歌剧19世纪末至20世纪初

歌剧19世纪末至20世纪初美国歌剧我们说''美国歌剧”，倒不如说''歌剧在美国”来得适宜。因为我们必须承认，美国在移植推广外国歌剧方面相当成功，只是缺少在本土创作的作品，这是使人惋惜的事。而且在这方面，美国同英国的情形颇为相似。因此有人怀疑盎格罗撒克逊人的天才，为什么没有在古典乐剧上得到发挥的机会呢？自从进入20世纪以来，纽约业巳成为世界音乐的中心，无论是歌剧或交响乐曲，以及其他各方面都是如此。但由于美国人自己尚未创作出-部特别像样的大歌剧出来，所以他们很自然地要引进欧洲的艺术音乐，希望能获得灵感和启发；最早的例子是独立宣言签字人霍普金森所写的一章圣乐曲，这篇命名为《米纳瓦的庙宇》的乐剧编制，原是纪念法国对美国革命初期的盟谊和帮助，当该剧于1781年演出时，最早的听众是华盛顿将军夫妇和法国公使夫妇。后来在华盛顿担任总统期间，一部以本土坦慕尼为题材的民谣歌剧，由休伊特写作成功，并于1794年在纽约的老约翰街戏院上演。这个时期还有两件其他的作品，而这两部歌剧都是由外国人谱曲。当时外国的歌剧团，巳来到美国沿海各大城市作旅行表演。1810年，大型歌剧团队巳在新奥尔良扎根。弗赖伊(1813-1864)的歌剧《莱奥诺拉》，被公认为是美国土生的第一部歌剧。这部歌剧于1845年根据布尔沃李顿所写的剧本《里昂夫人》谱成，同年6月4日在费城栗树街剧院演出；弗赖伊非常尊重外国的传统习惯，允许将其作品译成意大利文，于1858年在纽约乐府歌剧院再度演出。直至1855年才有一部真正美国本地的歌剧问世，那就是布里斯托所写的《温克尔》，在美国的尼布罗花园剧院演出，美国人终于看到了自己创作的歌剧。首演时激起观众狂热反响。该剧自首演之日起历时一个月，叫座不衰。此后还有沃尔特?丹姆罗希歌剧团所演的他本人编制的《红字》一剧。丹姆罗希生于1862年，他一生作曲、指挥、译述以及作演出人，直至七、八十岁，其事业仍未衰竭。乐府歌剧院，对外国作品大开方便之门，对本国作品则摇头叹息，弗赖伊的《莱奥诺拉》一剧之所以获准在该院演唱，是因为被译成意大利文来唱的原故。大都会歌剧院的门户也于1993年敞开，但它和乐府歌剧院一样，仍维持此传统。由于美国歌剧作曲人才欠缺，所以对外国歌剧就盲目崇拜。美国的歌剧演员一般都在国外接受训练，所以在歌剧的表演和演唱等仍然根据欧洲制度。1910年，纽约乐府歌剧院始被说服，演出了康弗斯创作的歌剧《欲望之笛》。次年，另一部以加利佛尼亚为主题的作品《舍命记》在波士顿于公演。同时赫伯特的歌剧《纳托马》也先后于费城、纽约相继演出，但是，无论在赫伯特之前或之后，美国只有小型的歌剧著名作品。象《坎特伯雷的朝圣者》、《温克尔》等20余部轻歌剧，由于世界动荡不安，20多年来演出成绩平平。因这些歌剧所根据的故事，皆与他国相同。例如帕克所的《蒙纳》，哈德莱的《克娄巴特拉之夜》，格伦伯格的《琼斯皇帝》，泰勒的《国王的亲信》，汉森的《欢乐山》等，都是相同体系。还有弗里姆勒、克思、罗姆伯格以及罗杰斯等人，也都有歌剧的发表。不过此等轻歌剧及音乐喜剧，在美国舞台上唯一可庆贺的，是格什文于1935年写下了《波吉与贝丝》音乐剧，可说是真正的美国风味的歌剧，且有独特风格。大有演唱的价值，也成为了音乐剧的先驱。美国音乐剧大师格什温爵士音乐作曲家格什温、在通俗歌剧、音乐剧创作领域以独特的美国风格而大显身手，赢得世界声誉。格什温(1898-1937)是20-30年代美国最有影响的爵士钢琴家、流行音乐和通俗民族歌剧作曲家之一。他家境贫困，父母是俄国犹太移民，1893年前后移居美国，少年时期勤奋学习钢琴与和声，1914年在雷米克书店以钢琴弹奏谋生，同时为歌舞排练作伴奏，1916年为百老汇创作音乐喜剧，主要创作除百老汇喜剧外为电影歌曲。1919年所写流行歌曲《斯沃妮》被广泛流传。1924年与爵士音乐指挥?阡德曼合作演出他的钢琴与乐队作品《蓝色狂想曲》，相继又推出交响诗《一个美国人在巴黎》，奠定了他在美国乐坛的作曲家地位。他的音乐剧《开始奏乐》（1927）、《疯狂女郎》（1930）、《我为你歌唱》（1931）曾轰动一时，《我为你歌唱》对美国总统选举予以辛辣讽刺，音乐轻快活泼，特具美国爵士流行风味，荣获普利策奖。1935年在波土顿首演的三幕歌剧《波基与贝丝》获得了辉煌的成功，产生了世界性的深远影响。《波吉与贝丝》1935年9月30日在波斯顿首次公演，同年10月10日，于纽约的阿路维因剧院正式隆重的初演。它的脚本由海沃德根据本人的小说改编。表现了美国卡罗来纳州一个黑人区落后贫穷的生活情景。黑人搬运工格隆在赌博时打死了罗宾，在警察追捕中潜逃，他的情妇贝丝走投无路，随跛子乞丐波基生活，两人感情甚笃。一日，他们在林间野餐，被格隆发现，抢走贝丝。数日后贝丝回到波吉怀中，在一次飓风袭击时，格隆又一次来寻找贝丝，被波吉杀死。波吉入狱，一个毒品贩子将贝丝拐骗到纽约成为妓女。获释的波吉推着小车，朝着纽约走去，寻找贝丝。格什温在这部歌剧中采用传统歌剧的宏大结构，以娴熟的专业作曲技巧与黑人爵士音乐语汇相融合，在美国民族歌剧创作上作了成功的探索。歌剧全部由黑人主演，运用美声演唱，旋律优美动人，节奏灵活多变，色彩绚丽明快，人物性格的刻画在戏剧展开中层层深入，富于严谨的结构层次。这部歌剧的精湛技巧和独创性的音乐语言（包括灵歌风格语言），使其成为美国民族歌剧的典型范作。19世纪-20世纪初东欧各国的民族歌剧捷克歌剧在东欧国家中，捷克是最具音乐传统的国家。几百年来，波希米亚一直是奥地利君主的领地，与欧洲音乐的主流有着密切的联系。布拉格之成为歌剧中心，由来巳久，从奥地利统治时代的1620年至1918年，历经3个世纪，发扬民族性的意识自然遭受压制。1725年，布拉格成立了一家歌剧院，这里欢迎过18世纪各国的著名作曲家。格鲁克的一些歌剧和莫扎特的《唐?乔瓦尼》等歌剧，曾在此地作初次的演出。同时吉利?班达（1722-1795年）就以一批杰出的喜歌剧和独幕歌剧，为民族歌剧事业做出了积极的贡献。进入19世纪，捷克的音乐创作出现了空前繁荣的景象，1860年，捷克建立了一所音乐学校，规定必须用捷语教学。1862年，捷克国立歌剧院创立，此后，捷克作曲家如斯美塔那，自1866年至1882年，一连在此演出了他的8部歌剧，用的是捷克语言，探讨的也是民族题材，自然也构成了捷克歌剧的基础。就像格林卡的《为沙皇献身》歌剧，树立了俄国歌剧基础是一样的。贝德里希?斯美塔那（1824-1884年），出生于东波希米亚利托米尔什的一个爱好音乐的家庭。19岁时，去布拉格学习音乐。斯美塔那在青年时期，受到捷克复兴运动和民族文化的影响，积极参加了1848年反对奥地利统治、争取自由独立的革命运动。同时，斯美塔那致力于民族音乐的教育和振兴，创立并领导了布拉格音乐学校，组织音乐会演出。革命失败后，斯美塔那移居瑞典的哥德堡。1861年，国内政治形势好转，斯美塔那回到捷克，把主要精力投入到民族歌剧的创作中。1863年，他创作完成了第一部歌剧《在波希米亚的勃兰登堡人》。这部反映13世纪捷克人民反抗勃兰登堡封建领主统治的历史剧，既表现了斯美塔那的爱国主义思想，塑造了捷克人民英勇不屈的形象，也展现了斯美塔那擅长清新优美的民族旋律的创作技巧，特别是体现了把波尔卡舞曲引入音乐创作中的独有的风格特征。1866年，斯美塔那创作了第二部歌剧《被出卖的新嫁娘》，1866年5月30日在布拉格国民剧院上演。因普法战争即将爆发，公众没能给予应有的注意。同年10月，它在布拉格用捷克语再度公演，立即受到高度评价和热烈欢迎。这部喜歌剧是斯美塔那最重要、最受欢迎的歌剧。《被出卖的新嫁娘》不仅标志着斯美塔那的创作进入了成熟期，而且成为捷克民族歌剧的象征，在欧洲歌剧史上达到了相当高的艺术水平。这部博得国际性声誉的、捷克最著名的歌剧作品，1882年，就在布拉格举行第100次纪念公演。从首演后的一个世纪之间，上演次数居然多达2000多次，这是相当惊人的。1868年，为支持和推动民族歌剧事业的发展，斯美塔那与其它进步人士一起，克服重重困难，筹建布拉格民族剧院。在奠基仪式上，他充满自豪地宣布：''捷克人的生活是在音乐中”。1870年至1872年，斯美塔那先后花了8年这在之久的时间，创作了一部英雄性的歌剧《里布舍》。应捷克国家歌剧节的请求，在民族剧院的落成典礼上(1881年6月11日)隆重首演。剧中通过布拉格城的创建者里布舍对捷克民族的预言，激发了捷克人民对祖国光明未来的坚定信念，特别是结尾的合唱《光荣颂》，更把观众的情绪推向了高潮。此后，歌剧《里布舍》只有在国家的重大节日里才上演。后来，斯美塔那又创造了几部歌剧作品，例如：《两个寡妇》(1874)、《吻》(1876)、《秘密》(1878)、《魔鬼之墙》(1882)和未完成的《维奥拉》等。1884年5月12日，斯美塔那因病在布拉格精神病院逝世。斯美塔那一生共创作了10部歌剧，他是捷克民族乐派的创始人和最主要的代表人物。他的歌剧作品，无论是在思想主题上，还是在情感、旋律、色彩上，都是彻底捷克化的。他对起源于波希米亚的波尔卡舞曲，有着十分深厚的感情。他的愿望是实现波尔卡舞曲的艺术化。在他几乎所有的作品中，波尔卡舞曲的旋律和节奏随处可见。可以认为，波尔卡是斯美塔那创作风格的主要特征。德沃夏克德沃夏克是继斯美塔那以后最卓越的捷克作曲家，也是捷克民族乐派的重要代表人物。安托宁?德沃夏克(1841-1904年)，出生于布拉格附近的米尔豪森村。德沃夏克在幼年时，就学习了小提琴、中提琴、钢琴和作曲。1857年，16岁的德沃夏克进入布拉格管风琴学校，他是一位高材生。1862年毕业后的十年间，他一直在捷克临时剧院乐队工作。这一阶段，他受到了祖国民族复兴、发展民族文化的思潮的影响和教育，斯美塔那的歌剧创作和音乐风格，对他启发甚大。此间在演出实践中，德沃夏克接触了西欧各音乐流派的作品，扩大了艺术视野，进一步熟悉了民族民间音乐，并坚持发掘和借鉴民族民间音乐的重要成果与经验，为他日后的创作活动，打下了良好的基础。德沃夏克创作主要歌剧有，《国王与矿工》(1874)《顽固的农民》(1874)《万达》(1875)《农民无赖》(1877)《德米特里》(1882)《雅各宾党人》(1888)《魔鬼与凯特》(1899)《阿尔米达》(1904年)等。其中最具代表性的作品是《雅各宾党人》和《阿尔米达》。1892年起，出任美国纽约国家音乐学院院长，并在那里创作了影响最大的作品《自新大陆》交响曲。1901年，德沃夏克回到捷克，他创作了最优秀的歌剧《水仙女》此剧是根据克伐皮尔的剧本而作，1901年3月31日在布拉格国立剧院首演。这部爱情悲剧讲述了一个广为流传的神话故事：水仙女爱上了人间漂亮英俊的王子，为了去人间和王子相会，水仙女求助女魔巴巴雅加。女魔告诉她，如果失去王子的爱情，水仙女将永远生活在湖底的最深处。当水仙女和王子即将成婚时，王子却爱上了邻国的公主。水仙女极度痛苦、，只得沉人湖底。悔悟的王子奔到湖边，请求水仙女宽恕他。在深情一吻后，女魔的预言实现了，王子倒在水仙女的怀中死去。其中水仙女的咏叹调《月亮颂》堪称歌剧咏叹调最美妙、最细腻、最动人的音乐之一。这部作品是他歌剧创作上的顶峰。1904年5月1日，德沃夏克因脑溢血逝世。他一生作有11部歌剧，他的创作既深受斯美塔那、瓦格纳的影响，具有鲜明、动人的音乐形象。又独具民族民间特色和个性风格，音乐语言富有沁人心脾的感染力。表现了热爱祖国、热爱家乡、热爱生活的思想感情。德沃夏克通过自己的音乐创作，为发展捷克民族音乐，提高捷克音乐文化水平作出了巨大贡献。亚纳切克亚纳切克出身于摩拉维亚一位乡村小学教师家庭，儿时参加修道院唱诗班，受民族主义文化影响。先后在布尔诺师范学院、布拉格音乐学院、莱比锡音乐学院、维也纳音乐学院学习，1881年起任捷克爱乐乐团指挥并创办管风琴学校。他潜心于民族民间音乐研究，着有《民歌的节奏》、《戏剧中特殊语言的旋律曲线》、《论音乐创作中的心理发展》等专论。1904年他创作了歌剧《耶奴法》在布尔诺上演，这部歌剧取材于摩拉维亚农村生活，音乐具有民间音阶调式与专业技巧相结合所透出的一股清风，令人陶醉。演出效果一鸣惊人18个月之后，捷克斯洛伐克脱离奥匈帝国统治，此剧又在维也纳演出。由于他在几年前曾批评时任布拉格歌剧院总监的一首作品，迟迟不予审听演出，直至12年之后在布拉格歌剧院演出，巨大成就令人感到意味深长。自此之后，这出歌剧即名闻海内外。亚纳切克写作这出歌剧，保持了他原本面目，并不受斯美塔那或当时盛行的瓦格纳派后期的影响。亚纳切克作有12部歌剧，例如《萨尔卡》（1888）、《布鲁切先生的远征》（1920）、《卡佳?卡巴诺娃》（1921）、《狡猾的雌狐》（1924）、《马克罗波洛斯事件》（1926）等。无论在构想及处理题材方面，都算是非常新颖的佳作。罗马尼亚民族歌剧的杰出代表埃奈斯库大名鼎鼎的罗马尼亚民族乐派的杰出代表埃奈斯库（1881-1955），他的艺术生涯自19世纪末即巳开始，他是一位小提琴演奏和指挥大师。在交响音乐、室内乐创作上成就卓著。1921-1931年他创作了四幕歌剧《俄狄浦斯》，取材于索福克勒斯的同名悲剧，表现的却是人定能战胜命运的哲理性主题。在音乐语言方面，将风格独特的民族民间音乐韵味与欧洲现代音乐手法有机融合，取得动人的效果。民族乐派的歌剧作品，音乐语言与民间音乐有紧密的联系，与强调和声倾向性的西欧音乐相比，显得清新而更富色彩。作品流露了艺术家对人民命运的深切关注以及对祖国、对人民的赤诚之心。波兰民族歌剧波兰音乐是斯拉夫民族最古老的音乐文化之一。同捷克音乐相似的是，它的形成和发展，同欧洲其它民族音乐有着密切的关联。波兰民间曲调与民族舞曲马祖卡舞曲、波罗乃兹舞曲是''近亲”，许多民歌旋律本身就是舞蹈曲调。18世纪后半叶，波兰民族音乐得到振兴和发展。1765年，成立了华沙民族歌剧院。1794年，上演了波兰最早的民族歌剧《想象的奇迹》。进入19世纪后，波兰民族音乐同浪漫主义音乐潮流结合在一起，出现了波兰民族乐派。莫纽什科则是波兰民族歌剧的创始人。斯坦尼斯拉夫?莫纽什科（1819-1872年），青少年时期曾先后在华沙和柏林学习音乐。1840年起，在维尔纽斯任管风琴师和音乐教师。50年代末任华沙歌剧院指挥，并在华沙音乐学院执教。在莫纽什科创作的歌剧中，最有代表性的是《哈尔卡》，这是波兰第一部真正意义上的民族歌剧。它描写了农村姑娘哈尔卡被贵族公子亚努什诱骗后，遭受凌辱伤害的悲剧故事。莫纽什科在歌剧中明显地流露出对农民的同情和对贵族的憎恶。1848年，莫纽什科开始创作这部歌剧但遭到当局的禁演，直到1858年才在华沙公演，获得了极大的成功，相继轰动维尔诺、华沙和整个波兰，仅在华沙即演出一千余场。1868年在布拉格公演时，由斯美塔那亲自执棒指挥。这是波兰的第一部民族歌剧。纽什科创作的其它歌剧还有《闹鬼的庄园》（1864年）、《贱民》（1869年）等。莫纽什科一生活写有20余部歌剧，他的音乐具有浓郁的民族色彩，和较强的现实社会的进步倾向，他的歌剧作品是波兰民族歌剧走向成熟的重要标志。因此他是19世纪波兰杰出的作曲家。匈牙利民族歌剧的奠基人匈牙利的民族音乐较多地受到异族音乐文化的影响。17世纪末，匈牙利沦于奥地利的统治，德奥音乐的风格成为匈牙利音乐的主流风格。但匈牙利的民族音乐始终在困境中顽强地发展。18世纪，随着城市音乐的发展，出现了最早的匈牙利喜歌剧。19世纪，匈牙利民族音乐有了发展，艾凯尔成为匈牙利民族歌剧的奠基人。艾凯尔?费伦茨（1810-1893年），曾先后担任佩斯德国剧院副指挥、布达佩斯民族剧院指挥、爱乐乐团团长和匈牙利国家音乐学院院长。1844年他创作了最成功的歌剧《洪尧迪?拉斯洛》。歌剧上演后，立即赢得匈牙利人民的共鸣，这歌剧描写了匈牙利统帅之子拉斯洛遭到奥地利王族的诬陷，在婚礼被处决的悲剧故事；后一部讲述了匈牙利总督邦克杀死外籍王后，拯救匈牙利民族的故事。1861年又一佳作《邦克总督》问世。这两部歌剧都反映了匈牙利人民反抗异族统治、争取独立自由的强烈愿望，并引发了爱国示威游行。艾凯尔一生共创作了9部歌剧，他的歌剧题材，大多取材于匈牙利的民族解放斗争，歌颂本民族英雄和起义领袖。象《多饶?哲尔吉》（1867年）、《伊斯特万王》（1885年）、《无名英雄》（1888年）等都属于此类作品。艾凯尔的歌剧音乐，注重借鉴西欧传统歌剧的形式，使人物形象的刻划富于个性，他成功地挖掘了匈牙利民间音乐的精华，在乐队的运用和戏剧冲突方面，也取得了新的突破。艾凯尔的民族歌剧深受匈牙利人民的欢迎，在匈牙利和欧洲歌剧史上占有不可或缺的显着地位。艾凯尔创作的歌曲《上帝保佑匈牙利》（1845年），后来成为匈牙利的国歌。19世纪晚期至20世纪中叶，东欧其它国家民族乐派的新型歌剧也纷纷崛起。匈牙利的柯达伊（1882-1967）与巴托克、利盖蒂（1923-）号称匈牙利民族乐派三巨头。柯达伊专门搜集、整理、研究匈牙利民间音乐，他的音乐语言反映了匈牙利音乐气质和民族精神，和声处理具有浪漫派风格，管弦乐配器带有印象派色调。他具有代表性歌剧是民谣歌剧《哈里？雅诺什》（1926）、《斯塞凯利家的纺织工场》（1932）和《琴卡?潘纳》（1948）。《哈里?雅诺什》是一部带序幕和尾声的四幕喜歌剧，剧情取白匈牙利民间传说，以幽默情趣描写哈里?雅诺什如表现他如何战胜拿破仑军队，以及后来与一位农村姑娘的爱情故事。此剧音乐1927年由作者改编为交响组曲。20世纪杰出的匈牙利作曲家巴托克贝拉？巴托克（1881-1945年）是匈牙利20世纪杰出的作曲家和音乐史专家。他们的声乐作品数量不多。巴托克是作曲家、钢琴家、民族音乐学家他。他长期从事匈牙利以及东欧、中欧、土耳其、北非等广阔地区的民族民间音乐研究，创导了比较音乐学这一音乐理论的新兴学科。他将民歌精神渗透到自己的创作灵感之中，形成独树一帜的巴托克音乐风格。他开拓了现代音乐的表现技巧。他的创作曾受到印象主义、象征主义、表现主义、新古典主义等艺术流派的影响，同时继承了巴赫、贝多芬以来的优秀传统，在旋法、和弦结构、节奏和调性组合、音响建筑等多方面取得创造性的成就。巴托克较有影响的一部歌剧是1911年创作的《蓝胡子公爵的城堡》。故事取材于17世纪作家佩洛的故事集，脚本由作曲家的好友贝拉？巴拉兹（1884-1952）撰写改编，大致内容是蓝胡子公爵带着新妻子尤姬芙回到城堡，新妻子要求他打开七道封闭的大门，在第七道门里，关押着公爵以前的三位妻子，尤姬芙同她们一起逃离了人间地狱般的宫殿。全剧仅有两个主要人物，都是被夸张、变形了的人，一个男的，一个女的。除了介乎宣叙调与咏叹调之间的语言化音调外，有一个庞大的乐队作为戏剧氛围渲染、人物心理刻画的主要手段。前五间房音响趋向强烈，至第五幕用全奏加管风琴推向高点，然后自第六间房起力度渐趋减弱，变化幅度很大。这部作品表现了对冷酷虚伪的资本主义社会的厌恶和惶惑的心情，人物性格带有明显的象征主义、表现主义色彩，但也保留着匈牙利民族民间音乐的因素。在音乐语言和匈牙利语演唱方面，巴托克不仅注重音阶、调式的运用，而且特别强调语音中的特殊重音的处理。俄罗斯民族歌剧俄国歌剧，虽然可以回溯到18世纪，但为西方世界所熟知，则只是60年的事。他们很少有歌剧到国外的舞台上演出，我们借俄国的芭蕾舞剧，因而了解斯拉夫民族的音乐、技艺和表演等。到现在为止，我们只能在参考书中翻到俄国歌剧作曲家的名字。即使是第一流作曲家，也只有少数的作品曾在国外上演。我们听俄国的音乐，总有些悲怆之感，连同他们的国歌，编写得何其沉郁。由此可推想到俄国歌剧的风格。最初，俄国的歌剧完全效法意大利的格调，因意大利也有些郁闷悲怆的韵味。歌剧在俄国起步较晚，主要是由于音乐在俄国起步也较晚，至少是满篇带调号、速度记号和大量小黑点的、正式的、书本学究式的音乐起步较晚，而这种音乐导致了歌剧的产生。千百年来俄国百姓一直唱着民歌狂欢作乐，但是没有人费心记写下其中的很多歌曲。17世纪晚期开始其统治的彼得大帝不太喜欢当时刚刚起步的歌剧。他小时候在宫廷唱诗班唱点歌，长大后却比较喜欢军乐了。彼得的女儿伊丽莎白却很喜欢歌剧，因此建了一座剧院。但她很难说服那些贵族们去看演出，必须挨门挨户去请他们。在凯特琳娜大帝统治时期，歌剧在俄国成为较为普通的事物了。凯特琳娜喜爱歌剧特别是法国喜歌剧。她邀请了诸如萨列里和佩西埃罗这样的著名作曲家访问圣彼得堡，并演出他们自己和其它人写的歌剧。音乐史学家唐纳德?杰伊?格劳特告诉我们：在18世纪的最后25年中，差不多有350部歌剧的首演是在俄国。然而即使是那些歌剧也不是真正的俄罗斯歌剧，因为它们不是俄罗斯作曲家写的，也不是用俄语演唱的。格林卡民族歌剧的奠基人真正奠定了俄罗斯民族歌剧风格的是一个名叫米哈伊尔？伊凡诺维奇?格林卡的作曲家。他的音乐有一种特性，乃是''沉闷”二字。（他在所有其它音乐的创作中也奠定了真正的俄罗斯民族风格，而与此同时奠定真正的俄罗斯民族歌剧风格的工作也就容易得多了）。格林卡1804年6月1日出生在斯摩棱斯克省诺沃斯巴斯克村的庄园主家庭。父亲是退役将军，母亲是一位熟悉俄罗斯民间歌曲的主妇。据格林卡的回忆，格林卡小时候最喜欢听两个铜锅碰撞的声音，后来长大了不再有这种喜好，而在那之前他巳把奶奶大部分最好的厨具都糟踏够了。有时他父亲会雇一个小乐队在就餐时奏乐，他特别喜欢听乐队演奏那些古老的俄罗斯民歌。所以他的童年是在民歌曲调里度过的。格林卡从10岁起，开始学习钢琴和小提琴。14岁进入圣彼得堡的一所贵族学校，学习拉丁语、法语、英语、德语和波斯语，同时向英国钢琴家菲尔德学习钢琴，跟俄国作曲家迈尔学习作曲和音乐理论。格林卡在圣彼得堡结识了俄国伟大的诗人普希金。在同普希金的交往中，格林卡不仅激发出了强烈的创作冲动，而且受到了思想上的启迪和艺术上的熏陶。1830年，格林卡赴意大利学习观摩。他一方面悉心研究贝利尼、唐尼采蒂的歌剧和意大利歌唱家的美声唱法，一方面有幸结识了柏辽兹，接触了浪漫主义音乐。他认为，在意大利式的创作中，他得不到真正的快乐和灵感。格林卡决心要创作出、、不但题材是民族的，而且音乐也是民族的”俄罗斯歌剧。1833年，格林卡在德国学习考察时，创作了具有特殊意义的《俄罗斯主题随想曲》和《交响序曲》这两部作品被认为是歌剧《伊凡?苏萨宁》的''特殊草稿"。1834年，格林卡回到俄国。他立即会见了普希金、果戈里、维雅采姆斯基等人，表示出要创作一部俄罗斯民族歌剧的强烈愿望，并得到他们的热烈支持。诗人茹科夫斯基很快便提供了一个歌剧题材，这就是伊凡？苏萨宁的英雄故事。这个俄国农民英雄反抗入侵者的故事，紧紧攫住了格林卡的心灵，与他要创作一部民族英雄悲壮歌剧”的构想极其吻合，他以满腔热情和全部精力投入到歌剧创作中。1836年11月27日，《伊凡?苏萨宁》在圣彼得堡首演。在沙皇的授意下，改名为《为沙皇献身》，首演获得极大成功。这一天成为俄罗斯民族歌剧的诞生日。大多人对《伊凡？苏萨宁》给予了高度评价，认为''这部歌剧是真正的俄罗斯歌剧。格林卡的歌剧开始了一个新的时期，即俄罗斯音乐时期〃，《伊凡?苏萨宁》是''俄罗斯歌剧的曙光"。由于这部歌剧中全是普通农民的形象，因此上层社会蔑视地称它为''马车夫音乐"。对此，格林卡坦然接受，他尖锐地指出，在那场抗击入侵者的战斗中，马车夫比老爷们还顶用。1837年春，格林卡构思写作了第二部歌剧《鲁斯兰和柳德米拉》，这是一部浪漫主义的神话歌剧。1842年12月9日在圣彼得堡公演的《鲁斯兰与柳德米拉》非常糟糕，遭到贵族社会的抵制，他们在最后一幕前，集体提前退场，以表示不满。只有少数作曲家认为它是''非常成功的”，甚至一些歌唱演员和乐队队员都对这部作品抱以嘘声，理由是被认为结构不好。格林卡的这两部歌剧即使在苏联时代都不多上演，但是《鲁斯兰与柳德米拉》的序曲却经常在音乐厅上演，或在趣味高雅的广播电台中播出，这部序曲包括一些好听的曲调，很好地填充了节目。对于反对派的意见和攻击，格林卡采取了委曲求全的策略，他接受各种修改建议，结果把这部本来很优秀的作品改得面目全非，歪曲了原有的创作构思。直到格林卡逝世后的70年代，《鲁斯兰和柳德米拉》才以本来的面目再现于世，并赢得了积极的评价。《鲁斯兰和柳德米拉》的失败，促使格林卡于1844年再次出国，寻求新的创作活力。在巴黎，格林卡与柏辽兹建立起了深挚的友谊。柏辽兹热情地把这位俄国作曲家介绍给法国人，他的作品在巴黎受到了热烈地欢迎和高度的评价。此后，他又去了西班牙。1847年，格林卡返回俄国。到了50年代，格林卡的周围聚集着一群与贵族社会持相反立场的年轻音乐家，达尔戈梅斯基是格林卡事业的继承者，巴拉基列夫是后来、、强力集团”的骨干成员。他们坚定地支持和鼓励格林卡，同时格林卡也是他们艺术事业上的导师和朋友。格林卡一生就创作了两部歌剧，他采用了很多古老的俄罗斯民歌作为歌剧的旋律。这不仅为他节省了好多时间，而且也使观众更容易吹着这些曲调离开剧场，这一点确保了作品的成功。格林卡之后的一群作曲家看了他的歌剧后，认识到一种有益的东西，所以几乎所有他们的音乐都包含一些俄罗斯民歌的片断，也都有了那种特殊的民族风味。他的歌剧为俄国民族歌剧的两大分支神话史诗剧和人民历史剧奠定了基础。也为创立真正的俄罗斯民族歌剧做出了杰出的贡献。晚年的格林卡由于受到贵族社会的打击和排挤，一直郁郁寡欢，只得频繁出国，借以排遣心中的苦闷。1856年，格林卡病倒在柏林。1857年2月15日，这位俄罗斯音乐之父孤独地客死在异国。''五人强力集团”19世纪60年代，由俄国进步的青年作曲家组成的''强力集团”(即新俄罗斯乐派)，是俄罗斯民族声乐艺术创作队伍中的一支主力军。米利？巴拉基列夫(1837-1910)、西撒?居伊(1835-1918)、亚历山大?鲍罗丁(1823-1887)、尼古拉?里姆斯基-科萨科夫(1844-908)和莫杰斯特?穆索尔斯基(1839-188)这五位作曲家，在音乐界掀起了俄罗斯民族音乐风格的第一次浪潮，后以''五人强力集团”或''强力集团”著称。他们中没有一个是全职作曲家--几乎都在政府部门有份安逸的工作。居伊是记者，后来成为俄军的一名将军，他的大部分时间是教士兵们如何挖战壕和如何偷袭敌人；穆索尔斯基在一次政府清洗中失去了继承权，后来在林业部做了一名职员；鲍罗丁是在全国科学院教化学。巴拉基列夫没有写过歌剧；鲍罗丁只写了一部大家都记得的歌剧《伊戈尔王子》他的正式职业是一位著名的化学教授，60年代起开始了他的音乐创作生涯，他在歌剧、交响乐、室内乐领域以为数不多的优秀作品而获得崇高声誉。他的音乐趣味虽带明显的西方影响，但在其民主、进步的世界观和追求俄罗斯和东方民族风情的艺术观支配下，使其作品展现出鲜明的民族风格和史诗性、抒情性的特征。他写有两部歌剧，一部是写于1867年的《勇士》（仅写到第二幕），一部是写于1869-1887年间的《伊戈尔王》，两剧均热情抒展爱国豪情，恰似宏伟的历史画卷。作曲家逝世之后，由里姆斯基-科萨科夫和格拉祖诺夫合作完成。《伊戈尔王》中优美的东方风味的旋律，细腻的和声语言，色彩性的配置效果以及迷人的歌舞音乐均令人回味无穷。里姆斯基-科萨科夫7岁学钢琴，10岁练习作曲，12岁进圣彼得堡海军士官学校，后从巴拉基列大学习作曲理论。1872年在穆索尔斯基和斯塔索夫等人的帮助下完成第一部歌剧《普斯科夫少女》。他共写有歌剧17部，其中著名的有：1878年创作的《五月之夜》（取材于果戈理中篇小说，）1880年1月在圣彼得堡首次公演。该剧诙谐而优美，写得抒情流畅，表现了这位作曲家幽默的乐趣。后来里姆斯基-科萨科夫又相继创作了《雪娘》（取材于奥斯特洛夫斯基的童话，1881）、《萨特科》（取材于民间传说，1896）、《沙皇的新娘》（根据梅伊同名剧本，1899）、《萨尔丹沙皇的故事》（根据普希金原著，1900）、《不死的卡谢》（根据彼得罗夫斯基的歌剧脚本，1902）、《隐城基捷日》（根据古俄罗斯传说，1905）等歌剧。1907他出创作最具影响的歌剧《金鸡》，于1909年10月7日在莫斯科齐美剧院首次公演。它取材于普希金讽刺长诗。里姆斯基-科萨科夫也采用瓦格纳手法，引用主导动机，打破分曲体制，场景描写用了管弦乐造型手法。但整个音乐语言仍然是以俄罗斯民谣为中心的。里姆斯基-科萨科夫的歌剧往往取材于俄国文学家写作的民间故事和童话、传奇，因此他的作品有浓郁的浪漫色彩。尽管《萨特科》有很深的瓦格纳的影响痕迹，但听众仍然能够从叙事诗的字里行间感到俄罗斯的精神。《沙皇的新娘》充满爱与恨的冲突，作曲家在戏剧性格的表现上取得很大的成功。居伊写了10部歌剧，而一位与格劳特本人地位相当的权威人士告诉我们，''可能除了《威廉?拉特克里夫》（1869）外，这些歌剧从任何角度看都是不重要的”。由此你就明白了是穆索尔斯基创作了一部具有重大意义的俄罗斯歌剧，即他那伟大的悲剧《鲍里斯?戈杜诺夫》。索尔斯基没有受过正规的作曲理论的训练，他的音乐才能反而得到最自然、最独特的流露。他擅长心理刻画，他以音乐揭示社会矛盾和人民疾苦，他的《鲍里斯?戈东诺夫》是一部关于良心的悲剧和一幅俄罗斯人民的肖像画。它提出了人民群众和个人关系的重大问题，并表现得娴熟自如而直率强烈，给德彪西等很深的影响。这部歌剧采用民间音乐作为素材，和声的运用不按西方的传统逻辑进行，合唱部分成功表现了人民群众的形象，颇具新意。他酗酒无度，又因生活贫困以及精神上受到官方和保守势力的压制，故难以专注于创作，不少作品虽显才华，却未能完成，他的《索罗钦集市》由居伊续完；《霍万斯基党人之乱》和《鲍里斯?戈东诺夫》均由里姆斯基-科萨科夫整理完成，即使是与里姆斯基-科萨科夫、鲍罗丁、居伊合作的芭蕾歌剧《默拉达》，他在其中所写《荒山之夜》亦由里姆斯基-科萨科夫改编成音乐会演奏版本。他难以维持一份工作，几乎总是缺钱。1875年一个夏夜，穆索尔斯基回到家时发现房主把他锁在房外，就在圣彼得堡大街上游逛，凌晨时分他发觉自己来到了朋友诺莫夫的门口。诺莫夫是个慷慨的人，他请穆索尔斯基进来在长沙发上睡觉，度过了余夜。此后3年穆索尔斯基就住在这里。然而尽管有种种个人问题，穆索尔斯基还是抽时间创作了如《图画展览会》（这部作品他是为钢琴而作的，但里姆斯基-科萨科夫的为管弦乐队写的版本听起来给人印象更深）和歌剧《鲍里斯?戈杜诺夫》这样的杰作。他试图再写4部歌剧，但一部都没能完成。他难于集中精力。就连《鲍里斯?戈杜诺夫》这部歌剧也不顺当，1869年他写完了第一稿，1872年又重写，完整的版本最终于1874年才上演。1896年，里姆斯基-科萨科夫尝试修订了这部歌剧脚本，1908年二度修订。假如穆索尔斯基今天听到这部歌剧，很可能难以听出其中的某些部分。如同差不多所有的俄罗斯歌剧一样，穆索尔斯基的这部歌剧取材于普希金的小说，讲述了沙皇伊凡雷帝过去的一个朋友鲍里斯?戈杜诺夫暗杀了伊凡的幼子迪米特里后做了沙皇的故事。后来一个叫格里高利的年轻僧侣夺了鲍里斯的王位，这位僧侣说其实他就是奇迹般复生的成年迪米特里。在戏剧性的终场中，鲍里斯倍受负罪感的折磨，悔恨交加，他在宏大的临终场景中唱着乞求上帝怜悯的段落。穆索尔斯基的这部歌剧是少有的，他将最绚丽多彩的角色交给男低音而不是女高音或男高音。大多数歌剧男高音演员就像小孩一样应该让人看而不是让人听的。俄罗斯男低音演员费奥多?夏利亚宾饰演的鲍里斯最著名。夏利亚宾不仅以浑厚的嗓音而且以令人信服的表演能力闻名，这对一个歌剧演唱家而言不说是独一无二的也是罕见的成就。他是一个伟大的歌唱家。穆索尔斯基共创作5部歌剧，生前备受指责和攻击，但到后来，许多作曲家如德彪西、拉威尔、雅那切克、普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇、斯维里多夫等人的音乐创作，都不同程度地受到他的影响。悲怆音乐大师--柴可夫斯基柴可夫斯基，尽管他有着悲剧性急躁的特点，但却有明确的理想，他勤奋工作，大量地作曲而且热爱戏剧。他不属于鲍罗廷、里姆斯基、穆索尔斯基、切萨尔，居伊和米利？巴拉基列夫之间亲善友好的''五人小组”，他对西方音乐的那种极大的热情，并没有使他忘记自己是一个地地道道的俄罗斯人。彼得?伊里奇?柴科夫斯基于1840年5月出生在俄罗斯小镇卡姆斯科-沃特金斯克。母亲是一位有教养的妇女，讲一口流利的法语并喜爱音乐。父亲是一位煤矿工程师，他认为儿子应该学法律，再找个好工作。小彼得是个敏感的孩子，很早就表现出对音乐的喜爱。他第一次接触歌剧是在父母的小八音盒上听到莫扎特的《唐璜》。这奠定了他对莫扎特音乐的终生喜爱。柴科夫斯基年轻时嗓音很好，能演唱罗西尼、贝里尼和多尼采蒂的歌剧咏叹调，有时在聚会上唱，给朋友们印象很深。柴科夫斯基得到的第一份工作也是在政府部门，在司法部。这份工作使他父亲感到高兴，尽管柴科夫斯基只是一个低级的法律公务员。1863年，柴科夫斯基毅然辞去公职，从事职业音乐创作。在以后的10年里，柴科夫斯基创作了早期的音乐作品，包括4部歌剧、3部交响曲、舞剧（天鹅湖）、几部器乐曲和一些歌曲。他写了两部歌剧，名字是《司令官》和《乌婷》，但这些音乐早不知哪去了。他着手写一部名叫《曼德拉戈拉》的歌剧，但后来放弃了，因为朋友们告诉他这个故事太荒唐。这部歌剧中惟一留下来的乐曲是一首由一群昆虫唱的合唱，这也许能使你对这部歌剧有一个大体认识。1874年左右，他又写了一部歌剧，名叫《禁卫兵》，内容全是关于伊凡雷帝的秘密警察的。这部作品当时不太受欢迎，现在就更不受欢迎了，即使是在开放以后，秘密警察在苏联仍然属于有些敏感棘手的主题。还是在1874年，柴科夫斯基写了另一部歌剧《铁匠瓦库拉》。他作这部歌剧是希望在俄罗斯音乐协会举办的一个歌剧创作比赛中获奖。但他在匆忙中搞错了截止时间，整整提前一年写完这部歌剧，其它参赛者认为他很没有比赛道德。在1876年的一次演出中，柴科夫斯基把标题换成《女靴》，但也未能使之更受欢迎。柴科夫斯基一直想写而总没写成的一部歌剧，取材于莎士比亚的《罗密欧和朱丽叶》的故事。但作曲家总算写了一部芭蕾舞剧《罗密欧与朱丽叶》，只是从未写成这部歌剧。就是在写《司令官》期间，柴科夫斯基遇上一位法国女高音歌手，名叫德西蕾?阿尔托，他觉得自己爱上了她，巳经准备向她求婚，但她没选择他，另嫁了他人。德西蕾?阿尔托是柴科夫斯基曾经爱过的惟一的女人，后来上他在1877年7月与一个名叫安东尼娅?米柳科娃结婚。这场婚姻使柴科夫斯基痛苦不堪，甚至想到了自杀。这时他的歌剧创作和他的生活一样没有一部是一帆风顺的音乐命运，就连芭蕾舞剧也不例外。他顽强地与命运抗争着。1877年至1878年，柴科夫斯基终于创作完成了他一生中最重要的一部歌剧《叶甫盖尼?奥涅金》。并于1878年3月29日在莫斯科首次公演。《叶甫盖尼?奥涅金》是根据普希金的长诗改编创作的：圣彼得堡的贵族青年奥涅金在去乡村继承遗产时，与女庄园主的大女儿塔姬雅娜相识。塔姬雅娜对奥涅金一见钟情，但奥涅金厌倦爱情和人生，冷淡地拒绝了塔姬雅娜。为转移视线，奥涅金故意向塔姬雅娜的妹妹、好友连斯基的未婚妻奥尔加大献殷勤，并在决斗中打死了连斯基。三年后，奥涅金和塔姬雅娜在舞会上邂逅，当奥涅金想重温旧情时，遭到巳成为公爵夫人的塔姬雅娜的拒绝。此部作品，作者并不称它为《歌剧》，而题为《抒情情景》因为台词几乎全部延用普希金原著中的诗句，所以可视为普希金原著的戏剧配乐。虽然不是柴可夫斯基的最佳作品，但因普希金的原著极为著名，而且全剧中洋溢着感伤-的旋律，一直成为世人喜爱的歌剧作品。1889年秋，俄国皇家剧院经理伏谢沃罗吉斯基在委托柴可夫斯基创作芭蕾舞剧《睡美人》的同时，表示希望他再创作一部歌剧《黑桃皇后》。这一歌剧的脚本是由作曲家的弟弟莫杰斯特?柴可夫斯基改写的。莫杰斯特?柴可夫斯基是小说家契可夫的密友，他也非常喜爱音乐，所以脚本写得相当出色。作曲家也积极参与了脚本写作计划的拟定，他不同意在结尾时让赫尔曼与莉萨两人和解，认为天真纯情的莉萨不可能重新回到根本不爱她的男人身边，其创作宗旨可能是想通过莉萨的痛苦来描写心地纯洁的俄罗斯女性的悲惨命运。柴可夫斯基兄弟两人配合默契，仅用了四十四天就完成了这部歌剧的创作，1891年2月19日，这部歌剧在彼得堡马林斯基剧院首演。作者的这种自传体写法的热情，使得充满想象力的浪漫曲调变得真实可信。同时，在《黑桃皇后》中高傲的女伯爵为守住三张纸牌的秘密，以及疯狂的年轻人试图要将它们夺走时而进行的激烈、紧张、可怕的慷慨陈词中，不无柴可夫斯基的影子。此后，他又创作了歌剧《奥尔良的少女》（1881年）、《玛捷帕》（1884年）、《女巫》（1887年）、和《伊奥兰特》（1892年）。柴可夫斯基一生遭受忧郁、困苦的环境，他的个性顽强、孤独，因此其作品常含有悲观的色彩。人们称他为悲怆音乐家，他一生共写过11部歌剧，成就卓著，影响最大的是《叶甫盖尼?奥涅金》和《黑桃皇后》。他很少从文学体裁的样式考虑剧本应有的特性，因此无论童话、历史事件、传奇等，都以抒情的笔调处理，擅长于细腻的心理刻画，往往通过对理想破灭、幸福无望的描写折射出当时俄国社会的悲剧。柴科夫斯基的歌剧充满交响乐的特性。音乐情绪起伏跌宕，感染力强烈，旋律悠长，色彩鲜明。他的合唱通常只是烘托的背景。马斯卡尼和莱翁卡伐洛马斯卡尼1863-1945)马斯卡尼出身于面包店主家庭。年轻时违背父亲意愿学音乐。1881年进入米兰音乐学院，但因无法忍受学院的严格课程，中途退学，担任旅行歌团的指挥。婚后定居小乡村。《乡村骑士》使他一举成名。马斯卡尼作有15部歌剧。1935年所作《厄尔灵王》献媚于墨索里尼，名誉扫地。至今仅《乡村骑士》一部广为流传。独幕歌剧《乡村骑士》于1890年在罗马首演，引起热烈反响。作曲家以19世纪后期意大利西西里的一个乡村中两对男女的感情瓜葛，最后男主人公图里杜决斗身亡的故事，反映普通青年农民日常生活的一个侧面。剧中的乡村教堂象征人们的虔诚信仰和高尚的灵魂，而与此形成极大反差的却是狂热的三角恋和不可遏止的复仇意识，豪放乐观的马车夫阿尔菲奥得知其妻罗拉与服役回乡的图里杜旧情复发热烈相恋之后，怒不可遏，最终杀死了图里杜，而图里杜的忠实爱人桑图扎却成为乡村中最可悲的女人。歌剧音乐富于西西里岛民间风格，幕启之前传来的图里杜的歌声：''啊，罗拉，你如同春日之花”，为全剧音乐提供了基本格调，桑图扎悲伤的咏叹调《你知道吗?好妈妈》更是一首凄婉动人的歌，第八场与第九场之间管弦乐演奏的间奏曲成为歌剧间奏曲的范例。马斯卡尼强调旋律的叙事性以求更贴近生活，因此他喜欢咏叙调风格，擅长戏剧性的效果，使幽静与躁动、炽烈与抒情有强烈的对比。他常让管弦乐队独立与歌声并列，使它不仅仅只是从属的伴奏。莱翁卡伐洛莱翁卡伐洛(1857-1919)列昂卡伐洛生于那不勒斯的一个法官家庭，自幼学习钢琴，1876年毕业于那不勒斯音乐学院，第一部歌剧《夏特东》由各方筹款，不料被经纪人席卷而去，在穷困潦倒中只能在酒店以弹琴维持生计，又巡回演奏于欧洲各国，直至1882年返回意大利。此后创作了文艺复兴题材的三部曲《黄昏》的第一部《梅迪契家族》。1890年5月，莱翁卡瓦洛曾在致音乐出版商宋卓尼的信中提到：、、当我还是幼孩时，父亲是蒙塔尔特的法官，那时在乡村的巡回剧团中，有一演员因妒嫉而于演出后杀死他的妻子，我的父亲主审此案......我想将这故事谱成歌剧。”于是他用五个月时间创作了著名的歌剧《丑角》它表现的是19世纪中叶意大利民间一个巡回剧团在现实生活和在舞台上的相关生活情景。1892年5月21日，他著名的歌剧《丑角》由托斯卡尼尼指挥在米兰的韦尔美歌剧院首演，盛况空前。听众情绪热烈，喝采声不绝于耳。乐坛誉为''歌剧界的新慧星”，并赞赏此剧为超人的力作。这是一出''戏中戏”，其形式导源于古希腊的喜剧，后盛行于16-17世纪。到19世纪末叶，意大利文学界掀起了''真实主义”的狂潮，文学家从浪漫主义的美梦里清醒过来，以现实的题材，活生生地刻画人间百态。他们的创作题材不再是神仙故事、贵族的罗曼史，而是一些微不足道的下层人物。莱翁卡瓦洛共写有八部歌剧，著名作品还有1900年创作的《扎扎》。19世纪末至20世纪初的歌剧真实主义歌剧以及民族歌剧19世纪中叶，法国的浪漫主义巳经退火，文学欣赏者对作家们不加控制的想象力巳经厌倦。他们要求符合生活真实的故事。于是19世纪末至20世纪初，在意大利出现了''真实主义”的歌剧流派，歌剧的题材取自日常生活，创作上追求紧张的戏剧情节和夸张的情绪，华彩的抒情曲调、较自然的感情、丰富的朗诵调受到欢迎。其代表作家是普契尼、马斯卡尼和莱翁卡瓦洛。作品有普契尼的《蝴蝶夫人》和《艺术家的生涯》、马斯卡尼的《乡村骑士》、莱翁卡伐洛的《丑角》继之而来的是法国人夏邦蒂埃的《路易丝》等。它们是这一新运动中的开路先锋。在同时期，以俄罗斯为中心，包括其它国家，又兴起了民族歌剧。民族歌剧皆取材本国或本民族的神话、民间传说等，创作上以颂扬本民族的精神为基点，并力图摆脱西方艺术的影响，作品中洋溢着浓厚强烈的民族特色和气息。真实主义歌剧大师普契尼真实主义源于左拉和易卜生的自然主义。它取材于日常生活，反映普通人的悲剧生活，可说是对瓦格纳理想主义的反判。他们细心观察身边人物，希望毫不夸张地反映他们的生活，这使得他们的作品满怀同情，旋律优美，和声清新，有着浓郁抒情色彩。但真实主义在艺术上又追求紧张的戏剧情节和夸张的情绪，这就使他们的歌剧的情节又往往带有传奇的性质。19世纪末至20世纪初，普契尼领导歌剧进入了新的时代，他取得了国际性的成功。普契尼大胆地将意大利传统中自由的旋律和现代音乐的新要素结合起来，创作出了色彩丰富、细腻婉转的管弦乐。他的作品充满异国情调，剧情紧凑，题材罕见而又吸引观众，具有强烈的震撼力。所以世界各大歌剧院每逢歌剧季必定排出普契尼的作品，而爱乐者也总是乐此不疲，前往剧院观赏一出又一出的杰作。他是继威尔第之后意大利最伟大的歌剧作曲家，是、、真实主义”歌剧乐派的代表人物。在普契尼的推动下，意大利作曲家们创作出了大批以各地乡村生活为主题，具有新的演唱风格的真实主义作品。普契尼剧中女主角的结局在歌剧结束时将主要人物都杀光并非普契尼的发明。但普契尼的连贯一致弥补了他在原创性上的不足，他完善了让女主人公死去的这一构思，使之在某种程度上成为一种艺术程序。在普契尼的歌剧中至少有一个主要人在落幕之前是要死去的。例如在他的第一部歌剧《群妖围舞》中安娜是死于忧伤，她的恋人罗伯特死于生活窘迫。第二部歌剧《埃德加》以埃德加的恋人菲德利亚被她心怀妒意的情敌刺死结束。还有歌剧《艺术家的生涯》（又译《波希米亚人》）（1896）剧中的咪咪是咳死的；《托斯卡》的结尾是女主人公从身边的阳台挡墙上跳下身亡。《蝴蝶夫人》中的女主人公是用离身边最近的利器自杀的，曼侬?莱斯科则在舞台上尽完义务后力竭而死。其实，普契尼歌剧中女主角的自杀都非常合适，如果女主人公的名字成了歌剧的名字，她死亡的可能性就更大了。在普契尼的最后一部歌剧《图兰朵》中，当公主图兰朵出于明显的自私而不愿赴死时，婢女柳儿尽忠自杀。尽管这样，作曲家也没给这部歌剧换个名字。普契尼共写了12部歌剧，其中有8部是女主人公或另一个重要的女角被杀--66%的死亡率。男主角活得好多了。可以肯定他们没有一个老死的，都是死于谋杀、自杀或不治之症。普契尼一点都不傻，他知道歌剧观众想看什幺。贾科莫?普契尼1858年12月22日出生在卢卡这个意大利的小村庄。在他出生前，祖辈四代都在那里生活着。他的高祖也叫贾科莫，是村里圣马蒂诺教堂的管风琴师，他把这份工作传给了普契尼的曾祖父安东尼奥，曾祖父又把这活计传给了祖父多梅尼科，祖父又把它传给了父亲米凯莱。普契尼的母亲阿尔比娜?马吉是一名乐师。普契尼出生时，是七个孩子中的老五，父母给他起名叫贾科莫？安东尼奥?多梅尼科?米凯莱？塞孔多?玛丽亚?普契尼，好象让他成了一个活家谱。由于遗传的音乐才能，普契尼14岁时巳经在卢卡得到了一份演奏风琴的差事，然而，循着家族的足迹仅仅再做一个教堂风琴师对于胸怀抱负的普契尼来说是不够的。他是一个叛逆者：他想写歌剧。1876年18岁时，他和几个小伙子从卢卡走到比萨单程将近50英里，去听威尔第的《阿依达》的演出。聆听威尔第的杰作对这个年轻人产生了深刻的影响，他当即认定歌剧就是他要干的事业。格罗夫音乐词典告诉我们，那场决定命运的《阿依达》的演出，''为他打开了一扇音乐的窗户”。他现在所需要的一切基本上就是一扇门。他满怀热情和渴望匆匆奔赴米兰，在那里的音乐学院学习作曲。他从叔叔尼古劳?切鲁那里得到了资助。1883年普契尼在米兰音乐学院学习期间创作了他的第一部歌剧《群妖围舞》。1883年，米兰松佐尼奥出版社举办独幕歌剧创作比赛。蓬基耶利建议普契尼参赛，他给普契尼找来一位年轻的脚本作者丰塔纳。丰塔纳提供了取材自旧德国童话的脚本《群妖围舞》。剧情十分简单：贫穷的农家姑娘安娜因受到负心郎罗伯特的欺骗而死去。她和其它受骗的姑娘们阴魂不散，化为鬼怪，专门与人间做了亏心事的男子汉作对。悔恨莫及的罗伯特最终在群鬼的追迫下一命鸣呼。过分单调的情节未能给作曲者提供多少发挥的余地，但时间紧迫，普契尼不得不立即着手作曲。于竞赛投稿截止期的前夕方告完成。普契尼的歌剧总谱因难以辨认，歌剧《群妖围舞》在竞赛中落选。然而，命运之神很快就向普契尼露出了笑容。在博伊托帮助下《群妖围舞》于1908年在米兰上演。剧院满座，演出大获成功。五年后，他的第二部歌剧《埃德加》问世。于1889年4月21日在米兰史卡拉歌剧院初演，虽然反应不佳，但也充分显示了出自己的身手。多年以后，《埃德加》修订版（压缩成3幕）曾在布宜诺斯艾利斯歌剧院演出，由名家托斯卡尼尼指挥。述平民生活为主，重视人物的内心感受。作品显示出尖锐的戏剧冲突和强烈的感情色彩。大约在这个时期，普契尼遇到了一位名叫埃尔维拉？邦图里?杰米尼亚尼的女子。啊，他和她越来越好了。他们的男孩安东尼奥于1886年出生了。普契尼的探索成果1893年2月1日普契尼的歌剧《曼侬?莱斯科》在都林的雷吉奥首次公演，这是一部在法国开始、在新奥尔良附近狂风肆虐的平原上结束的歌剧。它使普契尼首次获得了巨大的成功，在首演夜上谢幕达50次。西班牙女高音卢克雷齐娅?博里讲了为首演曼侬彩排时，在后台见到普契尼的经过，当时她对自己穿的为高潮场景而做的漂亮服装颇感得意。普契尼是一个对细节很较真的人，他对她说，这服装对一个饥肠辘辘、身五分文、在荒野中流浪的人物来说过于美气了，于是把他的咖啡向她身上泼去，以使她的衣服有那种穿旧了的样子。哇，她简直要疯了！《曼侬?莱斯科》的出成功，奠定了他成为著名作曲家的地位。现在普契尼是连交好运，连续拼搏写出了他的三部最成功的歌剧：《艺术家的生涯》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》。它们都是以女主人公之死而告结束。但女主人公死了还不够，还要让她们在彻底消失之前大放悲声。1896年2月1日《艺术家的生涯》(又译《波希米亚人》)首演于意大利都灵皇家剧院。该剧反映了19世纪30年代巴黎艺术家生活的悲欢离合。观众却因为这部歌剧精彩的戏剧性和感人的浪漫情调而喜欢它。1890年，普契尼在米兰观看了法国19世纪剧作家维多利安?萨尔杜(1831-1908)创作的同名悲剧极为感动，决定把它改写成歌剧。因当时他正忙于《艺术家的生涯》的