传统油画技法中的几大基本准则

1、传统油画技法中的几大基本准则如果有来生，要做一棵树，站成永恒，没有悲伤的姿势。一半在土里安详，一半在风里飞扬，一半洒落阴凉，一半沐浴阳光，非常沉默非常骄傲，从不依靠从不寻找。传统技法的基本准则是根据传统大师们在技法上的共同特点及审美标准，并针对其特殊效果而总结出的有益于技法的全面实施的具体原则，其中涉及制作程序、作品的耐久性以及形、色、肌理表现等方面的内容。这些原则有利于帮助我们更清楚而简括地掌握古典油画的技法要领，更有效而深入地体验其技法与审美之间密切的联系。我们可以在实际制作过程中体会以下四个方面的内容。1先粉灰后饱和先粉灰后饱和是针对透明画法而言的一种有效之法，在古代鲁本斯即有“肥盖瘦”

2、之说。它首先是为了确保油画颜料的顺利结膜及油画的耐久性而提出的。颜料形成坚固的膜需要色粉与调色油达到一个最为合适的比例才能实现，粉重和油重都不能达到结膜的牢固和长久。由于是多次画法必须考虑它的每一步骤的承上启下的作用。为了利于制作的有效进行，将含油较多的颜料覆盖于含油较少的颜料不仅有助于层层的附着能力，而且能将最牢固的结膜产生于最后的表层上，反过来这种表层又必须依赖于层层含粉颜料适当的吸收性。另外“肥盖瘦”不仅是从油画颜料结膜的特性来考虑的，也是关系到透明色与不透明色的作用所产生的最终透明效果而言。纯粹的透明色一般含油量比较饱和，覆盖力差，不能确切地表现色彩纯度变化和自然界中各种灰色感受。它必

3、须通过对底层的比对象本身饱和度低一些的色彩，也就是粉一些色彩之重叠才能达到对自然界各种色相纯度的准确表达。相反其他粉质颜料尽管具有明确的色相和覆盖力，却不具备透明的特性。色彩的最终准确度必须靠多次的塑造和罩染即纯度的逐层增加而达到，与此同时不仅获得了色层的最终透明感，而且形象的最终结果也随之逐步得以刻画和呈现。在早期的传统油画中大都以“提白”的第一层色为基础后直接实施透明罩染的方法，也就是先用单色表现出比较深入和完整的素描关系，然后直接用各种纯度极高的透明色表现出各种固有色的区别和变化。这实际上也是一种简单的“肥盖瘦”之法，其画面效果适于较为工整、平面而装饰的画风，色彩的色相也相对分明而纯粹。

4、这种方法为了让重色深下去，往往需要很多次罩染才能完成，由于油量太多，很容易造成堆积而不干、发粘。所以那时期的油画往往是暗色区域色层很厚、亮色区域则很薄，也就是说在“提白”时将暗区域平均地堆上了很厚的粉质色，这是为了让多次罩染更方便。但随着油画的不断发展，人们要求“肥盖瘦”能更准确而生动地表现真实的形体空间和虚实，表现色彩在纯度上和冷暖上的丰富变化，所以“肥盖瘦”之法便发展成为多层次、多变化的法则了。其特征为第一遍色便以低纯度的粉色表现出大致的形色关系，每一种粉灰色都带有未来色彩的倾向和明度，例如将来是很重的黑色，在这里就只把它画成黑灰色，鲜艳的红色则画成较粉的红色或亮黄色，这些都是为下几个步骤

5、逐渐肥化的透明纯色罩染作准备。这样相对粉灰的颜色与纯度高的透明色之重叠而达到丰富的色层、肌理及准确的色相和纯度。伦勃朗即是将此技法推向极致者，他的亮色全是统一于油层之下的，暗色也不是简单的透明色，而是依靠对柔和的重灰色重叠所产生出一种既透明又厚实的油画韵味。所以他的画在色彩上是极富魅力的，饱和而不艳俗，也不焦枯；透明而不乏对细微灰色的比较和表现，在总体的厚重感中能让你体味到自然中最生动而微妙的形色关系以及油层和肌理的最佳契合，这实质上是将自然中一切生动的形色特征升华于油画材质及语言的美感之中，从而获得油画的极度表现力。这是一个素描意义上的问题，实质上是一种从整体出发的观念。传统意义上的绘画是在

6、平面上创造立体空间。那么，平面是一切空间可能性的基础，有了这个基础，画家便可以将自己的想象力驰骋于无限的纵深空间中。不过，绘画中的空间体积以及起伏都是相对的，是在每个形体、体、面的相互比较、对比中建立起来的，画家的任务是主动地把握其中的关系，让体积空间适应自己的需要。我们可以在古典油画大师们的作品中，看到他们是如何处理画面中平面与体积的关系的。从他们的素描中，我们能看出这一点，他们所表现出的丰富的体积起伏和空间层次，竟是运用最简炼的几根轮廓线或转折线，这些由线所包围的体积部分的深浅色调其实与没被包围的部分是相同的，而且都是原始的平面，但因线条所具的表现功能，让观者造成在形体上的视幻觉，而产生体

7、积与平面的反差感。可见，平面上边线的作用下会产生一种对体积的暗示，从而达到建立体积秩序的目的。在油画中就能看到大师们对这种相对性的利用，在各个不同明度的色彩区域里，总是从平面中去建立各区域强弱不同的体积秩序，有的被塑造和强化，有的则稍微暗示或维持原状。但从总体上来讲，古典油画中形体的体积感都是服从于大的平面感的，所以在各种形体的体积塑造上都是有节制而服从于大的秩序的。在这种前提下，每个平面区域中的体积建立便被控制在一个明度和色彩的范围之内，这样便迫使其层次细腻化、微妙化，所以很多亮部仔细看来没有多少的色调层次，但将它放进整幅画的关系中，却非常实在而具有体感。女人胸部及肩头的色阶跨度并无多大，却

8、表现出了体感、空间及起伏。因此，大的平面感是古典油画体积秩序的总体原则，而一切细小的体积变化应是从平面中相对而立的，且必须服从大的秩序。先平面后体积能让我们对起伏的把握更为主动和方便，在相对平面的对象上我们可进可退，有选择地塑造某些应该突出部分的体积，其他则放松，让它自得其位，也就是说让我们在平面上有秩序地建立应有空间、体积的强弱关系。如果没有这种意识，就容易在画画时把每个局部的体积起伏都表现出来，结果失去了画面本身的强弱秩序，让每部分的起伏程度相互抗争而造成相互抵消，失去整体效果。另外，先平面后体积也是考虑到制作程度的先后关系而得出的。体积的塑造本身也是逐层进行的，古典油画的色阶细微层次必须

9、通过多次透明、半透明、不透明的画法来完成，所以塑造总是循序渐进的。在平面上先建立相对体积，伴随着每次的塑造罩染逐步再建立极端体积。这也是先平面后体积的原因之一。3、先取固有色，后找变化色绘画中的色彩是繁复而多变的。色相作为色的本质因素，决定着画面的色调和色彩的结构关系。物体的固有色相是自然中物体上的色彩特征通过我们的感官而规定的，又被我们的感性和理性所认识的，所以，绘画中的固有色主导论是一种原始的、朴素的色彩观。传统的古典油画就是根据这一大的色彩观，来指导其技法中色彩的处理手段的。先取固有色，后找变化色是一个从简到繁、从整体到局部的色彩表现过程。将变化各异的色彩回归到统一而明确的固有色上，有利

10、于我们把握各大色域的整体关系，使各部分的色相在大的对比和互补中产生力度，而色彩的细节变化则应建立在这种大的关系之中。这是传统油画在色彩上的基本原则，可见固有色原则在传统油画的色彩系统中的重要性。这里所指的固有色原则不是指用调色板上简单而直接的纯色来概括和代替所画对象的色相，而是指包括对色彩的明度、纯度特征的准确把握后的一种色彩倾向，所以其中便包括了自然界的所有复杂色相。而且这种固有色原则主要是从观察色彩的方式上出发的，也就是说在观察和概括色彩时必须将对象的细小色相变化、明度、纯度变化都统一在它们综合后的大色相中。所以固有色的区域设置是我们在绘画的最初阶段必须考虑的，有了这一基础就便于我们从不同

11、的角度寻找其后的色相变化。随着细节的深入，色彩的细小变化也相应深入化、丰富化。我们可以从开始设定的固有色中寻找左右的邻近色甚至对比色，比如，在我们最初设定的暖黄灰肤色中，可以找出倾红和倾绿的色彩，甚至倾紫的色彩。但这种变化的寻找又是相对的，它们必须在暖黄色大的倾向中呈现。所以找出的变化色实际上仅有微妙的变化倾向就足以显示其互补色关系，这时便可以使色调变得更加丰富和生动了。但如果一开始便注重色彩的各种变化，势必影响色彩大的秩序，而且也不利于塑造和肌理的逐层进行。因为每次塑造和肌理推进的内容本身就包括色彩推进的内容，也就是说色彩细节的表现必须依靠塑造和肌理的表现才能逐步获得。如果仅有色彩的表现而失

12、去了体积的塑造和肌理的表现，就不能说是一种使油画的品性美得以完美体现的技法。所以在表现色彩因素时还得顾及其他因素的同步表现。另外，先从简洁的固有色入手，可使我们有选择地针对某个主要部分进行色彩细节的刻画，从而放松其他需要简化的部分，形成大的对比关系。在这点上，我们可以从很多古典油画作品中看到他们处理上的特点。作品中的重点部分，如面部或一些亮部的色彩细节就特别丰富和精彩。而一些次要部分，如背景、重色的服装和衬布等则被处理得单纯和平整，色彩上几乎没多少变化。4、先柔和后肯定传统古典油画的可贵之处在于它将肌理的强弱秩序融合于体积、明暗的强弱秩序之中，而产生一种极度的和谐之美。在油画的发展史中，油画一

13、经产生就决定着其具有肌理的特征和肌理的美感。早期油画中的肌理是在简单的纯透明罩染油层之下，所采用的单色提白中的作画痕迹显露出来的。但随着油画在造型与色彩上所提出的不断要求，特别是自提香、鲁本斯将油画的肌理从亮薄暗厚改为暗薄亮厚以来，肌理便真正焕发出它自身的生命力，并与形色一起汇入油画大的节奏与韵律之中，也就是说肌理的强弱同样表现着形色的强弱，影响着画面的整体情绪。因此，油画的肌理与形色一样，参与着整个作品大的和谐之中。那么，在古典油画的普遍技法中，为了建立这种和谐必须将肌理在制作中的逐步推进与体积、明暗、色层等的逐步推进保持同步。由于古典油画在制作上的程序性，所有的步骤都是循序渐进的，因此，为

14、了保持画面肌理的完美，一般不将塑造形体的笔触事先固定过死可堆得太厚，不然会影响油画多次画法的制作和油画魅力的表现，因此肌理的由弱到强在古典绘画中如同上缓坡一样是逐渐攀缘的，每一个小变化都是在大的秩序之中显现的。从制作程序上讲，事先太固定的东西未必在制作推进中就不会被改动，改动过多，势必造成其他各种因素和秩序的混乱。所以只有在形色的各方面条件慢慢成熟后，塑造也才慢慢地得以肯定。因此，在开始阶段总是对各部分形色、明暗等关系进行相互衔接、相互过渡、相互柔和的把握一种整体关系，在肥盖瘦的大原则下，逐步走向肯定、对比、明晰。这样在肌理由弱到强的秩序上，才能将逐步确定的重点或高点加以准确的塑造和强化，也只

15、有这样才能将整个画面暗部的表面光泽与亮部的表面光泽形成一定的差别。但由于是逐层推进，这种差别又不至于过大，从而形成一种整体的、匀称的、和谐的光泽感和肌理感。另外，从塑造形体上讲，先柔和、后肯定也是一种从整体到局部的步骤，即从一种大感觉和印象入手，而步入理性化、深入化，最终达到一种对对象明确的、坚定的呈现，即通过更清晰而肯定的笔触肌理来强化形体、丰富形体，再加上后阶段的透明罩染，使得这些塑造的痕迹更加明显和确切。在色彩的表现上也是如此，复杂而充满变化的肌理和笔触是色彩上的微差和细节得以展示的方式。在步骤上的先柔和就是求得一种色彩上大的融合与协调，将各种色彩细节归纳于统一的色调之中，以便在此基础上

16、展开色彩的分解和跳动。这些分解与跳绘制油画首先要制作画框及绷布，这一点古典油画和直接画法相同，不再讲了，油画技法书上都有。画布的选择：有条件的话尽量选择亚麻布，雨麻布最好，画布的经纬线要整齐匀称，不能有漏织及过大的线头.。.切.忌选用成品画布，上面的底料成分不明，会渗油，龟裂及变色。（不过画行画是可以用的）绷好画布以后就要开始做底，做底一般来说有两种，油底和胶底，胶底不太适合绘制古典油画，油底是最理想的，但油底制作工艺复杂，做好的底要半年以后才可绘制油画，周期较长，也不适合初学者，这里介绍一种方便可行的做底方法，油底和胶底的有点全有，而且方便。这种底就是丙稀底，具体做法如下：首先在绷好的画布上

17、刷上一遍乳胶，乳胶中不要加水，（乳胶一定要正牌的）一定要刷匀，不能有厚薄，刷完后晾干，切忌日晒及暖风机！乳胶干透后用细砂纸打磨平整。打磨完成后用丙稀白大量，丙稀嘿少量水调和成浓牛奶状刷一遍，干透后再用砂纸打磨，再用此法刷两遍，第三遍打磨完成后最后再刷两遍，记住，这两遍不要用砂纸打磨。到此，丙稀底已制作完成。是不是比较简单？不过这种底成本较高。写到此大家是否有兴趣再看了，请给我一点鼓励，否则我就没有信心再胡扯下去啦。底做好后放置3天，就可以绘制油画了，第一步是放样，方法有多种，如扑粉法，硫酸纸转印法，投影仪投影法等等，不过我还是觉得九宫格放大法更好。方法是找一块厚度大小适中的有机玻璃，用铁笔在上

18、面划上见方的格子,将其放在样稿上，看样稿占据多少格子，然后用铅笔在画布上画上相同的格子，铅笔线条一定要轻，以刚刚可以看到为准，因为铅笔线条重了会和油画颜料发生化学反应的。然后用木炭条逐格放样，完成后用毛笔沾墨汁再描绘一遍，类似中国白描。然后用吹气球（摄影用品商店有卖）吹掉木炭灰，切勿用手或毛刷掸，会污损画面的。当线稿干透后，可以用一份亚麻仁油2份松节油，调和油画颜料（根据所表现对象的色调）将画面罩染一层。切勿使用单一的亚麻仁油或松节油。等色层干后就可以进入下一步了。在进入下一步工作之前我们先要学会制作几种媒介1、纤维素胶液2、乳液3玛蒂树脂或达玛树脂媒介剂。下面分别介绍纤维素胶液：取一份纤维素粉25倍水搅拌后放置824小时（说得通俗一点就是邮局用的浆糊，只是比浆糊稀得多）达玛光油：把达玛树脂研磨成粉状，倒入干燥的容器里，再倒入2倍松节油，容器口加盖封好，只需放23天，待达玛树脂完全融化后，把杂质过滤后即可使用。乳液的制作：纤维素胶液一份亚麻仁油半份达玛光油半份充分搅拌，然后加入3份水（根据需要酌量添加）达玛树脂媒介剂：达玛光油一份熟核桃油或熟亚麻仁油一份搅拌，不要搅动次数过多，要象磨墨一样，（磨墨如病夫）用白乳液调和