昆曲的审美及发展刍议

昆曲已经不仅仅是一个剧种、一门艺术，更承载着厚重的历史意义和深刻广泛的文化内涵。昆曲艺术的魅力，以及它的最为宝贵之处，正在于它厚重的历史文化属性。它的声腔，是可以考证的古戏遗存；它的念白和演唱，是可以听得见的近古时代音韵发音，如果有人看过《镜花缘》，那么应该会对其中“歧舌国唐敖学音韵”的故事有所了解，而这一情节中所记载的四字反切发音的方式，与昆曲中字头字腹字尾的发音方式几乎是一模一样的。《镜花缘》成书于清代中期，也就是说，今天只有在昆曲的舞台上，还能听到清代中期以前，士大夫阶层所推崇的礼仪性发音；它的服饰，以明代中晚期和清代早期日常服饰为基础，是鲜活的服饰史料；它的表演程式，是现在东亚地区所能见到的最为古老和繁复的艺术规则。然而令人倍感遗憾的是，入选第一批世界级非遗名录，不仅仅证明了昆曲艺术的宝贵，更加说明了昆曲艺术的保护问题已经迫在眉睫。正是因为昆曲艺术发展日益式微，它才会被称为遗产。在通行的理解中，一项蓬勃发展的事物，大概率不会被称为遗产，而会被称为财富。因此入选非遗名录，并不是什么特别值得自豪的事情，相反，这个名录如同一封“警告信”，警告世人昆曲艺术已经遇到危难。从主流舆论所反映的现状来看，每一个戏曲演员、或者说每一个关心中国戏曲发展的专业人士乃至普通观众，应该都思考过戏曲艺术的未来发展方向。“戏曲艺术应当如何适应时代”这一议题，最后的落点永远也绕不开一个痛点——创新。创新之难，以京、昆两大国粹为最。回顾京昆的发展历史，创新失败的案例比比皆是。然而，不能顺利创新的艺术，注定会被淘汰于时光之中。昆曲的走向和时代审美息息相关，确切地说，时代审美决定了所有艺术门类的发展走向，不仅仅是昆曲。从全国七大传统昆剧院团的演出反响和运营的经验来看，目前能够在从业者、戏曲理论界和普通观众中达成共识的观点大致如下：昆曲艺术的发展走向应该是“新瓶装老酒”，近似于梅兰芳先生所提出的“移步不换形”。昆曲必须进行创新，但这创新不应当涉及艺术本体。昆曲的发展方向，一定是建立在坚守本体上的化用创新。从文化意义上来说，昆曲的传统剧目在一定程度上保留着已经消散在时光中的历史旧貌，观者可以借此尝试回溯几百年前的社会生活。倘若以创新为名，贸然改动或者抛弃这些传统的基础，那么昆曲将丧失它最为宝贵，也是最有辨识力的特色。这样的昆曲，还是昆曲吗？这样创新而得来的昆曲，不如改名叫作含有昆曲元素的音乐剧，或者直接唱音乐剧。因此，无论昆曲艺术如何发展，艺术本体的传统不能改变。在本体，也就是唱念做打、手眼身法程式以及基础的乐队、服化道审美原则理念这部分，对于创作者来说是必须守旧的，不可以乱变。但是想要做到“新瓶装旧酒”“移步不换形”的程度，难度极大。没有深厚而扎实的传统戏功底，换形根本就不需要移步，哪怕是演出传统剧目，也能丢了传承。在传统传承与艺术创新之间，以江苏省演艺集团昆剧院为例，也许可以为其他兄弟院团提供一些极有价值的参考范例。江苏省昆以“南昆正宗”为艺术宗旨，在业界与普通观众的概念里以守旧而出名。但是省昆的很多传统戏，只是看上去传统，实际上是一代代的艺术家按照传统剧目的审美和规矩，创作出来的新编戏。比如现在已经成为省昆代表作的《桃花扇》以及《白罗衫》。这两部剧目都是20世纪80年代创作的“新戏”。比如，《白罗衫》“看状”一折，虽然由周传瑛先生亲传给石小梅先生，但是开场时的“大堂”一场，启封开正门升堂，却是昆剧院第三代艺术家的新创作。这一系列情节，没有一句台词，完全是程式化表演，具有极强的仪式感和古典范，在审美风格上，与前人的传统剧目达到了和谐的统一。其实，在《桃花扇》和《白罗衫》这些剧目里，很多出彩的地方，都是演员自己的创作。从石小梅、胡锦芳等第二代艺术家开始，到涌现出三位梅花奖的第三代，再到现在正当年的第四代，江苏省昆的每一代人都在坚持进行文艺创新的工作。从艺术发展、公众反馈、院团运营、人才培养四个方面来看，化用创新这个方向虽然对院团和演员有着很高的要求，却是一条非常难走的路。但目前来说，也许是最优的选项。省昆之所以能够在化用创新这条路上走得比较顺畅，笔者认为，总结下来主要有两点：第一点，老师的传承。这是基础。从传字辈老师开始，到省昆开山的继字辈，再到二、三、四代演员，省昆的传承脉络始终无比清晰，这个院团的每一代人对剧目、规则和审美理念的传承从未间断。省昆的传承是成科学体系的，正因为成体系，所以受外来干扰比较少，也因此，艺术传统得以保留得更为纯粹。这一点是非常重要的，可以说为每一代的青年演员都开了一个好头，把他们引上了正路。第二点，省昆传统剧目演出非常多，江苏省昆可能是全国所有戏曲院团中演出场次最多的院团，据公开数据显示，在峰值时期，该团一年要演出近600场。其中95%以上的场次，是传统剧目演出。即便是在疫情期间，该团的年均演出场次也不少于两百，考虑到该团的演员人数，这个数字可以说是非常惊人，也非常难得。更重要的一点是，该团在常规性演出中，采用了一种极为“苛刻”的不插麦的演出方式。兰苑剧场作为江苏省昆的自有小剧场，仅能容纳137人，每周六晚进行规律性演出，采用最为原始的形式，小舞台，肉嗓子，完全不采用现代化的声光電舞美。这对演员的成长能够起到决定性作用。定时定点而频繁的传统剧目演出，使青年演员能够对古典程式和审美形成强烈而深刻的身体记忆，传统慢慢地会成为他们深入骨髓的行为习惯，在舞台上形成自然而然的条件反射。因此，哪怕是青年演员开始创排新编剧目，他们也会在潜意识里运用程式来进行表演。这种潜意识，又使得他们对于程式的运用更加纯熟、自然。从20世纪80年代创作的《桃花扇》《白罗衫》开始，直到近年来引发强烈反响的《1699·桃花扇》《南柯梦》和《世说新语》系列折子戏，所遵循的都是“化用创新”这一原则。在丰厚积累的基础上，江苏省昆第四代演员，以青年人所独有的锐气与胆气，在老师的帮助和扶持下，勇敢迈出了划时代的一步，开始创排现代戏。基于昆曲高度程式化的特征和历史底蕴等客观原因，昆曲现代戏的创作难度极大。此前，昆曲虽然也曾创排过现代戏，但是能够在舞台上立得住并产生长久影响力的现代题材剧目非常少。在2020年之前，能够在舞台上常演的昆曲现代戏，有影响力的，笔者所见只有上海昆剧团的《伤逝》等寥寥一二，即便是这部剧目，也依然带着实验性戏剧的色彩。因此，在江苏省昆开始筹备创排现代戏的时候，他们几无可供参考的成功范例。从各项公开的新闻报道来看，江苏省昆刚开始做出创排现代戏决策之时，从院团前辈到青年演员内心都心存忐忑，然而也正如他们所说，这是必须前行的一步。三代人的积累，给了他们踏出这一步的勇气和底蕴。《梅兰芳·当年梅郎》《眷江城》《瞿秋白》三部戏从零到有，从无可借鉴到创造出极有意义的范例，获得全国“五个一工程”优秀作品奖，主演施夏明摘得梅花奖，更赢得了戏曲理论界的高度评价，被公认为江苏昆剧创作的高峰之作，不管从哪个维度来说，江苏省昆的“现代戏”三部曲都取得了巨大成功。在这三部现代戏中，江苏省昆所秉持的，依然是“化用创新”和“南昆传统审美标准”两个原则。戏的艺术本体依然是古典的，审美风格、音乐设计、唱腔谱曲都非常传统。表演方式上则以古典程式的内涵规