意大利古典歌曲的艺术魅力

意大利古典歌曲的艺术魅力

在分析16世纪和17世纪意大利古典歌曲的演唱之前，我们对16世纪和17世纪的音乐和文化状况有了简单的了解。十六世纪是欧洲文艺复兴的鼎盛时期,文艺复兴的中心是要表现活生生的人的感情,主张用人的观点而不是神的观点考察一切生活现象。虽然在某些方面还是以表现上层社会生活为主,但它已经摆脱了中世纪神权的权威和一切宗教为主的教会控制。在音乐方面第一个突破口就是在爱情歌曲上,表现了人对生活的热爱,对美丽大自然的热爱,对纯真爱情的歌颂等。整个十七世纪的音乐文化也是在文艺复兴时期人文主义进步倾向基础上发展起来的,正是在这种基础情况下,音乐文化得到了空前的发展,使创作也上了一个更高的新台阶,同时在这时期也涌现出了一批举足轻重的作曲家,为今后的创作发展打下了坚实的基础。实际上这个时期歌曲的演唱风格是和音乐术语中的“甜美、柔和”(dolce)或充满爱情的(amoroso)分不开的,甚至可以说是同义语,但为了表现这些内容,在演唱上就很自然地形成了它的一套独特的风格:它不可能是粗暴的、强力冲击的,而只能是柔和甜美、细腻而舒展、幽婉而恬静。这些因素恰恰又是与放松、自然、优美、柔和为基础的演唱风格。同时,正是因为这种优美、柔和的演唱风格占了主导地位,所以也就防止了声嘶力竭的大喊大叫,从而有利于保护声带和延长演唱寿命。一、审美特征(一)审美纯正的声乐条件卡契尼建立美声学派时就特别强调歌唱要具有明亮、丰满、圆润、带有金属色彩的音质,美声唱法强调良好的音质,不仅是从优美动听方面考虑,更重要的是符合生理的自然规律。优美纯正的音质是建立在自然松弛的歌唱状态、良好的气息支持和声带闭合、以及适度的喉头位置等综合产物,任何一个因素的不足或者片面,都会影响优美纯正的音质。如果没有自然松弛的歌唱状态,身体就会僵硬,以至于带动各个部位不能够正常进行歌唱,自然会影响歌唱的音质,所以在歌唱前应把自己身体状态和精神状态调整好。良好的气息支持需要歌唱者经过长期的训练来完成,因为他是优美歌唱的动力,歌唱的每一分每一秒都离不开正确的气息支持,没有正确的气息支持,歌唱时必然会挤着或压着嗓子去唱。良好的声带闭合也是优美纯正音质的条件之一,因为声带闭合不良会使声音嘶哑、漏气、音色暗淡等症状,更无从谈起明亮而致远的声音了。喉部的肌肉过度紧张或挤压会造成声音的不通畅,会出现刺耳和不干净的“亮”音,这样一来嗓子就容易疲劳,有的为了追求低喉位,过分的用下巴去压制喉咙制造出生硬、空洞的声音,这样都会对声带造成很大的损伤。能够产生美好音质的条件不只是这几点,还有正确的舌位、松弛的下巴和口型等。它们之间的关系是相辅相成,紧密相连的。每一个因素出现问题都会直接影响声音的质量,看来丰满明亮、松弛圆润、带有金属色彩而致远的纯正音质是要下一番功夫才可以达到的。(二)其五轴结构的对比,有利于增强学习兴趣旋律是构成歌曲最重要的因素之一,是人们感受和理解歌曲最直接的载体,它本身有着作曲家丰富的内心情感及感受,具有它深刻而丰富的内涵。十六、十七世纪的古典意大利歌曲虽然篇幅不长、音域不宽、音程以级进为主,但艺术表现较完整,旋律大多优美流畅、幽雅恬静,感情细腻。对声乐学习者来说,优美的旋律能够增强学习的兴趣,精神上的愉悦是学习得以顺利进行的基础,并能够提高音乐修养。同时调式和调性也是直接影响歌曲的感情色彩与情绪的一个重要因素,十六、十七世纪的音乐创作已经使用大小调的交替运用,大调适合表达明朗、抒情的音乐内容,小调表达暗淡、忧郁、而含蓄的音乐内容。有时为了情感表达的需要,作曲家将会把大小调两种不同的表现手法有机的结合起来,推动了音乐的发展,进行色彩的对比,生动地塑造了歌曲的音乐形象,深刻地表达了歌曲的内容与情感,得到较好的艺术效果。演唱时要求歌唱者应用有控制的、含蓄、内敛的声音演绎炽热的感情,用“浓烈而又内敛”的词汇来形容十六、十七世纪的意大利歌曲所要表达的感情,其实一点都不矛盾。人们所表达的爱情虽然是人类内心最炽热的感情之一,但是这种浓烈的感情并不是非得歇斯底里的喊叫才能表达,情到深处应是那种“执手相看泪眼,竟无语凝噎”的境地,作品《阿玛丽莉》就是那个时期最具代表性的例子。(三)声音的连续、平稳十六、十七世纪的古典意大利歌曲柔和甜美,细腻舒展,宁静连贯。为了达到抒情演唱的目的,需要注意以下两个方面:一方面是对作品连贯性的把握。在演唱过程中,掌握具有连贯、圆滑旋律线条的声音,是作品本身风格和情绪的要求,也是美声学派的歌唱基本技能和艺术标准。如果没有较好的歌唱连贯性,就不会唱出作品所要求的旋律线条美,也就不会有美的声音,更无从谈起抒情性了。在此所讲的“连贯”,不仅在音乐情绪上要连续、不间断,还要从声乐技巧的角度上讲究声音的连续、平稳。首先,从音乐情绪上来讲,在演唱作品时要求歌唱者在歌唱的过程中始终全身心的投入到要表现的作品中去,用心去体会和诠释作曲家所要表现的情绪和内容。其次,从演唱的角度上讲究声音的连续与平稳,避免出现声区和音色,咬字和吐字的不统一的现象,使之真正地体现美声学派的根本——“美的歌唱”。另一方面是演唱时对音量的控制。作品的音量控制是美声唱法十分重视的一个训练技能,它是表现歌唱旋律优美不可缺少的技术手段。在早期的意大利作品中,大部分作品的演唱力度不宜过大,强弱幅度也不宜过于夸张。在歌唱中如何运用音量的大小,这要取决于表现音乐作品的需要。十六、十七世纪的意大利歌曲,大多表现以爱情为主题的,所以在表现作品时不可能用粗暴的、冲击力较强的声音去诠释作品,因为当时作品的创作手法、技术条件、审美观念都不允许,也不能容忍那样去做,而应该是用较优美、柔和、细腻、舒展的声音去表现作品。细腻而不纤弱,激情之处的弱音运用也能够给观众带来美感。用声音的力度对比变化来处理和演唱作品,不仅给旋律造成一种波澜起伏的动态美,而且还能使演唱蕴含着无限的激情,所以说在歌曲演唱中是绝对离不开力度对比变化的,演唱者对掌握和运用声音力度变化的技巧越熟练,那么对歌曲的表现也就越淋漓尽致。二、歌剧《阿利表现》的戏剧价值蒙特威尔第(Monteverdi,1567.5.生于莱莫纳——1643.11.29.卒于威尼斯),意大利作曲家,巴洛克音乐的奠基者之一。蒙特威尔第作为十六世纪与十七世纪跨时代的人物,他既是十六世纪意大利非常具有代表性的作曲家,又是十七世纪意大利音乐史上最著名的歌剧作曲家。1590年至1612年任曼图亚公爵的宫廷乐师、乐长,1607年在曼图亚上演其创作的第一部歌剧《奥菲欧》,1608年创作并上演了歌剧《阿利安娜》,1613年任圣马克大教堂的乐长,1637年起服务于欧洲第一座歌剧院——威尼斯歌剧院,至其逝世。,蒙特威尔第童年时在教堂唱诗班赞美圣咏,并学习管风琴和小提琴,他自15岁开始作曲以来,一生创作了大量的音乐作品。蒙特威尔第首创以管弦乐队的形式伴奏歌剧,并充实宣叙调及康塔塔的戏剧性内容,为推动歌剧事业的发展起到举足轻重的作用,被称为欧洲歌剧的奠基人之一。他在文艺复兴音乐史中的地位可与文学史中莎士比亚的地位相媲美。他的声乐风格特点是把美丽悠扬的旋律和富于表现力的朗诵结合在一起。蒙特威尔第在歌剧创作中首先提倡以音乐表现人的欲望与情感,并强调音乐不仅仅是用说明歌词大意的,它应该深刻体现在人物思想感情的活动变化和人物过去、现在与将来的思想感情的有机联系基础上。他是第一个把戏剧定型化的作曲家,在他的音乐中,所有的表现手法都是为戏剧服务的,如:强调宣叙调的表情性;采用戏剧性歌词,坚持通过音乐形象透析人物的心灵,反映人物的个性特征;突出高音声部,扩大和丰富独唱部分等。作品《让我死亡》是一首非常古老的作品。《让我死亡》选自歌剧《阿利安娜》,《阿利安娜》总谱已丢失,《让我死亡》是歌剧《阿利安娜》现今唯一保留下来的一首悲歌。《阿利安娜》是哀诉咏叹调的最早典范。据史料记载,这一段著名的哀诉曾使六千多名观众沉浸在一片哭声中。阿利安娜即古希腊神话中的阿里阿德涅,是巴里特国的公主,她帮助忒修斯杀死牛头怪兽诺陶洛斯,然后两人在纳克索斯岛,度过一段美好时光,后来命运女神告诉忒修斯,按照命运的安排,阿里阿德涅应该成为酒神狄俄尼索斯的妻子,劝他放弃对阿里阿德涅的爱,于是忒修斯不辞而别,令阿里阿德涅万分伤心。《让我死吧》就是阿利安娜被抛弃后所唱的悲歌。蒙特威尔第创作这部歌剧时,正当他的妻子离世之即,这首哀歌恰好是他心境的写照。这首歌曲为单一部曲式,主调性采用f小调创作而成,色彩阴暗,用带再现因素的音乐题曲式结构,以及不协和和声进行来造成紧张、恐怖、绝望的音响气氛,在第4、5小节的半音上行,出现了调性内的调式变化,由f和声小调的属到F自然大调的下属,之后到f自然小调的三级最后回到f和声小调的属,这也是在那一时期创作的一个特点。从节奏上来看,整首曲子显得比较松散,单个音上长拍子的反复出现以及一句音乐之后四分休止的恰当运用,无不刻画出主人公阿利安娜那悲痛欲绝、欲哭无泪的悲痛心理。在演唱这首歌曲时,要抓住音乐中那种微妙的紧张与松弛感,使音乐活起来。此曲虽然是一个只有19小节的单乐段歌曲,音域也不宽只有一个八度,但却有着很强的戏剧性冲突和戏剧张力,主要表现在人物与命运之间的矛盾。旋律简朴单纯,哀婉动人。此曲为慢板,演唱慢拍要富有激情,每一个音都要情绪饱满的往前走,不能一拍一拍的唱,更不能拖着唱,否则会给人一种拖沓的感觉。注意它的旋律线条,半音阶上行的旋律加强了这首作品的流动感,并赋予了作品强烈的悲剧色彩。歌词大意:“让我,啊,让我死亡!不如让我去死亡!不用再幻想,有人会安慰我那悲惨的命运,和我那极度的悲伤。让我,啊,让我死亡,不如让我去死亡。”在作品的第1小节曲作者便运用了强拍休止,弱拍进入,给人一种不安的情绪,之后第1小节与第2小节处出现了一个切分节奏的重音,在此正好旋律重音与歌词重音相吻合,Lasciatemi是一个单词,在歌唱时要用意境和气息把这个词连起来,每一个乐句的起音都是弱起,要会控制声音的力度变化,不仅使音乐流动起来,还要表现出音乐的对比性,这样高潮的部分更能显现出来。第2、3小节减五度范围内的下行进行,给人一种紧张与无奈的感觉。第1—3小节点名了歌曲的主题,也深刻表现了主人公对生活失去信心以及万般的无奈,第4小节的半音上行进行,是作品的高潮点,也是全曲的重、难点,在演唱这句时要全身心的去投入到角色中去,要表现出主人公悲愤以及强烈的痛苦呐喊。之后在第5小节处出现了一个关键的四分休止,第6小节近于平静,休止符有效地瞬间刹住这一强烈的悲愤情绪,戏剧性地回到万般无奈,哀婉的悲剧弱者形象中来,淋漓尽致地刻画了主人公悲痛欲绝的心情。第7至14小节表现了主人公的悲惨命运和极度的悲伤,同时也表现了对死神的质问。在第7、11、14小节中均出现了从弱拍起音的乐句,从弱拍起音通常表现询问、思考和不安的情绪,作曲家运用这样的手法意在表现主人公对死神的质问,从15至19小节除了在节奏和表情术语中有一点变化外,几乎是对开始的重复,但这不只是简单的对开始主题及高潮的重复,而是在强调着主人公失去爱情、失去希望以及对生活绝望的心情。音乐最后出现的pp和渐慢渐弱,