美术作品欣赏

皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿印象派重要画家。少年时的雷诺阿被送到瓷器厂去学习手艺。但画瓷器和画屏风这项工作使他产生了对绘画的兴趣。而后出于对绘画的兴趣，雷诺阿便到美术学校学习绘画，同时又在格莱尔的画室里补习素描。在那里，他结识了莫奈（ClaudeMonet）、巴齐依和阿尔弗莱德·西斯莱，从此便走上印象主义的道路。印象派包厢1874年皮耶尔·奥古斯特·雷诺阿80cm×63cm布油彩伦敦科陶德学院美术馆

《煎饼磨坊的舞会》《煎饼磨坊的舞会》是雷诺阿在1876年的作品之一。目前收藏在法国巴黎的奥塞美术馆内。十九世纪法国画家雷诺阿以较乐观的主题表现在这幅作品上，光线透过树荫，照射在人体身上，呈现斑驳情况。描绘出色彩闪动在光点里，完全捕捉到光线落在景物上时，所创造出来的笼统瞬间印象。人物在树荫下，光线透过树荫照在他们的衣服、脸上，有印象派的轻快的构图。前景到后景变化很快，后景有往高处发展的呈现，表现出人形逐渐消融在阳光和空气中。笔触是松散的，画面上的人物和传统的画不一样，脸部的光线感觉上是扑朔迷离，很蒙眬的，不是在讲求真正的肌肤感，脸部深度的描绘，眼睛被影子所遮蔽，看起来别有一番趣味。雷诺阿捕捉到人在大自然下，透过树荫透过光线，所投射下来的神秘色调。在色调的呈现上，他使用了印象派所使用色彩的方法。比如说：补色、对比色等这些方法，同时并列在画面上，在眼睛的视网膜同时调色的情况下，而产生耐人寻味的一个色彩变化与效果。印象派的绘画，因为摄影技术的产生，刺激了印象派的追求绘画新的使命，新的探讨方向。这时候日本的版画也刺激了欧洲对传统艺术开始发生质疑，开始有一种新的突破。修拉法国画家，新印象画派（点彩派）的创始人。认为印象派的用色方法，不够严格，不免出现不透明的灰色。为了充分发挥色调分割的效果，用不同的色点并列地构成画面。作品有《大碗岛上的一个星期日》，修拉描绘的法国巴黎附近奥尼埃的大碗岛等。他的继承者有西涅克、克罗斯（H.E.Cross,1856-1910）等。新印象派1880年，当印象主义在巴黎画坛方兴未艾时，内中又滋生出两支派生的艺术倾向，其一，是建立在机械唯物论思想基础上的"新印象主义"；其二，这支流派也顺沿印象主义，但实际上后来是以强烈的个性表现出对印象主义的反动，被称之为"印象主义后派"（以前称"后期印象主义"）。这前一种分支，是一些人为当时"以知识代替直觉"的时髦思想所惑，在绘画上采取科学实验的态度。这一画派的代表人物之一是修拉。他是一个热烈崇拜理论的人，他只承认数学与物理学规律才是方法，说它高于感觉和直觉。他的这一幅《大碗岛上的星期日下午》，就是他的色彩科学实验的典型作品之一。乔治·修拉出生在巴黎，由于家庭内宗教气氛很浓，从小养成他孤癖的性格。他跟从印象派绘画，大约是从1880年开始的，这时印象派的全盛时期已经结束。早熟的修拉，从27岁时就被公认为是印象主义画法的抗衡者，因为他利用了物理学家谢弗雷总结的色彩学原理，经过马克斯威尔的实验，尤其是哥伦比亚大学教授奥·罗德的研究成果，给他以很大的启发。罗德在一个回转的圆盘上涂以并列的两种色彩，在另一个圆盘上把两种色彩调合成混合色。当这两种圆盘在轴上转动时，涂以并列色彩的，所构成的色彩混合感觉具有强烈、灿烂的闪动感，使人感到兴奋，远胜于那个调成混合色的圆盘上的色彩感。这一试验使人相信，与其在调色板上把颜色调匀，不如直接把原色排列在画布上，让观者的眼睛自行去混合色彩。修拉于是相信，一切物象的色彩是分割的，要真实地表达这种分割的色彩，必须把不同的纯色以点或块的样子并列到画布上去，以代替过去印象派使用的杂乱无章的笔触。后人称这种画法"分割主义"。修拉采取小心翼翼的点彩画法，把各种经过仔细分析处理的原色的小圆点，着意地安排在画面上，造成画面形象的闪光感。可是修拉这种机械的画法做得太过分了，几乎把画家自己的激情与个性完全排除干净。这幅《大碗岛上的星期日下午》从1886年画起，整整花了他一年工夫来点他的圆点。当这幅画在第八次印象派画展上出现时，立刻引起社会的反应，攻击和赞扬之声同时袭来，有的撰文称它"新风格"的展现，有的骂他是"带有稚气和学究气的离奇结合"。总之，这种新鲜画法实质上是当时哲学上实证论对艺术实践的作用。大碗岛的星期日下午修拉油画1884年207×308厘米芝加哥艺术学院藏大碗岛的星期日下午——修拉的科学分析该幅作品画面用静谧、冷漠的色点组合，描绘了盛夏的一个星期日下午，大碗岛河畔草地上由休憩游玩的各式人物构成的场景。无数细小的色点创造出一种夏日炎炎自然光中闪烁颤动相似的极明亮、绚烂的效果，给人一种阳光闪耀、影影绰绰的幻觉。画中人物大多没有什么动作，只有块面组成的剪影似的形体，分不出五官细节，更看不出个性特征。整个画面在色彩的量感、主从关系的对比中取得了均衡与统一。这幅作品创作中“色彩空混”原理的积极作用表现在：当我们欣赏这幅画时，新鲜光亮的色彩，扑朔迷离、若隐若现的场景仿佛真的使我们置身于盛夏的大碗岛，成为游玩人群中的一员，沐浴着灿烂的阳光，享受着星期日轻松、愉快的时光。修拉还力求使画面构图合乎几何学原理，他根据黄金分割法则、画面中物体的比例等制定出一种定型的构图类型。这幅画中运用了大量的垂直线和水平线，其景物的配置和人物的安排都遵从一种严格的几何分割关系。画面中间领着小孩的妇女正好被置于画面的几何中心点。这些足以使我们看出修拉把科学规律当做艺术创作最好准则，他认为科学理论应该高于画家的感觉和直觉。保罗.高更法国后印象派画家、雕塑家、陶艺家及版画家，与塞尚、梵高合称后印象派三杰。他的画作充满大胆的色彩，在技法上采用色彩平涂，注重和谐而不强调对比。后印象派我们从那里来？我们是什么？我们到哪里去？高更1897年141×377厘米波士顿美术博物馆藏1897年2月，高更完成了创作生涯中最大的一幅油画：“我们从哪里来?我们是谁?我们往哪里去?”。这幅画，用他的话来说，其意义远远超过所有以前的作品；我再也画不出更好的有同样价值的画来了。在我临终以前我已把自己的全部精力都投人这幅画中了。这里有多少我在种种可怕的环境中所体验过的悲伤之情，这里我的眼睛看得多么真切而且未经校正，以致一切轻率仓促的痕迹荡然无存，它们看见的就是生活本身……整整一个月，我一直处在一种难以形容的癫狂状态之中，昼夜不停地画着这幅画……尽管它有中间调子，但整个风景完全是稳定的蓝色和韦罗内塞式的绿色。所有的裸体都以鲜艳的橙黄色突出在风景前面。在恶劣的环境中，以痛苦的热情和清晰的幻觉来描绘，因此画面看起来毫无急躁的迹象，反而洋溢着生气。没有模特儿，没有画技，没有一般所谓的绘画规则。”画面色彩单纯而富神秘气息，平面手法使之富有东方的装饰性与浪漫色彩。在斑驳绚丽、如梦如幻的画面中，暗寓着画家哲理性的对生命意义的追问。埃德加·德加法国画家，印象主义展览的参加者。父亲是个金融资本家，祖父是个画家，从小德加便生长在一个非常关心艺术的环境里。德加是印象派人物画家，又是现实主义巨匠。德加音乐课1873年

80cm×63cm布面油画德加在观念上，德加与其他印象派画家不同的是，他始终强调素描的重要性，并认为素描比色彩的表现性能更丰富。他之所选择粉画和油画棒作画，一方面是因为它们作画比油彩快，另一方面是为了可以用更强、更粗的线造成近似素描的效果。抓住瞬间且务求真实，德加是属于印象派的，因为他喜爱抓住瞬间，并且务求真实.然而他在色彩分离方面，永远不曾达到那样的五彩缤纷.在印象派画家笔下，形有溶解于气氛之中的倾向，而德加的画却始终保留着严格的形.他的确同他们相反，打算在坚实严格的限度内，概括出生动活泼的世界他把色彩仅仅看作是从属因素，而侧重于用素描来“捕捉动态”，用线来表现芭蕾舞女，以及妇女脱衣、洗澡、梳发等各种动态。爱德华·蒙克爱德华·蒙克是挪威表现主义画家和版画复制匠。伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。爱德华·蒙克是具有世界声誉的挪威艺术家，他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料，德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。他对心理苦闷的强烈的，呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。表现主义挪威画家蒙克的代表作《呐喊》爱德华·蒙克EdvardMunch，挪威画家。父亲是位医生，笃信基督教。幼年丧母，姐姐被肺病夺去生命，妹妹患精神病。童年时代的不幸对其一生的创作有深刻的影响。在法国，他在研究印象主义画法的基础上，转而对后印象主义和纳比派发生兴趣。他发现线条和色彩有强烈的表现力，试图用它们画出活生生的人们，他们的呼吸、感觉、受苦受难并彼此的相爱。在当时哲学和美学思潮影响下，他努力发掘人类心灵中的各种状况，表现疾病、死亡、绝望、情爱等主题。因此，他的创作有“心灵的现实主义”的称号。青春期爱德华·蒙克挪威

1863-1944年尺寸，创作时间不详卡尔·约翰大街的傍晚圣母玛利亚在蒙克的油画上，凡涉及男女爱情的，很少正面去抒写，大部分着意于刻画失望、嫉妒、怨恨，或仇恨等主题。《圣母玛利亚》裸着上身，披散黑发，姿态颓靡，精神困惑，她根本不象神殿上的圣母，她是蒙克已经死去的姐姐，或者是他想象中被爱情的本能折磨得惶恐不安的女性。色彩较厚，形象充满着忧郁感，调子沉着，画家就这样刻画了一个痛苦的心灵。亨利·马蒂斯法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。21岁时的一场意外，令马蒂斯的绘画热情一发不可收拾，偶然的机缘成为他一生的转折点。用他自己的话说：“我好像被召唤着，从此以后我不再主宰我的生活，而它主宰我。”野兽派“野兽”一词，特指色彩鲜明、随意涂抹。这种色彩比新印象主义的科学色彩，比高更、凡·高的非描绘性色彩，比那种直接调色、变形的画法更为强烈。马蒂斯和他的朋友们一直试验着这种画法。野兽派画家最终实现了色彩的解放，高更、凡·高、修拉、纳比派和新印象主义，都曾以不同的方法对此进行过探索。野兽派画家用了类似的手段，专心致力于各种目的。他们原意使用从颜料管里直接挤出来的强烈的色彩，而不想刻划自然中的对象。这不仅是想引起视网膜的振动和要强调浪漫或神秘的主题，而更重要的是想树立与此截然不同的新的绘画准则。这样，在某种意义上，他们在使用高更和修拉的色彩，并自由地结合了他们自己的线条节奏，以达到类似于塞尚的不断追求的那种效果。《舞蹈》创作于1909-1910年，马蒂斯在创作时，把模特儿带到地中海岸边，他认为这件作品跟地中海给他的喜悦情绪紧密相连。画中背景的蓝色，寓意着仲夏八月南方蔚蓝的天空。一大片绿色让人想起翠的绿地。人物的朱砂色则象征着地中海人健康的棕色身体。在这幅狂野奔放的画面上,舞蹈者似乎被某种粗犷而原始的强大节奏所控制，他们手拉着手围成一个圆圈，扭动着身躯,四肢疯狂的舞动着。弹琴的少妇马蒂斯1939年尺寸不详布面油画红色中的和谐《红色中的和谐》作品介绍《红色中的和谐》是马蒂斯成熟期的代表作。画中描绘了一个室内的场景，其中有精心布置的桌子、衣着整洁的女佣、鲜艳的桌布和墙纸、两把椅子和一扇窗户；通过窗户，画家还描绘了一片室外的自然景色——绿色的草地、黄色的花朵、几棵树和一所房子。然而马蒂斯并没有将这些物象，画得与它们在自然中实际的模样相符合。为什么要相符合呢？——“这是一幅画。”一次，当一位夫人造访马蒂斯的画室时，对其一幅绘有女人形象的画评论道：“这个女人的手臂肯定太长了。”而马蒂斯则彬彬有礼地答道：“夫人，您错了，这不是一个女人，这是一幅画。”一幅画，不需要和我们所见的世界完全等同，它町以更多地具有装饰性及绘画性，这是马蒂斯对绘画的看法。他虽然和毕加索一样，始终未放弃对自然物象的具象性描绘，没有真正地走到抽象，但是。他画中的母题本身，对他来说却往往没有多大的意义。母题，只不过是他借以构成画面和组织色块与线条的材料而已。他并不指望他的画表现重大的事件或深奥的哲理，他深信这不是画家所要做的事情。他所追求的，是通过纯绘画性的要素，如简洁的形状、弯曲的线条和平涂的色面，来营造宁静安谧的画面气氛，使人看着画觉得舒畅惬意、轻松愉快，给人以视觉的享受。对此，他有一段非常著名的话：“我所梦想的是一种平衡、纯洁、宁静、不含有使人不安或令人沮丧的题材的艺术，对于一切脑力工作者，无论是商人或作家，它好象一种抚慰，象一种镇定剂，或者象一把舒适的安乐椅，可以消除他的疲劳。”马蒂斯是要让观者通过视觉感受的愉悦而得到心灵的安宁。他要为那些难以摆脱生活中烦恼的人们，在艺术的天地里营造一座无忧宫，使他们精神得以解脱，暂时远离尘世的喧嚣与纷扰，而得到美的慰藉。宫女华丽现代艺术现代艺术都反对传统的艺术观，反对那种模仿自然，再现客观现象、形象的艺术。现代艺术转向了人类深层世界，要求艺术表现人的主观情感，表现人的“自我”。现代艺术并不致力于表现美、和谐、平衡、完整，艺术并不是对现有的美的东西的模仿，艺术的本质在于对前所未有的东西的创造。后印象主义保罗·塞尚文森特·梵高保罗.高更保罗·塞尚法国著名画家，是后期印象派的主将，从19世纪末便被推崇为“新艺术之父”，作为现代艺术的先驱，西方现代画家称他为“现代艺术之父”或“现代绘画之父”。他对物体体积感的追求和表现，为“立体派”开启了不少思路，其独特的主观色彩大大区别于强调客观色彩感觉的大部分画家。文森特·威廉·梵高荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最著名、广为人知与珍贵的艺术作品的行列。1890年7月29日，因精神疾病的困扰，在法国瓦兹河开枪自杀，时年37岁。梵高生前最后一幅画《麦田乌鸦》回顾现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义很多流派标榜自己是反传统的，实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。在对待历史遗产方面，它们更重视对原始社会艺术、埃及和美索不达米亚的美术、希腊古风时期美术、欧洲中世纪美术的研究。自印象主义之后，西方美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画、工艺品的表现语言上，探索写意的表现手法。野兽主义、立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑。中东的伊斯兰教美术和大洋洲的艺术遗产，也是现代主义艺术家们研究的对象。上述人类历史上的美术遗产均为现代主义美术家们提供了有益的养料。立体主义立体主义(Cubism)是西方现代艺术史上的一个运动和流派，1908年始于法国。立体主义画家接受了塞尚关于创造视觉立体形象的观念，进而转向一种对心理的立体形象的追求。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面，以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。就是在平面上表现出二度和三度空间，甚至表现出肉眼看不见的结构和时间（四度空间）。艺术家以许多的角度来描写对象物，将其置于同一个画面之中，以此来表达对象物最为完整的形象。他们从塞尚那里发展出一种所谓“同时性视象”的绘画语言，将物体多个角度的不同视象，结合在画中同一形象之上。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体主义虽然是绘画上的风格，但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。

尽管立体主义受到世人的极端仇视，它毕竟具有划时代的意义。它成为未来几十年许多画家的灵感来源和与传统分手的标志。

这场运动的生机勃勃、硕果累累，与毕加索和布拉克密切合作是分不开的。立体主义在反传统的口号下有浓厚的形式主义倾向。

立体主义美术运动的鼎盛期虽仅有7年，但却造成极其广泛的影响，立体主义在艺术形式上的探索，在二十世纪的最初十年影响了全欧洲的艺术家，并激发了一连串的艺术改革运动，如未来主义、结构主义及表现主义等等，尤其鲜明地反应在对现代工艺美术、装饰美术、建筑美术等注重形式美的实用艺术领域不小的推动作用上。毕加索

毕加索曾说过：“当我们搞立体主义时，并没有搞立体主义的打算，而是要表达我们身上的东西。”

毕加索从不执意拒绝接受现代人的文明事件的压力，也从不否定无论是来自他的内心世界或是来自他的家庭感情的推动和激励；他从不对他同时代的人在文化和语言方面提出的主张视若无睹，也从不对古老的历史文明或者所谓原始文明的深邃而富有魔力的启示视而不见，这也正是这位艺术家的特点之一。但是，他既不乔装打扮，也不改变本色；他永远是他自己，永远保持着他那猛禽般狂暴的豪情和那紧抓现实不放的作风，永远保持着他那异乎寻常的巨大魅力和巨大热情。

他对绘画的感悟；“我是依我所想来画对象，而不是依我所见来画的！”

他一生创作的油画、版画、雕塑、素描、拼贴等各种形式的作品有六万多件。《亚威农少女》立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑《境前的少女》《弹曼陀林的姑娘》

《格尔尼卡》是毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。画面表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的情景。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。

此画结合立体主义、现实主义和超现实主义风格，表现痛苦、受难和兽性：画中右边有一个妇女举手从着火的屋上掉下来，另一个妇女拖着畸形的腿冲向画中心；左边一个母亲与她已死的孩子；地上有一个战士的尸体，他一个断了的手上握着断剑，剑旁是一朵正在生长着的鲜花。

1937年4月26日，发生了德国空军轰炸西班牙北部巴克斯重镇格尔尼卡的事件。德军三个小时的轰炸，炸死炸伤了很多平民百姓，使格尔尼卡化为平地。德军的这一罪行激起了国际舆论的谴责。毕伽索义愤填膺，决定就以这一事件作为壁画创作的题材，以表达自己对战争罪犯的抗议和对这次事件中死去的人的哀悼。于是这幅被载入绘画史册的杰作《格尔尼卡》就此诞生了。

七十年过去，这幅杰作已经成为警示战争灾难的文化符号之一，也使格尔尼卡的悲剧永远留在了人类伤痕累累的记忆中。

画面里没有飞机，没有炸弹，却聚集了残暴、恐怖、痛苦、绝望、死亡和呐喊。被践踏的鲜花、断裂的肢体，号啕大哭的母亲、仰天狂叫的求救，断臂倒地的男子、濒死长嘶的马匹……这是对法西斯暴行的无声控诉，撕裂长空。画家以象征和半抽象的立体主义手法，以超时空的形象组合，打破了空间界限，蕴含了愤懑的抗议，成就了史诗的悲壮；在支离破碎的黑白灰色块中，散发着无尽的阴郁、恐惧，折射出画家对人类苦难的强大悲悯。《和平鸽》1940年1950年11月，为纪念在华沙召开的世界和平大会，毕加索画了一只衔着橄榄枝的鸽子，被正式公认为和平的象征，叫做“和平鸽”。《和平鸽的脸》光涂鸦是一种在夜晚或黑暗的房间移手持式光源或相机产生光成图效果的摄影技术。随着艺术爱好者和摄影家的推广，近年来这种艺术逐渐成为一种街头表演。不过你也许不知道，毕加索早在60年前就玩过这种表现手法了。1949年，Life杂志的摄影师GjonMili向毕加索介绍了这种当时最新的摄影技术：即在黑暗的状态下拍摄光的运行轨迹。毕加索立即对此产生兴趣莱热(1881-1955年)

费尔南·莱热出生于法国的阿尔让登。1914年第一次大战爆发又应征入伍，他在前线画了一些表现士兵和战争机器的画，战争机器的机械方面尤其强烈地影响了他的感觉。他因在凡尔登战役中了毒气而退役。

莱热对机器的强烈感受转化为将对象画成椎体、圆柱体、多面体。他在外部现实的接触中，革新了自己的灵感和表现方法。

莱热的创作题材多来自工业文明所制造的物件，他把人的形象也引入机械世界，画面具有机械的、无人性的感觉，有人把他的立体派称为“机械立体派”。

在莱热的画中人物被肢解为机械零件、主题、形状、颜色、构图都是取自自身思想的深处。在他的画中发明了一种形状、一种空间、一种色彩，同时又接受现在的世界，尊重着他要生活在其中的人和物，不过这已是被现代工业文明异化了的人和物。

莱热在作画时，始终想着喧哗、速度、紧张的生活，想着我们被迫活动于其中的大建筑物、环境和新的空间。他不仅用颜色，而且也用他在强烈对比之中抓住的形来暗示这一新的空间。在这幅题为都市的画中，画家表现了他对现代都市的深刻认识和感受。未来派

在1909年，未来派以前卫的姿态与意大利出现。他们排斥过去作为绘画手段的情调和预期的趣味，称颂有独创性的形式，在主题上也否定老一套的东西，认为重要的应是描绘现代的都市生活，诸如钢铁，速度，剧烈的运动等等。《未来主义绘画宣言》

1910年3月8日画家波丘尼、卡拉、巴拉等发表了《未来主义画家宣言》，4月初又发表了《未来主义绘画技巧宣言》宣言表明，他们的绘画技巧，从本质上说仍然来源于立体主义。他们在立体主义多视点的基础上加上了表现速度和时间的因素。《速度--雨燕》《阳台上奔跑的女孩》《水星在太阳前面经过》《摩托车的速度》《快速飞翔》《速度--雨燕》《被拴住的狗》

至此之后，现代主义绘画成了画坛的主流趋势，达达主义、超现实主义、抽象主义、动作画派、波普艺术等，都竞相登上舞台，各领风骚数十年。达达主义

达达运动是第一次世界大战的产物。在这场席卷欧洲的战争中，瑞士因其中立国之态而成为最佳避难所，接纳了众多逃避战火的文化、思想界青年。1916年2月，在瑞士苏黎士的“伏尔泰酒店”举办了一场音乐、戏剧、诗朗诵及造型艺术展并行的独特晚会。晚会上，一把裁纸刀在一本法德辞典中碰巧点中的名词“达达(法语中原意为玩具小木马)”成为他们一切活动的代名词。达达，这个被玩世不恭地找出来的偶得之词很快便声名远扬——它成为这场与破坏、疯狂、虚无主义、愤世疾俗密切相关的运动的标签。

一战的爆发，使原来繁荣富庶的欧洲陷入一片战火之中。人们对于未来的所有美好梦想几乎是在一瞬间就破灭了，取而代之的是一种强烈的幻灭感与虚无感。达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。语源

法语“达达”（dada），这是他们偶然在词典中找到的一个词语，意为空灵、糊涂、无所谓；法文原意为“木马”。它采取了婴儿最初的发音为名，表示婴儿呀呀学语期间，对周围事物的纯生理反应。

宣称作家的文艺创作，也应象婴儿学语那样，排除思想的干扰，只表现官能感触到的印象。查拉在草拟的《宣言》中，曾为"达达"下了这样的定义：“自由：达达、达达'达达，这是忍耐不住的痛苦的嗥叫，这是各种束缚、矛盾、荒诞东西和不合逻辑事物的交织；这就是生活。”有人还作过进一步的解释：“达达，即什么也感觉不到，什么也不是，是虚无，是乌有。”马塞尔·杜尚

纽约达达主义的团体的核心人物。出生于法国,1954年入美国籍。他早年曾做过图书管理员，接受过短期绘画训练。从1906年离开军队至1912年，他尝试过印象派、野兽派、立体派等各种风格。

1912年他因其作品《正在下楼梯的裸女》而一举成名，并因此带来订画要求。不过杜尚对此不感兴趣，他说，“不，谢谢，我更喜欢自由。”

1915年，他来到纽约，和毕卡比亚一起成为纽约达达的精英。他的作品总是独特、大胆、充满狂想。他用锡片、铅丝、油彩、粉末等非传统材料和全新技法进行创作，还用自行车轮、铁锹、梳子等现成品做成雕塑，甚至让现成品直接成为作品。《走下楼梯的裸女》被美国人视作是立体主义的一个极端的案例，但实质上，杜尚的这件作品与立体主义之间存在着某些重要的差别。在这个阶段中，杜尚的一些灵感已经悄悄地为他后来的观念发展做了铺垫。他用正在走下楼梯的连续的裸体形象作为主题，这些形象可能收到了当时的一些摄影家所采用的连续摄影的方法的影响。杜尚从立体主义的起点出发试图瓦解形体，但是他把运动与机械的感觉引入到绘画中，从而使作品具有了未来主义的倾向。把形象处理成机械的效果也是杜尚摆脱绘画传统的一种手段。因为机械除了是现代社会的物质产物之外，它还是一种现代精神的象征。观念艺术

自杜尚以后，艺术就在观念的层次上存在着。

杜尚是20世纪艺术史上最"出名"的艺术家，他极端引人注目，同时又"臭名昭著"。杜尚之后的许多艺术观念和艺术流派，乃至艺术界发生的方向性的变化，都同他有关。

有人骂他，说他动摇了艺术殿堂的"神圣"根基；也有人赞他，称他为真正领会并表现"艺术"真谛之第一人。不论人们褒贬如何，历史评价怎样，讨论观念艺术，杜尚是一个不可逾越的源头。美术作品的真正生命，就在于那昙花一现的过程中。——杜尚我们一般人接触过的美术，只不过是早已失去生命的“尸体”。——杜尚行动绘画的真实，就存在于瞬间即逝的行动本身。——杜尚

马塞尔·杜尚（法语：MarcelDuchamp，台译杜象，1887年7月28日－1968年10月2日）

二十世纪实验艺术的先验，被誉为“现代艺术的守护神”。是一位法国艺术家，对于第二次世界大战前的西方艺术有着重要的影响，达达主义及超现实主义的代表人物之一。

马塞尔•杜尚崇尚自由，并冲破艺术界的一切束缚，主张让艺术摆脱“阳春白雪”的高雅形态，并赋予它更多的“下里巴人”的韵味，进而让艺术变为非艺术，1917年在独立艺术家沙龙展上，他购买了一件小便池，不但签上名字而且还冠以“泉”的标题，准备将其作为艺术品送去展览。

在批量化生产的工业品上签上艺术家的名字，使其摇身一变也成为艺术品，他以“现成品”的手法完成了一种彻底的变革，进而被人们冠以“反艺术家”的称谓。杜尚把小便器搬到博物馆，用这个现成品向人们提出了这样的疑问：到底什么是艺术品，什么是艺术？艺术与生活的距离有多远？现成品艺术成为杜尚最重要的艺术观念。没错！艺术就像呼吸一样自然1913年杜尚完成了《自行车轮子》这件现成品艺术作品的制作。杜尚找来现成的自行车轮子和凳子，然后他将车轮固定在凳子上，自行车的轮子用手一拨就可以自由地转动。转动中，自行车轮子的速度越来越快，一根根在轮子中起支撑作用的钢筋慢慢从一根根线转变成为一个面，然后随着速度的变慢，又重新回到一根根的钢筋。

《自行车轮子》这件作品讥讽的正是传统的审美观念。为何只有静的东西才是美的？油画、雕塑种种这些传统艺术的形式似乎被人们无比的推崇，我们再现物体为何只用一种常规的思维去思考问题呢？艺术品为何不能动起来呢？杜尚的这件艺术品将动静两个概念诠释得淋漓尽致，也从另一个角度想告诉人们并不要用一种惯性的思维去思考和看待艺术，艺术还应该走得更远。BicycleWheel/Rouedebicyslette.1913.Readymade:bicyclewheel,diameter64.8cm,mountedonastool,60.2cmhigh.Originallost.Replica.Privatecollection.

《带胡须的蒙娜丽莎》作者为法国画家马塞尔·杜尚此画又名《L．H．O．O．Q》；暗喻画面形象是淫荡、污浊的；杜尚将达·芬奇的经典名作当作公然嘲讽的对象，展示了他真正渺视传统、无视约束的品性；他把反艺术推向了极致，给后继的艺术运动以新的启迪。

“人们究竟能不能创作出非艺术的作品呢？”这是他反复琢磨的问题。他给《蒙娜丽莎》画上一抹小胡子和山羊胡子，这个信手之作后来成为达达运动的招牌。（1）形式与美都不重要自古以来，艺术家以创造美的形式为天职，并赋予此类工作以崇高的地位和价值。但杜尚认为美并不存在，艺术和创造艺术的人也没什么特别崇高的地方，他告诉人们，普通物品与艺术品没什么区别，如果艺术是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那艺术也好不到哪儿去，所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。他把那个“小便池”送进展览会，对打破这个成见起了很大作用。（2）环境和时间比作品更重要变现成品为艺术品的决定因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明，在一定条件下。任何东西乃至行为都可以是艺术；也可以反过来说，当条件改变时，任何东西乃至行为都可以不是艺术，按中国话说，就是此亦一是非，彼亦一是非，由于环境和时间永远在流动扣变化中，所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪，就可以被画上小胡于，成为笑料；囱行车轮和凳子放进美术馆里，就等于结构主义的雕塑。旋转的玻璃1920年，耶鲁大学艺术画廊（3）引艺术回到自发和天然的状态人类最初的艺术活动是自发和天然的，无须专门训练，更没有艺术家和非艺术家之别。但后来就有了分工，艺术成了一项专门的工作，也因此有了专门的关于艺术的标准。显然，这种分工和标准是以往制度的产物。有碍于健全的人性发展。如果在社会条件改变的情况下，仍然把这些已有的标准当成至高无上的法则要人们遵守，就太不合理，“现成品艺术”就是完全不把已有的艺术标准乃至文化尺度放在眼里，以一种看似搞笑而实际上相当深刻的思想，嘲笑了人类在文化领域的拘谨和匠气，从而呼唤一个新的富有自由创造精神的时代的到来。ChocolateGrinderNo.2/Broyeusedechocolatno2.1914.Oilandthreadoncanvas.65x54cm.ThePhiladelphiaMuseumofArt,Philadelphia,PA,USA（4）取消技术的限制人们久已习惯将艺术创作看成是一种专门的技术操作这程，所以才有美术学院和专业画家，“现成品”艺术却与作者的个人技术无关，它只需要一种选择的眼光，而选择是一种思考过程，与物质产品的制作技术毫无关系。杜尚在这里告诉人们，艺术的价值在于思想。有思想，任何物质产品都可以成为艺术品。这种将艺术等同于思想的做法，客观上取消了传统意义上的艺术学科，暗含了艺术与艺术史即将终结的理论判断。InAdvanceoftheBrokenArm.1915.Readymade:showshovel,woodandgalvanizediron.121.3cm.YaleCenterforBritishArt,NewHaven,CT,USA.美国画家德库宁（DeKoonig）说：“杜尚一个人发起了一场运动一一这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切：每个艺术家都可以从他那里得到灵感”，以似乎是随手拈出的“现成品”，轻松地扭转了西方艺术发展的方向，是杜尚留给后人的先驱者形象。杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和评判标准，以毫无挂碍的自由精神为艺术创作目标，成了西方艺术界的共识。BottleRack/Egouttoir(orPorte-bouteilles).1914/64.Readymade:bottlerackmadeofgalvanizediron.59x37cm.Originallost.Replica.Privatecollection.1915—1923年，杜尚花了8年时间创作了一件“没有完成的”试验性作品《新娘甚至被光棍们扒光了衣服》（俗称《大玻璃》）。这是一幅画在玻璃上的可以两面观看的油画，也可以说是一件装置作品，杜尚采用了镶嵌铅丝作边线，线内填色，最后镀上铅膜的技法，玻璃上画的是包括巧克力磨、内燃机在内的各种机械图案。它的形式模棱两可，其含义更是隐晦不明。WithHiddenNoise.1916.Readymade:Ballofstringbetweentwobrassplatesheldtogetherbyfourscrews.12.9x13x11.4cm.ThePhiladelphiaMuseumofArt,Philadelphia,PA,USA.FreshWidow.1920.Miniaturewindow:woodpaintedblueandeightrectanglesofpolishedleather.77.5x45cmonawoodenboard,1.9x63.3x10.2cm.TheMuseumofModernArts,NewYork,NY,USARotaryGlassPlates(PrecisionOptics).1920.Fivepaintedglassplatesthatrotatearoundametalaxisandappeartobeasinglecirclewhenviewedatadistanceofonemeter.120.6x184.1cmandglassplateof99x14cm.YaleCenterforBritishArt,NewHaven,CT,USA.TheBrawlatAusterlitz.1921.Miniaturewindow:oilonwoodandglass.62.8x28.7x6.3cm.Staatsgalerie,Stuttgart,Germany.杜尚为后人树立了藐视权威、超越限制、追求彻底自由的榜样，他的现成品是一种意在象外的象征物，它们所表达的含义就是“艺术无处不在”，“什么都是艺术，人人都是艺术家”。对于美国这样一个原本就没有传统束缚、敢想敢干、勇于进取的民族，杜尚的思想无疑强化了他们的民族特性，更给他们无拘无束的大胆进取指明了方向。WhyNotSneezeRoseSélavy?1921/64.Readymade:152marblecubesintheformofsugarcubeswiththermometerandcuttlefishboneinabirdcage.12.4x22.2x16.2cm.Privatecollection.《罗斯·塞拉维，为何不打喷嚏？》美国艺术家便在杜尚开创的这条“观念主义”艺术之路大踏步前进了。美国艺术在第二次世界大战之后出现的蓬勃兴旺的局面，它的大部分探索都是对这条新道路的开拓与发展。WhyNotSneezeRoseSélavy?consistsofasmallbirdcage,fittedinsidewithfourwoodenbars,containingathermometer,acuttlefishboneandonehundredandfiftytwomarblecubescuttoresemblesugarlumps.Ontheundersideofthecage,inblackpaper-tapeletters,thetitleanddateoftheworkhavebeenaffixed,witheachwordplacedonaseparateline:WHYNOTSNEEZEROSESELAVY?1921回顾保罗·塞尚

在西方艺术史上，保罗·塞尚（PaulCézanne,1848--1903）被称为“现代艺术之父”，现代艺术史就是从他开始写起的，但是塞尚所发动的只是一场“画布内的革命”，他要造反的对象是西方传统绘画的写实主义。这场革命经由野兽主义、表现主义、立体主义和未来主义的不断深入，可以说是大功告成大获全胜了。

塞尚及其信徒们都还是虔诚的画家，他们殚精竭虑所钻研的始终是“怎样画”的课题，通过一步步将客观对象简化、分解、重构和抽象化，他们最终创造了一种完全独立于客观自然的抽象艺术。尽管抽象艺术与写实艺术是那样的面貌迥异，但两者仍然有着一脉相承的内在联系，因为塞尚派的艺术家承袭了西方人自古希腊建立起来的站在人本主义立场上，以理性主义来观察、认识和探究世界的思维方式，他们的艺术是工业文明时代西方人探索宇宙及其奥秘的新成果。

如果说塞尚是“现代艺术之父”，杜尚则可称为“现代艺术之继父”，而且与前者相比，后者的艺术更富有革命性，其影响力也来得更为强烈更为巨大。

因为，塞尚所开创的艺术带来的只是艺术语言和表现形式的更新，而杜尚则从根本上颠覆了艺术的固有概念和既定标准。塞尚是一位地道的画家，他开创的是“形式主义”(Formalism)艺术；而杜尚是一位彻底的思想家，他将西方艺术引上了一条“观念主义”(Conceptualism)艺术之路。

杜尚告诉世人，当艺术家不必画画、不必做雕塑，因为世界和生活本身就是艺术。艺术可以是有形的物体，更可以是无形的观念。

杜尚的种种创作被艺术史家划归达达主义(Dadaism)的范畴，它们是杜尚反美学、反传统、反艺术的观念的体现。这些达达主义的现成品艺术标志着西方现代艺术史的根本性转折。超现实主义

超现实主义（surrealism），探究此派别的理论根据是受到弗洛依德的精神分析影响，致力于发现人类的潜意识心理。因此主张放弃逻辑、有序的经验记忆为基础的现实形象，而呈现人的深层心理中的形象世界，尝试将现实观念与本能、潜意识与梦的经验相融合。

第一次世界大战后在法国兴起的在文艺及其他文化领域里对资本主义传统文化思想的反叛运动，其影响波及欧美其他国家。它的内容不仅限于文学，也涉及绘画、音乐等艺术领域。它提出了创作源泉、创作方法、创作目的等问题，以及关于资本主义社会制度和人们的生存条件等社会问题。超现实主义者自称他们进行的是一场“精神革命”。

自动主义，超现实主义者的宗旨是离开现实，返回原始，否认理性的作用，强调人们的下意识或无意识活动。法国的主观唯心主义哲学家柏格森的直觉主义与奥地利精神病理家弗洛伊德的"潜意识"学说奠定了超现实主义的哲学和理论基础。

超现实主义的文学作用甚多。1921年，布洛东和苏波合著的《磁场》，是超现实主义第一部实验性的作品，首次提出了无意识书写和自动的写作的问题。在理论上，超现实主义艺术运动的发起者是两位作家，布列顿和阿波利奈尔。超现实一词是诗人阿波利奈尔首用的，原是哲学上的术语，最初称为“超自然主义”，后来才用于绘画上。1924年，布列顿发表了第一篇超现实主义宣言，1928年发表了一篇重要论文《超现实主义与绘画》其思想的基础是在求取人间想像力的解放。

布列顿对超现实主义的定义是：

“超现实主义，名词。纯粹的精神的自动主义，企图运用这种自动主义，以口语或文字或其他的任何方式去表达真正的思想过程。它是思想的笔录，不受理性的任何控制，不依赖于任何美学或道德的偏见。”布列顿又说：“我相信，在表面上被认为矛盾的两个状态，将来是有办法解决的，那便是梦与现实的统一。那可以说是绝对现实的一种，也可以说是超现实的一种。”达利（1904—1986），西班牙著名画家，是超现实主义绘画运动中最有影响力的领军人，他在绘画、文学、电影、珠宝等方面有着特殊的贡献。达利不但画画，还搞摄影、拍电影、写文章。在生活中常常表现出惊世骇俗的行为。他的两撇胡须，要经常粘牢才能保持像钢叉一样直竖上翘的姿态。玛丽莲·梦露扮演的毛泽东，由萨尔瓦多·达利和菲利普·哈斯曼（PhilippeHalsman）共同创作拍摄的《MaoMarilyn》（毛梦露）达利说，“我与疯子的惟一不同之处在于我没疯”。萨尔瓦多·达利，西班牙超现实主义画家和版画家，达利是一位具有非凡才能和想像力的艺术家，以探索潜意识的意象著称。达利说，“超现实主义就是我”。

“记忆的永恒”创作于1931年，非常典型地体现了达利早期的超现实主义画风。画面展现的是一片空旷的海滩，海滩上躺着一只似马非马的怪物，它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部；怪物的一旁有一个平台，平台上长着一棵枯死的树。

而最令人惊奇的是出现在这幅画中的好几只钟表都变成了柔软的有延展性的东西，它们显得软塌塌的，或挂在树枝上，或搭在平台上，或披在怪物的背上，好像这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了。

《原子的达利》是哈尔斯曼的代表作品，也是哈尔斯曼为达利拍摄的最有名的一幅照片。画面里似乎只有达利和画板才有点关系，体现了达利正在作画的事实，但是凭空出现的水和猫却相当令人费解。且一切全都“漂浮”在空中，这荒谬而又怪诞的形式让人觉得这一切似乎都在梦中，根本无法用常规的经验对此做出解释。

而此作品的伟大之处在于这种超现实主义的风格恰恰符合了达利的超现实主义画家的身份，极主观又极客观的反映了被摄主题。另一支超现实主义的绘画则是以米罗为代表，他们追求作画过程的无意识性，以致在画面上出现纯粹受心理作用支配的意象，最终结果总是充满幻觉的和具有生命形态的抽象画面。因此，它又被称为有机的超现实主义或绝对的超现实主义，这一倾向与达达主义者和某些未来主义者所从事的偶然机遇和无意识行为的试验有关联。胡安·米罗（JoanMiro，1893年4月20日—1983年12月25日）20世纪西班牙绘画大师，超现实主义绘画的伟大天才之一。

除绘画外，米罗也涉足其他领域，如蚀刻、平版画、水彩、蜡笔、拼贴画等。早年接触过许多前卫艺术家，如文森特·梵高、马蒂斯、巴勃罗·鲁伊斯·毕加索、卢梭等人的作品，也尝试过野兽派、立体派、达达派的表现手法。逐步形成了完全属于自己的艺术风格。当然，这成功还得益于他家乡美丽的自然环境和深厚的文化艺术传统。1983年12月25日，米罗逝世，享年90岁。向戀人們展示未知世界的一隻美麗的鳥，1941米罗的艺术是自由而抒情的。他的画中往往没有什么明确具体的形，而只有一些线条、一些形的胚胎、一些类似于儿童涂鸦期的偶得形状。颜色非常简单，红、黄、绿、蓝、黑、白，在画面上被平涂成一个个的色块。看起来，这些画自由、轻快、无拘无束。

但是，如果你认为它们是漫不经心一蹴而就的，那你就错了。它们其实是艺术家自由幻想和深思熟虑相结合的结果。

正如米罗自己所述，“当我画时，画在我的笔下会开始自述，或者暗示自己，在我工作时，形式变成了一个女人或一只鸟儿的符号……第一个阶段是自由的，潜意识的。”但是，“第二阶段则是小心盘算。”

因此，尽管米罗的画天真单纯，仿佛出自儿童之手，但它们绝没有儿童画的稚拙感，它们是缜密思考后的流畅活泼。他的艺术代表了超现实主义的另一种风格，即有机的超现实主义。米罗的作品是令人愉快的，其画面洋溢着自由天真的气息，往往人见人爱。他的艺术代表了超现实主义的另一种风格，其超现实主义作品主题来源于记忆和梦境，即有机的超现实主义。带有怪异和幽默的特征，包括扭曲的形体和古怪的几何结构。他企图要毁灭理性和逻辑的主宰，把无意识和非逻辑心灵的冲力从中解放出来，且探测不可见领域和视觉世界的奥秘。米罗后来把形体和结构抽象为点、线和爆发的色彩。被奉为二十世纪超现实主义艺术先行者的是亨利·卢梭。他凭着本能画画，“他认为创作者必须获得完全的自由才能在思想上达到美与善的境界”（亨利·卢梭自语）艺术家的全部秘密就是心灵的自由。它无需乞求，只需小心地、坚定地、执拗地保持和维护。它是一份人人享有的天赐。当然，为保持心灵的自由，就需要更多的牺牲。看看卢梭，当他离开世界的时候，告别的，只有贫穷。《睡着的吉普赛人》HenriRousseau,亨利·卢梭,1844-1910年,法国

这是一幅具有异国情调的作品，一位席地而睡的吉普赛人和一头雄狮在空旷冷峻的沙漠境界中格外神秘莫测，具有明显的超现实主义画风。《梦》HenriRousseau,亨利·卢梭,1844-1910年,法国画家在这幅画中所创造的奇妙而迷人的境界，正式借用梦境超脱于现实的那种神秘与荒诞，给观众造成难以言状的激动。《猩猩和热带雨林》画面中，两只黑猩猩在树上荡秋千，其它的猩猩坐在空想的热带雨林里的小溪边，画面颜色丰富而有秩序。这种装饰性和线性风格和透视感的排斥源于图解式艺术，也反映了卢梭作为职业艺术家的偶发性工作。卢梭也常被人称为“原始主义”画家。因为他笔下那浸润着幻想色彩的热带丛林风光，人与野兽间充溢着温情的对视，和一种似梦非梦的神秘情调，很容易将人引向对一个遥远的古老时代