1564）米开朗基罗制作一尊大理石圆雕《哀悼基督》放在圣彼得大教堂。人体结构比例的完美、准确，圣母衣饰的优美、流畅反映了米开朗基罗的高超技艺。由于剖过尸体，对人体结构的把握可谓无可挑剔。通过圣母宽大的衣袍来包容基督的身体，基督身体在圣母膝盖上转折下凹缓解了堵的感觉。佛罗伦萨有一块4米高的已经损坏的大理石，多年以来无人敢问津。用它做雕塑很不容易，米开朗基罗却能让它大放异彩，用它雕成了赫赫有名的《大卫》。手持投石器的大卫的健美人体、极富英雄主义色彩的美丽面庞，以及高超的雕刻技艺，使大卫像超越了古代与当代的雕塑，令其他雕塑望尘莫及。米开朗基罗的名声传到了教皇尤利乌斯的耳朵里。他聘请29岁的米开朗基罗到罗马，为他建造陵墓。我们知道的《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》，便是陵墓柱子的柱头。米开朗基罗用四年时间画西斯廷礼拜堂的天顶画。每天爬上脚手架，仰着头绘制天顶画。他独自一人创造出震惊世界的宏伟篇章，向世人宣布了雕塑家米开朗基罗在绘画上依然成就卓越。在西斯廷礼拜堂的穹顶，米开朗基罗安排了《神众光暗》、《创造太阳和月亮》、《创造动物和植物》、《创造鱼及海中动物》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《逐出乐园》、《挪亚筑祭坛》、《洪水》等几个《圣经》中的故事。《创造亚当》米开朗基罗《洪水》米开朗基罗从绘画重新回到心爱的雕塑，米开朗基罗的创造力显得空前巨大。1520年，他为美第奇礼拜堂创造出了著名的纪念像《晨》和《昏》、《昼》和《夜》。在这一组雕塑中，他选择了金字塔形的稳定构图，中间是美第奇家族的纪念像，两侧用祭坛上的人体来代表时间。这是非常有创意的。《夜》米开朗基罗《晨》和《昏》米开朗基罗《昼》和《夜》米开朗基罗年轻时他的成名之作《哀悼基督》还在人们的脑中萦绕，也许是对这一作品的呼应，也许是对自己一生的总结，他又雕了一尊《哀悼基督》，作为他的墓前的自雕像。这是米开朗基罗在临终前对人生的思考：每个人活在世上都要承担善与恶、生与死、爱与恨的考验。

米开朗基罗一直幻想把神的意志融合在人体之中。他所憧憬的是超人的力，无边的广大。他在大理石和画布上创造他的史诗。由于米开朗基罗的风格被时人无限地崇拜，大家努力摹仿他的运动中的人体以及壮美的风格，这必将带来艺术的程式化，这一点在米开朗基罗晚年的壁画作品《最后的审判》中已见出端倪。同时，这种对运动感的崇拜也酝酿了巴洛克风格的到来。3.圣母画家拉斐尔（SantiRaphael，1483—1520）拉斐尔的老师是翁布里亚画派的著名画家佩鲁基罗，他从老师那里学到了一种温柔的画风和横向展开构图的方法。由于他的性格温和，绘画上风格独特。

1508年，米开朗基罗正在罗马绘制西斯廷天顶画，拉斐尔被他的同乡推荐给教皇来对抗米开朗基罗。任命拉斐尔绘制梵蒂冈的几幅大型壁画。他画了四个有象征意义的人物：《神学》、《哲学》、《诗学》、《法学》，在它们下面相应安排了四幅构图：《争论》、《雅典学园》、《帕尔纳斯山》、《智慧·节制·力量》。《雅典学园》最有名，横向展开的构图可以看到佩鲁基罗的影响。许多人物安排在建筑中，是文艺复兴画家常用的手法，以此突显绘画的空间感。在这幅作品中，所有的人物形象生动鲜活，姿态随意轻松。拉斐尔绘画的生动性最明显的体现是圣母的形象。他画过各种各样的圣母：《花园中的圣母》、《椅中圣母》、《金鹰圣母》、《草地上的圣母》和《西斯廷圣母》等等。虽然圣母是宗教题材，但拉斐尔笔下的圣母看起来没有一点宗教感，而是人文精神十足。正如拉斐尔自己所说，圣母是一种理想美的反映，他要看遍全城的美女，然后结合自己心中最美的典型塑造出圣母的形象。4.诗意的乔尔乔内（Giorgione，1477—1510）威尼斯是东西方贸易交汇的城市，也是意大利又一个艺术中心。威尼斯的画家则更重视色彩，可能从一开始就考虑了色彩与构图的关系，把它们当作一个整体对待。乔尔乔内在绘画上的革新令威尼斯画坛耳目一新。这种革新的成就，不亚于发明透视法。乔尔乔内的绘画对景写生，将土地、阳光、树木、云彩、水、人物同等对待。他根据画面的需要来构图安排，共同组成画面的整体，风景作为主题而不是背景位于画面重要的位置。乔尔乔内与以前画家的另外一个不同之处在于：用色彩直接表现所有的风景和人物，而不是像其他画家那样先画素描，然后再上色。由于乔尔乔内长期对景写生，对大自然热爱有加，他的绘画常常表现人与自然的和谐，具有田园般的诗意。其色彩明亮，却又怀旧、典雅，这可能与画家本人超凡脱俗的气质有关。乔尔乔内也热爱音乐，他对音乐的热爱使他的绘画构思浪漫，富有舒缓音乐的旋律。《沉睡的维纳斯》乔尔乔内《乌尔比诺的维纳斯》提香《暴风雨》乔尔乔内5.肖像画大师提香（TizianoVecellio，1490—1576）威尼斯画派另外一位大师是提香。他不仅掌握了乔尔乔内用色彩直接表现对象的技法，而且将这种技法发展到炉火纯青的程度。提香是欧洲美术史上少有的几位在身前就享受荣华富贵的画家之一。提香以肖像画著称于世。他先后为法国国王、德国皇帝、教皇保罗、玛丽亚皇后等人画像，确立了他的肖像画泰斗的位置。在《年轻的英国人》中，这位不知其名的青年男子与《蒙娜丽莎》一样生动。提香是色彩大师，他的色彩明亮而富丽，往往能将女人的肌肤表现得无比娇嫩，再加上身体的丰满，提香笔下的女人体很有吸引力，自然而不矫揉造作，美丽而不色情。《年轻的英国人》提香三、尼德兰的文艺复兴美术尼德兰是另外一个文艺复兴美术成就卓越的地区。尼德兰是低地的意思，是荷兰资产阶级革命以前的今荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部的低地国家和地区的统称。绘画风格总体：与意大利存在较大差异，更注重刻画对象的质感，表现人物服装厚重的材料和衣褶。在这方面，他们具有无比的耐心，至于人物是否美丽则不是画家关心的内容。有时候，被描绘的对象甚至显得有些苦涩和丑陋。1.油画的发明者扬·凡·艾克（JanVanEyck，1368—1441）用亚麻油、核桃油和树脂调配出一种挥发速度均匀、性质稳定的调色油，然后用这种油调和颜料，使色彩呈现出鲜艳的光泽，把自然光表现得更加逼真。这种技巧的革新彻底改变了绘画的面貌，使油画成为后世绘画发展的主要形式。《根特祭坛画》扬·凡·艾克胡贝特·艾克其中，有些形象如《圣母》、《亚当和夏娃》，揭示出画家对唯美的忽视以及对厚重衣褶的强调。画中的圣母显得有点老，亚当和夏娃甚至可以说有点丑，可他们依然给人神圣的感觉。《圣母》《亚当和夏娃》《阿尔诺芬尼夫妇》是扬·凡·艾克的肖像画杰作。画面上精心刻画的床、蜡烛象征他们的结合，小狗象征忠贞，认识到扬·凡·艾克精湛的写实技巧，以及描绘细节的耐心。细节刻画最到位的是镜子。这是一面凸面镜，镶嵌镜子的木框上描绘耶稣的生平事迹。镜子中间，将阿尔诺芬尼夫妇结婚的场景都如实地表现出来。2.怪诞的博斯（hieronymusBosch，1450—1516）博斯是尼德兰画家中风格最独特的一个,对西班牙画家达利产生过较大的影响。总体看来，博斯早期的风格受荷兰绘画的影响较大，晚期的作品与尼德兰南部的绘画风格更近绘画风格在美术史上是非常独特的，其丰富的想象力，动物和矿物结合、植物和动物结合的怪物都能出现在他绘画的奇妙王国中。畸形人，异国的动物，怪物，蛇，昆虫，爬虫动物，半人半植物，海洋怪物，空中怪物，魔鬼等形象都是从未见过的。博斯借由生动的想象，把具体的形式一半给人类，一半给动物。《两个怪物》博斯博斯生活的时代，宗教在每个人的生命中占据十分重要的地位。他的代表作品《愚人船》告诉我们，整个人类正乘着一条小船在牧师和修女的带领下在岁月的大海中航行，牧师和修女是这样的愚昧，他们乱弹琴，瞎唱歌，其他愚人大吃大喝，打情骂俏，尔虞我诈，玩愚不可及的游戏，追求实现不了的目标。《快乐之园》是画在木板上的三联画，左联描绘亚当和夏娃在伊甸园偷吃禁果，被逐出乐园的故事；中间一联表现人类在快乐之园尽情地享受爱情；右边一联显示出男欢女爱之后，等待他们的是地狱的炼狱。在这个以爱情为主题的三联画中，始终表现爱与水的关系。博斯生活的时代，相爱的人们在水中拥抱着表达爱意是流行的形式，这给博斯带来创作的灵感。《快乐之园》博斯博斯的绘画始终隐含着哲学的思考。在《天使的堕落》中，我们能看到中国山水画的构图形式；《荒野中的圣约翰》，犹如中国绘画中的一个隐士在深山老林中的沉思默想。尤其是收藏在马德里普拉多博物馆的《创世纪》，是《快乐之园》三联画闭合时的绘画效果。《创世纪》博斯博斯对人物表情的描绘，常常选择侧面像来表现，尤其是通过刻画人物的眼睛和嘴的细节来表现人类的愚昧和贪婪。最典型的是张开的尖嘴中的几点白牙和过分强调的眼白，白色在画中起到了很好的点缀作用，博斯的风格在15世纪就这样前卫，他是这种怪诞风格中的佼佼者，被推为20世纪超现实主义绘画的鼻祖。《扛着十字架的基督》博斯四、德国的文艺复兴美术北方文艺复兴美术的德国不乏北方地区的特质，宗教氛围浓厚的德国曾沿袭中世纪的哥特风格，但马丁·路德的宗教改革给德国文艺复兴美术注入了新鲜的血液。从某种意义上说，德国的文艺复兴美术一方面受到意大利的影响，另一方面带有明显的新教特点，人文主义精神非常强烈。最著名的德国文艺复兴的画家丢勒、克拉纳赫、荷尔拜因等与人文学者伊拉斯谟、约翰·库斯比尼扬、托马斯·莫尔等都有很好的交往，丢勒、克拉纳赫还是马丁·路德的好朋友，替马丁·路德画过像。1.画坛的歌德——丢勒（AlbrechtDürer，1471—1528）提起丢勒，德国人都引以为骄傲，将这位德国文艺复兴的绘画巨匠喻为“画坛的歌德”。丢勒不把自己看作一个普通的匠人，他和人文学者和新教领袖的接触，使他乐于探索这个世界的奥秘，用画笔表现人类的思想。丢勒的绘画成就主要体现在油画和版画两个方面。丢勒是一个对自己的外貌非常自信的画家。13岁的自画像已经显示出丢勒高超的素描技巧，不仅形象准确，而且刻画了内向的性格特征。27岁的自画像中，丢勒身着时髦、昂贵的服装，满头金色的卷发，神情高傲、冷漠，颇有几分贵族气质。29岁的自画像中，他把自己打扮成基督的模样，说明他自视很高，并希望通过绘画拯救人类。他的自信也表现在独特的签名上，字母A和D巧妙地组合在一起，形成一个独特的标志。这个签名在丢勒的画中都能见到。《自画像》(13岁)丢勒《自画像》(20岁)丢勒《自画像》(22岁)丢勒《自画像》(27岁)丢勒《自画像》(29岁)丢勒丢勒给他的母亲画的素描，毫无美感，甚至用丑来形容也不过分，却表现出他母亲坚毅的性格。没有一幅母亲像比这幅更能令人印象深刻的。这幅素描作品绘制于丢勒母亲去世前的两个星期。丢勒怀着近乎宗教的感情深爱着自己的母亲，