论绘画与雕塑中的圆

论绘画与雕塑中的圆

在艺术作品中，有许多基于艺术的元素来形成作品的艺术美。总结如下：另一方面，作品应反映艺术家的思想感情。另一方面，根据视觉美规律，它直接刺激了染色物体的视觉表现，主要包括形状、颜色、线条、光、空间等。本文仅从绘画和雕塑这两种艺术表现形式来加以阐述。一、现代雕塑家庭形式的研究以及视频造型的应用对客观形体再认识与主观艺术处理是美术工作者首先要研究的课题。艺术作品中的形体与客观自然状态的形体,是完全不同的两个概念,即便是较写实的作品,也有着本质的分别。形和体其实是两个概念。“形”即形状,指的是二维平面关系,如圆形、方形、三角形等。“体”则是“立体”“空间”,也就是三维立体关系,它除了轮廓线,还有内在结构线的反映,如明暗交界线等。但是,物体的形和体在造型艺术中是不可分割紧密相连的部分,它具有其他艺术门类所难以比拟的恒久的生命力。从艺术家独特的审美眼光来看,自然界的形体一般都具有构成“美”的因素,一切都是上帝造物的结果,自然状态的形体都有其内在的魅力,这是“常人”所难以观察到的。美术作品中的形体要求,绝对是高科技发展到今天,照相术及电脑制作永远所代替不了的,它的表现形式或抑、或扬、或夸张变形、或加强、或减弱,都是艺术家某种思想观念、情感追求的反映形式,它体现艺术家对形体特有的感悟和再造。艺术家由自然形态的形体提炼再造成为艺术表现中的形体,由自然的真实升华成艺术的真实。尽管客观自然形态的形体包含“美”的因素在里面,但对于艺术家来说,它提供的只是种种艺术表现可能性条件之一。而艺术家对客观自然物体的感受过程,是“仁者见仁,智者见智”的理想化的心灵过程的体现。可以说艺术家对不同对象的感受是独具慧眼的。如17世纪比利时著名画家鲁本斯笔下的那富有弹性、充满肉感而健壮的女人体与波提切利笔下的富有节奏的、精致明净的、近乎纤弱的人体形成了鲜明的对比,充分体现了画家在造型上的个性特征。对形体的研究与探讨,学院派大师安格尔较具有代表性,他把好的“形”总结成“平面加圆面”,并提出“在所有的形中,圆是最美的形”的表现形式。因而他在女性柔软的肉体上,找到了柔和的圆线及丰满而具有弹性形体的表现形式,从而找到了一个天才艺术家所具备的独特的视觉之美——“美的理想化”。这种“平面加圆面”的成果,被后来的立体主义画家演变发展成纯几何形,使古典主义学院派人物变成了变形派立体主义的祖师。这种对形体研究的连续,成为“二十世纪最大胆的研究”。现代雕塑大师摩尔,是现代雕塑领域非常杰出的艺术家。他的雕塑作品,人物形体高度概括和简练,如写意般的洒脱。与他相比,古典雕塑大师的作品,多是细微的起伏、凝滞与富有弹性的优美。如古希腊早期具有古典意义的作品《命运三女神》,作品中的“三女神”指的是掌管着人的命运的阿特洛波斯、克罗托和拉克西斯三个女神,现存的雕像虽说头部和四肢都失去,但那健美的身躯、恬静而潇洒的姿态,仍给人们极其优美的印象,尤其是对三女神衣服的处理,希腊式薄衫穿在三女神的身上,纤细而繁复的湿衣褶,随着人体的结构而起伏,女性的优美轮廓生动地展现出来,使得这些雕像不像是由冰冷的大理石雕刻而成,而是有血有肉的活生生的人。总之,从不同的对象和不同的形体中可以概括提炼出不同的形体意味,或平滑圆润,或结实浑厚,或精致严紧,或粗犷洒脱,这是艺术家个性的审美要求和匠心独运的表现,即便是看似没有明显特征的形体,也是经过艺术千锤百炼的结晶。二、色彩与光、色的研究造型艺术中的色彩因素同样也占有十分重要的地位,这在绘画方面(尤其是色彩画方面)较为突出。西方艺术大师在色彩方面可以说为人类艺术发展史做出了卓越的贡献,如提香和乔尔乔内是最早直接用色彩作画的画家,维米尔、委拉斯贵支、罗可可等大师,在色彩研究方面也显示出了常人难以达到的艺术天才。对光与色的深入研究莫过于印象派画家,他们对色彩因素的重视与追求对后人影响巨大。后期印象派的画家们,不满足于早期印象派画家片面追求外光和色彩,又在形与色方面进行了更加深入的探讨,使色彩与主观意象相联系,拓展了色彩的情感因素与表现力。此外,还有纳比画派的代表画家博纳尔和维亚尔都是更加重视色彩因素的大师,他们均在色彩的研究与探讨上做出了巨大贡献。在色彩表现因素不断拓展的同时,复杂多变的色彩未必适合任何形体;相反,有时还会减弱形体的表现力度。好的色彩不一定是主角,因而判定艺术作品中的色彩品质的优劣,要看它是否与艺术作品的思想倾向发生密切的和谐关系。否则,再华丽的色彩也被视如拙劣,毫无表现意义。三、角形既有古希腊文化,也有精神世界的具有“戏剧性”把具体的形体概括简化到不能再简化的地步仍然是一些艺术家孜孜不倦的新追求。艺术家试图完全摆脱物象的“束缚”,当他们以纯粹的线条、色块作为艺术“语言”来表现的时候,就有了抽象艺术。抽象画派的创始人康定斯基曾说:“一条垂直线和一条水平线连接起来产生的几乎是戏剧的声音。”还说:“一个三角形有它特殊精神上的芳香。”那么“一条垂直线和一条水平线连接起来”为什么能产生“戏剧性”?一个三角形又怎么能产生“精神上的芳香”呢?我认为在很大程度上与人的视觉经验有关。在特定的条件下,我们可以把一条长线理解为任何与线有关或相似的东西,如可理解为绳子及其他相近的形象,人们可以充分发挥自己的想像力,一旦注入了美术家的主观情感,便具有极其丰富的表现力与形式。生活中常见的一些符号同样给人们以启发和想像。如箭头符号它不但是方向的标志,而且还能产生“运动感”。如果说人们可以从箭头符号发现动感,从而产生艺术想像的话,也就不难理解康定斯基的从三角形中感受到它的“特殊精神芳香”。然而值得说明的是,“欣赏抽象作品,并不是靠一系列的联想”,从一条线理解为绳子,然后再联想到其他的“意味”和“内含”,这也不是抽象艺术家的愿望。而在抽象作品中,首先我们看到的或激情的挥洒,或冷清的分析,只要能闻到一点“精神上的芳香”就已足矣。四、立体纵深感的控制品形象的纵深感(或称立体感)也是艺术作品所表达的美的因素之一。早在意大利文艺复兴时期,一些画家就对绘画的立体纵深感有了深入研究,透视学已在作品中“像数字”般地准确运用,利用光影加强人或物体的纵深感。在这方面卡拉瓦乔应是较擅长用光影表现作品最成功的画家之一。受他的影响,17世纪荷兰最杰出的画家伦勃朗对光影的处理达到了炉火纯青的地步并以“伦勃朗的光”而著称于世。但是,西方画家对明暗透视、比例结构有了系统的深入研究并对三维空间、立体表现充分完善之时,对立体的纵深感的控制,正成为这一时期众多画家研究的课题。西班牙画家委拉斯贵支在他的《八岁格丽特公主》以及其他公主像中,已有明显的“立体加平面”处理效果出现,以后的马蒂斯和莫迪利安尼,所处理作品已近乎平面效果。超现实主义大师达利,又在原“立体纵深感”的基础上加强扩展,他的代表作《内在的预感》、《受难像》等立体作品把作品空间的纵深感推向极致。但是,随着科学技术日新月异的发展,制造立体效果的手段会越来越多,技术会越来越高明,最终处理的效果也会令人瞠目结舌。其“立体感”的处理也会大大超过画面中的效果。因此,我们一定