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文档简介

艺术观赏教学教案第一讲艺术观赏引论【教学规定】通过本章使同窗理解艺术观赏的性质、特点和作用,艺术作品的审美构成,及提高艺术观赏能力的途径与办法,从而对本课程的基本内容及指导思想有一种概括的认识。【教学内容】艺术观赏的性质、特点和作用重点介绍艺术观赏的特点:1.感觉与认识,感情与理解的统一,潜移默化过程。2.教育性与娱乐性的统一,寓教于乐。3.体现美感中反映与再发明的统一。艺术作品的审美构成重要介绍艺术美的构成。涉及三个方面:(1)艺术形象对现象的再现;(2)艺术家对现实的感受、情感、评价和抱负的体现;(3)艺术家的精湛技巧使艺术作品的内容和形式得到完美的结合。提高艺术观赏能力的途径和办法1.在艺术观赏的实现中提高观赏能力,“操千曲而后晓声,观千剑而后识器”。2.艺术理论和艺术知识的学习,涉及艺术的普通规律,部门艺术的特性、形式法则等。3.提高文化全方面素养,丰富生活阅历,是提高艺术观赏能力的前提条件。具体教学内容以下:艺术观赏的本质▲艺术观赏:是审美活动的重要形态之一,也是实现艺术的美育社会功效的重要环节,是对某种艺术作品的“接受”——感知、体验、理解、想象、再发明等综合心理活动,是人们以艺术形象为对象的审美活动。艺术审美活动是属于人的精神活动,是实现审美教育必不可缺的过程。这里我们要理解的两点:艺术是对社会生活的反映。艺术是人的精神粮食,是满足个体与社会的审美精神生活需要,是人自然全方面发展的需要。艺术本身就是目的,享有与发明、娱乐与教育密不可分地包含在艺术活动之中,艺术观赏就是实现着种反作用的必要环节。艺术新撒谎能够在本质上看是对审美主题的提高,属于人类本身的精神文明建设的范畴。艺术观赏与艺术发明首先要明确的是两者的含义,艺术观赏在上面已经说道了,现在先明确艺术发明的含义。▲艺术发明:是艺术家在生活的基础上,运用不同的物质材料、体现手段、形成自己独特的艺术语言。离开了艺术语言,便谈不上美的发明和观赏。掌握几个名词的意思。艺术语言是指任何一门艺术都有自己独特的体现方式和手段,运用独特的物质媒介来进行艺术创作,从而使得这门艺术含有自己独具的美学特性。这种独特的体现方式或体现手段,就叫作艺术语言。艺术语言的规定:(1)精确地体现本门类艺术的特点;(2)体现艺术家的独特个性和发明精神。艺术形象是文艺反映生活的特殊方式。艺术形象总是具体可感的,它是客观因素与主观因素的统一,是内容与形式的统一,也是共性与个性的统一。艺术形象不仅含有具体可感的形象性,并且含有概括性。艺术形象的普通构成规律:典型与意境。艺术典型是普遍性与特殊性的有机统一,又是必然性与偶然性的有机统一。任何艺术典型,都是在鲜明生动的个性中体现出广泛普遍的共性,在独一无二的个别形象中体现出含有普遍性的某些规律。艺术意蕴艺术意蕴就是指艺术作品应当在有限中体现出无限,在偶然中蕴藏着必然,在个别中包含着普遍。它是一种艺术境界。艺术意蕴即典型与意境的审美内涵。艺术意蕴深藏于艺术形象之中,需要观赏者去感受、体验和领悟。对艺术意蕴的把握是一种领悟的过程。5、艺术风格艺术风格即优秀艺术作品中所体现的艺术家独特、鲜明的个性特性。艺术风格涉及艺术语言的运用、艺术形象、意蕴的形成等方面。艺术风格体现艺术家的审美抱负、艺术追求以及对现实生活的审美发现,是艺术家创作达成成熟的重要标志。我们倡导艺术风格能够体现优秀的民族传统、民族精神及时代特色。6、艺术流派、艺术思潮(西方当代主义思潮)艺术流派是指在中外艺术一定历史时期里,由一批思想倾向、美学主张、创作办法和体现风格方面相似或相近的艺术家们所形成的艺术派别。这些艺术派别的形成有时是自觉的,有一定的组织形式或共同宣言;有时是不自觉的,仅仅由于创作风格类型的相近而组合在一起。这些艺术派别有的局限于一种艺术门类或体裁,有的则涉及不同艺术门类或体裁的艺术家艺术思潮是指在一定社会历史条件下,特别是在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下,艺术领域所发生的含有广泛影响的思想潮流和创作倾向。如,古典主义、浪漫主义、现实主义、自然主义、西方当代主义艺术思潮等等。艺术观赏与艺术发明关系:作者/艺术家作品/艺术品观赏者创作主体创作客体观赏主体观赏客体(对象)“第一次发明”“再发明”重点:艺术观赏是一种“再发明”。艺术观赏也是一种发明,是一种再发明。艺术观赏不同于艺术创作的发明,它即使也是艺术活动的一种形式,但它事实上并不发明新的物化的艺术作品,而只是以艺术作品这种发明物为前提进行想象中的发明。艺术观赏者以艺术作品为审美对象,通过体验、玩味、沉吟等观赏行为展开复杂的心理活动,从而把作为物的艺术形象再现为接受者头脑中的意象。这些意象并不是艺术作品的被动反映,它已经变化了艺术作品的存在方式。因此艺术观赏与艺术发明的发明性是不同的。艺术创作发明世界上并不存在的新事物,而艺术观赏的发明只存在于观赏者自己的脑海当中。正因如此我们把艺术创作称为第一次发明,而艺术观赏是相对于艺术发明的“再发明”。艺术观赏与艺术批评艺术观赏始终是一种感性活动过程,艺术批评则是通过感性活动而达成的理性认识,其成果是一种理论形态;艺术观赏活动带有明显的个性特点和主观随意性,艺术批评即使也带有个性,但它应是客观的,含有普遍性的,是一种美与丑的普遍的社会原则。两者互相区别而又亲密联系。艺术观赏是艺术批评的实践基础,艺术批评是艺术观赏的理论升华。艺术鉴赏能力的培养与提高1、艺术鉴赏能力的培养与提高,离不开大量鉴赏优秀作品的实践2、艺术鉴赏能力的培养与提高,离不开熟悉和掌握艺术的基本知识和规律。3、艺术鉴赏能力的培养与提高,离不开一定的历史、文化知识。4、艺术鉴赏能力的培养与提高,离不开对应的生活经验与生活阅历。思考题

1、如何理解艺术观赏的“再发明”,它与艺术作品的发明有如何的联系与区别?

2、要提高艺术观赏能力,你认为应在哪些方面下功夫?

3、艺术观赏的本质是什么?第二讲建筑艺术观赏【教学目的】1.理解建筑艺术的艺术特点。2.把握建筑艺术含有物质和精神的双重意义。3.具体鉴赏作品中的美学特性。4.理解建筑的艺术风格。【教学重点】本章重点,在于:建筑的面、体形、体量、空间、群体、环境等的基本概;掌握其艺术的基本特点,并能针对出名建筑作品进行普通赏析,加深对建筑和建筑艺术的具体特性的理解。【教学难点】建筑风格与作品的分析。一.建筑艺术语言建筑:是指建筑物和构筑物的通称,是人类用物质材料修建或构筑的居住和活动的场合。建筑艺术:是指按照美的规律,运用建筑艺术独特的艺术语言,使建筑形象含有文化价值和审美价值,含有象征性和形式美,体现出民族性和时代感。建筑和建筑艺术的具体特性1.建筑艺术语言的双重性(1)物质性(使用功效)含有物质使用功效,它的存在受制于物质条件和物质手段。(2)精神性(审美功效)要满足人们对美的渴望,这种渴望促使它成为真正的艺术。2.建筑精神属性的层级性:⑴最底的层次:与物质功效紧密有关,体现在安全感和舒适感上面。例如:仓库和车棚。(“建筑美”)⑵中间层次:体现美的形象。重在“悦目”。例如:医院。⑶最高层次:发明某种情绪氛围,体现出一种有限向性的情趣,陶冶和震撼人的心灵,重在“赏心”;例如:美术馆。————(“艺术美”)建筑艺术的体现性:不是再现生活,而是发明某种情绪和氛围,激发情感。全部的艺术都体现出艺术家对生活的判断和艺术家的感情,但由于各门类艺术所掌握的物质材料和创作手法的不同,在体现手段上就有明显的区别。按照这个区别,艺术可分为:再现性艺术通过以客观生活的艺术再现为手段的间接体现,例如:写实性美术作品、戏剧、电影和叙事诗等。体现性艺术不通过忠实的再现生活而直抒胸臆的直接体现,代表有:建筑和音乐。△注:艺术体现情感只是“情感”本身,是一种抽象的情感,而不是这一种人或者那一种人由于某种具体的事而触发的具体的情感。(四)建筑艺术语言(★重点)1.建筑是一种造型艺术,有“面”和“体”(体形和体量)的形成解决这样的语言。(造型艺术语言)2.含有中空的空间(或在室内,或在许多单体组合成的室外),因此拥有空间构成的语言艺术。(空间构成艺术语言)含有时间艺术的特性,拥有群体组合的语言艺术。——————(群体组合艺术语言)结合其它艺术如壁画、雕刻、陈设、山水、植物配备以至文学,共同秩序成环境艺术,因此拥有环境语言的艺术。——————(环境语言艺术)具体的艺术语言为:(1)面:建筑物各个面的解决含有造型艺术的图案美。(2)体形:和体量一在一起,是建筑给人的第一印象。(3)体量:体量的巨大是建筑不同与其它艺术的重要特性之一。(4)空间:空间的形状、大小、方向、开敞或者封闭,明亮或者黑暗都含有强烈的情绪感染作用。(5)群体:这是建筑艺术之因此大大优越于普通的工具、用品和构造较为简朴的其它艺术门类的地方之一。(6)环境:环境艺术是一种触动时间、空间、自然、人文、建筑和个门类艺术于一体的综合性系统工程。通过空间、形体、比例、均衡、节奏、色彩、装饰等等多个因素的协调统一,通过充足调动自然环境、人文环境、环境雕塑、环境绘画、建筑小品、工艺美术、书法以至文学的作用,才干够形成建筑艺术特有的空间造型美。二、建筑艺术的观赏办法1、理解形式美的法则:如,对称、主从、均衡、节奏、韵律、对比、比例、明暗虚实、质感、色彩等等。多样统一的美的规律在造型艺术上的具体体现。多观察与分析,主动与对象对话。对其它艺术门类观赏体会的借鉴。2、含有一定的建筑学知识:艺术美、生活美、技术美、环境美,美与善、美与真的统一。3、处在情绪意境之中:通过对形式美的观赏,主动进行物我双方的交流和再发明,达成与建筑艺术作品整体形象的共鸣,发挥想象力。发掘建筑艺术作品的文化内涵。联系作品所处的时代的、民族的、地区的广阔文化环境去认识作品。三、建筑艺术作品观赏西方建筑风格介绍⑴古希腊建筑古代希腊是欧洲文化的发源地,古希腊建筑开欧洲建筑的先河。古希腊的发展时期大致为公元前8~前1世紀,即到希腊被罗马兼并为止。古希腊建筑的构造属梁柱体系,早期重要建筑都用石料。限于材料性能,石梁跨度普通是4~5米,大但是7~8米。石柱以鼓状砌快垒叠而成,砌块之间有榫卯或金属销子连接。墙体也用石砌块垒成,砌块平整精细,砌缝严密,不用胶结材料。即使古希腊建筑形式变化较少,內部空间封闭简朴,但后世许多流派的建筑师,都从古希腊建筑中得到借鉴。⑵古罗马建筑古罗马建筑是古罗马人沿习亚平宁半岛上伊特鲁里亚人的建筑技术,继承古希腊建筑成就,在建筑形制、技术和艺术方面广泛创新。古罗马建筑在公元1~3世纪为极盛时期,达成西方古代建筑的高峰。古罗马建筑的类型诸多。有罗马万神庙、维纳斯和罗马庙以及巴尔贝克太阳神庙寺宗教建筑,也有皇宫、剧场角斗场、浴场以及广场和巴西利卡(长方形会堂)等公共建筑。居住建筑有内庭式住宅、内庭式与围柱式院相结合的住宅,尚有四、五层公寓式住宅。古罗马世俗建筑的形制相称成熟,与功效结合得较好。例如,罗马帝国各地的大型剧场,观众席平面呈半圆形,逐排升起,以纵过道为主、横过道为辅。观众按票号从不同的入口、楼梯,达成各区座位。人流不交叉,聚散方便。舞台高起,前有乐池,背面是化妆楼,化妆楼的立面便是舞台的背景,两端向前凸出,形成台口的雏形,已与当代大型表演性建筑物的基本形制相似。⑶罗曼建筑罗曼建筑是10~12世纪欧洲基督教流行地区的一种建筑风格。罗曼建筑原意为罗马建筑风格的建筑,又译作罗马风建筑、罗马式建筑、似罗马建筑等。罗曼建筑风格多见于修道院和教堂。罗曼建筑承袭早期基督教建筑,采用古罗马建筑的某些传统做法如半圆拱、十字拱等,有时也用简化的古典柱式和细部装饰。通过长久的演变,逐步用拱顶取代了早期基督教堂的木构造屋顶,对罗马的拱券技术不停进行实验和发展,采用扶壁以平衡沉重拱顶的横推力,后来又逐步用骨架券替代厚拱顶。平面仍为拉丁十字。出于向圣像、圣物膜拜的需要,在东端增设若干小礼拜室,平面形式渐趋复杂。罗曼建筑的典型特性是:墙体巨大而厚实,墙面用连列小券,门宙洞口用同心多层小圆券,以减少沉重感。西面有一、二座钟楼,有时拉丁十字交点和横厅上也有钟楼。中厅大小柱有韵律地交替布置。窗口窄小,在较大的内部空间造成阴暗神秘氛围。朴素的中厅与华丽的圣坛形成对比,中厅与侧廊较大的空间变化打破了古典建筑的均衡感。⑷哥特式建筑哥特式建筑是11世纪下半叶来源于法国,13~15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。重要见于天主教堂,也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就,在建筑史上占有重要地位。哥特式教堂的构造体系由石头的骨架券和飞扶壁构成。其基本单元是在一种正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券,四边和对角线上各一道,屋面石板架在券上,形成拱顶。采用这种方式,能够在不同跨度上作出矢高相似的券,拱顶重量轻,交线分明,减少了券脚的推力,简化了施工。飞扶壁由侧厅外面的柱墩发券,平衡中厅拱脚的侧推力。为了增加稳定性,常在柱墩上砌尖塔。由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁,哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部如华盖、壁龛等也都用尖券作主题,建筑风格与构造手法形成一种有机的整体。哥特式建筑在欧洲各国都有典型的范例。⑸文艺复兴建筑文艺复兴建筑是欧洲建筑史上继哥特式建筑之后出现的一种建筑风格。15世纪产生于意大利,后传输到欧洲其它地区,形成带有各自特点的各国文艺复兴建筑。意大利文艺复兴建筑在文艺复兴建筑中占有最重要的位置。文艺复兴建筑最明显的特性是扬弃中世纪时期的哥特式建筑风格,而在宗教和世俗建筑上重新采用古希腊罗马时期的柱式构图要素。文艺复兴时期的建筑师和艺术家们认为,哥特式建筑是基督教神权统治的象征,而古代希腊和罗马的建筑是非基督教的。他们认为这种古典建筑,特别是古典柱式构图体现着和谐与理性,并且同人体美有相通之处。这些正符合文艺复兴运动的人文主义观念。⑹巴洛克建筑巴洛克建筑是17~18世纪在乎大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由,追求动态,喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩,惯用穿插的曲面和椭圆形空间。巴洛克一词的原意是奇异古怪,古典主义者用它来称呼这种被认为是离经叛道的建筑风格。这种风格在反对僵化的古典形式,追求自由奔放的风格和体现世俗情趣等方面起了重要作用,对都市广场、园林艺术以至文学艺术部门都发生影响,一度在欧洲广泛流行。⑺法国古典主义建筑法国在十七世纪到十八世纪初的路易十三和路易十四专制王权极盛时期,开始极力崇尚古典主义建筑风格。古典主义建筑造型严谨,普遍应用古典柱式,内部装饰丰富多彩。法国古典主义建筑的代表作是规模巨大、造型雄伟的宫廷建筑和纪念性的广场建筑群。这一时期法国王室和权臣建造的离宫别馆和园林,为欧洲其它国家所仿效。⑻洛可可风格洛可可风格是一种建筑风格,重要体现在室内装饰上。18世纪代产生于法国,是在巴洛克建筑的基础上发展起来的。洛可可风格的特点是:室内应用明快的色彩和纤巧的装饰,家具也非常精巧而偏于繁琐,不像巴洛克风格那样色彩强烈,装饰浓艳。德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间非常复杂。洛可可装饰的特点是:细腻柔媚,经常采用不对称手法,喜欢用弧线和S形线,特别爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材,卷草舒花,缠绵盘曲,连成一体。天花和墙面有时以弧面相连,转角处布置壁画。⑼古典复兴建筑古典复兴建筑是采用严谨的古代希腊、罗马形式的建筑,又称新古典主义建筑,18世纪60年代到19世纪流行于欧美某些国家。采用古典复兴建筑风格的重要是国会、法院、银行、交易所、博物馆、剧院等公共建筑和某些纪念性建筑。这种建筑风格对普通的住宅、教堂、学校等影响不大。⑽浪漫主义建筑浪漫主义建筑是18世纪下半叶到19世纪下半叶欧美某些国家在文学艺术中的浪漫主义思潮影响下流行的一种建筑风格。浪漫主义在艺术上强调个性,倡导自然主义,主张用中世纪的艺术风格与学院派的古典主义艺术相抗衡。这种思潮在建筑上体现为追求超尘脱俗的趣味和异国情调。⑾当代主义建筑代主义建筑是20世纪中叶在西方建筑界居主导地位的一种建筑,这种建筑的代表人物主张建筑师摆脱传统建筑形式的束缚,大胆发明适应于工业化社会的条件和规定的崭新的建筑,含有鲜明的理性主义和激进主义的色彩。又称当代派建筑。当代主义建筑思潮产生于19世纪后期,成熟于20世纪代,在50~60年代风靡全世界。从60年代起有人认为当代主义建筑已通过时,有人认为当代主义建筑基本原则仍然对的,但需修正补充。70年代以来,有的文献在提到当代主义建筑时,还冠以"代"或"正统"字样。⑿后当代主义建筑20世纪60年代以来,在美国和西欧出现的反对或修正当代主义建筑的思潮。在形式问题上,后当代主义者搞的是新的折衷主义和手法主义,是表面的东西。因此,反对后当代主义的人认为当代主义是一次全方面的建筑思想革命,而后当代主义但是是建筑中的一种流行款式,不可能长久。两者的社会历史意义不能相提并论。也有的人认为后当代主义者指出当代主义的缺点是有道理的,但开出的药方并不可取;认为后当代主义者迄今拿出的实际作品,就形式而言,拙劣平庸,不能登大雅之堂。尚有人认为后当代主义者并没有提出什么严肃认真的理论,但他们在建筑形式方面突破了常规,他们的作品有启发性。2.中国建筑艺术观赏中国:以宫殿和都城规划的成就最高,突出皇权至上思想和严密的等级观念;热爱自然、尊重自然;群体组合美、中轴对称;木构造为主。中国园林艺术的自然美与人文美;(1)运用自然美:用水池、假山、花草、树木营造自然环境;讲究亭、台、楼、阁、廊、榭建筑形式美,与自然环境协调。(2)采用楹联、匾额、碑刻、书画题记等,营造文化氛围。(3)含蓄深沉、平易精微,风景美、艺术美、文化美融为一体。3.具体建筑艺术作品观赏1.《雅典帕提侬神庙》单纯、明朗和愉快的风格。2.《巴黎圣母院》所体现的哥特式建筑特点及欧洲中世纪的宗教精神。3.《罗马圣彼得教堂》的集中式平面和穹隆屋顶。单纯、明朗的造型逻辑和昂扬、健康、饱满的气质。文艺复兴兴盛期建筑艺术的杰出代表。4.印度《泰姬陵》所体现的伊斯兰建筑的特点。5.法国《朗香教堂》的浪漫情调和隐喻手法。当代建筑的重要倾向。6.《北京城和北京宫殿》的群体组合。严整规则的构图和皇权至上的主导思想。7.《北京天坛》所体现的中国礼制建筑的特点,造型的象征手法及对尊“天”主题的显示。8.《中国园林》所体现的尊重自然、与自然相亲相近的观念。自然式建筑特点与“虽由人作,宛自天开”的境界。中国园林与欧洲园林的比较。中国园林的私家园林和皇家园林两大流派。《网师园》、《颐和园》。9.《中国古塔》是印度建筑与中国重楼的结合。楼阁式与密檐式。《登封法王寺塔》、《应县释迦塔》、《上海龙华塔》。10.《布达拉宫》的非对称自由聚合布局。建筑的整体统一感及与环境的协调。对建筑高度的夸张与神秘、攫人的艺术感染力第三讲绘画艺术观赏内容提纲:绘画艺术在二度平面上发明充盈着自然生命力的物质与空间,展示现实生活与想象世界的多样景观,传达人的丰富的思想感情。中国画和油画是东西方两大绘画体系的代表。从总体上说,它们在发明与审美上有同一性,也有差别性。对油画的观赏,应当从历史的角度理解从古典油画到近、当代油画主题与风格的流变,建立起衡量画作的“标尺”;对中国画的观赏,则能够从不同的体现对象出发,领悟山水、花鸟、人物画的特性。绘画观赏固然深奥精微,但若能在提高社会历史知识和全方面文化修养的状况下,把理解美术历史脉络、掌握杰作风格与发挥艺术感受中的直觉与想象结合起来,将能面对作品得其神髓内涵,获得情致意韵。绘画概说1.什么是绘画绘画是运用线条、体形、色彩、明暗、笔触等造型语言在二度平面上塑造艺术形象,以体现人的思想感情的艺术。2.绘画的特点绘画含有平面性。这是绘画区别与雕塑、建筑等其它造型艺术的特性,即画家是在平面的材料上(与画布、画纸、墙面等)进行绘描。通过绘描,画家发明了一种视觉空间,即画面上的形象构成了与现实生活有一定联系的,但却是视觉上的,也即虚幻的空间。由于绘画是在二度平面上发明三度空间的艺术,能够把它称之为“视觉空间的艺术”。3.绘画的种类①根据绘画所使用的材料,可分为素描、油画、水彩画、水粉画、水墨画、版画、壁画等;②根据绘画体现的内容或者对象,可分为历史画、风俗画、风景画(山水画)、花鸟画、静物画等;③按照国家或民族的文化传统,可分为中国画、日本画等。油画以油为调合颜料,通过制作的不吸油的平面上绘画而成的绘画。油画能够传达出物体的质感、量感,能够传达物象所处空间的光线、色调和氛围。油画的主题普通有帝王征战、君王加冕、宗教庆典等壮观场面,也有写风景、静物以及日常生活风情和肖像画。产生15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前身。在运用蛋彩画法的同时,许多画家继续寻找更为抱负的调和剂。

普通认为,l5世纪早期的尼德兰画家凡·爱克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂作画,致使描绘时运笔流畅,颜料在画面上干燥的时间适中,易于作画过程中多次覆盖与修改,形成丰富的色彩层次和光泽度,干透后颜料附着力强,不易剥落和褪色。他们运用新的油画材料创作,在当时的画坛很有影响。油画技术很快在西欧其它国家传开,特别在乎大利的威尼斯得以快速发展中国画是中国绘画的统称。中国画涉及中国传统绘画的多个类别,但普通指的是以水为调合剂,以墨为重要颜料的一类,又能够称为“水墨画”或者“彩墨画”。壁画是绘制在土砖木石等多个质地壁面上的绘画,所用绘制的颜料比较多样。保存至今的世界各地壁画不仅证明它的产生年代极早,并且含有装点各类建筑、集记载历史、宣传教育与装饰审美为一体的特点。壁画的体现手法多样,多个材料都能够运用,典型的有油质、粉底、白描、堆金沥粉等。水彩、水粉画以水为调合颜料创作的绘画,大多数画于纸上。当代的宣传画、广告画多采用水粉材料制成。版画在不同材料的版面上刻画形象后印制而成,它的最大特点是能够持续重复印制。普通有造型简括,明暗强烈,有刀刻韵味的特点。素描又称单色画。广义上指的是一种材料作单色的描绘,狭义指用铅笔、钢笔、木炭笔等在纸上绘出形象。它普通是画家的写生之作,即面对人物或者风景描绘而成,是一种带有研究性的绘画基础作品。有时候也指画构思大幅创作的草图。注:绘画无论采用何种工具做材料,绘画制作总离不开形体、线条、明暗、色调等艺术语言。二.绘画艺术观赏办法绘画观赏过程是一种复杂的心理活动。要达成观赏的层次,就需要掌握一定的知识与办法。即:首先,对绘画作品要以理解的态度加以评论。理解绘画发展脉络,把握代表作品特性。例如,西方绘画经历了古代(古希腊和罗马)、中世纪(公元5世纪到14世纪)、文艺复兴时期(15、16世纪)、17、18世纪和近、当代等大的历史阶段。而各个时期的绘画又有很大的不同。文艺复兴时期到19世纪初的西方绘画称为古典绘画。特点是:造型上基本上是写实的,作品很完整,其美学倾向是典雅与和谐。培养艺术形成感觉观赏艺术不是表面的观看,而是感觉。面对画作。作品的整体面貌在瞬间便直逼眼帘。线条是绘画诸多要素中最生动的部分,是画家从自然真实中抽取出的一种有抽象意味的语言。形体在绘画中不仅指含有物象的形貌,还指这种形貌所暗示的情感倾向特性。普通“△”表达稳定、平衡;“□”表达秩序、静态等。色彩是绘画中最富有情感性质的要素。色调是构成主题思想与意境的重要因素。动感也是绘画中的重要因素,它既指通过构图和造型形成的某种感觉效果,又指涵概其它因素形成的画面整体精神。另外,在绘画中起重要作用的尚有笔触、质感、体量等因素。把这些要素在一幅幅画中构成有机整体,有时艺术家也曾中地强调某种要素,有人把绘画艺术中的造型比做人的躯干,线条比作人的神经,色彩犹如血液,画家的情感即是灵魂,一件杰作就是一种以情感支配语言的艺术生命。结论:培养和提高观赏水平最重要的办法就是多看。尊重自我感觉,尊重自己的直觉与联想。观赏绘画是一种“见仁见智”、原无定法的发明性活动。由于观赏主题的年纪、经历、修养与趣味各异,同样看一幅画,获得的感受成果自然也相异,这是正常的。三.行与色的交响:油画作品观赏油画的发展过程经历了古典、近代、当代几个时期,不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约,呈现出不同的面貌。

油画发展早期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲文艺复兴运动中,意大利油画最早出现。代表画家:波堤切利(sandro

botticelli,1444-1510),是十五世纪后期佛罗伦萨画派的最出名的大师,他的作品体现了当时上层社会贵族文化和精神面貌及其人文主义因素。代表作:《春》。当时,还流行着宗教绘画。这是以〈圣经〉作为绘画主题。代表画家有:达·芬奇,代表作:《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》以及《岩间圣母》。拉斐尔,他的重要成就体现在他所绘制的圣母上,因此在美术史上“拉斐尔和的圣母”成为一种名词。文艺复兴对艺术的增进体现在两个方面:一是人性的复兴。一是古典主义的复兴。人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社会现实的主动规定,许多出名画家为逐步摆脱单一的以基督教典型为题材的创作,开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘,使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素,有的画家完全描绘现实生活的实景。当时反宗教绘画的画家重要有乔尔乔涅,代表作品是〈睡着的维纳斯女神〉。文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念,即不仅重视作品要描述某一事件或事实,还要揭示出事件或事实的前因后果,于是形成了重视构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时,画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等,形成了造型的科学原理。人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了犹如真实般精确的比例、形体、构造关系;焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间,画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相似,明暗法使画中的物象统一在一种重要光源发出的光线下,形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其它画种中因此不能完善,是由于工具材料的限制,而油画王具材料性能正适于将两者充足体现出来。因而,古典油画成为经长久制作的、高度写实的面貌。古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的成果,但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一种或几个困素特别重视,形成了不同的风格。文艺复兴时代的意大利画家比较重视明暗法的运用,画中景物的暗部统一笼罩在阴影中,明暗交界限呈柔和的过渡,造就了画面集中而混然的效果。L.达·芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部,景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡,R.康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的全部景物。意大利的提香是第1个特别重视油画色彩体现力的画家,他在暗底子上作画,并惯用明度靠近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调,透明颜料的多次复叠,忽厚忽薄的笔法,又使色彩与形体有机溶合,造就出质感效果。

17世纪是欧洲古典油画快速发展的时期,不同地区、国家的画家根据自己生活的社会背景、民族气质,在油画语言上进行了不同的深向探索,油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。油画技法也日臻丰富,并形成了各国、各地区的学派。

17世纪的一部分油画强调了油画的光感,运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的发明,形成画面戏剧性氛围。意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果,他强化画面上明暗的对比,往往用画面背景平面的大片暗部烘托前景明亮的人物,令人感到画中光线刺眼。西班牙画家El格列柯将景物解决成处在斑驳的光影之下,他不是从明暗两大致面,而是从间断错落的明暗分布进行造型,色彩的冷暖也形成间断的持续变化,用笔凝重,色彩层面在挤压中互相渗化,画面给人扑朔迷离的效果,有的甚至充盈着神秘与不安的氛围。荷兰画家伦勃朗(1606—1669)(代表作品〈犹太老人〉)也把画中的光感作为体现人的精神状态的一种手段,他所作大量的人物肖像中,人物都处在大块暗部的笼罩中,唯体现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用从容的颜色在暗部多层薄涂,使暗部显得深邃,画亮部则用厚涂和画刀堆色法,造成厚重的体量感。

同时期,笔触的运用也被许多画家侧重探索。笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹,早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致,运笔力度均匀,几乎不显露出笔触。17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使,画家在作画时能产生控制笔触动势的情感,笔触的轻、重、缓、急和运动方向不仅使被塑造的形象显出生动感,笔触本身也含有艺术体现力。佛兰德斯画家P.P.鲁本斯(1577—1640)(代表作〈抢劫留基伯的女儿们〉)在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘,根据人物的形体运笔,留下自由奔放、多呈曲线的笔触,造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。荷兰画家F.哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像,使肖像含有人物神采未消的生动感,与他偏于体现豪迈、乐观的人物相辅相成。另一种荷兰画家J.维米尔善于用珍珠般细碎的、圆润的笔触描绘处在室内的人物,使画面产生宁静、温暖的氛围。

油画的发展在19世纪有了新的趋向,重要是油画色彩的变革。英国画家J.康斯特布尔最早直接用油画在室外写生,获得丰富的色彩感受,他在局部用细小笔触并置颜色,使之棍合成较鲜明的色块,画面较古典的褐色调子明亮得多。色彩的补色——色轮两极的颜色在并置时能互相提高明度和强度的原理,是在后来被科学认识的,但康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理,并在实践中部分地运用。他的作品启发了法国画家E德拉克洛瓦。德拉克洛瓦以浪漫主义思想支配创作,根据当时的历史事件创作大幅主题画。他将补色关系更多地运用于创作的色彩体现,运用活跃的笔触,在画面的许多部位形成色彩的对比,增强了色彩的明亮度和华丽感,形成了震动当时画坛的风格。法国巴比松画派的许多画家在不同的自然气候条件下进行风景写生,认识到景物光源色、固有色和环境色之间的关系,认识到色调对于体现时间、环境、氛围,烘托艺术主题,构成画面意境与情调的重大意义。他们大量的风景创作画出了大自然风、雨、晨、暮等特定的色彩氛围。

在此基础上,法国印象主义画家在色彩运用方面作出了含有创新意义的奉献。他们吸取了光学和染色化学的成果,以色光混合原理解决油画的色彩问题。C.莫奈、A.西斯莱等画家捕获外光景物表面光线变化给人的色彩瞬间印象,用细碎笔触的厚涂法将对比色并置,他们认识到暗部或阴影并非黑色的浓淡变化,变化了用调和过的单一色彩画暗部的传统作法,在晴部和阴影部位也用色点并置。由于视觉生理的作用,并置的色点在一定距离外看去是透明的、有玲暖倾向的色块,并形成微妙的过渡。印象主义淡化了景物的体积感,强化了色彩因素,不再依靠明暗和线条形成空间距离感,而根据色光反射原理,用色彩的冷暖形成空间。印象主义的作品出现了前所未有的鲜明与生动,也表明色彩现有综合的、也有纯正的体现力。

19世纪的欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派,虽重要体现在艺术主题和内容上,但油画技法也对应各具面貌。如新古典主义重视油画中物象造型的严谨与坚实感,符合古典传统的造型法则;浪漫主义围绕悲剧的主题,力求以色彩、笔触因素和构圈中运动式线条发明画中情节的紧张感;拉斐尔前派重视对画中人物心理情绪的体现,较多画面以青、紫、绿调子构成感伤的、静寂的意境......。即使近代油画的面貌已经比较丰富,但都含有写实的整体特性,它们共同体现为2一幅油画是艺术形式的统一体,色彩的主调统一着画面各局部的颜色,局部色彩在过渡的渐变中互相形成和谐的关系,不存在孤立的色块;笔触基本上是为塑造形象而运用,显露的程度有限,并统一在或曲长、或短促的某种-布序倾向中;被描绘的物象统干在中心焦点的构图中,形成与真实视域同构的效果。

从l9世纪末叶开始,西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功效和一体化的写实手法已经达成本身体系的高度饱和,因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术发明原则,艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然,而将油画形式作为体现自己精神与情感世界的媒介,以想象、幻想等办法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。V.凡高以疾急奔放的笔触,使浓厚、明亮的色彩充满强烈的力感,体现内心情绪的不安。P.高更以象征的色彩和造型构成画面,作品的空间与传统的形式相违,含有非描述性的神秘氛围。P.塞尚探研用几何形构成艺术形象,发明出画面是一种富有本身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。

在20世纪油画中,由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多个倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化,甚至被推向极端,油画形式语言受到高度重视。例如:无视色彩而重要作形体自由构造的立体主义;重视色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义;通过色彩和笔触的无序使用体现扭曲心理的体现主义;纯正以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义,以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象体现主义等。近百年来西方当代油画流派纷繁,相继更替,只要以油画工具材料为造型媒介,艺术家能够发明任意的油画面貌。

随着艺术观念的不停扩大,造成油画材料与其它材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为重要画种的地位的趋势。多个绘画艺术的状况大致以下:(一.)古典主义绘画时间地点:欧洲艺术中的古典主义,来源于十七世纪的法国,它是十七世纪至十九世纪封建社会向资本主义社会过渡时期盛行于欧洲的一种艺术思潮。哲学背景:资产阶级哲学家迪卡尔所倡导的唯心论的“唯理论”,主张精神是第一性的,贬低感觉的经验。时代背景:十八世纪下半期,法国社会阶级矛盾的日益锋利,处在第三等级的资产阶级、农民、手工业者和工人对现实不满,规定变革。新兴的资产阶级成为这一变革的领导阶级,他们打着“自由、平等、博爱”的旗帜,进行人文主义宣传和启蒙主义教育。狄德罗号召艺术家面对自然,体现真理。他极为赞赏古代艺术中的抱负美,把古希腊、罗马艺术视为典范,规定艺术家们在追求体现古代美的形式中,与体现自己的情感和社会结合起来。艺术特点:古典主义绘画是运用古代的艺术精神、抱负与规范来体现现实的道德观念,它极力追求一种完美的崇高感,在体现形式上发明一种完整的典范性,塑造一种类型的艺术形象。在技巧上强调精确的素描技术和柔缓微妙的明暗色调,追求宏大的构图和庄重的风格与气魄。古典主义从艺术倾向上分为三种倾向:崇尚永恒和自然理性的古典主义2.宣扬革命和斗争精神的新古典主义追求形式完美和典范风格的学院古典主义(二)浪漫主义绘画当法国资产阶级获得政权后来,不仅不再抵制和消亡封建专制的残存势力,反而与他们勾结,继续执行许多为君主政体所合用的法律,借以巩固他们的反动统治。这使一部分资产阶级人士深感失望。艺术上的浪漫主义运动正是对上述制度的不满和失望所引发的。浪漫主义在法国,它的政治背景是王政复辟和七月革命的浪潮。这种艺术思潮在对抗资产阶级统治时,往往存在两种倾向:一种是在抨击现实的同时,把但愿寄托在人民革命上面,如雨果、拜伦、雪莱、德拉克洛瓦……等即是,这是主动的浪漫主义;另一种是在锋利严酷的斗争面前恐惧或憎恨人民革命,把自己沉醉在对往事的回想或幻想的世界里,有的向往中世纪生活方式。浪漫主义在绘画上,是与以官方学院派为代表的古典主义相对立的,其体现特性是:重视个性体现,耽于幻想和夸张,选择惊人事件作题材,情绪激越。

泰奥多尔·席里柯是法国浪漫派绘画的先驱。他出生于法国里昂。15岁时到巴黎,最初向委尔奈学画,两年后又转入古典派画家格罗的画室。后因席里柯不恪守古典主义法规,被视为无可指望的人而被赶走。他年轻时热爱达维特的革命精神,绘画上崇拜鲁本斯,性格开朗外露。18去意大利后,又深为米开朗基罗的艺术所动,决心效法他的风格。名画《梅杜萨之筏》(作于18),即是画家席里柯一生中最有代表性的浪漫主义杰作。

法国浪漫主义绘画另一位最杰出的代表是欧仁·德拉克洛瓦(1798.4~1863.8)。德拉克洛瓦出生在巴黎附近的加林支·圣·毛瑞思地方,他的少年时代是在马赛度过的,那里充足的阳光与强烈的色彩,可能是这位画家的天赋得以孕育的养分。18,德拉克洛瓦到巴黎学画。先进入古典派画家格罗的画室,后又研究普吕东。由于他爱慕文学和音乐,与文艺界出名人士和诗人波德莱尔、小说家乔治·桑、音乐家肖邦等都有广泛的交往。因而他含有多方面的艺术素养。这有助于他在绘画上勇于突破前人的窠臼。他所画的形象色彩饱满热烈,有强烈的音乐感,能体现出一种诗意的美。这是这位艺术大师的最大创作特色。作为浪漫主义画家,他是最善于运用色彩的,这和他重视主观感情的规定是相一致的。

德拉克洛瓦很注意学习画坛前辈及同代人绘画的优点。他曾经从英国风景画家康斯泰勃尔的一幅描绘云雾的画上,受到色彩体现技法的启发,激动得一口气跑回自己的画室去修改自己的画。对于他所喜欢的前辈画家米开朗基罗、提香、委罗内塞、鲁本斯等人的作品也是如此,他总是十分认真地从中吸取有助于自己创新的养料。他对别人说他是浪漫主义者并不介意。为此,他曾说过:"如果认为我的浪漫主义是意味着自由体现个人的感受,不墨守成规,不喜欢教条的话,那么我承认我是浪漫主义者。"这些艺术观阐明他既学前人和同代人的优点,又不盲目模仿,而是推陈出新,革新发明,走自己的路。最可贵的是他正视现实。他的艺术是与当代政治生活亲密联系着的。他的名画《自由引导着人民》,就是这样一幅含有时代意义的浪漫派杰作。(三.)现实主义绘画十九世纪中叶,以路易·菲力普为首的七月王朝,采用了一系列反动方法,进一步加深了国内的阶级矛盾。继1830年的革命后来,在法国又酝酿了一次新的、规模更大的革命运动,这就是1848年法国人民规定建立“宪制共和国”而掀起的、涉及整个欧洲的革命运动。

1848年的革命遭到了残酷的镇压。资产阶级的叛变,“自由、平等、博爱”标语的被践踏,使人们不再抱任何幻想,而迫切规定对现实作客观的认识。含有批判性质的现实主义,便是这种新的思想意识在艺术上的反映。

作为十九世纪二十年代反对官方学院派古典主义的主力军浪漫主义,在1848年后来逐步失去了生命的话力,已不能肩负新的历史任务;而现实主义,则随着时代的潮流而逐步成为文艺舞台的主角;它既反对僵化了的古典主义,也反对粉饰现实、追求抽象抱负的浪漫主义;它主张艺术应当从实际出发,揭示社会生活的本质。许多艺术家在创作中坚持了批判现实的原则,组织团体(如巴比松画派)发表宣言(如库尔贝的现实主义宣言)明确表达自己的观点。有不少艺术家还主动参加了人民武装起义(如1848年二月革命时的让隆、德康;1871年巴黎公社中的库尔贝等等)。三十到七十年代这个强大的现实主义运动,配合了当时的政治斗争,在文艺史上留下了光辉的一页。

在十九世纪,作为继古典主义、浪漫主义之后的现实主义,指的是一种特定的、狭隘得多的流派,在美术中,重要是指以库尔贝为首的艺术家,而现实主义的含义,除了指创作办法外,同时还包含用写实的、忠于自然的体现手法,因此人们也把它称为写实主义或自然主义。十九世纪法国绘画中的现实主义,能够追溯到十六、十七世纪的卡拉瓦乔和荷兰画家们。十八世纪的夏尔丹,也是这一派别的先驱。到十九世纪,在古典主义的代表人物大卫和浪漫主义的领袖德拉克罗瓦的创作中,也能够看到现实主义。然而作为一种艺术运动,它在十九世纪中期前后才逐步形成,并在理论上得到了必定。

现实主义就其本质来说,是如实地反映现实,不加任何美化。在它以前的古典主义或浪漫主义,都是讲究抱负化,美化的。不管人物、题材、体现手法,都有一定的美的规范和原则。现实主义则忠实于写实,忠实于自然。为了维护这个信念,现实主义画家和他们的拥戴者,对当时尚有一定市场的历史画,基本上予以否认。对那种热情、超然而又抽象的抱负,也予以摈弃。他们一切强调现实,对粉饰现实的虚假进行了斗争。如库尔贝的《浴女》及其它某些作品,他所选用的模特完全体现了另一种美学概念,树立了另一种美的原则。

法国十九世纪的现实主义运动,拥有一系列卓越的代表人物,在文学方面的作家和诗人有:贝朗瑞、斯汤达、梅里美、巴尔扎克、福楼拜等等;在绘画方面,有让隆、巴比松画派、库尔贝、米莱、杜米埃等等。尽管这些作家和画家在观点和爱好方面存在着极大的不同,但他们的作品揭发了现实生活的本质,.震撼了法国的资产者。当时法国当局曾残酷地迫害这些“社会秩序的破坏者”。如福楼拜曾因其长篇小说而被法庭传讯;库尔贝的重要作品被严禁在世界性展览会上展出;杜米埃则因自己的版画受到控告、徒刑和罚金。随着现实主义运动的深化而出现的斗争,是相称锋利的。

十九世纪现实主义运动的先驱者有让隆、夏尔雷、拉菲等人;特别是让隆,他是1830和1848年两次革命的参加者。他的代表作《街垒上的孩子》体现了1830年革命的一种侧面,是一幅很有时代气息的作品。他的风俗画和肖像画,流露了对劳动人民的同情。他的创作道路对四十到六十年代法国现实主义美术的发展有一定的影响。

作为十九世纪强大的现实主义运动,首先在风景画中体现得比较突出。

在三十到四十年代,一群油画家经常结伴到巴黎郊区的枫丹白露森林作画。其中有人就在林边上一种名叫巴比松的小村定居。他们面对自然,对景写生,赞美自然界的壮丽宏伟,描写农村劳动人民的生活。这就是后来美术史上的巴比松画派。他们是风景画中的现实主义代表。

对巴比松画派起了主动作用的柯罗,是这一时期风景画中杰出的代表人物。即使他的画风别具一格,但他是巴比松画家的指导者和核心。是十九世纪法国民族风景画派的奠基者之一。

与巴比松画派有亲密联系的米莱,是现实主义艺术的重要代表。他的风景画创作不多,他重要描写农民的生活,歌颂农民的劳动。由于他自己出身于农村,因此对农民十分熟悉。他笔下的农民和他们的劳动,纯朴而庄重,他经常在平凡的题材中发明不平凡的意境。

库尔贝是人们公认的现实主义的领袖。他在1855年曾发表过出名的《现实主义宣言》,声称“要象我所见到的那样如实地体现出我那个时代的风俗、思想和它的面貌……发明活的艺术,这就是我的目的”。他公开主张艺术要描写当代现实生活,他对艺术中陈腐的题材和清规戒律进行了挑战。库尔贝意志坚强,不屈不挠,坚持现实主义创作的信念,他曾骄傲地宣称:“现实主义就其本质来说是民主的艺术。”库尔贝把自己的创作活动和法国的革命运动联系在一起,是一位有很大影响和成就的艺术家。

杜米埃在发呈现实主义绘画中的作用是不能无视的。他是一种多产而独特的画家,他参加了1830、1848、1871年的历次法国革命运动,并留下了大量反映革命斗争的作品。他是一种战斗的,有着坚定信名的艺术家。他对法国反动当局是不当协的,直到晚年,他回绝了拿破仑第三赐予的荣誉勋章。

现实主义艺术家们的创作,扩大了艺术作品题材和体裁的范畴,把一向不屑一顾的劳动者,在艺术它作中予以一定的地位。在体现技巧上也得到了提高,特别在风景画中对光线和空间感的体现进行了富有成果的探索。时流于琐碎十九世纪的现实主义运动,是法国文艺史上光辉的篇章,同时它对十九世纪欧洲各国的文艺运动,七有深远的影响,开辟了民主艺术的新阶段。(四.)印象主义绘画 19世纪西方美术的中心在法国,主宰法国画坛的仍然是有势力的官方学院派。19世纪下半叶法国画界有一部分青年画家反对官方学院派艺术的墨守陈规,由于自己的创新作品不能在官方沙龙展出而强烈反对官方的审查制度,他们规定艺术上的革新和创作自由,经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆自由交换对艺术的见解,共同谋求艺术创新道路。由于他们把“光”和“色彩”当作是画家追求的重要目的,就不可避免地将画家对客观事物的认识停留在感觉阶段,停止在“瞬间”的印象上,这就造成创作中极力描绘事物的瞬间印象,体现感觉的现象,从而否认事物的本质和内容。在他们看来世界万物在阳光下一律是平等的。雷诺阿曾说过:“自然之中,决无贫贱之分。在阳光底下,破败的茅屋能够当作与宫殿同样,高贵的皇帝和穷困的乞丐是平等的。”这种艺术观念造成他们在创作中全力以赴地描绘“光”。只重艺术的形式,无视乃至否认艺术的内容。如支持印象主义的左拉所说:“绘画所予以人们的是感觉,而不是思想。”因此我们在印象派的画中所看到的是充满阳光的色块组合,充满空气感。总的说来印象派创作只重感觉,无视思想本质,以瞬间现象取代之;以习作替代创作;以素材替代题材;以偶然替代必然;以次要替代重要的。既然是凭感觉,那必然是主观的,因此印象派所描绘的是主观化了的客观事物。这标志着与传统艺术观念、艺术体现办法和艺术效果的决裂。因此说印象派是西方绘画史上一种划时代的艺术流派。不可否认印象派画家在阳光探索和色彩分析上有重要发现,在对光与色的体现上丰富了绘画的体现技巧,他们倡导走出画室,面对自然物进行写生,以快速的手法把握瞬间的印象,使画面出现不寻常的新鲜生动的感觉,揭示了大自然的丰富灿烂景象,这是对艺术发明的一大奉献。他们的艺术是属于现实主义范畴的,他们的艺术是追求民主、自由、平等思想在艺术中的反映。他们的艺术发明是含有革新和进步意义的。印象派产生是西方绘画发展的必然成果。绘画自16世纪威尼斯画派起就关注光和色彩的描绘,特别是提香,尔后经鲁本斯、委拉斯开兹、伦勃朗、哈尔斯和维米尔,在他们的作品中都闪耀着迷人的色彩,特别是善于描绘阳光的维米尔,他曾描绘过充满阳光的房间,可谓印象派的先驱者;英国风景画大师透纳和康斯太勃尔画中充满阳光和空气,使法国的德拉克洛瓦获至宝,他在自己的画中就已极力体现过,人们称他是“打开印象主义天窗”的画家;巴比松画派的画家已经将自己的画架移到室外大自然中去对景写生,为印象主义画家开了先河;库尔贝的画中已经充满了阳光,有人称他是“印象派之父”,在全部这些大师们的探索成就之上,必然产生印象主义画派。新印象主义正当印象主义绘画方兴未艾之际,在这个团体中就逐步滋生出一种新的支派,即新印象主义。它的代表画家是修拉和西涅克,他们崇拜理论,把理论看得高于感觉。修拉和西涅克根据谢弗勒尔的色彩学说,尝试用原色色点配备,使画面产生视觉混合的色彩效果,运用这种精确分布的多个色点来客观理性地、冷静地构成画面艺术形象。因他们用这种科学的、严格化的色彩和笔触,替代了印象主义画家的那种富有感情的色彩和生动潇洒的笔触,因此人们又称它为“科学的印象主义”,以区别于莫奈为代表的“浪漫的印象主义”。如果说印象主义所体现的是主观化了的客观事物,那么新印象主义就是体现纯客观的对象,它制约了画家的情感传达,它必然造成极端的变革——后印象主义的诞生。后印象主义所谓后印象主义是指塞尚、凡·高和高更的艺术观念和艺术发明。他们三个人最初都是学印象主义。塞尚和高更还参加过印象主义画展,凡·高即使没有参加过印象主义展览,但他始终自称是印象主义。后来他们三人都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿客观世界,而应当更多地体现画家对客观事物的主观感受,他们虽有共同的创作倾向又有各自鲜明的艺术个性:塞尚一生的创作活动都是为了追求心目中永恒性的形体和坚实的构造,以发明形象的重量感、体积感、稳定感和宏伟感,最后达成简朴化和几何化的效果,这使他成为后来的立体主义和抽象主义的始祖。高更主张不要面对实物,而凭记忆作画,倡导综合的和象征的美学原则。凡·高的新画风,能够说是印象主义、新印象主义,日本的浮世绘版画融合在他个人气质中的产物,是东西方绘画合流的成果。凡·高的画,一种突出的特点是强烈地体现了自己的个性。这三位画家都是在逝世后很久才得到社会的承认,他们三人共同启动了当代艺术的大门,在他们的创作思想、艺术观念影响下产生了野兽主义、立体主义、体现主义、抽象主义等,是他们彻底地变化了西方绘画面貌,由客观再现走向主观体现,并使之走向当代,他们被誉为当代艺术之父。严格意义讲后印象主义不是一种画派,他们之间不是团体,也没有联合开过画展,更没有什么宣言,只是三人都脱胎于印象主义又有着共同创作倾向而已。后来的美术史家们发现他们现有与印象主义联系又不同于印象主义,便称他们为“后印象主义者”。(五.)当代主义绘画现实主义绘画是指20世纪以来,在欧美各国相继出现的、与西方传统美术截然不同的美术流派的总称。多个流派名录繁多,其中较为明显的有野兽派、体现派、立体派、超现实主义、将来派、抽象派等等。这些流派不停交替更迭,呈现出种种复杂而又光怪陆离的现象。它们在艺术形式和体现手段上标新立异,以致从根本上否认西方绘画的写实传统,强调体现画家的主观精神,以象征、变形或抽象符号来折射、隐喻、暗含外部世界,体现消极、扭曲、失落的思想或狂热、烦躁、激动的情绪。这一切都是西方当代社会与当代精神生活的艺术写照。代表有:1.野兽主义二十世纪绘画的第一声春雷是在法国秋季沙龙的一片嘲讽声中产生的,野兽主义这个名称的来由同印象主义画派如出一撤,当一种观赏者带着不屑的鼻音说,“这画就犹如一头野兽普通”,野兽主义从此得名。现在看他的画是如此热情洋溢,但在当时人们是无法接受如此大胆的作品的,肖像画中人物的脸上居然有不一致的色彩存在,这简直就象是在作弄卫道士的眼睛。而他们又何曾意识到马蒂斯欲重新建立色彩概念的雄心壮志。他在19的《画家札记》中写道:“奴隶似的再现自然,对于我是不可能的事,我所梦想的艺术没有令人不安和引人注目的题材,它只是带着平衡、纯洁和肃穆。”(《豪华、宁静与欢乐》1903)。另外某些重要的野兽主义画家是杜非、德兰和弗拉芒克。2.体现主义一次大战前,当代主义绘画的另一条根本是体现主义,它的重点是在北欧和德国,是不是气候的阴冷使这里成为体现主义滋长的土壤,但更重要与德国从统一后到发动第一次世界大战整个急剧膨胀的备战体制所带来的精神危机有关。这多少反映了当时敏感的知识分子在社会畸形发展中精神上的恐惧和孤单,体现主义画家感到一束鲜花或者几个西红柿的绘画主品已显得如此不合时宜,同野兽派不同的是,他们根本不重视装饰性,甚至以丑为美,由于他们对人类苦难体现出来的同情,使他们执著于打破艺术的和谐美,来直面破碎的人生。为二十世纪体现主义奠定基础的最重要人物无疑是挪威的蒙克,童年失去双亲使它的心灵蒙上了难以抹去的阴影。1885年开始抛弃自然主义画风,之后在同体现主义剧作家斯特林堡的接触中,共同受到了尼采哲学中唯心主义影响,1892-19创作了他一生中最伟大的作品,画中充溢了扭曲的线条、神秘的色彩尚有失魂落魄的人物,《呐喊》成为了他最光彩夺目的作品,画中人物恐惧的神情给人留下了难以磨灭的印象,蒙克作为德累斯顿的专家直接影响他的学生们,也就是第一种体现主义社团——“桥社”的重要组员。一战后德国体现主义绘画快速发展,这与战败后德国人的情绪是一致的,它甚至影响到了电影运动,出名的体现主义电影《卡里加利博士》就是德国“狂飙社”的赫尔曼·伐尔姆任布景、服装等设计。德国重要的体现主义画家成立于19的“桥社”结束于19主要组员基尔希纳、赫克尔、罗特鲁夫。3.立体主义随着爱因斯坦“相对论”的创立,世界上原先的“法则”似乎都需要重新审视,原子、射线、电、宇宙、细胞等新科学使“空间、时间、质量”等传统概念受到了挑战,画家们也自然有理由以新的观念来体现自然。犹如印象主义和野兽主义,在法国“立体主义”也诞生了。以毕加索惊世骇俗的《亚威农少女》(1907)为先锋,勃拉克一同开创了这种新的视觉语汇。亚威农少女据说是巴塞罗纳市红灯区的一条街名,而其中的人物也就不言而喻,这确令传统学院派的美女画受到了前所未有的冲击。在他们的画中我们感到一种物质化的实在的空间,这正是赛尚始终想追求的东西。19诗人阿波利奈尔的《立体主义画家》发表成为了第一种当代艺术理论体系。另外某些重要的立体派画家是莱热和后来转入达达派的杜尚和毕卡比亚。立体主义始终延续到毕加索1925年转入超现实主义画派。4.抽象主义另一支重要的体现主义流派是俄罗斯画家康定斯基同马尔克19创立的“青骑士”画会,他们致力于抽象绘画的创作和研究。康定斯基出生于一种莫斯科的知识分子家庭,1896年到慕尼黑发展,19一种偶然的机会使他发现抽象的手法能体现出具象画无法体现的效果。这是一种纯正的心理体验和视觉快感,已完全不能用传统的观赏方式去理解它。19写了有关抽象绘画的重要论文《论艺术中的精神问题》,叙述了自己的艺术主张,即绘画应体现人内心深处蕴藏着的东西。正如早年高更首先提出的绘画中的音乐性,而形与色的和谐本身就是一种美,而康定斯基在大量实践后,为了突出形式和色彩的音乐性终于抛弃了形象。19后任莫斯科绘画博物馆馆长,与活跃在俄国的至上主义画家马列维奇等人共同形成了无产阶级文化协会美术中坚力量。19后来,由于苏共中央的“极左”政策,康定斯基被迫离开祖国(1926年马列维奇由于同样因素流落异乡),前往德国建筑工艺学院包豪斯任教,在进行艺术创作的同时,进行了大量的理论教育工作,把自己的艺术成就应用于当代设计领域,作出了巨大的成就。与康定斯基激情喷发的抽象主义绘画不同的是另一支抽象主义流派,它就是以蒙德里安创立的风格派,这位荷兰画家几乎一生都在画着三原色的多个方块,但这些方块却对当代艺术领域形成了极大的冲击。1915与绍恩迈克斯的相识,绍恩迈克斯既是一个数学家,又是一位通神论哲学家。它的思想极大的影响了他,19他的《新造型主义宣言》发表,意味着他的独立风格的形成。他的画极力体现本身的均衡美,构图的极端严谨,对他来说,真理就包含在这些黑色横条所突出的垂直和平行线条的二元论中。5.抽象体现主义随着二战的结束,绘画艺术进入了后当代主义时期。区别于当代艺术,后当代艺术试图打破早期艺术流派的纯正性和完整性,绘画主题趋向于多元,它涵盖了人们生活中的一切事物,打破了绘画内容的局限。而从体现手段上也呈现出千姿百态的局面,勇于运用传统绘画技巧和当代绘画技巧以外的方式去体现主题。由于二战的影响,许多欧洲艺术家都迁移到了美国,这为这个年轻的艺术之域带来了前所未有的生机,纽约成为了继巴黎和慕尼黑之后的另一种当代艺术中心,同时也直接造就了第一种国际公认的美国艺术流派——抽象体现主义。抽象体现主义犹如它的名字同样,融合了康定斯基和蒙德里安的抽象主义以及体现主义中精神气质,从中衍生出了行动画派和色域画派,他的代表人物是美国艺术家波洛克和纽曼。波洛克的作品不重视画的主题,而强调绘画本身,他把画布放在地上,手拿笔、刷子、刮刀在画布上走动,泼洒。把有节奏的自由运动留在画上,画前并不懂得要画什么,因此画上出现的形式是依环境赋予作者瞬间的机缘所获得的存在状态。如他自己所说“得到了禅宗般的超悟感觉”绘画成为了他自我升华的一次机会。行动画派就是以这种直觉方式来超越绘画本身的。而色域绘画是以大片的统一的色形和色块来体现抽象的符号和形象,纽曼在他的创作中追求单一、厚重的色彩效果,他的作品照耀,通过强烈的色彩和黄黑线条相交接的画面边沿,充分体现了活力的象征。他的画看上去简朴,但是内里有一股震荡心灵的力量。色彩只有一种,但压迫人的感觉,冲击人的理性。但抽象体现主义由于过分远离生活实际,纯正追求画面效果,在唯美的形式上越走越远,使普通观赏者难以接受。6.达达主义一次大战中唯一繁华的艺术流派是达达主义,他的持续时间不长,但它的影响是巨大的,可以夸张的说,它的观念直接间接的影响了后来的全部绘画艺术流派。达达绝不象某些评论家认为的是简朴的无政府主义者和虚无主义者的狂热之举。它的最重要代表人物,马歇尔·杜尚在19美国纽约军械库画展上的《走下楼梯的裸女裸女》与其说是成功于它的立体主义技巧,还不如说是它的题材和画中的猥琐含义,由于我们看到的不象裸女而更象楼梯。而19在玻璃上创作的《新娘甚至被光棍们剥光了衣服》和19的《泉》使他声名狼藉的同时,也显示了它的惊人发明力和预示了后来绘画的发展方向——装置艺术和新观念艺术,他为当代艺术和后当代艺术启动了一扇大门。在蒙娜丽莎嘴唇上加一撇小胡子,几乎是把传统艺术揶揄到了极点,也彻底的否认了典型,其实对传统的背叛一向是发明的先声。另一位达达先驱是毕卡比亚他早年从事立体主义,后与杜尚一同参加美国军械库画展,以《嘲弄的机器》组画闻名,他同杜尚风格十分相近,作品中对当代人的描绘揶揄到了极至,而爱情亦被激烈嘲弄。达达主义发起者阿尔普称他为艺术界的哥伦布,可见其创作新意和大胆探索精神。达达主义追求的随意和即兴为超现实主义的诞生作了铺垫。7.超现实主义1924年,诗人布勒东在法国发表了《超现实主义宣言》,这意味着一场新的文艺思潮的诞生,也是二十世纪最重要的文艺运动。超现实主义首先发端于文学,而后立刻影响到了绘画等领域。它直接运用了弗洛伊德有关人的潜意识的心理分析学办法,试图通过艺术形式揭示人的精神世界,而这也是不同于传统艺术创作手段的全新方式。超现实主义绘画的最重要代表人物是达利,他也是继毕加索之后对二十世纪绘画影响最大的人物,他在作品中充足体现了人幻觉和潜意识中的景象,给人以似真似幻的美感,而中后期作品更是突破了绘画的局限,打破了绘画、雕塑和建筑艺术之间的界限,从而构筑了一种完全个性化了绘画语言体系。他的想象力和作品的精美程度是许多画家望尘莫及的,并且他的艺术成就还涉及到了电影领域,同布努艾尔合作的先锋电影《一条安达鲁奇狗》中的大胆镜头和希区柯克的《爱德华大夫》中的梦幻潜意识镜头成为了电影艺术中的奇葩。尽管他政治主张偏向于极端,个人带有偏执主义,但他在当代艺术中的地位是不容无视的。同样是超现实主义画派,米罗的画风却同达利不同,他着重于以小朋友似的幻想作为体现梦幻的方式,且手法随意和简朴,却无不显示出幽默、单纯的个人风格,特别是后期作品更融入了东方书法艺术的大气和神韵。重要的超现实主义画家尚有马格丽特和恩斯特,他们以自己的才华创作出了不少杰作。超现实主义运动到后期五六十年代带有很强的社会参加意识,而对资产阶级文明的批判和改造社会的意图也显示出它作为一种艺术形式所含有的进步性,这个运动始终延续到1969年,成为本世纪生命最长也最辉煌的艺术形式。8.将来主义同法国的美术革新运动同样,此时意大利也进入了一场轰轰烈烈的文化运动中。19,诗人兼文艺评论家马里内蒂在巴黎《费加罗报》上发表了《将来主义的创立和宣言》。作为首个含有完整思想体系的先锋文艺运动他启发了后来的超现实主义和达达主义的形式,这一宣言热情讴歌了当代工业文明和科技技术,并强烈批判传统的美学和艺术权威,甚至提出了烧毁博物馆和图书馆的标语,带有强烈的无政府主义和个人狂热。波菊尼、赛维里尼和卡拉等人创作了许多将来主义作品,他们的共同特性是体现了速度美与动感美。但它的狂热同时预示了它的昙花一现,到19这个运动已名存实亡了。可这些艺术家勇于反抗权威的创新精神和气魄是可敬的。9.形而上画派紧随着将来主义,意大利画家契里柯同卡拉共同创立和发展了形而上画派。同是19前后的美术运动,却有着完全不同的倾向,与将来主义不同的是,将来主义歌颂机器文明社会的科技成就和进步,而形而上派着力体现西方社会的病态而对科技进步持怀疑态度。犹如它的名字,这个画派深受叔本华和尼采唯心主义的影响,但其中带有更多的弗洛伊德思想的影响,事实上他们比后来的超现实主义画派更早的体现了精神分析学中有关直觉、幻觉和潜意识的应用,作品中充满了神秘怪异的氛围,描绘的多为物体的稳固、无时间性和不朽性。另外某些重要形而上画家是萨维尼奥和莫兰德,萨维尼奥就是契里柯的胞弟,创作活动始终持续到三十年代。10.波普艺术波普艺术作为对抽象体现主义的叛逆登上了艺术舞台,这也是美国就重要和独特的艺术形式。代表人物劳森伯格受到作曲家凯奇的影响,试图以一种新的艺术形式来抹平艺术与生活的区别,艺术家应当自由的反映客观现实,不受传统的约束。他甚至把都市的废弃物作为了作品材料,把这些原来不含有审美特性的东西按照艺术构思拼凑起来,使之脱离原来的属性在形式上开了“结合”艺术的先河。汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质,他们并非对现实的挖苦挖苦或反叛,而只是以一种普通者的姿态观察我们生活的世界。使我们忽然意识到某些东西的存在,而这些习觉得常的东西确经常被我们无视。安迪·沃霍与其它波普艺术家相比显得更彻底,他完全取消了艺术创作中的手工操作观念,直接用制版印刷的办法把照片形象移到画布上。还应用了古典主义者和当代主义者视为大忌的“重复”,甚至于推向极端,可口可乐瓶无尽无休的排列,以及明星们的照片都成为了最佳的创作主题和素材。这十分贴切的反映出了后工业时代的特性,当代工业正是这样每天重复着同同样东西。以直观的艺术形式替代了深奥的艺术。随着后当代艺术的推动,它同我们生活的界限也显得愈来愈近,可能我们无法意识到,但它作为我们生活和精神的构成部分已无法替代。四.线与墨的灵性:中国画作品观赏无论从材料上、体现内容上、体现技巧上——从整个艺术特性上看,中国画都是人类艺术的一枝奇葩。中国画的艺术特性和观赏办法以下:横展竖张巧卷轴中国画普通是卷轴式的,即画家完毕作品后还要裱褙——用纸或者绢等材料烘托、加边,上下或左右装上木轴、横式长幅称为手卷,收时卷起,观时展挂。中国画不及油画写实,但有一种胜于油画的“写实”手法。它的透视被称为“散点透视”,即画中的物象能够随意列置,不受固定的焦点透视限制。线造万象墨生辉用线条造型,使中国画风格侧重于体现而非再现、写意而非写实。由于线条本身是对自然物象的抽象,它体现的不是肖似对象的形,而是对象本质的特性,同时是艺术家自己的情感、情绪。自然界本有丰富的色彩,但中国画以墨代色,称墨为“墨色”。画家在实践中总结出“墨分五色”办法。许多画家还使用“破墨”法。在此基础上又有“泼墨”法。因此,线与墨就构成了中国画的基本语言。诗书画印合一体这是中国画的完美的境界。西方画家完毕作品后仅在画的一角签名,中国画则在画上盖章。印章的意义不完全在于留名,往往称为画的一部分。中国画观赏能够从山水、花鸟、人物三大类展开。山水画战国时期,“楚有先王之庙及公卿祠堂,图天地山川”。今天所能见到的汉代画像砖《采莲图》,则是一幅含有独特审美价值的有着山水画基本内涵的山水画作品。

处在发育期的山水画至魏晋时期,史料记载有顾恺之的《庐山图》、戴逵的《吴中溪山邑居图》、戴勃的《九洲名山图》。这些被张彦远称为“山水极妙”的作品,即使没有流传后世,但是从顾恺之《洛神赋图》的背景中,能够阐明张彦远言之有理。

南北朝时期也出现了刘王真的《吴中行舟图》、毛惠秀的《剡中溪谷村墟图》,“咫尺之内,而瞻万里之遥,方寸之中,乃辨千寻之峻”。

而宗炳著《画山水序》、王微著《叙画》,于画理画法中阐微发奥,则奠定了中国山水画的理论基础。全部这一切都阐明了中国山水画在这一时期已完毕了孕育成型的过程。现存的隋代展子虔的《游春图》后人得到了中国山水画发展过程的一种直观的感觉。

这位被称为“唐画之祖”的画家,以春山白云、幽谷茂林、碧波涟漪的体现,结束了山水画“人不小于山,水不容泛”的历史。

唐初在隋代山水画成就的基础上,开始了山水画史上的“始于吴,成于二李”的“山水之变”。相对于吴道子的多才多艺而言,李思训体现得可能更为专业。李思训师从展子虔“青绿重彩,工细巧整”的风格,并将这一风格演变为含有代表性的画派。他所画的青绿山水画不仅为时人所重,并且到了宋代,苏东坡在看了他的《长江绝岛图》后亦作诗称赞。王维则发展了水墨山水画。五代和北宋的画家完毕了山水画发展的历史过分。生活在南唐的董源,他的〈潇湘图〉引人进入温厚秀媚的郊野。明代的山水画在中国绘画史上得到了超常的发展,派别众多,画人无数。有按画风分的“院派”,有按地辨别的“浙派”、“吴门派”、“华亭派”,其中“院派”和“浙派”、“吴门派”和“华亭派”关系亲密,画风相近。

董其昌论元代四大家,“浙人居其三”。作为“浙派山水首席画师”的戴进,初为画院画家,继承南宋李唐、马远画法,以行笔顿挫和斧劈皴,写山水“铺叙远近,宏深雅淡”,体现了略有院体遗风的浙派山水的面貌。这种水墨苍劲的画法发展到吴伟,更为粗简,因此较多受时人批评。这位被称为“浙派健将”的吴伟正由于稍有不同于戴进之处,因此画史中又把他归于“江夏派”。这一派的画家尚有张路、汪肇、蒋蒿、李著、薛仁等。

而归于浙派的画家尚有倪端、王谔、朱端等,他们同为宫廷画家,皆取法马远、夏圭。浙派发展到后期,以蓝瑛为殿军。

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