小学美术学习方法培养研究

小学美术学习方法培养研究在美术教育中，有了合规律性的教学方法，如果学生不具备合规律性的学习方法，从整体教学环节来说，仍然是不完整的。本文拟从美术学习的主体——学生这一角度，讨论有关美术学习方法论的原则问题。一、美术学习方法的演化方法是人类思维智慧的结果。随着时代的更替，人类自身思维的发展，方法亦不断演化，不断进步。美术学习方法，同样处在历史的流变之中。纵向看我国历史，八世纪初，始于唐代，在翰林院中设置画院。至宋，徽宗设置画学，于云集绘画名手的同时培养学生，任命米芾为博士，以考试取士。元、明至清，虽不设画院，仍安置一些画家或设画院而不授官职。千余年封建社会中，绘画教学，基本上是经验式的师傅带徒弟，临摹入手，通过粉本、课徒稿而学习技法。直到1902年，清政府在南京创立全国第一所高等师范——两江优级师范，率先开设图画、手工、音乐等课程。1912年，刘海粟在上海创办上海图画美术院，引进西方的素描，开设人体课。至此，才开始打破师傅带徒弟，“一本芥子园跟随一生”的习艺局面，美术教学逐渐转向系统化、学院化、知识化。横向看西方，最早的美术教育于13世纪末，以行会形式出现，先通过范本学素描，再跟随师匠到工房学技术、磨颜料、煮胶等，最后实地练习画壁画，少则3年，多则10年。文艺复兴时，最早在意大利创立圣路卡学院美术学院，采用结合技术和教养的新观点，教授透视法、解剖学、历史等，美术家开始摆脱工匠性，打破限制，开拓个性自由活动的领域。这是艺术教育史上具有划时代意义的大事。有趣的是，发展到19世纪时，大部分重要的艺术家，反而在与学院的对抗中发现了自己，从而采取自学之途。二十世纪，美术领域打破了古典写实的一统天下，现代艺术流派纷呈，美术专业教和学的方法更加多样、多层次，并带有个体的选择性。二、美术学习方法的特殊性艺术沿着形象思维和情感的轨迹建构。形象思维、精神、情感无法作绝对精确的分析和阐释。美术作品中的形、色、明暗、线条等构成因素，也无法作绝对精确的定量研究。艺术（包括美术）学习与数理化学习，存在着明显的差异。数理化学习，更多需要的是分析，冷静的逻辑思考贯穿学习的全过程，它所追求的是严密、精确、绝对的结果。美术学习，重形象思维和直觉，学生更多需要的是感受、体验和领悟，学习过程中带有情感的渗透、主观的烙印。由于个体的差异，感受的独特性，而形成表达方式的多样性、丰富性和创造性结果，学生的作业拉开距离越大越好，面对同一题材，作业面貌的多样性体现了艺术把握客观世界的灵活性、偶然性和模糊性特征。从艺术门类看，美术与音乐有共同之处，而它们之间也有差异。音乐是一定法则的音的组合，音乐训练重在练耳，学生必须重视培养和训练能够欣赏音乐的听觉。美术，又称造型艺术、空间艺术、视觉艺术。美术创作，依赖眼、脑、手的默契配合。高校美术专业的学生，无论将来是专业画家、设计人员或教师，首先必须培养自己具有敏锐的视觉能力，即具有“能够感受形式美的眼睛”。其次，靠手驾驭物质材料技巧的纯熟与高超，将独特的视觉感受物化为美术作品。这第二种能力可称为手的制作能力。在美术学习中，练眼和练手各有自己的内容和方式，但练眼和练手又往往是不可分的，或同步进行，或相互促进。训练眼和手的敏锐性、精确性、灵活性，实际上是训练脑对视觉分析器与运动分析器的协调性，“熟能生巧”，只有通过反复训练，才能达到心手统一，意到笔随。李可染先生说：“世上学艺的人成千上万，究竟能有几个真正坚持了正确的方向，把路子走正？又有几人真正把功夫练到家？①“路子正”是指学习方法。有了正确的学习方法就是确立一个巧练的前提，从而避免走弯路，之后的关键就是苦练和勤练了。美术是实践性很强的学科，对单调、重复训练内容的忍受，“三更灯火五更鸡”的辛劳，放弃消遣、娱乐后的孤寂，几十年如一日，方可练就过硬的基本功。缺少勤和苦的磨练的所谓天才，只会是一朵不能结实而易调蔽的花。重视和研究学习方法，是个体和社会发展的需要。路子正，方法对头，功夫到家，是憧憬成功的习艺者都必须正视的首要问题。辩证地理解美术训练的内容和方式，恰当地把握不同训练内容和方式之间的关系，根据个体的不同特点进行选择的种种思考，必然涉及到学习方法问题。学习方法，正逐渐成为一门为学习者关注的科学。三、美术学习方法论的切入点方法论着眼于从宏观去探究美术学科的研究方式和方法，不是对具体画种的技法讨论。从艺术创造自律性方面，从艺术发展的现代性起步，拓展研习的思维空间，美术学习方法论原则试从以下几点切入：主体意识：美术创作是精神活动，唯具有独特性、原创性，并打上主观烙印的艺术作品才会获得价值。艺术家是艺术创作的主体，艺术实践中，主体、客体、物质材料中介，是以主体为核心展开，并在主体审美取向的统摄下相互作用，融合和整一的。在主客体关系上，主体不是去适应客体，更不是被动地受制于客体。画家的自由和创造，体现在对现实世界、自然时空的超越。由于内在情感的需要，主体对客体可以施以夸张、变形，甚至打碎、重组等艺术手段。因此，美术作品的建构，离不开画家的主观创造和情感参与。创作主体的人格个性，对艺术创作具有重要意义。画家的艺术个性表现为：独特的审美取向，独特的视觉感受和将独特的发现转化为独特的表现。经过画家艺术个性孕育而生的作品，才会具有独特性和不可替代的价值。反之，缺少艺术个性的作品，只能是苍白的平庸之作。“艺术不可无我”，正是从这个意义上说的。高扬主体意识，从接受基础训练的初始，就应该成为美术专业学生的自觉。认识自己内宇宙的丰富性，认识自己的价值和自我选择、自我造就的能力，增强学习的自信心和能动性。美术专业基础训练中，学生往往处在被动的受训地位。写生课上，石膏、静物、人物等客观对象总是牵着学生的鼻子走。有些长期作业，使学生在画板前处于“持久战”的僵冷训练，使学生主体意识受到束缚而消解，同时造成艺术学习主体精神的萎缩。改变这种情况，教师的启发和诱导是一种外在的力量，学习者对美术创作自律性的认识，以及在认识明确基础上的能动性和自觉性，是改变被动学习状态的内在力量。有了这样的自觉，面对训练内容，学习者就不会困惑地向教师发问：该怎么画？而能够自信地“用手去思考”，主动激活主体的表现兴趣和情感，引发创造的潜能，大胆地去探索，从而变被动受训为主动感受和发现。“画自己的感受”，不应只是学习者停留于表层的一句时髦口头禅。感受不是镜子式的对客观的被动反映。感受，是物我交融后创造的意象，是运用艺术经验对客体的发现和重构。吴冠中先生曾叙述，在欧洲留学时，一次，画黑人女裸，坐姿。学生们仅仅感受到对象超常的比例和粗壮的体态。导师却点睛式地提示：象一座金字塔。对同一对象，停留在结构、比例、明暗准确与否，是被动反映的技术层次；“金字塔”的感受，是一种独特的视觉感受，是艺术直觉的主动发现和重构，因而上升到艺术表现层次。基础训练中，学习者要自觉地发挥自己的视觉才能，学会用眼睛即用心灵去感受。直接的视觉感受，具有生动、鲜明、活泼的性格，它是重构和创造的基础，是未来作品的灵魂。学习者应该理直气壮地画自己的感受。重要的是要善于捕捉只属于自己的独特的视觉感受，发现别人没有发现的美。罗丹说：“世界上不是没有美，而是眼睛没有发现。”②个体差异决定了审美感受的倾向性，自觉地把握和强化自己的审美倾向，对语言和风格的形成有催化和整一的作用。不应囿于“只有技术练成之后才能注意自己的艺术个性”的陈旧观念，而应从接受美术基础训练起，就清醒认识主体的审美倾向性，沿着自己强烈的审美倾向，艺术个性和独特的感受去画画，这才是聪明的选择，这样的学生一开始就会有较高的起点。高等美术专业学生对自己专业选择的执着和清醒，是主体性的另一层面。学习者应该认识到，选择艺术不同于一般的择业，它不仅是为未来选择一种职业或谋生的手段，而是选择了人生的生活方式和存在方式。这种选择一旦确立，那么，画画就完全是内在的需要和追求。无论环境优劣或成败得失，都无怨无悔地全身心地投入。学习过程中的“自我感觉良好”，是学习停滞的信号，是主体盲目自信的结果，是艺术进步的内在弱点，这是对选择艺术存在方式的无知。如果从精神深层去理解艺术家，可以认为，选择艺术就是选择痛苦和炼狱，狐独和寂寞，没有这种深刻的体验，仅在表面上追求潇洒和浪漫，是对真正艺术家和艺术创作的误解。选择艺术的学子，一定要有这样的思想准备，从人格上锻炼自己，去迎接主体内外的各种挑战和考验。开放意识：开放性是现代人与传统人的区别，自信的主体是开放的，自卑的主体是封闭的。僵化、凝固、封闭是自我的病态表现。艺术创造是主体生命力的表现，是主体精神生动活泼的外化与物化。因此，艺术创造的主体必然是开放的主体。面对古今中外丰富的文化、艺术遗产，应全方位研习，多向度吸纳，不择细流而吞吐百川。不排斥、不拒绝，先咀嚼、后弃取。排斥和拒绝，将造成营养不良和贫血。美术教学实践表现，一个具有较深厚艺术修养的学生，比一个头脑简单、腹中空空的学生的感受力，肯定来得敏锐和深切，也更具潜力和发展前途。充实自我，提高主体的感受力，是美术学习的关键之一。感受力受个体心理结构和文化积淀的制约。因此，感受力的提高，依赖于主体的开放性品格。高校美术专业学生，在进行专业基础训练的同时，必须重视另外两个方面的学习。一方面，研习中外美术史上的名作，通过观赏，去寻求与大师们心灵的沟通和对话，体验艺术的生发与酿制的内部脉络，审视艺术史嬗变的轨迹。观赏中对不同艺术语言和样式的揣摩，进而把握艺术法则和形式规律，提高和纯化主体的审美趣味，最终内化为主体的感受力。另一方面，把知识的触角，伸向美术技术训练以外的更多领域——美学、心理学、美术理论、文学等，广泛涉猎，融汇贯通，从而为艺术创造蓄积能量和寻找创造契机。读书和理论学习，对美术基础训练，从短期效果看，显得间接和微弱，因此，是极易受到忽略的方面。从长远观点看，读书和理论学习，对于美术创作具有潜在的战略性的意义。画画，最后是画修养。修养深厚，达到贯通画理画法，穷通人情世态，旁通诗词音乐，变通中外古今的境界，作品也必然会超凡脱俗而脱离工匠气。前面谈到练眼和练手的重要性，美术专业学生实际存在的缺陷，将提醒我们，相对于前两项训练，观赏和读书对他们无疑是更重要的训练。在重技术的学生那里，对读书和理论的厌倦，如果一旦转变为关注和兴趣，其作品的艺术品位、文化内涵将会逐渐进入较高审美层次而摆脱平庸。辩证地处理一系列专业训练内容和方式，理解和把握不同训练内容和方式之间的互补性，避免非此即彼的僵化和偏废，同样需要主体的开放性。传统和现代，东方和西方，临摹和写生，素描和线描，写实和写意，全因素和单因素，长期作业和短期作业等。根据美术专业需要安排的所有训练内容和方式，有其科学性、系统性和内在连贯性，也有各别内容和方式的不同训练取向和效能。全部训练内容和方式，共同作用于主体，是使受训者技术全面，适应性广，后劲充足的保证。因此，放弃某些训练内容和方式，无疑象废弃了一条腿，不但愚蠢，而且造成自身残缺与优势丧失。开放性意味着宽容和包孕，不拘一家，不囿一派，兼收并容，为我所用；开放性也意味着主体敢于自我否定，消除盲目的感觉良好和堕性，不泥古僵化，不简单重复。主体的开放性，不是对主体独特性的否定，而是对主体的超越。建立活性的知识结构和深厚的艺术修养，将为主体独特性的实现，提供更多的可能性和选择。就艺术创作而言，独特性是基础和本源，开放性是基础上向外无限拓展的构架。意整体识：在艺术生成的各个阶段以及艺术成品的欣赏过程中，主体的整体意识都是十分重要的。建立整体意识就是建立整体统摄局部，局部服从整体的意识。罗丹砍去巴尔扎克塑象的两只手，是整体的需要，尽管这两只手塑得很精细、完美也毫不留情。对整体的理解和把握，不同艺术层次的主体具有不同的深度。艺术造诣越深，整体意识越强，整体意识随主体的经验积累和修养提高而不断上升到更高层次。主体对客体的审美感受，主要方式是直觉。艺术地把握世界，不是通过逻辑的认识，而是整体直观的感受和体验。对于美术专业来说，整体直观也就是惯常所说的正确的观察方法。观察方法是一个老生常谈的问题，错误的观察方法是局部的、孤立的、散乱的、非审美的，它严重制约着学生练眼和练手的质量，阻遏学生从客体中捕获创造契机的可能性，导致作业中各种错误的出现。学生对建立整体直观方法的非自觉性，无疑是专业学习的一大误区。应在教师的指导下，一方面，尽快改变观察时管中窥豹式的局部关注，建立整体意识，养成扫描式的流动把握。在整体直观的视觉体验中，努力捕捉客体原初的新鲜感和生动性。经过反复训练后，这种正确的观察方法逐渐内化为一种职业习惯，并成为美术专业学生必备的专业素质。另一方面，在观察方法正确的前提下，明确美术把握世界的独特性。文学感受语言，音乐感受声音。美术如何感受自然、社会和人生？歌德的一句名言可能对回答这个问题有启发，“艺术并不打算在深度和广度上与自然竞争，它停留于自然的表面；但是它有自己的深度，自己的力量”。美术感受生活，不是去感受情节、主题，不是去感受世界的内部结构和本质，美术所关心的是世界外部的各种形态和形态之间的关系。美术家只能去感受形体、色彩、线条、光影等构成的节奏、韵律和意趣，即感受“一切有意味的形式”。总之，整体直观的观察方法，着眼于事物之间的联系和比较，将不同的形体，不同的色彩，点与线，块与面等，从孤立、散乱、无序状态，整合为有序、和谐和审美意象，进而为艺术创作和表现打下基础。初学者一旦能体验和把握整体直观的奥妙，专业学习将会出现质的飞跃。绘画语言符号和画面结构的整体性是整体意识的艺术层面。整体意识是组织画面结构的生命线。首先，绘画空间和结构不是对客体的简单模拟和复制，不是被动的毕肖和再现。客观对象仅是主体自由选用的素材而已。主体的主宰意义就在于，以审美经验为核心，以情感性为推动力，对孤立、无序的客体进行取舍和整合，创造出一个有序的和谐统一的艺术世界。第二，画面的艺术处理，即是对语言符号和结构的整体性把握。即使运用具象写实手法，也必须从具象结构中分析出抽象的形式因素，或方园、三角，或点线、黑白灰，并将其提炼升华为表达主体情感的语言符号。格式塔美学告诉我们，艺术作为表现，只在结构，不在题材，只在形式，不在内容。按照形式法则和绘画自律性，对形式因素和语言符号进行重组，从相似性去强化对称或重复，从相异性去强化均衡或对比，追求节奏和韵律，和谐和单纯，建构一个与内在情感心理结构相一致的画面结构。总之画面整体结构的建立，是整体意识统摄下的有机整合过程，是感性和理性，情感和思考，感受力和分析力的综合。画面的空间结构，是主体的发现和创造，是情感的物化形式。强调整体，就是强调局部、个别形式因素之间的有机融合和内部联系，特别强调局部、个别必须服从整体。整体不是局部、个别之间的简单相加，画面的整体性，意味着任何个别、局部的增减或移位，都是对整体的解构。画面整体性追求的目标是：“致广大，尽精微。”致广大，是对气韵、意境、气势、调子的总体把握。尽精微，是对细节的深入刻画描写，而达到对整体的丰富和增益。处理画面时，学生容易陷入细节的精雕细刻，而忘却整体性；容易醉心于长期作业的“深入”，而忽略兿术的概括和简练。概括和简炼是更高层次的整体意味。世间的一切形体，都可分解为立方体、园柱体、球体等，用几何形体对复杂形体的简化分析，可以更好地理解造型规律，也是整体把握形体和概括处理的依据。加强对基本形的理解，加强平面构成的研究和练习，强化整体意识和创造意识，无疑是美术专业学生的学习重点和艺术实践的突破点。创造意识：人的创造性在于人的未完成、人的开放性和人的内在无限性。创造思维是思维的自然方式，但由于盲目的习惯、文化背景和僵化训练而缺失。现实的人存在两种思维方式，即收敛式思维和发散式思维。收敛式思维，是封闭的并带有保守意味。发散式思维是开放的创造性思维，它的特点是思想活跃，富于开拓性，大胆反对旧传统，摈弃旧范式，创立新范式。艺术创造要求主体必须具有发散式思维品质。美术作品的价值在于原则性和不可重复性，因此，造型训练中，学生对自我创造思维的主动开发和挖掘，是带根本性的训练。创造思维的培养和训练，不应单靠创作课来完成，而应贯彻于造型训练的始终和每个环节。美术作品的表现性在于借助造型符号以表现人的情感、情思和情趣。在造型基础训练中，强调透视、解剖、结构描绘的科学性是正确的，学生必须具有正确描绘透视、解剖、比例的能力。作为一种造型基本功，上述能力是不能含糊，更是不能缺少的。然而，造型意识，从本质上说是一种创造形的意识，因此，造型基础训练中必须改变重技术轻艺术的倾向。基础训练中的严格、认真、一丝不苟是重要的，形体、结构、空间、明暗、冷暖的准确，谨严是基本的，但不应视为最终的和唯一的。在重视造型科学规律的同时，不应忽略美术创作自律性，不应忽略传统美学中带有现代性的命题，如“得意忘形”、“不求形似”和“随心所欲”等。写形之外，更有重要的写神、写意和写趣，故造型中的主观艺术处理、夸张和变形，既属当然之举，又在情理之中。科学的和艺术的，在造型训练的两难境地中，学生应如何把握？一则根据自己的素质和审美取向作出自我选择，或选择写实再现，或选择写意表现等。二则，处理好课堂作业中的“死”和课外练习中的“活”的关系。课堂作业绝不含糊，谨严