歌唱者演唱爵士乐作品需要注意的几点,音乐论文

歌唱者演唱爵士乐作品需要注意的几点,音乐论文内容摘要：在欧美流行音乐诸多演唱风格中,爵士乐演唱独具魅力。本文对爵士乐演唱中的呼吸、演唱状态,混合声的使用,舞台表演方面进行了阐述,以期演唱者在这几个方面引起注意,改善本身的演唱方式。本文关键词语：爵士乐;共鸣;胸腹式联合呼吸;在欧美流行音乐的各种演唱风格中,爵士乐的演唱历史悠久且独具魅力。在爵士乐的发展历史中,产生了一大批的优秀爵士歌手。他们的演唱中有众多共鸣性的方式方式方法,只得我们去总结和分析。笔者通过本身多年的演唱实践与教学实践,现总结了歌唱者在演唱爵士乐作品中需要注意的四个方面,以期引起演唱者的注意。一、有效的呼吸及其控制良好的演唱需要稳定充足的气息和对其收放自若的控制。在爵士演唱中,我们会注意到不管是大家熟悉的愉快的摇摆乐风格,还是充满布鲁斯感觉的情歌,爵士乐风格作品对演唱者的气息控制要求是区别于一般的流行歌曲演唱的。比方,在演唱摇摆乐作品中,被大量运用的快速的、律动性很强的四四拍子会让爵士演唱的初学者感到非常吃力,他们通常被要求在演唱时要准确的进入以弱起切分音开始的乐句,那么在这种情况下我会建议使用胸腹式呼吸来配合节拍和乐句的处理。这里谈到的胸腹式呼吸是指演唱时使用肋间肌肉、横膈膜、和腹部肌肉并使之互相配合、协调共同完成呼吸的一种非常有效的呼吸方式方法。假如在演唱时能够使用正确的呼吸方式,那么我们就会轻松发出等待中的音高,并通过对气息的控制来保证音色和音质等其他声音表现。研究科学歌唱的美国知名权威德姆女士在她的书中这样描绘叙述理想的呼吸状态:气息无声地穿过宽大通畅的喉腔和敞开的声门进入胸腔。胸腔上部稳定而不坚硬,下部及相对应的背部则足够灵敏柔韧,使肋骨得以运动并作向两侧和向后的扩张。同时,腹部肌肉也足够放松使横膈膜下移。呼气时,被拉伸了的肺和气管的弹性组织回缩。到这为止,我们能够从德姆女士的描绘叙述中清楚地了解到胸腹式呼吸的吸气经过,并明确了如何详细协调胸腔、肋部、腹部以及横膈膜这些部位的机能。而类似的描绘叙述和概念在着名的歌唱家、现任美国伯克利音乐学院声乐系教授的安妮佩克汉姆所着的(现代流行歌手声乐技能基础〕一书中也有被提及,在这本专门讨论流行演唱的书里,安妮女士愈加详细的分别讲解了吸气时和呼气时运用相关部位的不同的要求,并强调当演唱的肋部肌肉、横膈膜和腹部肌肉能够控制气息支撑时,演唱者的喉部就能正常发挥作用而不被其周围的肌肉所干扰。横膈膜是薄片肌肉,它将胸腔和腹腔分割开。吸气时横膈膜向下伸展,拉动与它相连的肺部内造成真空,空气冲进并填补了正确的姿势会帮助气息更好的被运用。观察一下在熟睡中的婴儿,你会看到对你有启发的呼吸技巧:婴儿微小的腹部随着每次呼吸而规律的起伏运动。对于练惯用腹部呼吸,一个好的方式方法是通过仰卧在地面上并深呼吸,你将感到腹部有更大的膨胀,由于在这个位置要想提高胸腔是很困难的。当你仍然在地板上的时候,试着唱一下,你将会惊讶的发现,这是多么容易的事情。这个放松的部分原因是由于地板支撑了你的头,这使脖子和肩膀的肌肉都放松了。但是,主要原因还是你做了深呼吸。当你站起来重复在地板上自然发生的那样进行呼吸的时候,你将会自觉地将你的胸腔膨胀起来,在你深深地吸一口气的时候,将一只手放到你的胃部并向外推它。气息支持的另一个方面是使用肋骨间间隔,即胸腔周围的肌肉。在你深深吸几口气的时候,就在你的腰围周围使肌肉向外推,保持那个膨胀。试着做这个利用肋骨间间隔的练习:将空气以丝丝声的方式吐出来,就像空气从一个自行车轮胎的孔中泄露一样,连续进行直到你完全呼出空气。在到达你呼吸结尾的时候,你将感到肋骨间的间隔紧张并膨胀,它们在与使胸腔崩溃的自然趋势进行对抗,肋骨间间隔帮助了我们。十分是在我们声音的更高层次的声区中,通过鼓励声部进入它需要共振的头上部的方式帮助了我们。二、要放松的歌唱气息的控制自若还要配合放松的歌唱状态,这里所讲的放松指的不仅仅仅是身体上的也包括心理上的和情绪上的。对绝大多数表演者来讲,焦虑和紧张是不可避免的,紧绷的肢体和紧张的情绪,都会影响歌手的正常发挥,而肢体上的放松和稳定的情绪则让歌手更好的使用气息和进行舞台表演。重新训练我们的身体使其摆脱一生养成的习惯,这可能对我们是一个挑战,十分是在面临要坚持一定的身体姿态标准的文化压力的时候更是如此。首先,要放松你的颚部。颚部是我们发音的至关重要的工具,使身体最难放松的部位之一,在日常生活中,我们往往会保持颚肌处在一种绷紧和重压的状态下。为什么我们要放松颚肌?颚是我们乐器的口,将空气从大口推出比从小口推出要容易得多。同时我们也要通过放松了的颚部使我们的声音产生共鸣。在爵士乐中,大部分的歌者都以自然的胸声来演唱,随着演唱音域的升高,共鸣的区域也随之升高到头部。无论是头腔还是胸腔的共鸣,我们都要保持得到这种感觉的一个方式是,想象一下,在你的下颚系上一个小砝码,轻轻地向下拉。舌头是身体中继心脏之后第二个最强的肌肉,它向下延伸到颈的中部,在那里,它连接到咽喉的肌肉。我们经常听到教师讲,要放松喉头,喉头处于打哈欠的状态。要经过很多练习和精神集中才能使它放松,十分是在产生爵士乐歌手所使用的各种音色和音调的时候更是如此。检查这点很好的方式方法是直接将拇指放在下颚的下面,应该感到柔软和柔韧,马上开场唱歌,假如感到它变得坚硬起来,那就讲明你没有放松,你还需要继续练习,直到你能用放松的舌头唱歌为止。除此之外,肢体(包括面部表情)的放松也是尤为重要的,在站立演唱时注意保持头、颈、肩部的放松。有很多歌手在处理高音和复杂的节拍时,身体由于情绪的紧张会出现僵硬的状况,我的建议是尽量让自个随着节拍律动,让身体帮你打拍子,进而解放上肢胸腔以上的部分,并配合调整你的呼吸,尽量使自个做深层的吸气,呼气时多利用腹部气力,就能缓解情绪上的紧张,保持自然的表演。另外,通过积累舞台经历体验也会增加表演者和歌手的自自信心,并逐步建立较稳定的心理素质,探索出有效的放松自个的方式。三、积极使用中声和混合声通过分析大量爵士声乐作品的音乐跨度,我发如今爵士乐中一般的歌曲曲目中,大部分的女歌手所唱的音域范围在小字组的f或g到小字二组的c,与美声民声唱法不同,爵士乐歌手基本上都是在利用自然的胸声和中声来演唱。在不做即兴演唱的时候,歌手们很少挑战作品的音高,她们的注意力或者讲是演唱的重点更多的放在歌词内容的表示出上。歌曲表示出情感情绪的而是运用假声和真假混合声,假声和真假混合声更能表现出爵士声乐演唱中柔软和缠绕的演唱特点。真假混合声是从真声过渡到假声时作为一种修饰声音的方式方法而产生的,将真假声结合在一起的混合声能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。真假声转换由真声直接转到假声,也就是讲从胸腔音色直接转到头腔音色,从声带的全部振动一下转到边缘振动。混合共鸣较好。混合声的音域较宽,整个声区自下而上均为真假声混合。声音统一连贯,无明显换声区或换声点。这种声音的效果是真中有假,假中有真,真假难分,真声不炸,假声不虚,混在一起。一般讲来唱高音时假声成分多些,唱低音时真声成分多些,唱中音时真假混合成分多些。真假混合声作为一种过渡的声音,要求音色圆润、连贯,高音亮堂,低音结实。这种声音正符合了爵士乐对于演唱像乐器发出的声响一样连贯、自由的要求。四、要注重舞台表演状态爵士声乐的舞台表演是帮助歌手塑造爵士音乐风格的一个重要手段。20世纪中期的美国爵士乐演出主要集中在酒吧、俱乐部等类似的表演场所里,摇摆乐在20世纪三四十年代占据了当时的美国流行音乐的主要地位,其在舞台表演上的风格和特点也为日后其他的爵士声乐的舞台表演树立了典范。艾拉年轻时经常会在表演中向观众展现自个的舞蹈天分,很难想象她那有些臃肿的体型会乖巧的来回旋转,并且扭动着腰部。20世纪三十年代的爵士乐舞台上,歌手们常会参加一些特定的动作来表现摇摆乐这类韵律感很强的音乐。如单手掐在腰部,另一只手随着节拍变换姿势。当我们演唱爵士乐的时候,也要学会借助面部表情的配合塑造舞台形象。眼睛是灵魂的窗户,它和眉毛一起构成了脸上最具表示出力的一部分,要学会运用眼神来表示出音乐的情感。还有一个要重点把握的是自然的微笑,这可不像听起来那么简单,要在镜子前面屡次的练习,记住表现不同笑容的特定的感觉,确定你会在表演需要的任何情况下展现出适当的表情。20世纪三十年代爵士乐歌手在表演时,由于舞台的限制,他们与观众离得很近,这种情况促使了歌手与观众之间的沟通。这里所讲的沟通不是指要和观众们聊天讲话,而是讲要让观众投入到你的音乐中,沉浸在你的音乐里,让他们陪着你共同悲戚,一起欢笑。在爵士乐歌曲中,有很多诙谐诙谐的内容是靠歌手表现出来的,早期的爵士乐歌手大多是黑人,遭到黑人挖苦和谐谑歌曲的影响他们在演出中会经常有诙谐诙谐的表演,让人发笑。乐队与歌手的互动一直是爵士声乐在舞台表演中必不可少的一部分,优秀的乐队和歌手之间经常产生不可思议的激情碰撞。歌手与乐队的合作是贯彻始终的,从音乐的开始开场,歌手会先得到某个乐手的暗示而作好演唱的准备(通常是低音贝司或鼓手),在间奏的时候,假如有乐队做即兴演奏,歌手会配合乐手的即兴旋律来发展乐句和旋律,这样现场就会产生一种带有挑战性的、比试性的互动。艾拉就经常在演出中与乐手互抛乐句,只要技艺高超又互相熟悉的乐队成员才会挑战这种高难度的表演。结束语爵士声乐的舞台表演要在实践中去学习和完善,这并不是一个简单的经过,也不是一蹴而就的事情,这需要我们在日常的练习中注意观察、认真揣测,学习大师们自然、优美的舞台表演,还要培养自个多方面的才艺,增加技能的把握,这样才能全面的领会爵