5 第五章 造型艺术美

“十四五”高等职业教育公共课程系列教材美育：素养与鉴赏能力第五章造型艺术美学习目标知识目标了解各种造型艺术的审美特征，认识造型艺术的美育功能。能力目标具有欣赏各种造型艺术的能力。素质目标培养艺术鉴赏能力，提高审美情趣。【经典导读】王羲之行书《兰亭集序》《兰亭集序》又名《兰亭序》，是书法家王羲之所作，有“天下第一行书”之称，是中国晋代书法成就的代表。《兰亭集序》用笔方圆结合，刚柔兼济，既严谨又潇洒。兰亭序所代表的姿媚瘦硬的笔风，在后世极为流行，所谓“学书先学王”。只在唐代颜真卿创肥壮的颜体以后，这种风气才有所改变。……第一节造型艺术的审美特征造型艺术又称空间艺术、视觉艺术、静态艺术，是以一定的工具和物质材料在一定的空间里塑造形体，创造视觉可以直接感受的静态形象来满足人们精神上审美需求的艺术。它主要包括绘画、雕塑、建筑、工艺、书法、摄影等。第一节造型艺术的审美特征造型艺术的审美特征表现在以下几个方面：第一，直观具象性。造型艺术作为一种视觉艺术，其直观具象性不仅表现在以现实生活中可视可触的事物为反映对象，也表现在它可以把现实生活中某些难以显现的无形事物转化为可以直观的具体视觉形象。例如，人民英雄纪念碑的浮雕长40.68m，其上共有170多个人物，将百年以来中国人民革命的史实和中国人民不屈不挠的精神都生动地刻画了出来。第一节造型艺术的审美特征第二，瞬间永恒性。作为一种静态艺术，造型艺术特别是绘画、雕塑、摄影具有选取特定瞬间以表现永恒意义的特性。第三，空间表现的差异性。绘画是运用不同的透视方法在平面上营造一种虚幻的立体空间，雕塑的空间是一个实在的三维空间，书法艺术则是通过布白体现其空灵、含蓄的空间意识。第一节造型艺术的审美特征第四，凝聚的形式美。造型艺术具有在艺术形象中凝结聚合形式美的特性。例如，米洛斯的《断臂的维纳斯》雕像因为符合黄金分割的人体美比例关系而成为女性永恒美的象征；北京故宫透露出节奏与韵律；而《兰亭集序》则显现出了多样统一。造型艺术在培养形式感、营造艺术氛围和美化人自身等方面有着独特的美育功能。第二节书法美书者，即手执笔表达话意。书法是以汉字为表现对象，以线条来表达情感的一种艺术。书法艺术是中华民族特有的一种创造和智慧的表现。西班牙“立体派”大师毕加索曾说：“世界艺术在东方，而东方艺术就是中国书法。”从表面字义理解，书法指书写的法度。生活中，书法一词另具有以下含义：第一，某幅书写作品的代称或者所有书写作品的统称；第二，一种艺术类别，一般指书写汉字的艺术。第二节书法美一、书法的美育功能书法是中国特有的一种传统艺术。中国汉字是劳动人民创造的，开始以图画记事，经过几千年的发展，演变成了当今的文字，又因祖先发明了用毛笔书写，便产生了书法，古往今来，均以毛笔书写汉字为主，至于其他书写形式，如硬笔、指书等，其书写规律与毛笔字相比是基本相通。第二节书法美狭义而言，书法是指用毛笔书写汉字的方法和规律。包括执笔、运笔、点画、结构、布局（分布、行次、章法）等内容。例如，执笔指实掌虚，五指齐力；运笔中锋铺毫；点画意到笔随，润峭相同；结构以字立形，相安呼应；分布错综复杂，疏密得宜，虚实相生，全章贯气；款识字古款今，字大款小，宁高勿低等。第二节书法美书法的内涵主要包括以下几个方面：（1）书法是指以文房四宝（即笔、墨、纸、砚）为工具抒发情感的一门艺术。工具的特殊性是书法艺术特殊性的一个重要方面。借助文房四宝，充分体现工具的性能，是书法技法的重要组成部分。离开文房四宝，书法艺术便无从谈起。图5-4书法的文房四宝第二节书法美（2）书法艺术以汉字为载体。汉字的特殊性是书法特殊性的另一个重要方面。中国书法离不开汉字，汉字点画的形态、偏旁的搭配都是书写者较为关注的内容。与其他拼音文字不同，汉字是形、音、义的结合体，形式意味很强。古人所谓“六书”，是指象形、指事、会意、形声、转注、假借六种有关汉字造字和用字的方法，它对汉字形体结构的分析极具指导意义。第二节书法美（3）书法艺术的背景是中国传统文化。书法植根于中国传统文化土壤，传统文化是书法赖以生存、发展的背景。我们今天能够看到的汉代以来的书法理论，具有自己的系统性、完整性与条理性。与其他文艺理论一样，书法理论既包括书法本身的技法理论，又包含其美学理论，而在这些理论中又无不闪耀着中国古代文人的智慧光芒。比如，关于书法中如何表现“神、气、骨、肉、血”等范畴的理论，关于笔法、字法、章法等技法的理论以及创作论、品评论等，都有着自身的体系。第二节书法美（4）书法艺术本体包括笔法、字法、构法、章法、墨法、笔势等内容。书法笔法是其技法的核心内容。笔法也称“用笔”，指运笔用锋的方法。字法，也称“结字”“结构”，指字内点画的搭配、穿插、呼应、避就等关系。章法，也称“布白”，指一幅字的整体布局，包括字间关系、行间关系的处理。墨法，是用墨之法，指墨的浓、淡、干、枯、湿的处理。第二节书法美从广义讲，书法是指语言符号的书写法则。换言之，书法是指按照文字特点及其含义，以其书体笔法、结构和章法写字，使之成为富有美感的艺术作品。随着文化事业的发展，书法已不仅仅限于使用毛笔和书写汉字，其内涵已大大增加。如从使用工具上讲，仅笔这一项就五花八门，毛笔、硬笔、计算机仪器、喷枪烙具、雕刻刀、雕刻机、日常工具（主要是指质地比较坚硬的，能用来书写的五金、生活工具）等。颜料也不单是使用黑墨块，墨汁、黏合剂、化学剂、喷漆釉彩等五彩缤纷，无奇不有；品种之多，不胜枚举。从执笔方式上看，有的用手执笔、有的用脚执笔，就是用其他器官执笔的也不乏其人，甚至有的人写字根本就不用笔，如“指书”“挤漏书”等；从书写文种上说，并非汉字一种，有的少数民族文字也登上了书法艺坛。第二节书法美二、中国书法的演变中国的书法艺术开始于汉字的产生阶段。书法艺术的第一批作品不是文字，而是一些刻画符号——象形文字或图画文字。汉字的刻画符号，首先出现在陶器上。最初的刻画符号只表示一个大概的概念，没有确切的含义。书法的演变一般是指书法字体的演变。一般说来魏晋时期既是书体的终结期，又是书法技法的集大成期。中国书法历史悠久，书体沿革流变，书法艺术异采迷人。从象形文字到甲骨文，商周、春秋还有汉代的简帛朱墨手迹，唐楷的法度，宋人尚意，元明尚态，清代的碑帖之争等书法演进，一直散发着独特的艺术魅力。第二节书法美我国的唐代文化博大精深、辉煌灿烂，达到了中国封建文化的最高峰，可谓“书至初唐而极盛”。唐代墨迹流传至今者也比前代为多，大量碑版留下了宝贵的书法作品。整个唐代书法，对前代既有继承又有革新。楷书、行书、草书发展到唐代都跨入了一个新的境地，时代特点十分突出，对后代的影响远远超过了以前任何一个时代。唐代书法艺术，可分初唐、中唐、晚唐三个时期。初唐以继承为主，尊重法度，刻意追求晋代书法的劲美；中唐不断创新，极为昌盛；晚唐书艺亦有进展。第二节书法美在书坛走向多元化的今天，书法艺术升华到观念变革的高层次，这无疑是迈了一大步。书法现代性并不是简单地取决于书法艺术的形式、结构、线条等外在面貌，而是取决于内在精神的现代化。书法现代性的精神是指当代书法艺术所体现、传导的现代社会的价值趋向。第二节书法美三、书法的五种书体中国书法的五种主要书体：篆书体（大篆、小篆）、隶书体（古隶、今隶）、楷书体（魏碑、正楷）、行书体（行楷、行草）、草书体（章草、小草、大草、标准草书）。第二节书法美（一）篆书篆书是大篆、小篆的统称。甲骨文距今已有3000多年历史，是传世最早的可识文字。笔法瘦劲挺拔，直线较多。起笔有方笔、圆笔，也有尖笔，手笔“悬针”较多。大篆指金文、籀文、六国文字，它们保存着古代象形文字的明显特点。小篆也称“秦篆”，是秦国的通用文字，大篆的简化字体，其特点是形体均匀齐整、字体较籀文容易书写。

图5-5篆书：宋枢密副使赠礼部尚书孝肃包公墓铭第二节书法美（二）隶书隶书是汉字中常见的一种庄重的字体，书写效果略微宽扁，横画长而直画短，呈长方形状，讲究“蚕头雁尾”“一波三折”。隶书起源于秦朝，由程邈整理而成，在东汉时期达到顶峰，对后世书法有不可小觑的影响，书法界有“汉隶唐楷”之称。如《汉鲁相韩勑造孔庙礼器碑》，汉永寿二年（156年）刻。礼器碑碑阳十六行，行三十六字。书风细劲雄健，历来被推为隶书极则。图5-6[汉代]礼器碑（部分）156年第二节书法美（三）楷书楷书也叫正楷、真书、正书。从程邈创立的隶书逐渐演变而来，更趋简化，横平竖直。楷书有楷模的意思，张怀瓘《书断》中已先谈到过。六朝人仍习惯地用着它，例如羊欣《采》文，王僧虔《论书·韦诞传》中云：“诞字仲将，京兆人，善楷书。”那是“八分楷法”的简称。到北宋才以之代替了正书之名，其内容显然和古称是不一样的。

图5-7颜真卿楷书《自书告身帖》第二节书法美（四）行书行书是在隶书的基础上发展起源的，是介于楷书、草书之间的一种字体，是为了弥补楷书的书写速度太慢和草书的难于辨认而产生的。“行”是“行走”的意思，因此它不像草书那样潦草，也不像楷书那样端正。实质上它是楷书的草化或草书的楷化。楷法多于草法的叫“行楷”，草法多于楷法的叫“行草”。

图5-8米芾行书《张季明帖》第二节书法美（五）草书草书是汉字的一种字体，特点是结构简省、笔画连绵。形成于汉代，是为了书写简便在隶书基础上演变出来的。有章草、今草、狂草之分，在狂乱中觉得优美。《说文解字》中说：“汉兴有草书。”草书始于汉初，其特点是：存字之梗概，损隶之规矩，纵任奔逸，赴速急就，因草创之意，谓之草书。

图5-9张旭草书《心经》第二节书法美四、书法的整体形态美中国字的基本形态是方形的，但是通过点画的伸缩、轴线的扭动，也可以形成各种不同的动人形态，从而组合成优美的书法作品。结体形态主要受两方面因素影响：一是书法意趣的表现需要；二是书法表现的形式因素。就后者而言，主要体现在三个方面：书体的影响，如篆体取竖长方形；字形的影响，有的字是扁方形、而有的字是长方形的；章法的影响。因此，只有在上述两类因素的支配下，进行积极的形态创造，才能创作出美的结体形态。

图5-10沙孟海书法作品第二节书法美（一）点画结构美点画结构美的构建方式主要有两种：一是指各种点画按一定的组合方式，直接组合成各种美的独体字和偏旁部首；二是指通过将各种部首，再按一定的方式组合成各种字形。中国字的部首组合方式无非是左右式、左中右式，上下式、上中下式，包围式、半包围式等几种。这些原则主要是比例原则、均衡原则、韵律原则、节奏原则、简洁原则等。这里特别要提的就是比例原则，其中黄金分割比又是一个非常重要的比例，对点画结构美非常重要。第二节书法美（二）墨色组合美结体墨色组合的艺术性，主要是指其组合的秩序性。作为艺术的书法，它的各种色彩不能再是杂乱无章的，而应是非常有秩序的。这里也有些共同的美学原则，要求书者予以遵守。如重点原则、渐变原则、均衡原则等。书法结体的墨色组合主要涉及两个方面：一是对背景底色的分割组合，人们常说的“计白当黑”，就是这方面的内容；二是点画结构的墨色组合，从作品的整体效果来看，不但要注意点画墨色的平面结构，还要注意点画墨色的分层效果，从而增强书法的表现深度。第三节绘画美绘画是一种视觉艺术和造型艺术，它主要通过线条、色彩和形状的有机结合构成有意味的“形式语言”，在平面的二维静态空间中反映复杂的客观现实生活，表现艺术家丰富的审美情感和审美理想，因而它具有直观地认识社会生活、怡养性情、陶冶情操的功能。第三节绘画美一、绘画的种类绘画根据审美理想与艺术风貌的不同，可分为东方绘画与西方绘画两大体系；根据所使用的物质材料和技巧的不同，可分为中国画、油画、水彩画、水粉画、版画、素描、速写等；根据题材和内容不同，可分为肖像画、历史画、静物画、风景画、风俗画等；根据作品形式的不同，可分为单幅画、组画、连环画、宣传画、壁画、年画、漫画和插图等。中国画按照表现对象又可分为人物、山水、花鸟等画科，有工笔、写意和兼工带写等技法。因为山水画易于表现深远的境界，易于反映中国文人与大自然为伍的胸襟，因此山水画在受重视程度上始终居中国画之首；人物画多用于肖像等题材；花鸟画居其次，长于表现情趣。写意画是中国画的主流。第三节绘画美二、绘画的审美体现绘画的审美本质即在线条、色彩和构图的情感意味。绘画是静态的再现艺术，它的美是通过线条、色彩、构图以动人的造型来再现现实、反映生活，表达画家的感情和审美理想。第三节绘画美（一）线条美绘画线条的本质在于它的情感意味。一副成功的绘画作品，一定要有成功的饱含韵律美和节奏感的线条。线条的软硬坚柔、轻重缓急、光滑滞涩、清晰含混等韵味特点，长短、粗细、繁简、疏密、浓淡、虚实、交错、曲直等节奏变化，不仅是画面造型的需要，更是画家内心情感的流露。唐代画家吴道子善用兰叶状或莼菜条的线条表现衣袂，带有飘举之势，体现了画家本人不拘一格，勇于突破创新的个性，其人物画像被赞为“吴带当风”“冠绝于世”。图5-11唐代画家吴道子的《送子天王图》（局部）第三节绘画美线条可以分为直线、曲线和折线，它们的审美特征各不相同。直线表示力量、稳定、刚强；曲线表示优美、柔和、动感；折线表示转折、突然、断续，折线形成的角度则给人以上升、下降、前进等方向感。各种线有规律的组合，可以带有明显的感情意味。如垂直线给人以稳定感和均衡感，表示严肃、庄重；水平线表示安宁、静穆；斜线与兴奋、迅速、骚乱、不稳定相联系，具有明显的运动感。因此，绘画中的线条既是作者视觉上的创造，更是情感的表现。第三节绘画美我国绘画艺术历来重线条，利用线条造型和传情成为我国绘画艺术的优良传统。绘画主要利用线条的审美特征进行各种构图，如平行垂直构图、平行水平构图、平行斜线构图、对角线构图、十字架构图、S形构图、起伏线构图、楔形构图、三角形构图、辐射线构图、螺旋形构图、圆形构图等，以取得不同的审美效果。第三节绘画美（二）色彩美色彩是客观存在的物质属性，它和线条同属绘画艺术的语言。色彩具有表情性，能够传达出一定的感情意味，包括兴奋与沉静、暖与冷、前进与后退、活泼与忧郁、华丽与朴素等。例如，红色是热烈而兴奋的，黄色是明朗而欢快的，绿色是平静而稳定的。第三节绘画美色彩的运用在绘画中占有重要地位，虽然中国画的造型主要靠笔墨，但中国绘画在水墨画还未占据画坛主导地位之前也是非常重视色彩表现的。例如，唐代敦煌壁画和重彩工笔画，无论在人物、山水和花鸟方面都有实例可循。李思训的山水画以“青绿为衣、金碧为纹”，以墨线勾架轮廓后填以石青、石绿，最后用泥金勾勒，为的是追求雍容华贵、富丽堂皇的艺术效果，以此来象征唐代盛世政治、经济、文化的空前繁荣。中国现当代的艺术家们更是勇于尝试和探索，如林风眠先生的水墨画重彩作品就具有很强烈的色彩主观意识，并多用原色调，纯度和明度都有所加强，在色彩心理上更能体现时代感。第三节绘画美（三）构图美构图是绘画的基础，是一幅画的灵魂。构图要遵循统一、变化、调和、对比、对称、均衡、节奏、韵律、比例、分割等基本法则，才能呈现出构图美感。绘画的构图有极强的表情性，横向线式构图暗示着和平与宁静，斜线式构图包含着运动和力量，金字塔式构图暗示稳定和庄重，倒三角式构图显示出不稳定和危险，锯齿状构图包含着痛苦和紧张，圆状构图显得圆润和完满，综合利用上述构图形式进行交错和对比，就能够唤起千变万化、错综复杂的情绪和感受。第三节绘画美构图美是艺术家将自己创作的理念，通过艺术符号表现在画面中，体现出一定的审美情趣。它能有效地表达出艺术家的构思意图，同时对观者产生强烈的艺术感染力。现代著名画家潘天寿一生作画最忌琐琐屑屑、平平板板的作品，在构图上，他主张花鸟画的布置，应以势为主，他说：“气要盛，势要旺，力求在画面上造成蓬勃灵动的生机和节奏韵味，以达到中国绘画特有的生动性。”图5-13潘天寿的《朝日艳芙蕖图》第三节绘画美三、绘画的美育功能经常欣赏绘画作品或者直接参与绘画艺术的创作实践，可以将人们对于视觉审美的感受逐渐内化为自己的审美能力。第三节绘画美绘画作品对于我们了解过去的社会风貌和异国风情提供了丰富而生动的材料。例如，中国古代绘画中最早的作品《人物龙凤帛画》，画面下方是一位冠饰精美的侧身妇人，她阔袖长裙，体态优美，双手合掌前伸，神态庄重，似在祈祷。妇人头上正中是一只腾越飞舞的凤鸟，尾羽向上卷扬，双足腾跃，目光有神；左上方是一条弯曲扭动的龙，黑白相间，纹彩灿然。这为我们了解奴隶社会时期文化提供了生动的材料。图5-14《人物龙凤帛画》战国时期第三节绘画美南唐著名人物画家顾闳中的稀世珍品《韩熙载夜宴图》以南唐中书郎韩熙载的生活轶事为题材绘制而成。《韩熙载夜宴图》是一幅由听乐、观舞、暂歇、轻吹和散宴等五个既可独立成章又相互关联的片段所组成的画卷，绘声绘色地表现了韩熙载玩世不恭的生活态度和忧郁孤趣的苦闷心情，客观上起到了揭露封建统治阶级奢靡腐朽的生活和内部激化的矛盾的作用，是具有一定思想深度和现实意义的作品。即使以表现情感为艺术目的的现代派艺术家也有大量包含再现现代生活因素的作品。第三节绘画美

图5-15《韩熙载夜宴图》第三节绘画美中国的文人士大夫常常把他们的志趣、抱负、理想、情怀寄托在笔墨丹青之上，使得封建专制桎梏下正常的人性能够在艺术上得以体现。苏轼的水墨作品《枯木怪石图》，把枯树画得如龙蛇盘屈、无始无终，石头的皴法线条也是扭曲回环，像是萦绕在苏轼胸中的苦闷、矛盾的情绪，把题材作了人格化、心灵化的处理，把因政治原因不利于身体健康的因素通过绘画艺术升华为有利于健康的精神享受。图5-16苏轼的《枯木怪石图》第三节绘画美傅抱石和关山月合作为庆祝新中国成立10周年所绘制的巨幅国画《江山如此多娇》，气魄之大、意境之新、布局之美令人称绝：一轮红日从东方升起，普照大地，山峦起伏，连绵不绝，浩浩瀚瀚，郁郁苍苍，其下飘动的烟云，回绕着整个大地。古老的长城、奔腾的黄河、蜿蜒的长江、珠穆朗玛峰，都形象地跃然画上。近景是一片青绿的丛山，其间点画了茂密的树木。这幅画充分展现了祖国江山的雄壮、辽阔，富有时代新意，观看后使入爆发出极大的爱国热情。图5-17《江山如此多娇》第三节绘画美四、中西绘画的审美差异在中西方绘画领域里有很多不同的认知和理念。这些不同多是由于中西方的审美认知差异造成的。在中国文化中，总体上是坚持了以善为美的审美原则，中国绘画的审美核心是向善、向自然的。而西方绘画的审美趋向是“爱”，以爱为真，以真为美，是其核心。我国传统文化中，艺术追求的制高点是一个“韵”字，它讲究的是一种艺术的最高境界，而西方却以“真”为最高的艺术要求。第三节绘画美（一）审美趣味不同中国画重写意、重神似、重表现；西方画重写实、重形似、重再现。“天人合一”与“天人感应”的哲学思想认为人与自然、精神和物质是“你中有我、我中有你”的水乳交融关系。人的心灵与宇宙精神同存同化，没有独立于宇宙之外的个性主体，也没有独立于人之外的宇宙世界，当修炼的个性达到忘我的虚静之境时，全部精神都融入宇宙之中，可以感受到宇宙的真实存在。由于对自然宇宙理解的主体化，在中国艺术家的心目中根本没有客观自然的概念，这就决定了中国画历来不以再现自然、悦人眼目为目的，而是重在“立意”，追求神似，使作品成为画家修养、个性、情绪表现的载体。由此，花鸟鱼虫有了象征意义，天地山河有了情感生命，人物则更是重在表现其心灵和情怀。第三节绘画美中国画中旷远的山水是画家幽远心境的表露，观赏者上下翻飞的视线也是自由飞动的精神境界的写照。画家往往借助对云、泉、烟、雾等“留无定所”的开放性形象的描绘展示出悠长、深远的艺术境界，使观赏者的目光超越视觉经验的樊篱，整个身心随山河云海沉浮，感受宇宙生命的律动，领悟“游心太玄”的自由的审美世界。透过水墨淋漓、明晦变幻的画面，面对一望无际的旷远空间，展开想象的翅膀，澄清自我的情怀，感受宇宙的生命，俯仰天地，极目悠悠，引领观赏者进入一个超越现实的自由世界，中国绘画“似”与“真”的神韵尽然得以表现。中国画家流连于山水，钟情于花鸟，山水花鸟无不打上画家心灵的印迹。第三节绘画美例如，明代徐渭的《墨葡萄图》那根苍劲的枝干，那果实累累籽粒饱满、莹彻圆润的墨葡萄，那淋漓洒脱、横涂竖抹的笔墨，莫不画出他那躁动不安的心灵，画中像醉酒人一般东跌西倒的题诗“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”，不平之气、激愤之情溢于言表。图5-18明代徐渭《墨葡萄图》纸本水墨故宫博物院藏第三节绘画美西方绘画偏重于对客观物象的真实模仿与再现，达·芬奇在他的《画论》中曾用“最可夸奖的绘画是最能形似的绘画”来强调写实的重要性。从古希腊到文艺复兴，无数懂得科学甚至精通科学的画家在理性精神的指导下，站在与所描绘对象相对的位置上，将几何学、光学、解剖学、色彩学等作为学科依据，以求真的态度冷静地去观察和研究对象，寻求描摹再现的逼真酷似。例如，罗立中的巨幅油画《父亲》借鉴了西方“照相现实主义”的手法，追求逼真和酷似的效果，以巨大尺寸和特写方式让农民的头像充满画面，从细微处来揭示对象的内部特征，真实而生动地再现了一位朴实而善良的老农民形象。第三节绘画美

图5-19罗立中·《父亲》油画第三节绘画美（二）造型手段不同中国画重线条、墨点、墨团，西洋画重光影、色彩。中国画讲究“笔情墨趣”，主张以墨为主，以色为辅，在用墨上讲究“墨分五色”，干、湿、浓、淡、焦的墨色变化极为丰富，虽然不是五彩缤纷的，却同样可以使物象具有立体感、空间感、质量感和色泽感等，产生一种极为典雅稳重的色彩效果。如潘天寿的《峭壁苍鹰图》，用峭壁的线条凸显苍鹰毛羽粗硬残缺的特征，充分表现了苍鹰搏击长空之势；齐白石自创了“以水兑墨，墨中点水”的方法，使他画的虾给人一种通体透明、晶莹逼真之感。第三节绘画美西洋画是以物象在一定光源中呈现的“面”来塑造形体，用色区别出物与物之间的界限。例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》，光源在正上方，由于明暗的丰富变化，使蒙娜丽莎的脸部和脖子画得笔调非常柔和，表现出妇女细腻皮肤的质感。她那圆润的、富有健康的生命力的右手，焕发着发自人类身心的内在光辉。衣服的折褶也描画得很精细，表现出软缎特有的质感。第三节绘画美（三）构图方法不同西洋画是焦点透视，中国画是散点透视。形象地说，西方画像照相机拍照，而中国画像摄影机摄像，前者的视角是固定的，后者的视角却是流动的。西方人以绘画的眼睛去“看”世界，中国人则超越事物的客观特征，上升到一种精神需求和满足，以音乐的心灵去“听”世界。焦点透视强调站在固定的地点，取固定的角度，画面的内容和容量完全符合人们日常观赏景物的真实状况，不管是小桥流水还是崇山峻岭，都不会超出正常视野的范围，画面上不留空白，凡是在视野范围内的东西都得画上，画幅布满笔触与油彩，呈现出的是具象的、精确的自然，而且能够一览无余，如列宾的《伏尔加河上的纤夫》。第三节绘画美中国画家常设定自己立足于高空，由近及远地领略宇宙美景，这时的画家一如上下翻飞的灵鸟，于自由翱翔、俯视、仰视中流动地、多角度地、回环往复地体味山水的神韵，进而用手中笔墨抒写自己的情怀。这种超时空的、全方位的观照，就可以把不同时间、不同地点、不同情节表现在同一幅画面上，而且还可以把定点透视无法窥知的视圈外的景象移入画内，把视圈内与主题无关的枝节删除，在画面上留有较多空白，给观赏者的想象留有自由驰骋的余地，使画面的内容丰富、灵活、概括，有较大的容积。中国画不仅可以把千万里的壮丽河山集中画在一幅横卷上，而且在一个立轴或横卷内也可以“百花齐放”，画上春、夏、秋、冬四季花卉、四季山水。中国画这种打破时空限制的画法是绘画艺术的伟大创举。第三节绘画美（四）画面内容不同中国绘画与西方绘画的审美情趣相异的重要一点就是书画相通。中国画常常是诗、书、画、印相结合，画家将自己对生活的感受融于画面时，画中题句提纲挈领表情达意，将无限的情思和深沉的感慨寄寓于画画，使作品意蕴更加幽远。第三节绘画美西方绘画以人物画为主，西方“天人相分”的宇宙意识和西方哲学中的“原罪”意识使人必须永远奋斗，以征服自然并改造人类自身。而原罪或痛苦在西方人眼里并不是对生命的否定，而是生命存在的基本方式，生命即是欲求，欲求就是痛苦的根源，欲求的满足则是痛苦的境界，要么是痛苦，要么是无聊，人就生活于痛苦与无聊之间。这种观念决定了人在生命历程中的不断自我否定、否定之否定，在灵与肉的冲突中不断取得进展。西方这种“天人相分”“以苦为乐”“自我否定”的文化精神反映在绘画中便是人对物的驾驭，或者物对人的刺激与诱惑，因此西方绘画崇尚阳刚之美，倡导英雄主义与悲剧精神，在绘画作品中充溢着个性的铺张、浪漫的激情和深沉博大的气势。第三节绘画美中国绘画以山水画为主，在中庸哲学的熏染下，中国画表达感情也往往强调温婉与节制，追求怨而不怒、哀而不伤、乐而不淫的艺术境界，向往婉曲和清柔厚。中国绘画追求的最高境界是“中和”之美，要求人与自然、主体与对象、主观与客观、感性与理性、情感与理智的和谐，强调按照一定的文化法则把多样或相反的因素构成一个圆熟的整体。正如法国学者熊秉明在《回归的塑造》中说：“如果拿中国绘画和西方绘画作比较，显然西方更重视作品，把作品当做一桩工程，表现了技巧的精湛、耗力的巨大。中国绘画更重视作者，所显示的是作者的品格与心态。”这从另一个角度说明了中西方绘画处理画面的不同追求。第四节摄影美摄影是指摄影者借助于照相机、摄影机等物质材料和摄影技术手段，按照作者的艺术构思，通过瞬间画面的摄取，在二度空间的照片上塑造出三度空间的视觉形象，来表达作者的思想感情，反映社会生活的造型艺术。由于摄影作品的艺术形象具有真实、直观、可视等特点，摄影已成为人们非常喜爱的艺术活动之一。人们已经认识到，摄影对于现代人不仅仅是一种工具、一种技术、一种视觉手段，而且是一种语言、一种观念、一种思维方式、一种生命存在形式，人们通过图像重新认识世界，也重新认识自己。第四节摄影美一、摄影的分类按拍摄目的的不同，摄影分为实用摄影和艺术摄影。按感光材料和画面的不同，摄影分为黑白摄影和彩色摄影。按器材和技术的不同，摄影分为数码摄影、普通摄影、显微摄影、航空摄影、水下摄影、红外线摄影、立体摄影和全息摄影等。按作品题材的不同，摄影分为新闻摄影、人像摄影、风光摄影、静物摄影、生活摄影、体育摄影、舞台摄影、动物摄影、建筑摄影、军事摄影、广告摄影和摄影小品等。按风格流派的不同，摄影分为纪实主义摄影、印象主义摄影、超现实主义摄影、抽象派摄影和前卫派摄影等。第四节摄影美二、摄影艺术的审美特性在摄影实践中，摄影艺术的独特审美表现体现在整个艺术形成过程中，使人们从中得到独特体验，很多人都会被其特有的审美性质所吸引。（一）纪实性再现生活真实的纪实性是摄影的本质属性，也是摄影的自然属性。诞生于19世纪上半叶最早的照片，给人们展现了巨大现实的忠实记录能力。真实反映社会生活的摄影作品具有艺术价值和史料价值，有时它的史料价值可能更胜于它的艺术价值。第四节摄影美（二）瞬间性摄影的瞬间性具有两层含义：一是表现内容的瞬间性，它只能表现生活的某一凝固了的横断面，只能表现事物运动过程中某一具有丰富内涵的“决定性的瞬间”的静态；二是表现过程的瞬间性，即在按下快门的那一极短的瞬间一次性完成，要么成功，要么失败。因此，摄影也被称为“遗憾的艺术”。在生活面前，摄影家没有“创造”的权利，而只有选择和表现的自由。他需要选择事件中最有意义的那一瞬间，选择最能反映生活本质的那个侧面，选择能最有效地加以表现的角度来进行实录的表现。当然，这种选择本身也就是艺术创造。摄影家始终都应有抓拍意识，时刻注意观察和捕捉现实生活中正在发生的事物。第四节摄影美（三）造型性摄影艺术的造型主要是通过构图、光线、色彩、镜头等手段来表现的。（1）构图。摄影构图就是对摄影画面各视觉要素的组织和安排，它是通过取景来完成的，包括形象构成元素的安排、画面造型元素的运用和在提点的选择等几方面。安排构成元素，要确定主体、陪体、前景、背景的位置和大小，利用对比、景深等手段突出主体（趣味中心），如利用黄金分割点来安排主体以避免画面呆板，利用物体大小在照片里的对比来突出距离，利用导入线引导读者到画面最吸引人的地方，利用物体之间的空间来表现孤立，利用熟悉的参照物来区分景物的大小等。要善于发现和组织点、线、面、形来构成画面形象，尽可能增强画面的感染力。第四节摄影美拍摄点是指摄影的方向、高度和距离。一般来说，正向拍摄有利于表现被摄对象的正面形象，擅长表现对称美的景物；侧向拍摄有利于表现被摄对象的立体感和空间感。平地要突出前面的景物，画面符合人的视觉习惯；仰拍善于突出和夸张被摄对象的高度；俯拍有利于前后景物在画面上充分展示。远景有利于表现景物的气势，全景有利于表现景物的全貌，中景有利二表现景物或人物之间的关系，而近景、特写有利于表现景物的细节和人物的神态，这些与“远取其势，近取其神”的绘画理论是一致的。构图的整体要求是简洁、均衡、新颖。第四节摄影美（2）光线。摄影是光与影的艺术，是用光作画。光线分自然光和人工光两大类，在拍摄景物时自然光运用最多。光线入射方向与拍摄方向一致的称为顺光，顺光拍摄能全面地表达物体的质感，人物显得丰满、细腻、柔和，具有较强的真实感。光线从拍摄点的左侧或右侧照射到拍摄主体的称为侧光，侧光拍摄有利于表现对象的立体感。光线从拍摄对象的侧后方或正后方射来是逆光，逆光拍摄有利于清晰地勾画对象的轮廓线，宜于拍剪影。第四节摄影美（3）色彩。要最大限度地利用色彩的表情性、象征性为表达思想感情、营造画面气氛服务。在摄影中要确定画面总体的色彩倾向，以取得色彩的统一性。色彩的对比会使画面色彩鲜明、生动、醒目，具有强烈的视觉冲击力，而画面色彩效果的和谐、协调、柔和，会给人以舒展、优雅的美感。第四节摄影美（4）镜头。利用不同的镜头透视特性可以塑造独特的视觉形象，如长焦镜头会压缩空间透视，而广角镜头会夸张空间透视。画面的景深效果也是通过镜头来完成的。基于摄影艺术的审美特性，可以从记忆之美、定格之美、光影造型之美及影像创意之美等方面欣赏摄影作品。美国摄影大师亚当斯说：“好的照片能够使人听到音乐”“我的底片就是乐谱，我的照片就是乐谱的演奏”。要学好摄影，不仅要具备摄影的基础知识，而且要有过硬的基本功，包括良好的操作习惯、熟练的拍摄技巧，不断提高自己的创作意识，为摄影创作打下良好基础。第五节雕塑美立体造型艺术雕塑得名于其造型方法，主要为“雕刻”和“塑造”。雕刻是做“减法”，以剔除多余材料为基础；塑造是做“加法”，以添加材料为基础。雕塑以其造型的凝练性、形象的单纯性以及观念表现的纯粹性、象征性而予人以更大的想象空间，不但能提高我们的审美通感能力，还能唤起我们一种特殊的审美情感。第五节雕塑美一、雕塑的分类雕塑按形式分类有圆雕、浮雕和透雕。圆雕是雕塑的主要形式，完全是立体状态，一般没有背景，可以四面观赏，如秦兵马俑、断臂维纳斯等。浮雕是在平面上雕出凸起的半立体的形象，一般都有背景，它介于圆雕与绘画之间，如人民英雄纪念碑上的汉白玉群雕、洛阳龙门宾阳洞的“帝后礼佛图”等。透雕介于圆雕与浮雕之间，是把浮雕的背景镂空，分单面雕和双面雕两种效果。图5-20帝后礼佛图第五节雕塑美雕塑按材料分类有骨雕、玉雕、石雕、砖雕、木雕、冰雕、沙雕、面塑、泥塑、蜡塑、石膏塑、陶瓷塑、金属雕塑、玻璃钢雕塑等。在雕塑上施以粉彩称为彩雕或彩塑。第五节雕塑美二、雕塑艺术的审美特征雕塑美是人与雕塑作品之间的情感判断所形成的审美形态，其核心在于雕塑意象。雕塑意象由若干基本要素组成，是雕塑欣赏与创作的基础。（1）空间的实体性。雕塑是具有真实立体感的“体积的艺术”，其实实在在的长、宽、高不仅可以通过视觉去感受，而且其与人融洽的亲和性常常能激发人们近前抚摸的欲望。雕塑三度空间的实体性使它能在不同距离、不同光照、不同背景、不同视角的情况下显示出不同的美的形象，使观赏者能享受更为丰富的视觉形象美。第五节雕塑美（2）造型的单纯性。除了一些带有情节性的浮雕外，大量的雕塑是用个别的、立体的、没有背景的形体再现生活，很难直接再现人物之间、事件之间、人物与环境之间的复杂关系及事件发生的过程。正因为如此，雕塑更为注重外部造型的高度概括，借助最具内涵和表现力的瞬间静态的形象来更集中地体现观念的精髓，更突出地表现对象的性格和品质，从而使雕塑具有一种鲜活的生命力。希腊古典时期雕刻家米隆的《掷铁饼者》是为奥林匹克竞技优胜选手制作的纪念像，作者选取了运动员弯腰将铁饼摆到极点即将转身抛出前的一瞬间，这是引而未发、积攒爆发力的一瞬间，最能引发观赏者的联想，在心理上获得极强的运动感、力量感和节奏感。第五节雕塑美（3）表现的观念性。雕塑是造型与观念的融合，雕塑形式的单纯性决定了它要更多地运用寓意、暗示、象征性的手法以使观赏者产生丰富的联想，在生活形象的基础上高度精练地加工创造出新形象，使新形象成为“静止的舞蹈”。（4）环境的装饰性。雕塑能够装饰美化环境，能够与周围环境相结合形成一种统一协调的意境美，因而巧妙地结合周围环境的特点安排适当的雕塑作品是雕塑创作的原则之一。第五节雕塑美《巴黎公社社员墙纪念碑》建立在巴黎公社最后一批战士壮烈牺牲的拉雪兹公墓里，雕刻家利用墙面以浮雕造型塑造了30多位公社战士的形象，在碑的正中用近乎圆雕的形式塑造了一位象征奋力保卫公社社员的女神雕像。石墙上的累累弹痕使人联想到当年弥漫的硝烟和激烈的战斗场面，也充分显示出公社社员为了无产阶级事业视死如归的英雄气概。在战士壮烈牺牲的地方建立起纪念先烈的雕塑，更增强了悲壮气氛，使观赏者受到教育和启迪。

图5-22《巴黎公社社员墙纪念碑》第五节雕塑美三、东西方雕塑艺术比较美是中西雕塑共同的追求，但是两者在精神内涵上有着极大的差异，在艺术上有着较大的异同。（1）艺术地位。过去的中国雕塑没有像西方那样独立的艺术地位，要么从属于宗教建筑（石窟、寺庙、道观等），要么依附于陵墓和宫殿建筑，与普通人的日常生活漠不相干。而西方特别是欧洲的雕塑同日常生活紧密联系，视其为城市的灵魂。从城市规划到园林建设、从建筑装饰到十字街头，都用雕塑作为构建城市公共环境的重要元素。第五节雕塑美（2）审美追求。中国雕塑追求形态的神韵美，注重“神似”，强调写意，结构夸张；突出共性（求同）；在重视美与善结合的同时，更关注雕塑艺术的教化功能。西方雕塑追求自然模仿美，注重“形似”，强调写实，结构准确；突出个性（求异）；在重视美与真结合的同时，更关注雕塑艺术的认识作用。（3）雕塑材料。中国雕塑材料丰富多样，但以与自然密不可分的泥土、木材、花岗岩居多。西方雕塑材料比较多样，但以青铜、大理石等为主。（4）雕塑技法。中国雕塑重塑轻雕，西方雕塑重雕轻塑。第五节雕塑美（5）题材样式。中国雕塑多为权势、尊严、神圣的象征，多宗教（佛像为主）、英雄、名人雕塑，雕塑的庄重意味较浓。西方雕塑多为自由、爱情、战斗等抽象观念的体现，多人体雕塑，追求人物的真实和生命的美感，雕塑的娱乐意味较浓。（6）形体刻画。中国人物塑像以直立式、端坐式为主，表情变化少（静美），强调人首而虚化人体。西方人物塑像以运动形式为主，表情丰富（动美），强调人体而虚化人首。（7）艺术技巧。中国雕塑以一面（正面像）造型为主，讲究装饰性及色彩的运用（与泥塑多有关）。西方雕塑常多面造型，讲究绘画性及光的效用（与石雕多有关）。中西雕塑艺术虽有风格、特征之别，但无优劣、高低之分，东西合璧已成为艺术发展的趋势。第五节雕塑美四、雕塑艺术欣赏对于雕塑艺术作品的欣赏，除了要了解其风格、创作背景等社会因素外，更多的是要注意它本身的艺术效果。在观赏中做到“步步移”“面面观”，通过变换距离和视角总体感受其多姿多态的美。（1）造型美。雕塑给予人的感觉首先来自它的形体，形体美是雕塑形式美的灵魂，特别是在人体美造型方面，雕塑所达到的艺术境界是其他艺术形式难以企及的。第五节雕塑美（2）含蓄美。雕塑的单纯性集中了欣赏者对中心主题的注意，雕塑的观念性启发了欣赏者的丰富联想和无穷回味，因此，欣赏雕塑作品既要能认识表现其形式的外在造型美，更要能体会表现其内容的内在含蓄美。对于雕塑含蓄美的品味，要了解作品的有关背景，要有丰富的想象力。（3）材质美。优秀的雕塑家很懂得根据作品的内容和它所要取得的艺术效果来选择雕塑使用的物质材料。例如，罗丹的《思想者》和《思》都是体现人生思索的作品，但所选取的材质却完全不同。《思想者》用的是青铜，其古朴凝重的特色与题材内容的深沉相吻合。《思》用的是大理石，其洁白润泽的特性更能突出女性的纯洁、秀美和淳朴。第五节雕塑美（4）环境美。大多数雕塑本身虽然缺乏背景作烘托，但作为装饰性的雕塑却必须考虑其放置的环境是否与之相适应，特别是一些作为城市“眼睛”的雕塑。丹麦哥本哈根海滨公园中海边的铜像《美人鱼》，将其铸成真人大小，给人以贴近感和亲切感。艺术家将优美的形象置于礁石之上，很容易让人联想到美人鱼那动人的故事，为环境增添了童话的色彩。雕塑与环境常常是互为一体的，因此，在欣赏雕塑作品时就不能只是孤立地注意到雕塑作品本身，还要注意它与周围环境的关系。第六节建筑美建筑是人类创造的最值得自豪的文明之一，是人类为满足自身居住、交往和其他活动的需要而创造的空间环境。它虽起源于人类遮蔽风雨、抵御寒暑、防止猛兽侵袭的实用安全的生活要求，但人们很早就把它当做艺术品来营造，既注意到了它的实用、坚固，也注意到了它的美观。因此，建筑艺术是实用艺术、造型艺术和环境艺术的综合体现，它反映着国家的政治体制、道德伦理思想、社会的时代风貌、民族的性格特色以及生活的审美情趣等，是社会思想观念的一种表现方式和物化形态。所谓“石头筑就的史诗”“文明的载体”“历史的纪念碑”“凝固的音乐”等说法，都说明了建筑形象体现的文化价值和审美价值。宏伟的建筑物显示着人类改造客观世界、建设美好家园的本质力量，积淀着人类创造生活美的理想，闪耀着人类智慧和历史文明的光辉。第六节建筑美一、建筑的分类按风格不同，建筑一般分为古典、现代和后现代风格。古典风格又有东方风格和西方风格之分。按形式不同，建筑可以分为古典建筑和现代建筑等。按建筑使用功能的不同，一般分为住宅建筑、生产建筑、公共建筑、文化建筑、园林建筑、纪念性建筑等。中国古代建筑主要包括古城、宫殿、陵墓、寺庙、园林、民居、石窟、佛塔和桥梁等。仅民居就有非洲的草房、阿拉伯的土拱、西班牙的小楼、北欧的尖顶房、蒙古的毡包、北京的四合院、安徽的天井民居、西北的窑洞、闽西的土楼、西双版纳的竹楼和西藏的石碉楼等。第六节建筑美二、建筑艺术的审美特征建筑作为一个重要的审美对象，与其他艺术形式相比较，有着自身的审美特征。建筑艺术的审美特征主要是体现在技术与艺术相结合，实用与审美相统一，建筑空间与实体的对立统一，静态的、固定的、表现性的、综合性的实用造型艺术，建筑的造型美与环境的和谐关系上。第六节建筑美（1）实用与审美的统一。“建筑”一词本义为“巨大的工艺”。人类建筑艺术是从营造家园开始的，起初并不是为了审美，而是为了