世界十大名画赏析-课件

世界十大名画赏析高一美术鉴赏世界十大名画赏析高一美术鉴赏《最后的晚餐》达·芬奇（意大利）尺寸：420×910cm《最后的晚餐》达·芬奇（意大利）尺寸：420×9《最后的晚餐》取材于《新约圣经》。耶稣最后一次到耶路撒冷去过逾越节，犹太教祭司长密谋在夜间逮捕他，但苦于无人带路。正在这时，耶稣的门徒犹大向犹太教祭司长告密说：“我把他交给你们，你们愿意给我多少钱？”犹太教祭司长就给了犹大30块钱。于是，犹大跟祭司长约好：他亲吻的那个人就是耶稣。逾越节那天，耶稣跟12个门徒坐在一起，共进最后一次晚餐，他忧郁地对12个门徒说：“我实在告诉你们，你们中有一个人要出卖我了！”12个门徒闻言后，或震惊、或愤怒、或激动、或紧张。《最后的晚餐》表现的就是这一时刻的紧张场面。《最后的晚餐》取材于《新约圣经》。

达·芬奇不仅在绘画技艺上力求创新，在画面的布局上也别具新意。一直以来，画面布局都是耶稣弟子们坐成一排，耶稣独坐一端。达·芬奇却让十二门徒分坐于耶稣两边，耶稣孤寂地坐在中间，他的脸被身后明亮的窗户映照，显得庄严肃穆。背景强烈的对比让人们把所有的注意力全部集中于耶稣身上。耶稣旁边那些躁动的弟子们，每个人的面部表情、眼神、动作各不相同。尤其是慌乱的犹大，手肘碰倒了盐瓶，身体后仰，满脸的惊恐与不安壁画《最后的晚餐》是天才达·芬奇少数留下来“完成”的作品，现藏在米兰圣玛利亚德尔格契修道院。取材自圣经马太福音第26章，描绘耶稣在遭罗马兵逮捕的前夕和十二门徒共进最后一餐时预言“你们其中一人将出卖我”后，门徒们显得困惑、哀伤与骚动，纷纷询问耶稣：“主啊，是我吗？”的瞬间情景。唯有坐在耶稣右侧（即画面正方左边第五位）的叛徒犹大惊慌地将身体往后倾，一手抓着出卖耶稣的酬劳，一个装有三十块银币的钱袋，脸部显得阴暗。达芬奇是怎样把犹大的画得如此形象呢？据说当时达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。芬奇之所以用院长作模特儿，并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他们在本质上是一致的。达·芬奇不仅在绘画技艺上力求创新，在画面的布局由于制作过程的先天不足，整个壁画在达·芬奇还在世的时候就开始剥离，不知被后世画家重复画了多少次，哪一笔是达·芬奇的真迹恐难寻觅；此外这块圣地还经历了多次战争。除了拿破仑的大炮的轰击，二战时教堂也遭遇了轰炸。多亏意大利人把这面墙前后上下用好几层沙袋完全遮挡住，壁画才幸存了下来。现保存《最后的晚餐》的修道院大厅完全与外界隔绝，所有的门窗都用铝合金和玻璃罩住，真正做到了恒温、恒湿、全封闭。参观者要经过三道玻璃门才能来到入口处，每一道门都必须在前一道门完全关闭之后才开启。当餐厅古朴的大门向朝圣者开启后，便进入了一座空旷、昏暗、静谧的大厅，存有壁画的墙在防紫外线灯照射下显现。与之相对的另一面墙也绘有壁画，主题是耶稣被钉上十字架。工作人员会详尽地把这两幅画向人们讲解将近20分钟，而这也是参观者在大厅里所允许停留的时间。由于制作过程的先天不足，整个壁画在达·芬奇还在世的时候就开始达·芬奇的《最后的晚餐》不仅标志着达·芬奇艺术成就的最高峰，也标志着文艺复兴艺术创造的成熟与伟大。这件作品达到了素描表现的正确性和对事物观察的精确性，使人能真切感受到面对现实世界的一角，在构图处理上也取得了巨大成就，人物形象的组合构成了美丽的图案，画面有着一种轻松自然的平衡与和谐。更为重要的是，他创造性地使圣餐题材的创作向历史源流的文化本义回归，从而赋予了作品以创造的活力和历史的意义。作品评价达·芬奇的《最后的晚餐》不仅标志着达·芬奇艺术成就的最高峰，《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅祭坛画，指定装饰在为纪念教皇西克斯特二世而重建的西斯廷教堂内的礼拜堂里的。最初它被放在教堂的神龛上，至1574年，一直保存在西斯廷教堂里，故得此名。现为德国德累斯顿茨温格博物馆古代艺术大师馆收藏。《西斯廷圣母》拉斐尔尺寸：265×196cm《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然

画中表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的教皇西斯廷二世向圣母、圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的圣女渥瓦拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母、圣子的崇敬和恭顺。位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象。扒在下方的两个小天使睁著大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。画中表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一《西斯廷圣母》是拉斐尔于1512年到1513年间为罗马西斯廷教堂绘制的作品，长2.65米，宽近2米，画中人物和真人大小相仿。这幅作品塑造了一位人类的救世主形象。圣母决心牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。这幅画中的圣母被世人认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬、不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。《西斯廷圣母》是拉斐尔于1512年到1513年间为罗马西斯廷这幅名画曾因第二次世界大战战乱惨遭破坏，丢失多年，1954年才偶然被人在一建筑物的地下室中发现。拉斐尔笔下的圣母和中世纪的圣像画完全不同，他以母性的温情和青春的健美完美地体现了文艺复兴时期的人文主义理想。这幅1512年至1514年间完成的《西斯廷圣母》以其秀美典雅的艺术风格在同类作品中出类拔萃，在西方绘画史上具有特殊的地位。正如雷诺兹所说：“拉斐尔是所有后继画家的模范，不断地模仿，同时不断地创新。”他的典范风格成了所有学院派的理想，对后来著名的古典主义者，如意大利的阿尼巴莱?卡拉奇、法国的普桑及安格尔等，都产生了巨大的影响拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅的格调，因而使人获得一种升华的精神享受。作品评价这幅名画曾因第二次世界大战战乱惨遭破坏，丢失多年，1954年《创造亚当》米开朗基罗280cm×570cm《创造亚当》米开朗基罗280cm×570cm作品简介、背景《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安量在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指象接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。体现了创造者的权威和被创造者的信心。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《神分光暗》、《创造日,月,草木》、《神水分陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《挪亚献祭》、《洪水》、《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头顶仰视。壁画中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。作品简介、背景《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地构图色彩赏析《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。这一戏剧性的瞬间，将人与上帝奇妙地并列起来，触发我们的无限敬畏感，这真是前无古人，后无来者。体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的"机器"。亚当慵倦地斜卧在一个山坡下，他健壮的体格在深重的土色中衬托出来，充满着青春的力与柔和。他的右臂依在山坡上，右腿伸展，左腿自然地歪曲着。他的头，悲哀中透露着一丝渴望，无力地微俯，左臂依在左膝上伸向上帝。上帝飞腾而来，左臂围着几个小天使。他的脸色不再是发号施令时的威严神气，而是又悲哀又和善的情态。他的目光注视着亚当：他的第一个创造物。他的手指即将触到亚当的手指，灌注神明的灵魂。此时，我们注意到亚当不仅使劲地移向他的创造者，而且还使劲地移向夏娃，因为他已看见在上帝左臂庇护下即将诞生的夏娃。我们循着亚当的眼神，也瞥见了那美丽的夏娃，她那双明亮妩媚的双眼正在偷偷斜视地上的亚当。在一个静止的画面上，同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义。构图色彩赏析《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一作品意义评价在同一画面上，米开朗琪罗同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义。这里的亚当，是米开朗琪罗心目中的伟大人物。通过亚当，米开朗琪罗赞颂了人的健美、力量和智能，表达了对人的觉醒的渴望。作品意义评价在同一画面上，米开朗琪罗同时描绘出两个不同层面的《亚威农少女》毕加索244×234cm

《亚威农少女》由西班牙著名画家毕加索创作于1907年，是第一张被认为有立体主义倾向的作品。画家把这五个人物不同侧面的部位，都凝聚在单一的一个平面中，把不同角度的人物进行了结构上的组合。现藏于纽约现代艺术博物馆。1907年，他画出了这幅《亚威农少女》这是一幅与以往的艺术方法彻底决裂的立体主义作品，当时不免要遭到来自社会各方面的嘲讽和指责。立体派艺术家追求碎裂，解析，重新组合，形成一个单独的图片，在许多幅画面的组合下显示他的创作目标。《亚威农少女》毕加索244×234cm《亚威农少女》由创作思路

毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街”所见的妓女形象为依据。这条街以妓院林立而闻名。画上的女人形象，就是这条街上的妓女们。画家曾多次易稿。在这件作品的草图中，曾出现一个海员和一个刚进门的医学院学生。毕加索大胆地画了五个姑娘和两个男人。背景是妓院的客厅或饭厅。后来几经修改，又作了大胆的突破。毕加索曾对人说，他讨厌这个题目。因为亚威农的姑娘并非是些风姿绰约的妙龄女郎，而是一些出卖爱情的妓女，她们与画上的女人毫无干系。这幅画的题目是诗人萨尔蒙给起的。也许诗人根据这些裸女，才把她们与亚威农妓院联系起来。由于这一幅以裸体女人为主的大型油画，与那个不光彩的亚威农背景相联系，使毕加索受到了猛烈的抨击。在此画的第一幅稿子上，一如前述，还有两个男子，一个持花束，另一个从布幕后面走出来。毕加索自己说，他原想画一个骷髅，以强调死亡。如是这样，似乎又多了一层“劝人为善”的意义，以符合西班牙人对花街柳巷蔑视的传统。但后来全部改变了，以立体主义方法来表现五个裸女。在这幅画上，观者多少可感觉到画家着意于纯粹的田园风趣。五个裸体女人的色调是以蓝色背景来映衬的。蓝色使他想起戈索尔那美丽宜人的风光。但观众看到的是一群几何形变异的女人。右边坐着的一个女人像戴上假面具一般，当她转过身来，脸容十分可怕，就像从阴间爬出来的鬼魅，颜色却又像烤熟了的乳猪。最左边一个女人，正拉开赭红色的布幕，为要展示她的姊妹们的菱形身体。她那严肃的表情，侧面的轮廓，简直像埃及的壁画。中间还有一堆水果。创作思路毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街作品意义第一张被认为有立体主义倾向的作品。这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚而波及到其他领域。不仅在美术上，连芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐上，都引起了共鸣。《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。作品意义第一张被认为有立体主义倾向的作品。这幅画在以后的十几世界十大名画赏析高一美术鉴赏世界十大名画赏析高一美术鉴赏《最后的晚餐》达·芬奇（意大利）尺寸：420×910cm《最后的晚餐》达·芬奇（意大利）尺寸：420×9《最后的晚餐》取材于《新约圣经》。耶稣最后一次到耶路撒冷去过逾越节，犹太教祭司长密谋在夜间逮捕他，但苦于无人带路。正在这时，耶稣的门徒犹大向犹太教祭司长告密说：“我把他交给你们，你们愿意给我多少钱？”犹太教祭司长就给了犹大30块钱。于是，犹大跟祭司长约好：他亲吻的那个人就是耶稣。逾越节那天，耶稣跟12个门徒坐在一起，共进最后一次晚餐，他忧郁地对12个门徒说：“我实在告诉你们，你们中有一个人要出卖我了！”12个门徒闻言后，或震惊、或愤怒、或激动、或紧张。《最后的晚餐》表现的就是这一时刻的紧张场面。《最后的晚餐》取材于《新约圣经》。

达·芬奇不仅在绘画技艺上力求创新，在画面的布局上也别具新意。一直以来，画面布局都是耶稣弟子们坐成一排，耶稣独坐一端。达·芬奇却让十二门徒分坐于耶稣两边，耶稣孤寂地坐在中间，他的脸被身后明亮的窗户映照，显得庄严肃穆。背景强烈的对比让人们把所有的注意力全部集中于耶稣身上。耶稣旁边那些躁动的弟子们，每个人的面部表情、眼神、动作各不相同。尤其是慌乱的犹大，手肘碰倒了盐瓶，身体后仰，满脸的惊恐与不安壁画《最后的晚餐》是天才达·芬奇少数留下来“完成”的作品，现藏在米兰圣玛利亚德尔格契修道院。取材自圣经马太福音第26章，描绘耶稣在遭罗马兵逮捕的前夕和十二门徒共进最后一餐时预言“你们其中一人将出卖我”后，门徒们显得困惑、哀伤与骚动，纷纷询问耶稣：“主啊，是我吗？”的瞬间情景。唯有坐在耶稣右侧（即画面正方左边第五位）的叛徒犹大惊慌地将身体往后倾，一手抓着出卖耶稣的酬劳，一个装有三十块银币的钱袋，脸部显得阴暗。达芬奇是怎样把犹大的画得如此形象呢？据说当时达芬奇为塑造犹大的形象已停笔几天，他常站在画前沉思。当时请芬奇作画是按时付酬金的，后几天不动笔使院长十分恼火，并打算扣芬奇的工资。院长将想法通过总管告诉芬奇，芬奇说了停笔的原因。总管虽能理解，但扣工资非他本意，而是承院长旨意。这时芬奇转首看看院长，立即表示可以很快完成犹大的形象，如果实在找不到犹大的模特儿，就把院长的头像画成犹大，总管会意地笑了。芬奇之所以用院长作模特儿，并非完全是出于个人的报复，而是发现院长和犹大都很贪婪金钱，他们在本质上是一致的。达·芬奇不仅在绘画技艺上力求创新，在画面的布局由于制作过程的先天不足，整个壁画在达·芬奇还在世的时候就开始剥离，不知被后世画家重复画了多少次，哪一笔是达·芬奇的真迹恐难寻觅；此外这块圣地还经历了多次战争。除了拿破仑的大炮的轰击，二战时教堂也遭遇了轰炸。多亏意大利人把这面墙前后上下用好几层沙袋完全遮挡住，壁画才幸存了下来。现保存《最后的晚餐》的修道院大厅完全与外界隔绝，所有的门窗都用铝合金和玻璃罩住，真正做到了恒温、恒湿、全封闭。参观者要经过三道玻璃门才能来到入口处，每一道门都必须在前一道门完全关闭之后才开启。当餐厅古朴的大门向朝圣者开启后，便进入了一座空旷、昏暗、静谧的大厅，存有壁画的墙在防紫外线灯照射下显现。与之相对的另一面墙也绘有壁画，主题是耶稣被钉上十字架。工作人员会详尽地把这两幅画向人们讲解将近20分钟，而这也是参观者在大厅里所允许停留的时间。由于制作过程的先天不足，整个壁画在达·芬奇还在世的时候就开始达·芬奇的《最后的晚餐》不仅标志着达·芬奇艺术成就的最高峰，也标志着文艺复兴艺术创造的成熟与伟大。这件作品达到了素描表现的正确性和对事物观察的精确性，使人能真切感受到面对现实世界的一角，在构图处理上也取得了巨大成就，人物形象的组合构成了美丽的图案，画面有着一种轻松自然的平衡与和谐。更为重要的是，他创造性地使圣餐题材的创作向历史源流的文化本义回归，从而赋予了作品以创造的活力和历史的意义。作品评价达·芬奇的《最后的晚餐》不仅标志着达·芬奇艺术成就的最高峰，《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅祭坛画，指定装饰在为纪念教皇西克斯特二世而重建的西斯廷教堂内的礼拜堂里的。最初它被放在教堂的神龛上，至1574年，一直保存在西斯廷教堂里，故得此名。现为德国德累斯顿茨温格博物馆古代艺术大师馆收藏。《西斯廷圣母》拉斐尔尺寸：265×196cm《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然

画中表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的教皇西斯廷二世向圣母、圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的圣女渥瓦拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母、圣子的崇敬和恭顺。位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象。扒在下方的两个小天使睁著大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。画中表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一《西斯廷圣母》是拉斐尔于1512年到1513年间为罗马西斯廷教堂绘制的作品，长2.65米，宽近2米，画中人物和真人大小相仿。这幅作品塑造了一位人类的救世主形象。圣母决心牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。这幅画中的圣母被世人认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬、不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。《西斯廷圣母》是拉斐尔于1512年到1513年间为罗马西斯廷这幅名画曾因第二次世界大战战乱惨遭破坏，丢失多年，1954年才偶然被人在一建筑物的地下室中发现。拉斐尔笔下的圣母和中世纪的圣像画完全不同，他以母性的温情和青春的健美完美地体现了文艺复兴时期的人文主义理想。这幅1512年至1514年间完成的《西斯廷圣母》以其秀美典雅的艺术风格在同类作品中出类拔萃，在西方绘画史上具有特殊的地位。正如雷诺兹所说：“拉斐尔是所有后继画家的模范，不断地模仿，同时不断地创新。”他的典范风格成了所有学院派的理想，对后来著名的古典主义者，如意大利的阿尼巴莱?卡拉奇、法国的普桑及安格尔等，都产生了巨大的影响拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅的格调，因而使人获得一种升华的精神享受。作品评价这幅名画曾因第二次世界大战战乱惨遭破坏，丢失多年，1954年《创造亚当》米开朗基罗280cm×570cm《创造亚当》米开朗基罗280cm×570cm作品简介、背景《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安量在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指象接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。体现了创造者的权威和被创造者的信心。西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《神分光暗》、《创造日,月,草木》、《神水分陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《挪亚献祭》、《洪水》、《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头顶仰视。壁画中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。作品简介、背景《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地构图色彩赏析《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。这一戏剧性的瞬间，将人与上帝奇妙地并列起来，触发我们的无限敬畏感，这真是前无古人，后无来者。体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的"机器"。亚当慵倦地斜卧在一个山坡下，他健壮的体格在深重的土色中衬托出来，充满着青春的力与柔和。他的右臂依在山坡上，右腿伸展，左腿自然地歪曲着。他的头，悲哀中透露着一丝渴望，无力地微俯，左臂依在左膝上伸向上帝。上帝飞腾而来，左臂围着几个小天使。他的脸色不再是发号施令时的威严神气，而是又悲哀又和善的情态。他的目光注视着亚当：他的第一个创造物。他的手指即将触到亚当的手指，灌注神明的灵魂。此时，我们注意到亚当不仅使劲地移向他的创造者，而且还使劲地移向夏娃，因为他已看见在上帝左臂庇护下即将诞生的夏娃。我们循着亚当的眼神，也瞥见了那美丽的夏娃，她那双明亮妩媚的双眼正在偷偷斜视地上的亚当。在一个静止的画面上，同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义。构图色彩赏析《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一作品意义评价在同一画面上，米开朗琪罗同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义。这里的亚当，是米开朗琪罗心目中的伟大人物。通过亚当，米开朗琪罗赞颂了人的健美、力量和智能，表达了对人的觉醒的渴望。作品意义评价在同一画面上，米开朗琪罗同时描绘出两个不同层面的《亚威农少女》毕加索244×234cm

《亚威农少女》由西班牙著名画家