教师考编绘画鉴赏

《写生珍禽图》背景黄筌五代时西蜀画院的宫廷画家内容画面中画了鹡鸰、麻雀、鸠、龟、昆虫等24只小动物均匀地分布，它们之间并无关联，亦无一个统一的主题，但每一件动物都刻画得十分精确、细微，标志着中国画中的花鸟画从早期的粗拙至此已经臻于精美。这幅《写生珍禽图》只是作者为创作而收集的素材，一幅稿本。形式勾廓填彩，此图勾轮廓的墨线大都非常轻细，似无痕迹。所赋色彩，也明显区别于唐画的浓烈艳丽，而是以淡墨轻色，层层敷染，更重质感，充满富贵气象。这种绘画风格，注重表达物象的精微、逼真，似乎有些接近于现代的照相再现价值可了解黄筌的作品之精妙，可以想象到黄氏其它作品的巨大魅力。《千里江山图》背景王希孟北宋晚期中国画家内容画卷表现了连绵山势，幽岩深谷，高峰平坡，流溪飞泉，水村野市，渔船游艇，桥梁水车，茅蓬楼阁，以及捕鱼、游赏、行旅、呼渡等人物的活动。全面继承了隋唐以来青绿山水的表现手法，突出石青石绿的厚重，使画面爽朗富丽。人物活动栩栩如生。充满了作者对美好生活境界的向往。在运笔上，继承了传统青绿山水画法，细腻严谨，点画晕染均能一丝不苟，勾勒轮廓，也间以没骨法画树干，用皴点画山坡，丰富了青绿山水的表现力。在用色上，作者于单纯的青绿色中求变化，有的浑厚，有的轻盈，水、天、树、石间，用掺粉加赭的色泽渲染，使画面层次分明，灿烂夺目。布局交替采用深远、高远、平远的构图法则，取不同视角以展现千里江山之胜。被称为“中国十大传世名画”之一《采薇图》背景李唐南宋画家内容在画面的中心位置，一块巨大的岩石光滑如砥，石上有二人相对而坐，这就是作品中的主人公——伯夷与叔齐。正面的一位抱膝安坐，神态老成持重的男子，大概是长兄伯夷吧?此时，他正侧着头仔细聆听着叔齐的谈论，表情庄重肃穆，眉宇间仿佛还带着许多的忧虑，似乎正在追忆故国往事。叔齐的形态略显活跃，他身体斜倾，右手撑地，左手探出二指，像是在向兄长诉说着周武王“以暴易暴”的种种罪状。形式运笔，树木的画法颇具新意，那株松树只是用重墨粗笔勾出树干，然后略加些鳞纹，勾皴。浓淡不同的色彩晕染，显得苍劲浑厚。松针在勾勒之后再用青绿色重新描一次，显示郁郁葱葱的景象价值金国对北宋的战争毕竟是不正义的。从李唐的这一举动可以看出他的立场和气节。正是因为他自身所具有的这种民族气节，才会鄙视那些甘于为金国效力的北宋臣子。于是，他创作了具有讽刺与警世意义的《采薇图》。《踏歌图》背景马远南宋画家内容此图近处田垅溪桥，悬崖峭壁，疏柳翠竹为景，有几位老农边歌边舞于垅上。中段空白，云烟迷漫，蒙蒙细雨。远处奇峰对峙，宫阙隐现，朝霞一抹。形式故《踏歌图》中的山石用斧劈皴，用笔苍劲而简略，大斧劈皴极其干净利索，正是院体的典型特色。他用简括的线条，清秀的色彩，巧妙地把山环水抱的复杂景物画得远近分明，图中没有花草的陪衬，却表现出愉快的春山环境。构图上善于采用以局部表现整体的手法，常画山之一角、水之一涯，使画面呈露出大片空白。价值“丰年人乐业，垅上踏歌行“。这首诗点明了画的主题，也是宋朝皇帝对太平盛世的企盼。《寒江独钓图》背景马远南宋画家内容只画了漂浮于水面的一叶扁舟和一个在船只上独坐垂钓的渔翁，他身体略前倾，全神贯注，或许此时正有鱼儿咬钩？由于钓者坐在船的一端，故尔船尾微微上翘。四周除了寥寥几笔的微波之外，几乎全为空白。然而，就是这片空白表现出了烟波浩渺的江水和极强的空间感，更突现出一个“独”字，衬托了江上寒意萧瑟的气氛，从而更加集中地刻画了渔翁专心于垂钓的神气，也给欣赏者提供了一种渺远的意境和广阔的想象余地。这形式这幅画取平远布局构图，巧妙利用空白。有宋人笔意，轻描淡写进行勾勒。画面上的色调单纯，点以赭石、花青，与墨色相间。价值中国古代绘画的最重要特色《富春山居图》黄公望元代画家水墨山水内容用苍润精炼的笔墨和优美动人的意境，描绘了浙江富阳一代山水容貌和富春江上的风光形式用笔上已显然取法董源、巨然，但更为简约利落。山石的勾、皴，用笔顿挫转折，随意而似天成。全图用墨淡雅，山水疏密得当，黑白浓淡、干湿并用，极富变化，价值中国十大传世名画之一，堪称古代山水画中的巨作，对后代画家具有深刻的启发和影响《清明上河图》1、张择端北宋画家风俗画2、内容通过郊野、汴河、街市三个段落，展现了北宋都城汴梁汴河两岸清明时节的街市景象。大到广阔的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、摊贩上的小商品、市招上的文字，和谐的组织成统一整体，在画中有仕、农、商、医、卜、僧、道、胥吏、妇女、儿童、篙师、缆夫等人物及驴、牛、骆驼等牲畜。有赶集、买卖、闲逛、饮酒、聚谈、推舟、拉车、乘轿、骑马等情节。画中大街小巷，店铺林立，酒店、茶馆、点心铺等百肆杂陈，还有城楼、河港、桥梁、货船，官府宅第和茅棚村舍密集。3、形式采用了三点透视，布局有序，内容丰富，主题突出。采用了线描淡彩画法，紧密结合对象质感特征。4、价值体现了中国古代风俗画的最高成就，对研究宋代城市生活、服饰、建筑、工商交通等具有重要的文献价值《双喜图》崔白宋代画家花鸟画内容图绘秋天旷野，枯枝折倒，残叶飘零，小草伏地，一片萧瑟之中，两只禽鸟扑翅鸣叫，顶风飞来，其一刚攀在树枝上，目光俱向下，原来在残枝败草之中，有一只褐兔正回头向它们张望。双禽的鸣叫不安，是因为褐兔的出现惊扰了它们，还是凛冽的寒风，警示了冬的来临，它们在向褐兔传递这冬的信息？场景萧瑟寒凝，却是自然界寻常生命景象的再现，体现出画家对生活观察的细致，令观者回味无穷。形式：工、写结合，枝叶双勾，甚至连细草也双勾，但禽与兔则勾、点、染结合，褐兔皮毛以笔尖簇点，层层积染，而禽鸟的羽毛则填染白粉，皮毛的质感强烈。土坡以干笔淡墨粗勾几笔，然后略加皴擦，只在局部加以密集的皴笔，却也将秋天旷野的落寞突现出来。飞鸟与褐兔的上下呼应，将疾风中零乱的一切涵容，而树身、枝干的勾、皴、擦、染，老练而雄健，显现其借鉴于山水画，技术已经非常之成熟。《骑驴思归图》明代，唐寅内容画山花烂漫，高山重叠、流泉断涧之景。盘曲的小路连接着临流危桥和谷间茅屋，其间有负薪过桥的樵夫、骑驴归家的士人，表现了文人隐逸的思想情趣。形式唐寅画笔初出周臣，上追李唐，后渐变其法，此图画法熟练，石皴和树干都用湿笔中锋，把大斧劈皴变为带水长条皴，秀润缜密，挥洒自如，已展现出唐寅独特的用笔格调。《秋风纨扇图》1、明代唐寅2、画中描绘了立有湖石的庭院，一仕女手执纨扇，侧身凝望，眉宇间微露幽怨怅惘神色。她的衣裙在萧瑟秋风中飘动，身旁衬双勾丛竹。3、构图上，画中的背景极其简明，仅绘坡石一角，上侧有疏疏落落的几根细竹，大面积空白给人以空旷萧瑟、冷寞寂寥的感。此图用白描画法，笔墨流动爽利，转折方劲，线条起伏顿挫，把李公麟的行云流水描和颜辉的折芦描结合起来，用笔富韵律感。全画虽纯用水墨，却能在粗细，浓淡变化中显示丰富的色调。《李白行吟图》梁楷南宋画家白描简笔画寥寥数笔就把“诗仙李白“的那种纵横飘逸，才思横溢的风度神韵表现的惟妙惟肖不拘泥于细节，突出诗人性格特征，以反映诗人精神状态和思想时的瞬间加以概括和描绘，草草几笔，言简意骇。毫无雕琢做做之气，将人物刻画推向了一个新的高度其简笔画对后世以及至今画家创作都有极为重要的影响《群马图》在中国现代绘画史上，徐悲鸿的马独步画坛，无人能与之相颉颃。在他个人的艺术成就中，也以画马的成就最为卓著。他一生致力于国画的改革，而体现他国画改革最高成就的就是他的国画奔马。在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又参用西方的透视法、解剖法等，逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。用笔刚健有力，用墨酣畅淋漓。晕染全部按照马的形体结构而施加，墨色浓淡有致，既表现厂马的形体，又不影响墨色的韵味。此幅《群马图》作于一九四O年，徐悲鸿当时正旅居印度，他从报上得知中国军队在鄂北痛击了日本侵略者，喜不自禁，乘兴挥毫，写下这幅逸兴遄飞的佳作。借这幅奔马图，他抒发了自己对国家、对民族的明天满怀的希望以反对抗日战争必胜的信念。托物言志是他绘画的一大特色。《流民图》蒋兆和先生的代表作作品通过对100余位无家可归者躲避日军轰炸、在死亡线上挣扎的痛苦情状的塑造，展现出由侵略者造成的饿殍遍地、生灵涂炭的人间悲剧。构图上多为半身特写，画家注重对人物个性的刻画，笔墨侧重渲染悲呛得气氛，具有强大的艺术感染力。画家勇气浑厚有力的笔触诉讼战争，与所有不幸的人一起呼唤和平，蒋兆和把西画素描手法引入中国画、每画一个人物都必求有生活依据，有相应的模特儿作参考。他适当吸取光影法刻画人物面部，但又以线描为主要造型手段——这是自近现代倡导写实主义绘画以来，在人物画领域所获得的巨大成果。流民图以前所未有的宏大、悲壮，为现代中国水墨人物画在世界反法西斯战争的艺坛上确立了不朽的地位《父亲》罗中立照相写实主义手法画画中国的一位普通的，贫困的，苦涩的老百姓，人物的形象是人们再熟悉不过的老年农民形象，老人枯黑，干瘦的脸上布满了象沟壑，深陷的眼睛露出了凄楚、迷茫又带着恳切的目光，象是在缅怀过去，又象是在期待未来，。干裂、焦灼的嘴唇似乎已被封干许久，仅剩一颗门牙的嘴里不知饱尝过多少的酸、甜、苦、辣，犹如耙犁一般的破伤的大手捧着一个破了又被重新锔起的粗瓷碗在喝水，细小毛孔里渗出的汗珠不知已滑落多少，稀疏口胡须，还有那象征着悲剧色彩的苦命痣，都无不打上了他艰苦劳动，生活悲惨的烙印，站在这幅巨大的肖像画面前，使人们感到了他身上特有的烟叶味，感到他的肌肤在抖动，叫人们思考，引起全社会的关注。在他身上汇集着中华民族的优秀传统的百折不屈的创造力，是我们传统的力量，这种强烈的视觉效果在观众的心中产生的是一股平凡而又伟大的情感，是憾人心魄的，正是罗中立毫不遮掩的把农民的“丑”真实的表现出来，才使得“父亲”的形象更加真实可信、有血有肉。《谿山行旅图》范宽（950—1032），宋代画家这幅竖长的大幅作品，扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二。高山仰望，人在其中抬头仰看，山就在头上。使人犹如身临其境一般。这就是在如此雄伟壮阔的大自然面前，人显得如此渺小。山底下，是一条小路，一队商旅缓缓走进了人们的视野——给人一种动态的音乐感觉。马队铃声渐渐进入了画面，山涧还有那潺潺溪水应和。动中有静，静中有动。这就是诗情画意！诗意在一动一静中慢慢显示出来，仿佛听得见马队的声音从山麓那边慢慢传来，然后从眼前中锋顶立，卷云皴，雨点皴、墨色凝重、浑厚，而且极富美感，通副无一败笔，台北故宫博物院收藏，是中华山水画之瑰宝，对后世山水创作产生了巨大的影响。《庐山高图》1、明代画家沈周文人画长轴，纸本设色2、是专为其师陈宽而作。近似王蒙的笔法，集中表现了雄伟瑰丽的庐山形象。以此来象征其实崇高的人格。3、布景高远幽深，山石多用披麻皴、解索皴，浓墨点苔，墨丰笔键。表现出庐山大气雄伟的动人景象。4、是水墨山水的经典之作，诗画并茂、寓情于景的巨幅杰作《血衣》王式廓油画稿素描《血衣》艺术风格质朴、浑厚，画家通过自己对艺术形象强烈鲜明的感受，对人物造型的准确的把握，以精湛的艺术技巧，把自己的感受用自己的语言表现出来。《血衣》中，无论是双目失明的母亲，持血衣控诉的妇女，持字据的老汉，残废者或是青年民兵等等，每一形象，画家都进行了真实的描绘，都鲜明地洋溢着作者对主人公的深厚同情和热爱，对于这些受侮辱，受损害的善良农民的悲惨遭遇的不平。画家从现实主义出发，用黑白对比的手法，奔放粗犷的线条，对人物细节的虚实处理达到了画面真实与现实真实的统一，使人物的外在形象与内心世界浑然一体。是画家参加土地革命运动所积累的生活体验于素材为基础而创作的大型素描，场面宏大，人物众多，坐着真实、生动的刻画了人物的性格和内心世界，富有极强的艺术感染力《哀悼基督》乔托佛罗伦萨文艺复兴乔托的杰作，充满哀伤之情，是斯克罗情感最著名，情感最澎湃的壁画。描绘围绕着从十字架上解下的基督遗体、哀恸基督死亡的场景。采用自然而又强烈的效果让圣母的脸靠近基督。借由灰色岩石上的斜线以及众人同方向的视线、肢体表情，引导观者视线落在死亡基督及日夜哀伤母亲的头部。荒凉郊野的背景，强烈传达故事性、象征性及叙事性。露出的岩石突然倾斜向死亡的基督，将画面斜割为两个部分，强调死亡的事实，凸显无法逃避的命运。画面描绘的众多人物，呈现各式各样的情感。尼可戴蒙及阿利马它亚的约瑟面无表情；新约圣经的玛利亚温柔地握着基督的双脚啜泣不止；女士、天使们绝望地紧握双手，日夜哀伤放声大哭。在这幅画，乔托大胆地突破了教会绘画传统，不是图解式的，而是以逼真生动的形象让我们看到了一个悲悼耶稣的情景。通过乔托，整个绘画的概念改变了：绘画不再是用图像来写作或复述文字内容，而是通过创造幻象使故事重新发生在我们的眼前。也许，透视法在希腊绘画中还只是一个单纯的技巧，但在乔托确立了定点透视之后，它就成为一个改变绘画观念的重要的革命因素。《纳税钱》1、马萨乔佛罗伦萨文艺复兴早期2、这副画上以连环的形式描绘了三个情节：阻拦、捉鱼及交付丁税。这个宗教故事完全被画家描绘成真实的世俗场面，表现了罗马税吏向耶稣收税的故事，画面以中央的基督及其门人群像为主，全面透视焦点集中于基督头部，光线和礼拜堂窗口进光方向一致，构成了前所未有的富于真实感的效果。画中人都是画家同时代的普通百姓，他们按自己身份和所处的地位，被恰当地安置在真实的自然环境中，符合空间透视法则，具有深远感，人物被塑造得庄严而厚重，结构明确而清晰。3、对以后致力于现实主义创作的艺术家产生了深远的影响《失乐园》马萨乔佛罗伦萨文艺复兴早期《失乐园》故事取自《旧约•创世纪》。描写天神撒旦率领天使反抗上帝，失败后被打入地狱，在烈火中受罪。撒旦为了泄恨，潜入伊甸园劝诱夏娃违反上帝命令，偷食禁果，随后亚当情不自禁，也尝了禁果。因此二人被上帝逐出乐园，谪往世间，胼手胝足，自谋衣食，“失去了乐园”，意即指此。原是乐园的主人的亚当、夏娃，如今落得到处漂流，要在罪恶、悲惨、死亡的路上讨生活。说明人类不幸的根源，认为人由于意志薄弱、经不起引诱而感情冲动导致违禁犯罪。《春》波提切利佛罗伦萨文艺复兴晚期人物被安排在一片森林之中，中间是维纳斯，右边是花神，左边是三女神。三女神是凝固的舞蹈者，腹部、乳房和臀部的弧度曲线，透过轻柔透明的衣裙表现出极强的动感，使人物活动起来。坐着利用形体具有运动感的细致入微的线条节奏来表现形体的体积感，创造出画面的幻觉。《蒙娜丽莎》达芬奇文艺复兴三杰《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了空气透视法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。在构图上，达·芬奇采用了3/4正面胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，展示了她的温柔，及身份和阶级地位，背景使用“空气透视法”使主题愈加鲜明，充分突出了人物健康、华贵和青春之美确立了个人价值，肯定了生活的积极意义。成功塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级妇女形象。画家以科学的精神去观察自然的态度。《最后的晚餐》达芬奇壁画作品取自圣经故事，表现犹大像官府告密出卖基督，基督在被捕之前，与十二门徒共进晚餐的情景。作者改变了文艺复兴早期对这一题材的传统处理方式，将图中人物列为一排，基督居画面中心，将十二门徒分4组，对称分列两侧，由于门徒性格不一，听到耶稣的话，震惊不已，表现出了不一样的动态。同时又通过每个人的手连成一个整体，最后都是朝向耶稣，形成了一个穿插变化又相互统一的整体。同时，画家把耶稣位置绘在对角交叉点上，并通过耶稣身后明亮的窗户与建筑的透视线加以衬托，使耶稣处于视觉中心位置，又扩散开来，起到统领全局的作用，达到了统一的形式美效果，解释了画面善恶之主题。《岩间圣母》达芬奇油画金字塔形构图第一幅在构图上，达芬奇用的是金字塔形构图，它具有一种稳定感。四个人物统一在这一稳定的结构中。尖顶部位正好是圣母的头，耶稣的左手与天使的衣角，是塔形右轮廓的边缘，但这种塔形构图不是很呆板的对称公式，中心人物的圣母仍稍微向左侧倾，而塔形构图的下部却接近于棱形；约翰的头部略低于对面天使的头部，两角不相平衡，由于背景洞口的亮光被加强了,它们的色彩对比仍然是稳定的。全景既显得庄重，又很自然，它具有古典美的造型特色。暗示和象征《岩间圣母》充满了暗示与象征，显示了达芬奇谜样的心灵，天使以明显的手势指着圣约翰有何含义？被圣母保护着的圣约翰是否代表人类需要圣灵的保护？而被描绘得像子宫般造型的洞穴，是不是暗示着生命的起源？空气透视色调第二幅在色调上，全画是以棕褐色为基调的，圣母身上的深青与天使披风上的紫红、金黄和银灰色构成对比；耶稣与约翰的肌肤，与约翰的金黄色鬈发构成对比。阴暗的岩洞使达·芬奇发挥了他最擅长的明暗对比法则。《大卫》1、《大卫》，是文艺复兴雕塑巨匠米开朗基罗的代表作，被视为西方美术史上最优秀的男性人体雕像之一。2、米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手抓住投石带，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的“静中有动”的感觉。雕像是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使得大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。《创世纪》文艺复兴米开朗基罗画梵蒂冈西斯廷教堂礼拜堂天花板上的壁画作品是米开朗基罗在梵蒂冈西斯廷小礼拜堂天花板上的的壁画，面积达480平方米，西斯庭天顶画以圣经《创世记》（Genesis）为主线，在中央分割成九个画面，表现了圣经中所说的上帝创造世界与人类祖先，以及人类堕落而导致的灾难。作者画时4年之久绘制300多个比真人大两倍的人物，一人完成，是米开朗基罗绘画代表作之一。《雅典学院》拉斐尔文艺复兴壁画是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术为基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。画中哲学家、思想家、科学家汇聚一堂，大厅里洋溢着百家争鸣的学术气氛。居中的柏拉图手指天，亚里士多德手向地，还有专心写作的毕达哥等人。建筑物左右两边是文艺神阿波罗和智慧女神雅典娜，中心以上以心点透视画画出层层拱门延伸至画面深处。艺术家企图以回忆历史上“黄金时代”的形式，寄托他对美好未来的向往。《西斯廷圣母》拉斐尔文艺复兴画中表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的教皇西斯廷二世向圣母、圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的圣女渥瓦拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母、圣子的崇敬和恭顺。位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象。扒在下方的两个小天使睁著大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上整幅画表现除了人世间富于同情心和纯正感情的母性之美的歌颂《酒神节狂欢》提香威尼斯文艺复兴《酒神节》描绘的是希腊神话传说中酒神巴克斯（狄俄尼索斯）的事迹。这一切，与其说是狄俄尼索斯与众仙狂欢，不如说是民间青年男女在郊游中尽情痛饮的写照。这里不无为画家所歌颂的女性官能美的意欲，但主调仍然是健康的，它充满着为青年人生活中所独具的欢乐节奏。在一个叫安德罗斯的小岛上，居民们纵情狂欢，，以庆祝酒神节的场面。正面两个卧倒的女子正在说着悄悄话，一个笑得诡异神秘，另一个一边惊讶的瞪大了双眼，一边举起手中的酒杯，去接一名赤身男子给她倒的酒；旁边蹒跚学步的小童，也醉醺醺地低垂着脑袋，摇摇晃晃地迈着步；画面后方一位白衣女子，发丝飞舞，她两只手一手牵扯住一名男子，醉眼迷离，絮语绵绵，飞扬的裙摆下裸露的大腿衬得她愈发妩媚生姿。最值得注意的，应当是画面右下方仰卧的女人。一位全身袒裸的美丽女子，头向后方仰去，手臂后垂，搭在脑后；肆意地伸展着上体和双腿。在提香的另一幅作品——《乌尔比诺的维纳斯》中，女神维纳斯的情态、风韵像极了提香和乔尔乔内合作完成的《沉睡的维纳斯》中的女神形象。在本画中也是如此，“斜倚的女人体”不仅是画面构图的需要，也是对乔尔乔内的女体绘画样式的继承和发展，在后代画家的不断演进中，逐步树立了这种姿势的典范。画面背景中的蓝天白云，将整个天空延展得辽阔而深远，增加了画面的层次，使得整幅画的纵深感得到了加强。在《酒神节》中提香用色大胆而张扬，在描绘风景时，提香运用了丰富的冷暖色调的对比，表现出诗情画意的特质，色彩丰富且绚丽多变，这样一种明快奔放的色调节奏，淋漓尽致地体现出狂欢中人群的激情和热闹的气氛。画中人物动作激烈、肌肉发达，较为严整的构图反映了古典主义的影响，但又并不完全将它作为绘画的全部精髓。在这一刻，人性冲破了一切束缚，将人体的健美和盎然的生机豪迈地展现在观者眼前。神圣，不再单纯地赞美宗教，在这里，它是人性自由的化身。换句话说，《酒神节》可以说是一部赤裸裸地异教绘画，画中人物的狂欢形象超越了日常生活的尺度，画家作了微弱的理想化处理，以便将一种放浪叛逆的精神气质推向顶峰。《花神》提香威尼斯文艺复兴这是一幅肖像性很强的主题性绘画，画中是位手持花束的威尼斯美人，整个形象就像盛开的鲜花令人倾慕。据说画中女子是画家当时热恋的情人，画家只是借神话之名，表达自己对情人的爱慕之情。画家以半身肖像构图。画中人转身俯视，目光专注作沉思神态；似乎由于转身的动态而使宽松的内衣自然滑落，裸露出丰腴的酥胸；金黄色的秀发披撒在圆浑的双肩上，与充满生命的肉体形成对比，使健壮的身体透露出青春活力，整个形象给人以庄重、典雅之感。提香是一位伟大的色彩大师，他特别强调色彩的和谐，绘画笔触要服从于色彩与光线对比的需要，笔触不仅要刻画对象的质感，同时笔触的动态起着塑造形体结构和传达情绪的作用。我们在花神的形象上看不到笔触和色彩，映入眼帘的是真实的秀发、肉体和服饰，它们之间所富有的节奏韵律恰似一首优美和谐的交响乐曲《阿尔诺芬尼夫妇像》扬·凡·艾克尼德兰文艺复兴画家在这里描绘了尼德兰典型的富裕市民的新婚家庭，他用极其细腻的笔调，逼真地刻画了年轻夫妇俩的肖像，尤其对室内的陈设，包括墙上、房顶的装饰，描绘得一丝不苟，显示了这位画家所特有的书籍插图画的功力，阿尔诺芬尼这个在1420年被菲力蒲公爵封为骑士真实人物，在画上拘泥而彬彬有礼地正和他新婚妻子在洞房中迎接贵客：他举起了右手，表示一种仪式，象征矢志爱情；新娘则伸出右手，放在新郎的左手上，宣誓要永远做丈夫的忠实伴侣。在背景中央的墙壁上，有一面富于装饰性的凸镜，它是全画尤其值得观者注意的细节；从这面小圆镜里，不仅看得见这对新婚者的背影，还能看见站在他们对面的另一个人，即画家本人。。画面上方悬挂的吊灯点着一支蜡烛，意为通向天堂的光明；画的下角置一双拖鞋表示结婚；脚边的小狗表示忠诚；女子的白头巾表示贞洁、处女，绿色代表生育，床上的红颜色象征性和谐；墙上的念珠代表虔诚；刷帚意味着纯洁；而窗台上的苹果是圣经中的禁果，代表着警告；画面中间带角边的圆镜代表天堂之意。所有这些象征物既有基督教的信仰，又有世俗的观念，画家都一一收入画中，作了极为细致的描绘。每个圆形内画一幅耶稣的故事画，图像细小到难以识别。《农民的舞蹈》勃鲁盖尔尼德兰文艺复兴画中央那一对跳着舞往中景走去的农民夫妇，是背朝观众的，就像他们是偶然进入这个“镜头”里的。大概这是一个冬闲季节，辛苦了一年的农民们，在这个节日般的村口聚会笑谈，于是有人奏起了民间乐曲，有人用脚跺着节拍，翩然起舞，让终年劳累的筋骨松弛一下；左侧一张桌子前，一个农民正在吹奏风笛，后面两个农民在饮酒猜拳；在他们的后边，有一对情侣倩不自禁地在接吻。远处一家农舍前，一个农民急忙把女主人请出来跳舞。风俗气息浓郁，民间味道十足。他的画很少用调和色，他重视用线，只是显得疏密得体，色彩驳杂冷峻，形象偏重于寓意性，夸张和怪相是他的绘画特点。《雪中猎人》彼得。勃鲁盖尔尼德兰文艺复兴展示农村纯朴的冬猎生活作品，中景处结了冰的池塘，有人在滑冰、捕鱼，这些细小的人物打破了冬日的荒凉和静寂。天色阴沉，两三只寒鸦飞过，一切都是那样朴实自然，充满暖意。恰当的远近透视处理，使布局和构图具有深远的空间感和流动的气氛。山坡和地平线的交叉组合，浓重的树木和白雪覆盖的大地，于林间奔跑的猎人和敏捷的猎狗，共同形成了十分巧妙的动静结合。整体来说，作者基本上是运用黑白灰色调的交错对比来控制画中人物和自然的造型的，这种冷静而透明的审视态度，其实在勃鲁盖尔本人的心目中也是难能可贵的。也许在这幅描绘尼德兰地形风貌和美丽容姿的巨作中，还隐藏着作者对这种场面的留恋，因为他不知道多难的尼德兰何时才能从西班牙的奴役中走出来。《农名的婚礼》彼得。勃鲁盖尔尼德兰文艺复兴《农民的婚礼》是他表现农民生活的作品中最有名的一幅，它描绘了举办婚礼喜筵时的热闹场面，然而，面对混乱的场面，勃鲁盖尔仍能凭借他杰出的构图技巧，我们看到，近处那个端食物的人正是一个大三角形的顶点，他身穿蓝衣红帽、白围裙，在整幅画面中显得鲜亮而醒目，使观者一见到画，便首先将目光落在这一点。而在他的前方和左后方，有两位身着红色、白色服装的人与他相呼应。前一位是他的搭档，将人们的视线带到画里面；后一位是喜筵上的乐师，可他顾不上和同伴一起合奏，只是远远盯着刚端上的食物，他们姿态、动作的方向性自然地构成了一个空间上的折角。最靠墙的一排人恰好是这个三角形的底边，他们一直延伸到门口，那里还有好多凑热闹的人想拥挤进来。与远处人群的密集不同，前景中蓝衣人周围的空间却是格外开阔，在空隙之间，可以注意到两个分别戴着绿帽子和红帽子的人，他们一个举着空酒杯似乎在招呼要啤酒，另一个伸出手来接过木板上的食物，使餐桌外围与内圈的人联系起来。而在他的红帽子与蓝衣人的红帽子之间，留出了一个衬着墨绿色布景的空挡，它让我们发现了这场婚宴的主角——新娘。新娘满意地坐在一个纸糊的花冠下方，头上也戴了“宝冠”。即使处在后排，也让人能够一眼辨认出她的特殊身份来。她闭着眼睛，双手交叠在一起，似乎脱离了喧闹的环境，独自陶醉在对婚姻的冥想和期待里。红扑扑的脸蛋并不漂亮，可是自有幸福的笑容挂在嘴角上。。为了使图画和农村的简朴气氛相适应，艺术家有意让所有人物的衣着单调一色，明暗大为淡化，甚至将阴影省略。另外画家构图设色的高超技艺的同样惊人，他以从餐桌一端斜向展现纵深的形式把众人围聚就餐的情景表现得条理清晰，空间效果非常好，是应用了当时最先进的对角线构图法。墙上仅用一席绿色帘布使得新娘及家主所在位置突出，也使得主题集中，令观赏感到，虽是普通农家的宴席，却洋溢着隆重甚至圣洁的气氛。《四使徒》丢勒德国文艺复兴在这两条画面上，丢勒分别画了耶稣的门徒约翰和彼得、保罗和马可。左图中，年轻俊秀的约翰，内穿浅绿上衣，外披红色的大氅，侧立着，聚精会神地注视着手中的圣经；一旁的年老的彼得也低着他宽大的前额，俯首阅读，彼得手中捧着巨大的金色钥匙，他们显示出温柔、善良的性格。右图中，披着浅色大氅的保罗，一手捧着圣经，一手握着利剑，双目怒视，显示出刚毅的性格，深邃的眼神，锐利而逼人；一侧的马可，手握一卷，机警地注视着四周。这两组人物的形象、性格，形成了明显的对比。这幅画历来被看作是德国宗教改革时期艺术的纪念碑，它体现出丢勒的人文主义思想，蕴含着丢勒对宗教改革的态度，也显示了他的油画艺术的那种宏伟、概括、严谨、有力的特点。《阿波罗与达芙妮》贝尼尼意大利巴洛克时期画家该作品取材于希腊神话，描绘的是太阳神阿波罗向河神女儿达芙妮求爱的故事。雕像表现了阿波罗的手触到达芙妮身体时的一瞬间。两人都处在乘风奔跑的运动中,达芙妮的身体已开始变成月桂树，行走如飞的腿幻化为树干植入大地，飘动的头发和伸展的手指缝中长出了树叶。但达芙妮的整个身体仍具有凌空欲飞的姿态，手臂与身体形成了优美的S形。她侧着头，目光由惊恐变为麻木，具有使人怜悯的感。阿波罗眼睁睁地看到达芙妮变成了月桂树，神情由惊讶转为悲伤，却无力挽回。他的一只手仍然放在达芙妮的身体上，另一只手则向斜下方伸展，同达芙妮的手臂形成一条直线，使整个雕像有一种动荡的感觉，充满了表现力。雕刻家采用绘画的造型手法塑造了一个具有戏剧性效果的群雕，这是雕坛的空前创举。这组雕像表现了两个处于激烈运动中的人体，人物都处在乘风追奔的运动之中，给人以向上升华、轻盈、充满生命力的优美感觉。激情、激烈运动正是巴洛克艺术的特征。雕刻家以纯熟的征服云石的技巧和信心，使冰冷坚硬的云石变成柔软的肌体和鲜活的生命，表现出各种不同的质感对象。他的伟大之处还在于不用任何支撑物，使开放的运动人体自由地展现在空间中，是米开朗基罗也不曾涉足的创造。《强劫留西帕斯的女儿》鲁本斯佛兰德斯巴洛克画家卡斯托耳与波吕刻斯两个黝黑的壮汉把留西帕斯的两个女儿从睡梦中劫走，正准备强行拉上马背的情景。画面上人和马占据了整个空间，两匹马和两对男女的交错动势，给人以强烈的运动感。马头、人手、马脚、人脚，放射般地向四角展伸，这里既是暴力，又是一种充满喜悦的游戏。不管这种风俗是表现双方的心愿还是双方的敌对，对画家鲁本斯来说是并不重要的，他所注意的是肉体与马匹之间的色调对比，关心的是人仰马翻般的猛烈的场面。画面左侧一角，画家又添画上一个长着翅膀的小爱神，它给整个画面作了一点暗示：这是一种爱情的暴力。这种动势的色彩，和他在另一幅《阿玛琮之战》画面一样，线的运动与裸体的质感造成一种狂热的色彩交响。近乎方形的构图，本来是稳定的，但形象组成了X形，却又构成了极不稳定的动乱。《杜普教授的解剖学课》伦勃朗荷兰巴洛克时期画面中一共有8个人，最右边的就是医学博士杜普教授，他是这幅画的中心人物，占据了画面的大部分空间。他正在聚精会神地解剖着手术台上的尸体，尸体臂部的肌肉清晰逼真。左边的7个人都在仔细看着教授的动作。他们的表情各异，真实可信。教授也许正在讲述解剖原理与手术实践的方法，其余的人则凝神察看，聆听教授的讲述。这种情节性肖像画不仅反映了荷兰新兴资产阶级对绘画的新要求，也展示出那个时代对于科学的探求精神。作为团体人物画，伦勃朗把所有的人物看成一个整体，设置一个特定的情节，把每个人都融入这个情节当中。画面中的光线是从左边射过来的，正好落在尸体和所有人物的脸上，人物脸部被描绘得准确传神。整幅画面结构非常严谨，层次感非常强。这正是伦勃朗最擅长运用的光的明暗强烈对比手法。这种手法可以突出形象的主要部分，造成心理刻画的效果，使得主题非常的鲜明。受光部分的质感极为强烈，而画面的其余部分则很暗，欧洲的美术史学家称把它称之为“紫金色的黑暗”。《夜巡》伦勃朗荷兰巴洛克时期画面采取的是近舞台剧的形式，队伍纷纷涌上街头，画中两位身着不同服装的人走在队伍的前列，构成了画面的中心。他们一个身穿黑军服，头戴黑礼帽，披着红披巾，一个穿着黄色军服，戴着黄色的帽子。二人正在沉着镇静地商议问题，准备对整个队伍的行动作出决议。其他队员跟在他们身后，有的手持长枪，有的挥舞旗帜，有的在互相议论，队伍出发时的紧张气氛跃然纸上。在人群中还有一个形象鲜明的小女孩，夹杂在人群中惊慌失措的样子，是整个画面的意外插曲，其实有人认为她是光明和真理的化身，是唤起人们反抗异族统治的光荣记忆。不过整个画面除了两个队长和那个小女孩外，其他人物都被安排在了暗色调的中、后景中，光线明暗对比强烈，人物主次分明，画家着意留出了大量黑色的空白，给人留下想象的余地。可是到了19世纪，由于油画失色，表面的光油呈现黑褐色，有人误认为画家描绘的是晚上的场景，因此取名《夜巡》。后经专家鉴定，画家采用的是白天的自然光线，描绘的也是白天的场景。射手队成员画一幅群像的订件。伦勃朗在构图上一反陈规，画面采用接近舞台效果的手法，既让每个人的形像都出现在画面上，又安排得错落有致，塑造了一个庄严有序的战士出征场面。巧妙的光线运用为画面增添了某种神秘感，两个主要人物处于照明中心，神情逼真生动，强化了画面宏伟的巴洛克风格，作品因此带有风俗画和历史画的性质。《宫娥》委拉斯贵支西班牙巴洛克描绘公主早晨穿衣服的情景。用了一大一小两个平面镜反应出了四个场景。正在绘画的画家自己，和小公主，两位宫女，和陪伴宫女的贵族少女和一直卧在地上的大犬为第一场景。正在向宫女展露新装的小公主，是从大的平面镜中反射出来的。在大平面镜中映出了小平面镜，通过小平面镜可以看出王后和国王正在端详自己的女儿，这是第二场景。第三场景是由宫女和大臣构成。第四场就是宫女后面的走廊。《教皇英诺森十世》委拉斯贵支西班牙巴洛克在这幅肖像中，画家既表现了此人的凶狠和狡猾,又表现了这个七十六岁老头子精神上的虚弱。画面上的教皇，尽管脸上流露出一刹那坚强有力的神情，但是他放在椅上的两只手都显得分外软弱无力。画家巧妙地抓住了这一点使人物形象变得更富有个性，从而给观众增加了很多的联想。这幅作品的油画技巧也是十分出色的。画面上,火热的红调子表现了特有的宗教的庄严气氛;白色的法衣和红色的披肩形成了强烈的色彩对比。笔触十分流畅自由,表现出艺术家的高超技巧。当这幅肖像送给教皇时，教皇惊讶而又不安地说了一句话：“过分像了”。可见此画的高度写实和逼真。《舟发西苔岛》瓦托洛可可美术西苔岛，传说中爱神维纳斯居住之地。瓦托尽情描绘贵族男女准备出发去那里访问的情景。既然那是个行乐的天地，画家就以蔚蓝色大海为背景，远望烟波浩渺，使人展开渴求这种环境的幻想翅膀。画中描写三姐妹各自带着自己的恋人准备乘船向西苔岛，寻求天堂胜景和永恒之爱的情景。画家把人物分成几组，近景处是三姐妹及恋人，他们成双成对准备随已经动身的情侣们同行。画家精心构思这一情节由最前面坐着的男女开始把观众的视线逐渐引向正在起身，起步缓行而后到违规而去的一队情侣，整幅画面形成了一个流动的时间曲线，造成活动的人物与安谧寂静的风景之间的对比。《狄安娜出浴》布歇法国狄安娜是希腊古神话中的月亮和狩猎女神。布歇以其娴熟的艺术技巧和善于描绘脂粉气很浓的审美趣味，画上描绘着狄安娜刚刚狩猎归来，右边一个即是狄安娜，在额前有月亮吊坠，画上还有狩猎物，洗浴完毕做在山坡上，草地上放着箭壶和狩来的猎物，猎狗在饮水（左下）。《荷加斯兄弟的宣誓》法国达维特新古典主义古罗马时代阿尔贝城和罗马城是姻亲邦，但是发生了纠纷，为了避免更多的亲人陷入仇杀，各选三名勇士来格斗，最后以胜者一方执掌两城的领导权。罗马城派出了荷拉斯三兄弟，阿尔贝城选出了古利亚斯三兄弟。格斗开始后，荷拉斯两长兄先后战死，最小的弟弟历尽凶险才以巧妙的战术获胜，因此被誉为全罗马的民族英雄画面上，在多立安式圆柱构成的沉实厚重的拱门前，神情刚毅的老父稳立当中，左手握着三把刀剑，右手上扬，正在引导儿子们起誓。画面左边的三个儿子跨步挺腰、右臂前伸，显得大义凛然。画面右边的女眷及子女虽显得忧戚悲沉，但没有阻止勇士的迹象。此画采用了金字塔构图，突出了悲壮主题。此画在沙龙展出时，又得到民众称赞，它正好与革命前夕民众跃跃欲试的情绪相吻合。为了祖国，必须牺牲个人和家庭的幸福，在这悲壮的戏剧场面上得到了充分的揭示。由于作者以朴实无华的写实风格、精确严谨的构图和英雄式雄浑的笔调进行了描绘，所以这幅画后来成为绘画艺术的典范。《马拉之死》法国达维特新古典主义画家用写实的手法再现了当时的情形：马拉倒在浴缸里，鲜血正在从伤口中流出；带血的匕首滑落在地，而凶手已经逃离现场。画家将画中的主角设计在一个情节和场景之中，丰富了肖像画的表现内容，增强了它的感染力。在构图，简洁单纯，人物追求雕像效果，给人一种肃穆的感觉。在色彩上，上画家有意将画面的上半部处理的单纯、深暗以突出下半部的客观写实表现，同时，加强死者身体的下垂感和这一令人震惊愤慨的事件给人们带来的压抑、憋闷即莫大的悲痛之感。随着法国大革命的到来，艺术倾向从表现女性变为视死如归的坚定。作品极具号召力，是画家一生中意义最大的肖像性历史画。《泉》安格尔法国新古典主义安格尔是法国新古典美术转折期的关键人物。《泉》是其晚年的作品，画中手举水罐的少女，以古典式的优雅姿态立于水边，双手托举水罐，水罐中水缓缓流出，如银的泉水寓意着少女纯洁的心灵。少女身材均称，皮肤光洁，端庄秀丽的面容散发着青春的美丽，这种单纯的色调和安格尔其主张以素描入画的观念一致，使画面显得典雅完美。《梅度萨之筏》席里柯法国浪漫主义画家大海上漂浮着一只岌岌可危的木筏，海风鼓起床单做的桅帆，巨浪掀起的木筏在不停地颠簸。筏上的难民有的已奄奄一息，有的还在眺望远方。被簇举在高处的人挥舞着手中的红、白色布巾，不断地向远方呼救。整幅画面给人以动荡不安、危机四伏之感，慑人心魄，站在此画前的观众无不为之震撼。金字塔构图，构图与人物的丰富表现力、色调的森严与沉抑和明暗的强烈对比开画家在这一海难事件中，看到了与复辟年代法国革命所遭遇的相似景象，《梅杜萨之筏》不是一幅单纯的“新闻”画，它是画家对现实的影射，反抗资本主义社会，但却看不清未来的前途；。开浪漫主义之先河，影响深远。《自由引导人民》法国画家欧仁·德拉克罗瓦倒在地上的尸体、战斗的勇士以及高举法兰西旗帜的女子，构成一个稳定又蕴藏动势的三角形。象征自由、平等、博爱的三色旗位于等腰三角形的顶点，自由女神的人群的头部的横竖黄金分割线的位置，场面宏伟，构图组织井然有序。他们身后都是一往无前的战士，远处的建筑是巴黎市中心的标志——巴黎圣母院。以一个象征自由的女形神象为主体，德拉克洛瓦的浪漫气质造就了这样一位袒胸露怀的女子形象，招呼着后方的人民，将神话中的自由女神与浴血奋战的人民安排到一起，她长着希腊雕塑般的轮廓，穿着朴素古典的衣着，与周围身穿现代服装的男士们相比，她更像一个抽象的人，代表着最高的精神与意义。紧跟她前后左右的是工人、市民、孩子、学生等。她的右方是一个持着双枪的少年，急速向前奔跑，表现了为了自由全民参战的的情景,他象征少年英雄阿莱尔。一名受了重伤的青年工人正抬头仰望自由女神的三色旗，前景右侧有两名政府军的士兵倒毙在地上，左侧躺着一位为自由而献身的起义者。他们手持武器，踏着血迹和尸体奋勇前进。她的身后有两个工人挥舞着尖刀，表情刚毅，显示出愤怒的神色。人群上方则是阴霾的天空。画家将他本人也画到作品里面，头戴高礼帽，身穿燕尾服，手中紧握长枪，大声疾呼，号召人民以伟大的过去为榜样，起来进行斗争，驱逐外国侵略者。尽管革命遭受挫折，欧洲上空黑云滚滚，坚信革命一定会胜利，自由终将到来，作品成为代表法兰西民族精神的标志。《自由引导人民》描绘的是硝烟弥漫的场面，画面中有受伤的、死去的人，却依然无法掩饰住人们为自由而战的渴望。整幅油画气势磅礴，色彩与明暗对比强烈，结构紧凑，用笔奔放，充分展现了浪漫派绘画的风格特点，具有强烈的感染力。用暗色作为主题，再加上神与人的共同奋斗，给人一种模糊、神秘的感觉。采取了顶天立地的构图形式。《马赛曲》吕德法国雕塑浮雕浮雕《马赛曲》分为两个部分：上部是一位象征自由、正义、胜利的自由女神，她右手持剑，左手高举，在号召人民向她指引的方向冲去。她那张开的羽翼,飞舞飘动的衣裙，和召唤性的内在激情，表现出急速的运动和奔放的革命热情。两腿大步向前迈进，更加强了浮雕形象的前进感。女神占据整个浮雕的上半部，正从人们头顶上疾驰而过。下半部是一群志愿军战士，在女神的热情号召下蜂拥前进。其中心人物是一个有着大胡子的战士，他带领自己年轻的儿子一起参加战斗，少年依傍着父亲，走得更加坚定有力。和这个跃跃欲试的激动少年相对应的，是走在其后的沉着刚强的老人，他仿佛多次为自由而战，今天为了祖国又从容奔赴疆场。行列的最前面，号手正在吹响进军号，其余人物有持盾牌和宝剑的战士，有弯腰系结兵器的弓箭手，这些细节预示着战斗即将开始。所有这些人物被组成一个整体，显示出一种剑拔弩张的声势。在这件不朽的作品中，雕塑家特别突出地表现了具有革命爱国主义精神的法国人民的特征。雕刻家在这座高浮雕的处理手法上也是巧妙的，他运用了联想和照应的处理手法浮雕恢弘的气势充分表现了法国人民为保卫祖国而奋勇向前的爱国主义精神《打石工》库尔贝法国现实主义在这一幅160×259厘米的大画面上，画家突出了两个和真人一般大小的石工。一老一少，穿着粗布衣，脚蹬简陋的木底鞋，正在路边凿打和搬运石块。微微弓起的脊背突出在高耸的暗绿色与土黄色的山坡前面，山坡几乎填满了整个画面，上面压着厚重的云层，只有一小角蓝天，出现在画面的右上角山坡的后面。卷边的帽子、铁锹、锤头、条筐、铝锅，年轻石匠身上的破绽、年老石匠膝盖上的补丁以及他庄严的表情赫然在目。画家精确而有力地表现。这种直面现场的真实感令人有大震撼，产生大悲悯、大叹息。设色简单，背后山坡设色浓重，人物颜色明亮，极强的对比突出人物形象。在构图上，由于是作者无意间看见次画面，内心震动，在绘制的时候也有徐徐不符合当时主流，但是不影响此画自身透露出的意义，引起人们对社会底层人民劳苦工作的同情，震撼，产生大悲悯、大叹息《三等车厢》杜米埃法国现实主义画家三等车厢的状况，就是记录画家经常外出乘车的经历。画面拥挤的狭小空间里，突出描绘前排三个人物，概括表现后面一群人，以坐椅靠背分隔前后，这是生活中极平常的现象，但揭示了法国社会的等级制，在这三等车厢里坐着的都是处于社会底层的公民。三个主体特写人物中，最突出的是位满脸皱纹的老妇人，人们从她的神态可见她的生活经历。靠着她左右的两个人，一个入睡的少年和一位带婴儿的母亲，他们的形象本身可明白表现出他们的社会地位，背后的人群可从不同面貌的头像中体现不同人物的地位和个性。这有限的画面空间，成了法国下层社会的一个缩影。这幅画好象既表现了短暂旅途生活，也象征着人生漫长的道路。不同的人有着不同的表情，他们在人生的道路上各自有着不同的遭遇。在这类作品中，既没有幽默，更没有讽剌，而是十分严肃地表现了画家对劳动人民命运的关心。在杜米埃的画面上常有着流畅的轮廓线，所以颇有版画的特点。《拾穗者》米勒巴比松画派，现实主义画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已，背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛。这三人与远处的人群形成对比，她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋，体态健硕，谈不上美丽，更不好说优雅，只是谦卑地躬下身子，在大地里寻找零散、剩余的粮食。然而，这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感。三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子，衣服也以此为主色调，牢牢吸引住观众的视线。她们的动作富于连贯性，沉着有序，布置在画面左侧的光源照射在人物身上，使她们显得愈发结实而有忍耐力。或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了，可她们仍在坚持。尽管脸部被隐去了，而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚。虽然远处飞翔的鸟儿依旧烘托出田园诗般的意境，但人类凝重的身躯似乎预示着生存的重压。赤裸裸的现实，大胆而不加粉饰地描写现实生活，肯定普通人在艺术中的意义，揭露资本主义社会的罪恶。《晚钟》米勒法国巴比松画派，现实主义看到这对在田间默默祈祷的农民夫妇，我们仿佛也听到了远方依稀可见的教堂传来的钟声：这“钟声”好像越来越大，传得越来越远……也许是这对伫立在农田里剪影一般的农夫与地平线交叉的形式使人联想到了庄严、神圣的“十字架”，从而，拉近了农夫、教堂与观赏者的距离并强化了教堂钟楼的“音响”感应；也许是由于日暮余辉的笼罩、屏息静思的农夫和静穆沉寂的大地的反衬；也许是由于画家刻意把人物、景物恰如其分地虚化，不但人物、景物、教堂以及教堂里传出的“钟声”可以融为一体，好像观赏者为画中人、画中景、教堂及教堂钟楼里传出的钟声也融成了一体……《青铜时代》罗丹法国雕塑家他左手握拳，右手扶头，面孔昂起作思索状。右腿微微起步，他似乎还不敢迈步，只能轻轻地踮起脚，作出欲迈步的姿态。他的眼睛似乎带着朦胧的睡意，然而，他的身体是伸展的，整个雕塑充满了青春活力，意味着人类刚从蒙味、野蛮的状态中解脱出来，逐渐具有清醒的意识，即将进入文明智慧时期。

罗丹却摆脱了溺古不化的学院派刻板方法，以写实主义手法塑造了一个真实而有血有肉的形象。《思想者》罗丹法国雕塑圆雕塑造了一个强有力的劳动男子。这个巨人弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，默视下面发生的悲剧。他那深沉的目光以及嘴唇咬着拳头姿态，表现出一种极度痛苦的心情。他渴望沉入“绝对”的冥想，努力把那强壮的身体抽缩、弯压成一团。他的肌肉非常紧张，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。他注视着下面所演的悲剧，他同情、爱惜人类，因而不能对那些犯罪的人下最后的判决，所以他怀着极其矛盾的心情，在那深刻的沉思中，体现了伟大诗人但丁内心的苦闷。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，例如那突出的前额和眉弓，使双目凹陷，隐没在暗影之中，增强了苦闷沉思的表情，又如那紧紧收屈的小腿肌腱和痉挛般弯曲的脚趾，有力地传达了这种痛苦的情感。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。罗丹的雕塑《思想者》，在某种程度上就是罗丹艺术的化身。不管是作品作品有关的种种故事与传闻，在带着些许的神秘、想象与诗意的背后，总能让人感受到它跟罗丹之间的那种挥之不去的情愫。《伏尔加河上的纤夫》列宾俄国巡回展览画派现实主义画中列宾画了11个饱经风霜的劳动者，他们在炎热的河畔沙滩上艰难的拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性,他们生活在社会的最底层,但这是一支在苦难中练成坚韧不拔,互相依存的队伍。背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤苦、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处，亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的的烘托起了极大的作用。在这幅画的结构上，列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折，使十一个纤夫犹如一组雕像，被塑造在一座黄色的、高起的底座上，使这幅画具有宏伟深远的张力。画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙，空间空旷奇特，给人以惆怅、孤独、无助之感，切实深入到纤夫的心灵深处。亦是画家心境的真实写照，这对画旨的体现，情感的烘托起了极大的作用。在画面上画家又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局，以狭长的横幅展现这群纤夫的行列。伏尔加河畔阳光酷烈、沙滩荒芜。近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀，景色十分凄寂。一队穿着破烂的纤夫在拉着货船，步履是那样地沉重，似乎可以听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。《日出印象》莫奈法国印象主义《日出·印象》[1]

描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然，以往官方学院派艺术推崇的那种谨慎而明确的轮廓，呆板而僵化的色调荡然无存。这种具有叛逆性的绘画，引起了官方的反对。他对光色的专注远远超越物体本身的形象，使得物体在画布上的表现消失在光色之中，画面没有轮廓，和改变了其阴影。他让世人重新体悟到光与自然的结构。所以这一视野的嬗变，以往甚至难以想象，它所散发出的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。《池塘·睡莲》莫奈法国印象派莫奈的绘画技法和自身的研习都已经到了登峰造极的地步。在看似随意轻松的笔触中却将光线的美感，水面上自然漂浮的睡莲的温柔表现的淋漓尽致。他的《睡莲》色彩十分丰富，但是所有的颜色在画面中都是分外的柔和和均衡。仅仅是描绘莲花的颜色也是随着光线和环境的影响而色彩变化多端，让人虽不能一口断定是什么颜色的睡莲，但是却又觉得那些娇艳的睡莲就近在眼前。甚至是那些捉摸不透的笔触都好像在描绘着莫奈当时对池中睡莲的喜爱。作为印象派大师，莫奈无疑将他自己喜爱的睡莲描绘的更加活灵活现。湖中的倒影和湖面上的睡莲看似都是有色块堆砌而成，却疏密虚实相得益彰，让人一目了然却又回味无穷。睡莲池塘是莫奈将他对东方艺术的体验转换到了花园营造上，日本桥、竹林都是日本园林的元素，但是，莫奈仍然坚持园林设计是来自视觉的需求，池边的花草依然严格按照四季时令和植株高低来种植；而睡莲池畔的植物，则可以透过水面的反射，产生倒影，以营造梦幻的气氛。这些作品不仅成为法国艺术的瑰宝，更成为世界艺术的珍品。《草地上的午餐》马奈法国印象派这是画家效法卢浮宫内一幅乔尔乔奈的《乡村音乐会》（又名《田园合奏》）的构图，画家让她在这幅画中表现裸体坐在林中溪边的草地上，与两个穿衣绅士（费迪南和马奈的兄弟－欧仁.马奈）作伴；左侧前景有一只翻倒的篮子，食物滚出篮外，又在后景的湖池边，添画了一个只穿衬衣的女人，俯身站在水里。这是一种精心安排的“野餐”，是画家为寻求色彩对比的大胆试验。这一构图惹恼了绘画界的许多头面人物。围绕马奈的这幅画，评论界竟也划分成两个营垒。双方短兵相接。马奈把这种含义表达得很清楚,那是一个解剖三角形的顶.有人指出这就是传统上所说的男女交乱的象征。把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，画法上对传统绘画进行大胆的革新，摆脱了传统绘画中精细的笔触和大量的棕褐色调，代之以鲜艳明亮、对比强烈、近乎平涂的概括的色块，这一切都使得官方学院派不能忍受。此画在构图上,把人物置于同一类树木茂密的背景中，中心展开了一个有限的深度，中间不远的地方那个弯腰的女子，成为与前景中三个人物组成的古典式三角形构图的顶点。在技法上,把绘画作为二度表面的主张又向前推进了一步,在对外光和深色背景下出现作了新的尝试,因此此画在艺术技巧和历史意义上都是一个创新。《大碗岛的星期日下午》1、修拉新印象主义2、在这幅作品中，修拉采取小心翼翼的点彩画法，把各种经过仔细分析处理的原色小圆点，经过一年的时间点满在画布上。作品描绘的是巴黎附近奥尼埃的大碗岛上一个晴朗的下午，游人们在树林间休闲的情景。前景一大块暗绿色表示阴影，中间黄色调子的亮部，表现午后的强烈阳光。阳光透过树林投在草地上的阴影，被强调得界限分明。人物服饰的色彩与树林、草地互为呼应，给人以地毯式的装饰特点。由于点彩，使人和物都显得影影绰绰，朦胧模糊。《向日葵》梵高，荷兰后印象派画家、《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。整幅画以黄色为主，像闪烁着熊熊的火焰，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时，无不为那激动人心的画面效果而感应，心灵为之震颤，激情也喷薄而出，无不跃跃欲试，共同融入到梵高丰富的主观感情中去。总之，梵高笔下的向日葵不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体。梵高一生创作了共十一幅向日葵。梵高的艺术是伟大的，然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在时代的前面，的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义。《星月夜》荷兰后印象派画家文森特·梵高这幅画中呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，二是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木像一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力,给人留下深刻的印象。文森特·梵高的星夜油画已经达到了艺术成就的巅峰。尽管梵高的一生中只卖出一幅油画，但他作品的影响是无可估量的。星夜是当代文化最著名的代表之一，它也是被复制最多，印刷最多的油画。《我们从哪里来？我们是谁？我们往何处去》更后印象主义法国后印象派画家可以说，这幅画是高更的巅峰之作，也是一幅具有深刻象征意义的油画作品。画面长达四米半，从左到右依次向我们展现了人生的不同阶段以及时间流逝和生命消失的过程。画面的右端，地上躺着一个出生不久的婴儿，他代表着生命的诞生和开始。中间一个正在伸手采摘果子的青年，代表生命的成长和成熟。画面的最左端是一个行将就木的老人，代表着生命的死亡和终结。画上的人物以各自的方式向我们诉说着生命的过程和状态。其中成双成对的男女，代表着爱情以及生活；一个独自深思的女人，象征着人类自我的反省。背景中的偶像象征着人类的精神信仰。整个大地代表母亲，它孕育了一切生命，又终结了一切生命，使它们最终又回归到她的怀抱。画中的树木、花果、动物——一切的生命都象征着时光的流逝和生命的一去不返。画面左边的白鸽是死后的灵魂象征。象征意义和追求原始性是高更艺术的两大特色。他的绘画充斥着神