摄影入门的所有基础知识

摄影入门的所有基础知识摄影入门的所有基础知识/NUM摄影入门的所有基础知识摄影入门的所有基础知识摄影入门的所有基础知识第一课:数码相机光圈、快门解释及应用光圈:

光圈的大小是相机镜头中控制光线的参数。说得直白一些，光圈的大小将决定光线穿过镜头的强弱。因此大家可以很容易地想像到，光圈越大其透过镜头投影到数码相机CCD感光器上的光线也就越强，反之则越弱。那么它的大小也将直接影响到我们拍摄出的数码照片的成像质量。比如在快门时间相同的情况下，光圈越大则相片越亮，假如光圈过大的话，则会出现曝光过度的情况。无论对于传统相机还是数码相机，光圈都使用字母“f”来表示，而光圈中心孔径的大小则用相应的数值来表示，即“f＋数值”。在使用中，值得大家注意的是，光圈的数值越小，代表光圈的孔径越大，进光量越多，反之则进光量越少。所以，通常在拍摄时所说的“加大光圈”是指把光圈的数值调小，将光孔加大的意思。比如从f5．6调大一级到f4、或更大一级的f2．8等。

光圈从关闭到打开的差异，以及使用不同光圈数值所对光圈大小产生的影响。从图左上至右下分别是光圈处于关闭、f11、f8及f4不同状态下的光圈大小。由此，我们也可以理解光圈越大，投影到数码相机CCD感光器上的光线也就越强的道理。

快门:

快门的速度也是拍摄照片时控制曝光时间长短的参数。为了让大家更容易理解，我们也可以把快门说成是让相机保持当前设定光圈大小的控制时间。对于快门速度的表示方法，也是使用相应的数字来进行设定，比如1/4秒、1/60秒等。它们分别表示让当前设定的光圈孔径大小保持1/30秒、1/60秒的时间。因此，大家也从中不难看出，使用不同的快门参数来保持单位光圈孔径的时间长短，也同样可以控制拍摄时的进光量，即曝光度。而上面提到的1/30秒便是1/60秒的两倍时间，而此时它们通过单位光圈孔径的光量也是成两倍的关系，那么反过来1/30秒则是1/15秒的二分之一时间，通过单位光圈孔径的光量则将会缩减一半。

在实际拍摄中，我们可以通过对快门速度的调节来实现不同的效果，比如看起来流动的“车河”或凝固的水滴等，它们便分别是使用慢速快门和高（快）速快门来实现的。当然，在使用时还要注意快门与光圈的合理配合，这点我们以后将要向大家重点介绍的。

下面讲一下在实际应用中应该如何协调它们之间的关系来更好地达到照片最佳的曝光效果.首先，这要取决于我们的创作思路。比如我们打算抓拍动作较快的瞬间，那么第一个要保证的因素便是快门，比如1/125秒的快门速度便基本可以抓拍到行人的步行动作，而不会使人物变虚。在确定了快门的速度后，再根据当前的光线和想要达到的景深效果来选择光圈的大小。事实上，通过不同快门和光圈的组合，其所达到的曝光量是相同的，只是它们所适合的拍摄环境及拍摄出的效果不同而以。比如在充足的阳光下使用1/125秒快门和f11的光圈，其获得曝光量与快门和光圈分别为1/250秒、f8是相同的。

景深,在上面一段中我们提到了“景深”的概念，在拍摄中合理地利用景深的效果可以为我们拍摄的照片起到不可轻视的作用，因为它可以更加突出你所要拍摄的对象。景深是指在一次镜头聚焦调节中，所成影像最远部分和最近部分之间的距离，而这部分画面应该具有可以接受的清晰细节。在实际操作中光圈越大，景深越小；光圈越小，景深越大。此外，景深还有两个重要的效应：1、微距拍摄时的景深比被摄体在较远的位置的时候要小；2、如果在光圈和景物距离都相同的情况下，镜头的焦距越长，得到的景深越小。所以大家现在便可以得知，景深大小（也被称为深浅）的控制其实也就是对光圈大小的控制。

操作:除去自动拍摄模式外（光圈、快门均由相机自动调配），对光圈和快门的使用共有三种操作方式：光圈优先、快门优先和手动模式。

光圈优先：顾名思义，光圈优先便是以我们自行手动设定的光圈数值为准，再由数码相机根据当时的环境及光线自动给出快门参数加以配合。当在同一环境内，光圈越小所进入的光线也越少，此时相机便会延长快门的曝光时间。光圈优先在数码相机上一般用“A”来表示。

快门优先：同光圈优先的类似，快门优先便是由我们手动来设定快门的速度，而光圈的大小则由相机自动加以配合。一般情况下，如果手持拍摄，快门的速度最好不要低于1/60秒，不然很容易出现握不稳相机，而使画面模糊的情况。当然，假如定力足够或使用脚架，便不用担心稳定的问题了。快门优先在数码相机上一般用“S”来表示。

手动模式：相机的光圈、快门全交由我们自己来进行设定，这就是全手动模式。不过这对使用者的水平和要求就要相对较高了，但好在数码相机的拍摄照片不计成本，并且还能够即拍即现，所以有时也不妨用它来试试手。手动模式在数码相机上一般用“M”来表示。第二课:数码摄影入门必学的技巧

首先是应该知道的是数码相机的一些特殊功能，数码相机有别于传统相机，所以在摄影的时候有些比较特殊的调节选项，而且这些选项对于数码摄影来说非常关键。比如“ISO调节”和“曝光补偿”就是非常特别而重要的。

（一）关于ISO

首先说说ISO的调节，ISO的设置调整主要受到两个方面的影响，第一是光线不足的困扰，第二是快门速度过慢的问题，在这种状况下，如果有三脚架或者可以保证数码相机固定拍摄的话，可以通过增大光圈快门或者慢速快门来进行拍摄，但是在缺乏三脚架支持或者手持数码相机无法保证稳定拍摄的情况下，就只得选择较高的ISO来解决这个问题。

请记住，如果要获得画面清爽的照片就尽量采用低ISO设置进行拍摄，例如，如果要拍摄阴天或者日落时候的运动对象，快门速度设定最好为1/125s。不过如果在ISO50或者ISO100的设置下，即使在最大光圈设定下数码相机也不会达到这个快门速度，而是更慢的快门进行拍摄，这时候只能够采用提高ISO设置来获得快速快门，这样才能够捕捉到快速运动的对象。

不过对于ISO的调节应该是一步一步的进行，先调高到最近的一挡，看看是否能够实现拍摄意图，如果还不理想就再提高一挡，这样就可以保证获得最佳的ISO设置进行拍摄，当然无论如何，ISO的升高都会导致噪点的增加，因此我们得了解ISO变化的优点和缺点。

简而言之，ISO的设置升高会带来噪点的增加，当然在光线条件不好的时候，ISO增加可以提高快门速度，实现拍摄的可靠性。

要记住，在照片的阴暗部分或者单色区域的表征会比较突出，噪点色斑现象会比较明显，低ISO下拍摄的画面干净利索，不过在低光照的时候最好能够使用三脚架进行辅助拍摄。

（二）关于白平衡

在荧光灯的房间里拍摄的照片会显得发绿，而在日光阴影处拍摄到的照片则莫名其妙地偏蓝，我想刚玩数码相机的朋友大概碰到过这种情况吧，其原因就在于“白平衡”的设置上。能够对这一现象进行补偿的功能就是“白平衡”。你如果不想在拍摄的时候让皮肤变得怪里怪气，就跟我们一起来认识一下白平衡为何物？

白平衡控制就是通过图像调整，使在各种光线条件下拍摄出的照片色彩和人眼所看到的景物色彩完全相同。简单地说，白平衡就是无论环境光线如何，仍然把“白”定义为“白”的一种功能，这样可以保证色彩还原的准确性。一般而言，采用全自动方式时，我们的易用性数码相机也会采用自动白平衡，在特殊环境下很容易失误。此时，建议大家调用数码相机中的预设白平衡值，其中包括室内白炽灯、户外晴天、酒店等多种常见的环境。正确设置白平衡之后，色彩表现比右图更加自然。

不过白平衡还有很多另类的用法，比如不同的白平衡值会使得照片产生偏色，而利用这一特性，我们可以使作品产生一些特殊效果，这往往比使用滤色镜之类的小附件更加自然，而且十分方便。利用黄色的自定义白平衡产生蓝色光，淡蓝色自定义白平衡产生暖调的橙红色光，我们可以人为控制照片的偏色。为了令照片更加柔和，采用淡蓝色物体来自定义白平衡即可；为了令照片更加深邃，采用黄色来自定义白平衡即可。

在某些拍摄环境下，数码相机预设的白平衡值可能不够用，而白平衡又是十分抽象的概念，难以用简单的数值来描述。此外，我们可以利用数码相机的白平衡捕获功能，这也是最为准确的方式，不过使用时相对繁琐。首先找一张你认为最标准的白色物体，一般是白纸或者白色的石膏雕塑。随后打开数码相机的白平衡捕获功能，将镜头对准标准的白色物体，此时数码相机可以准确地捕获当时环境下的白平衡参数。

掌握了白平衡，拍摄出的照片就会有准确的色彩表现。

（三）关于曝光补偿

曝光补偿（EV）的概念：摄影其实就是摄影者运用自已掌握的摄影技术通过摄影器材对环境光线的计算、捕捉景物成像的过程。这个过程与设备的光圈值（控制单位时间进入相机的光通量）、快门速度（曝光时间）以及ISO（感光度，对光线的敏感程度）有关。如今的传统设备以及DC都会通过自己的内部程序，对环境光线进行计算，自动调整光圈、快门甚至ISO值。但在复杂的光线及强对比高反差环境下，P（程序自动曝光）挡拍出的照片往往差强人意，效果不是最佳。这时就需要拍摄者手工对设备进行相应的曝光参数调整，这就是曝光补偿EV（exposevalue）。

光的补偿、调整的手段很多，一般的有闪光灯、摄影灯、反光板的外源光线补偿；调整光圈值、曝光时间的光通量参数补偿。上面这几种补偿的方法，从严格意义上讲应该分类到“光线补偿或曝光控制”的概念中去。还有就是数码相机特有的EV的调整补偿。

外源光线类的闪光灯光线补偿，在缺乏其他补光光源情况下补光偏硬，往往会在被摄对象的背景上留下明显的阴影，同时会使被摄魈甯叻瓷洳糠质ゲ愦危д嫜现兀砸话愫苌俨捎谩?/span>

摄影灯可以营造出很好的拍摄效果，但由于条件的限制，往往局限于摄影棚之内。

补光效果柔和的反光板对于小场景人像类摄影应用广泛，常用于主体面部补光，其局限性不言而喻。

光圈以及快门的光通量参数调整，往往由于拍摄过程中需要考虑景深，以及运动物体因素影响，实际运用中会有捉襟见肘的感觉。

对于现在普及的数码相机来说，最常用到的手法是进行EV的调整，以期达到曝光补偿的目的。

消费级数码相机大多具备±2.0EV调节范围，高档些的DC可达可达±

对于初学者来讲,曝光补偿一般用于静物、景物拍摄的场合。这个场合适合你从容进行参数调整，用不同的补偿值拍摄多张片子，从中选择最佳作品出来。

正确调整EV值：在典型欠曝场景（物体亮部的区域较多，如逆光、强光下的水面、雪景、日出日落场景等）使用EV+，在典型过曝场景（物体暗部的区域较多，如密林、阴影中物体、黑色物体的特写等）使用EV-。简单通俗地说就是“白加黑减、亮加暗减”。

需要注意的是DC无论在P挡还是S/A挡下，当对EV值进行调整时，相机的光圈/快门参数也会有相应的变化：P挡下EV调整时，相机光圈、快门都会做出自动调整；A挡下光圈固定、EV调整会联动使快门的速度变化；S挡下快门固定、EV调整会联动使光圈大小变化。但是这些光圈、快门的变化不会影响到最终成像后的曝光补偿效果。

如果掌握好了ISO调节和曝光补偿的调节，那么数码相机使用起来就会比较得心应手了。玩熟了数码相机，接着我们就该来看看如果拍摄照片才会好看了。第三课:各种条件下的拍摄技巧

(一〉、摄影人的基本道德——永远别做一个让人讨厌的摄影人

1、慎用闪光灯——永远不要在会议、舞台或者音乐会等这一类场合上使用闪光灯，原因是，你的闪光灯会影响到别人，你想拍照的时候，要想想别人也想看音乐剧，其次的原因，你的闪光灯肯定不够用，因为有闪光指数这东西可以参照！对应办法，大光圈、提高ISO！2、抓拍，当你突然发现一个很值得拍摄的情形的时候，不妨把这一刻记录下来，但当你的照片当中有人物的正面，或者以该人物作为主要构图对象的时候，应该得到当事人的许可，否则就就尽量不要发表，除非你是新闻记者。画幅的形式：画幅的形式是指拍摄作品是采用横幅、竖幅，或者是其他形式构图。比如，横画幅拍摄躺着、坐着的人物；竖画幅拍摄站立的人物等。如果要使画面更有创意，可以根据创作意图的需要，使用其他形式的画幅。总之，确定画幅同被摄主体之间的关系，是构图的首要步骤。画面的主体：人像摄影画面中的主体实像部分，即摄影师想要拍摄的人物主体。其表达方式有两种：一是通过人像构图公式法，即采用特写公式构图、半身公式构图、七分身公式构图和全身公式构图；二是带景艺术构图法，即通过人物和景物的完美搭配来进一步美化和表现主体。不论是采用哪种方式，都需要在构图中明确主体。否则，就有可能破坏画面的完整性，造成构图上的无序和混乱。空白的部分:在摄影构图中，画面的空白部分并不都是指照片中白色的，而是指除了主体以外的部分。因此，构图上的空白并不一定是白色的。在一幅摄影作品中，主体实像与空白部分是互为依存的。空白部分既可以衬托、说明主体，同时还可以对主体形象进行补充、强化。简洁的背景:突出人物的最简单方法就是寻找一个比较简单干净的背景。比如一面白墙、一片绿草地等诸如此类既干净又不复杂的背景，这样摄影师只需把精力放在人物身上，不用担心因处理不好人物和背景的关系而导致照片失败的问题。虚化的背景:如果想进一步突出人物主体，初学者还可以考虑利用虚化背景的方法来突出人物。这种虚化背景的方法，同样可以排除杂乱的背景对人物主体的干扰。利用中长焦镜头不仅能够更真实地表现人物，还可以实现完美的虚化效果。但是，摄影师在使用长焦镜头的时候，首先要明确自己的创作目的。如果环境对于人物没有多大的利用价值。可以对其进行较深度的虚化；如果需要交代一定的环境因素，但同时又不希望其影响到人物主体，那么可以进行适度的虚化，达到两者的统一即可。仰拍:采用低角度仰拍所产生的效果正好和高角度俯拍相反。在拍摄人物正面半身像时，仰拍能够使人物主体上额部变窄、下颚部扩大、头颈变长、脸部饱满，并且表现出人物主体的高大与修长，同时还起到了净化背景的作用。平拍:平拍是以人物主体眼睛的平视高度作为基准线的。这种高度所拍摄的画面效果符合人的视觉经验，并且构图平稳，无特殊变化。〈二〉、如何摄影

一.怎样拍雨景

雨天时拍的照片,因为雨水的反光,远处景物明亮而影像朦胧,画面的景物,色调浓淡有致,别有一番风味.

拍摄雨景时,要注意以下几点:

1.雨天光线变化很大,有时雨景亮度很高,而乌云密布的倾盆大雨亮度又很低,两者之间的曝光量可以相差很多倍.因此拍摄时,最好使用测光表测光.

2.雨天拍摄,常常会出现曝光偏多的现象,而曝光过度对表现雨景是极为不利的.因为雨天景物反差小,曝光过度会使反差更小,照片看起来是灰蒙蒙一片.所以,一般多采用减少曝光,延长显影的办法,来改善反差的情况.可按正常曝光量减少一挡到一挡半,每减少一挡时,可增加20%-30%的显影时间,这样有助于提高画面反差.

3.拍雨景时,不要以天空为背景,而应选择深色背景,这样才能把明亮的雨丝衬托出来.如果画面中有水,不论是河湖水面,或是街道上的积水,雨点落在水面上溅起的一层层涟漪,也有助于雨景的表现.

4.雨水不会是垂直落到地面,一般以选择雨丝成45?方向时为合宜.使用的快门速度不可太高,因为高速度会把雨水凝住,形成一个个小点,而没有雨水的感觉.如果使用的快门速度太慢时,雨水会拉成长条,效果也不好.一般以使用1/30秒到1/60秒速度为好,这时快门速度不高,可以强调雨水降落时的动感.

5.拍摄雨景时,要注意在镜头和雨点之间要拉开距离.雨滴离镜头过近时,一滴很小的雨点也会遮住远处的景物.当然,有时也会有意需要这种特殊效果.要注意相机不能淋雨,也不要使镜头溅上雨点.一般可用雨伞遮住或把相机装在塑料袋里,把镜头和取景部位露出.

6.在室内,如想透过窗子表现室外雨景时,可在室外玻璃窗上涂上薄薄的一层油.这样,水珠容易挂在玻璃上,渲染雨天的气氛.

7.用彩色片拍雨景时,由于阴雨天的光线色温高,使用日光片时,照片会出现明显的偏兰色调.这种偏色可不用校正,因为兰调可渲染雨天寒冷的感觉.

8.拍雨天的夜景时,因为灯光的反射以及地上水面的倒影,都会使画面显得很生动.尤其是,使用彩色片拍摄时,雨天夜景的色彩效果要比一般夜景更为丰富.

二.怎样拍雾景

雾是由许多细小的水点形成的因而它能反射大量的散射光.距离愈远,散射光越多,色调越明亮,远处景物越看不清.所以在薄雾笼罩下的景物,能明显地从色调上区分出前景中景远景,加强了空间的纵深感.薄雾能掩盖杂乱无章的背景,简练地勾划出画面中的主要形象,提高了表现力.

拍摄时应注意:

1.雾景的光亮度很高,应正确控制曝光量,以免感光过度.

2.雾景反差小,拍摄时最好远用慢速与中速胶片.为使底片获得较大的反差,也可采用减少曝光,增加显影时间的办法来加以改善.

3.安排画面构图时,应尽量选择有远景中景近景的景物,以表现景物的纵深感.前景中景应昼选取暗色调的景物.

4.浓雾时一般不宜于拍摄,因为它的能见度太低,除较近前景外,中景和远景都看不到.这时,如果加用黄滤光镜或橙滤光镜,可减弱浓雾效果.因为黄橙滤光镜能吸收兰紫短波光,增强光线的透过能力.如想增强雾的效果时,可加用兰滤光镜或雾镜.雾镜分一号二号,可获得不同浓度的雾化效果.如果想加强雾化时,也可把一号二号雾镜加在一起使用.

三.怎样拍雪景

拍摄时要注意:

1.拍雪景不宜采用阴天的散漫光或顺光,因为这种光线不利于表现雪的质感.一般多采用侧光、逆光或侧逆光.使用侧光或逆光时,阴暗部分最好加用补助光,可用闪光灯、反光板,或利用周围环境中的白色反射物.

2.拍摄时,可加用滤光镜.除兰色滤光镜外,其它颜色的滤光镜都可以吸收兰、紫短波光,从而减弱雪地的亮度.一般多加用U、V或黄滤光镜,橙、红色滤光镜会使天空的色调过暗.拍彩色片时,多加用偏振镜.因为它可以吸收雪地反射的偏振光,降低雪的亮度,调节了影调,而偏振镜又不影响原景物的颜色.加用偏振镜可以使兰天里的白云突出,还可提高色彩的饱和度.

4.拍摄漫天飞雪的景致时,快门速度不要太高,一般要在1/60秒以下这样可使飞舞的雪花形成一道道线条,有雪花飘落的动感.要选用深暗的景物为背景,这样才可以把白色雪片衬托出来.

5.利用带雪或挂满冰凌的树枝、树杆、建筑物等为前景,可以提高雪景的表现力.因为这些前景不仅能使画面产生变化,增加空间深度,而且能增强人们对雪景的感受.

6.如果拍摄的画面只是单一的雪原、雪山时,雪的本身的反差又很小,这时要有意识地选择好衬景.要使雪景与周围灰白色调的景物区分出来.

四.怎样拍月景

月亮本身不发光,而只是反射太阳光,所以它的亮度很低.如果以中午时的日光与满月的明朗月光相比,日光要比月光亮六万倍.月光亮度极低,拍摄月景时必需要长时间曝光.但是因为地球在不停地转动,长时间的曝光,会使月亮在画面中移动,而形成一条光带.所以一般拍摄月景,多使用两次曝光法.

拍摄时要注意:

2.如果月亮的轮廓拍得过份清晰时,效果并不好.所以有时故意把月亮拍得有些模糊,有月晕效果.

3.也可使用两张胶片,分别拍摄月亮与月光照射下的景物,然后把两张底片迭合在一起放大.月亮与月光下景物的位置要安排好.

4.也可使用一张胶片,一次长时间曝光.如果天空有云,可等月亮被遮住时,先对景物进行曝光,待月亮出云后,月亮也可被拍入画面.也可以在根据地面景物的亮度进行长时间曝光时,用手把月亮遮住,待曝光到最后两秒钟时,再把手拿开,让月亮在底片上曝光.

6.用彩色片拍摄时,可选用灯光型彩色片,拍出的色调偏兰,可渲染月夜气氛.

五.怎样拍夜景

夜景主要是指在夜晚户外灯光或夜晚自然光下的景物,拍摄时以灯光、火光、月光等作为主要光源.

拍摄时要注意以下几点:

3.拍摄夜晚街景时,为了渲染车辆繁忙的景象,可以用长时间曝光的方法,让来往车辆的灯光在底片上多次感光.因车身较暗而又在行动,所以在胶片上不会感光,而汽车的车灯,就会在画面上划出光亮的线条.画面上白线条的数量和方向,可以根据构图的要求加以控制.一般拍摄时,多利用镜头盖,如车的行动方向符合要求时,可打开镜头盖曝光;如车的行动方向不符合要求时,可盖上镜头盖不感光.拍摄时,把相机固定在三脚架上,盖上镜头盖,然后打开T门或B门(B门需要锁住)取下镜头盖进行曝光,用镜头盖的开关来控制曝光.

5.画面有灯时,可加用十字滤光镜或星光镜,获得灯光闪烁、光芒四射的特殊效果.用彩色片拍摄时,也可加用虹镜或星女座镜,获得五彩缤纷的色彩效果.

6.雨天的柏油马路或光滑的地面,可以表现出建筑和灯光的倒影.如果在画面里拍摄了海边、河流、湖泊旁的建筑,由于水的反光倒影,可以使岸上或周围的灯光增加亮度,衬出景物轮廓,用彩色片拍摄效果更好.

7.夜晚使用彩色片拍摄时,一般应选用灯光片.但是如果使用日光片时,拍出的片子色调偏红橙,也能更好地表现了灯光辉煌的气氛.

8.现在国外新出产了一种夜间摄影镜头,内部装有一个"影像增强管",它是一个能把微弱的光放大到几万倍的元件.因此,用这种镜头在夜间拍摄,可使用高的快门速度.如使用A、S、A400度片,在明亮月光下,可使用1/500;在淡淡月光下,可使用1/60秒;即使在星光下,也可以用1/4秒以上的快门速度.

六.怎样拍焰火

拍摄焰火照片时,事先要作好充分的准备工作.如了解燃放焰火的地点,周围环境的特点,便于选择拍摄的位置.

拍摄时要注意以下几点:

1.最好在第一次燃放焰火时,即开始拍摄.因为焰火燃放后,天空的烟雾不容易散开,这样会影响表现焰火.

2.把相机固定在三脚架上,打开B门可以拍摄焰火的全部过程.但是,拍摄时还要考虑到焰火的造型效果,如果曝光时间太长,焰火散得太开,拍出来的影像反而不美.所以,要控制曝光时间,一般多在开花时打开快门,拍摄焰火形象最美的一刹那.

4.当空中焰火和地面的景物,不能很好地结合在一张画面时,也可使用两张胶片,分别拍摄.用一张胶片上半部拍焰火,用另一张胶片下半部拍地面景物或人物,两张胶片的曝光时间各不相同,然后把两张底片叠在一起放大.七.怎样拍闪电

拍摄闪电前,一定要通过观察,摸清闪电的活动规律,以便作好准备工作.

拍摄时要注意以下几点:

1.闪电的光亮并不一样,有时很亮,有时又不够亮,而且是间隙性的.曝光时,要根据它的不同亮度控制曝光.

在有风的天气里,闪电是流动的,所以要摸清它的流动方向.根据事先观察到的闪电在天空中的位置,确定相机的拍摄位置与角度.相机要固定在三脚架上.

2.拍闪电可使用一次曝光法.因闪电时间很短,按地面景物亮度进行长时间曝光时,即可把闪电拍摄在内.拍闪电也可使用两次曝光法.先拍摄地面景物,然后当闪电时,再进行第二次曝光.如果认为一次闪电不够时,还可多次曝光.多次拍闪电时,要注意避免闪电重叠.也可以在拍摄时使用两张胶片,分别拍摄地面景物与闪电,然后把两张底片相叠放大.

3.为了防止闪电时相机颤动,应使用结实的三脚架,用快门线**纵.使用单镜头反光相机时,应把反光镜锁上,以减少振动.

4.野外拍摄时,要注意不要把相机淋雨受潮,以免导电而发生危险.

八.怎样拍剪影

剪影照片表现的只是物体的轮廓,而不要求描绘它的影纹层次.剪影照片分全剪影和半剪影两种.半剪影照片是在物体轮廓上加用光线勾划,但从总的来看,它与剪影照片的要求是一样的.

拍摄时注意以下几点:

1.剪影照片可在室内拍也可在室外拍.室内拍剪影,可用自然光也可用灯光.用自然光时,相机要面向门窗.为了避免在背景上出现窗棱或室外的景物,应把门窗打开,并用白床单把门窗挡起来.被摄对象要侧向站在门窗与照相机之间,以白背景的亮度为准进行曝光.用灯光拍摄时,可把白床单挂在屋子中间,灯从床单背后射进来,人站在床单与相机之间,或者直接把背景灯打到白墙上.拍彩色片时，还可在灯光前加滤光片，使背景出现颜色。为了增强剪影的效果,被摄者最好着深色服装,以增强反差,达到主体突出、轮廓清晰的目的.

2.在室外拍剪影照片时,最好在清晨和傍晚,这时太阳角度低,光线不太强烈.被摄景物可挡住太阳形成剪影.

3.拍剪影照片,被摄物的轮廓线要清楚,拍人像时一般多选取侧面.

4.画面背景要简洁,一般多以天空和水面作背景.背景如果有其它景物时,要注意不要与主体剪影重叠.

5.曝光时要以背景的亮度为准,主体严重曝光不足,这时才会出现黑影.拍摄时,虽然主体上没有影纹层次,但镜头仍要聚焦在主体上,以保证轮廓的清晰

九.怎样拍花卉

拍摄花卉时,要求把各种不同花朵的千姿百态和艳丽多彩的丰姿,通过照片表现出来.

拍摄时要求:

1.因为花朵一般都比较小,所以拍摄时多在相机前加用近摄附件,以便获得较大的影像.

相机近摄时,可以利用下面的几种办法:

①使用加长皮腔.

②加用近摄镜.不同屈光度的镜片,数值越大,放大倍率越大.镜片可单独使用,也可两片合用.

③使用近摄接圈.接圈装在镜头与机身之间,可以拍到花朵原大或比花朵还大的影像.

④有的相机加上倒接圈后,可以把镜头倒转使用,在固定的拍摄距离上,能起到微距镜头的作用.

⑤也有的相机镜头带有微距装置.如使用微距变焦镜头,可在近距离内聚焦.

加用近摄附件时,因景深短,需要很准确的对焦.

用彩色片拍摄时,可加用偏振镜压低天空的色调,以兰天作背景.如用黑白片拍摄以天空为背景时,如需灰色背景,需加黄滤光镜;如需深灰背景时,可加橙色或红色滤光镜.

3.为了表现出花朵的质感与纤细的花瓣影纹层次,拍摄时要注意用光与光比问题.一般可利用自然光或灯光造成侧光、侧逆或逆光效果.同时必须加用辅助灯光或反光板辅助暗处的亮度,缩小光比反差.如阴天时拍摄出的花朵反差小,也可用闪光灯增加反差.

十.怎样拍空中照片

拍摄空中照片是指人在一定的空间高度,拍摄空中景物或从高空俯摄大地.人在高空拍摄时,可以乘坐飞机,也可利用跳伞.但因后者不是一般人所能掌握,所以这里谈的主要是指怎样从飞机上拍摄照片.

空中拍摄时,需要注意以下几点:

1.从高空拍摄地面,由于空气中介质散射的原因,景物的实际亮度比曝光表测得的数值要高.所以拍摄时应按测得数值,缩小半级到一级光圈.拍摄高原白雪与海上目标时,因雪与海水反光很强,也要适当减少曝光量.

2.在空中可隔着机舱玻璃拍摄,但是如果乘坐直升飞机或是打开机门拍摄时,最好系上安全腰带.拍摄时要握紧相机.

3.从空中俯摄大地,距离越近,快门速度越高,距离越远,快门速度可低些.飞机航速越大,快门速度越高.

5.从飞机上俯摄大地,山峰江河几乎都在一个平面上,景物缺乏变化.拍摄时,可有意识地选取一些动体,使画面增添活力.

6.空中拍摄应避免使用顺光,因为这种光线平淡,景物表现得像是叠在一起.一般多用侧光或侧逆光,这种光线能使景物增加立体感和深度感.因为空中兰紫光很强,地面景物容易呈现一片兰色调,所以拍摄时,多加用深黄或桔红滤光镜,可提高照片层次.

十一.怎样拍水下照片

拍摄水下照片是指人在水中拍摄水下景物的照片.相机与附件都需加有特殊装置,以便适应水下活动.

拍摄时要注意以下几点:

1.在水下拍摄时,相机必需带有配套的潜水摄影附件,或者有一个简易的水密罩,把相机装进去,然后才能入水拍照.

2.水下的光线绝大部分是来自直射的太阳光,其余小部分是天空和大气反射的散射光.所以在太阳当空时,水中光线最强,而当清晨或傍晚,太阳位置很低时,水中光线很弱.阴天或云遮日时,此时太阳直射光少,天空反射光多,水中光线亮度很低.

①在水中看水下物体的距离,要比它的实际距离近.例如一个物体在水下实际距离是4尺远,而眼睛看起来却只有三尺.拍摄时,要以眼睛所看到的距离聚焦.

②水中看到的物体的体积比实际物体要大1/3倍.

③相机镜头在水中的视角要比在空气中减小些.

④在水中,镜头的像差加大了.

5.水下拍摄时,要紧握相机,将它尽量*近面罩.在水下活动动作要轻,按快门时最好屏住气,按快门时动作要慢.拍摄时,最好把手臂支在身体或别的牢固物体上,以保持稳定.

6.水下拍摄时,一般不要从上而下拍摄,因为海底杂乱,很容易与被摄物混为一体.所以拍摄时,通常要游到被摄物的下面,从较低角度拍摄.

7.水中光线不足时,可使用电子闪光灯或特殊水下散光灯.以闪光灯指数计算曝光时,要把光圈开大一级.

十二.怎样拍高调照片

高调照片画面上的基调绝大部分是以白和浅灰影调为主,黑灰色影调极少,整个画面的色调比较简洁明朗.高调照片分为软高调和硬高调两种:软高调画面上的影调差距很小,可以细致地表现被摄对象的层次结构;硬高调的画面影调很少,几乎只是用线条勾划出轮廓.

拍摄时要求:

1.光线要柔和、匀称,一般多使用顺光,这样可获得反差平淡的效果.拍摄人像时除头发外,脸上光比不要超过1:2.

3.背景要选取白色调或浅灰色调.

4.曝光时,要比正确曝光略增加一点.

5.显影不宜过深,应选择缓慢性显影液.

十三.怎样拍低调照片

拍摄时应注意:

1.软低调的画面影调低,但影调之间对比不大,它是以接近的影调和细致的影纹来表现被摄对象的层次和质感.软低调的光比多控制在1:4之间.硬低调的明暗对比强烈,光比多控制在1:8之间.

2.拍摄低调照片多使用测光或半逆光,要选择暗背景.

3.拍摄低调人像时,人物服装的色调要比较深.拍摄低调的自然景物时,也需要选择深色调的景物.陪体的色调也要比较深,并且与主体的低调相协调.

4.感光要充足,以保证阴影部分有足够的层次.显影时应采用慢性显影液,可把D76显影液加二、三倍水冲淡,再把显影时间适当延长一些.

5.低调照片的整个画面影调浓重深沉,但其中最好要有白影调.这个白调即使面积很小,但能使整个画面具有生气.

十四.怎样拍电视影象

拍摄电视影像就是从电视机的屏幕上,直接把正在放映的画面影像拍摄下来.因为国外的电视新闻的影像是通过卫星转播的,它的传播速度快,所以在报纸上很多国外的重大新闻照片是从电视上拍摄下来的.

从电视上拍摄照片要注意以下几点:

2.拍摄时,要将电视上的影像调整到最大的光亮度和合适的反差.室内要保持黑暗,以免荧光屏表面产生反光.

3.根据荧光屏的明亮度来决定正确的曝光量.

十五.怎样拍玻璃器皿

玻璃器皿不但透明,而且本身还会反射出明亮的耀光.拍摄时要表现出玻璃器皿的这一特点.

拍摄时要注意以下几点:

1.由于玻璃器皿具有透明或半透明的性质,以及表面光滑容易反光的特点,因此用光时,一般不采用直接照明,而是采用间接照明的方法.可将灯光照射到一些明亮的反光面上,然后再由反光面反向到被摄物体上.也可以把玻璃器皿放在一平面的背景前面,灯光照射背景,以背景柔和的反射光作为照亮玻璃器皿的唯一光源.在这种光线条件下,玻璃没有反光,玻璃器皿的深暗的轮廓线条和它的透明质感可以表现出来.

3.拍摄时,不要使相机的影子反映在玻璃器皿上.可以用一块50厘米见方的黑纸,中间开出像镜头大小的一个洞孔,放在相机前,就可以消除影子.

4.拍彩色片时,可用大张颜色纸作背景.纸的上端钉在墙上,纸的下端要在台子前垂下一尺左右,玻璃器皿放在纸上.光源可放在背景的后面,打出逆光效果.

5.拍摄橱窗里的玻璃器皿时,应从室内向窗外拍,利用从室外射入的逆光表现出玻璃器皿透明的质感.

十六.怎样使用追随法

拍摄动体时,可以用追随摄影法.追随摄影的特点是,拍摄者要随着动体的运动方向转动相机,在行进中按动快门.拍摄的结果是,动体清晰,而背景移动模糊,给人以快速运动之感.

采用追随法要注意以下几点:

1.要把相机紧*脸部,相机与头部作为一个整体来转动.拍摄时,先从取景框里看好被摄对象的位置,然后,按动体行进的方向,相应转动相机,待到适当时机时,及时按动快门.

2.按快门时,相机不能停止,必须在转动中按快门.

3.不要使用太高的快门速度,一般多用1/60秒,有时也可用1/125秒或1/30秒.如使用快门速度过高时,动感不强,追随效果不明显;如使用快门速度太慢时,技术上不易掌握,主体容易模糊.

4.使用追随法拍摄时,一般以选用测光或逆光为好.应选择深暗色的背景,而且背景最好是有树、山、房屋或人群等景物.这样在转动相机时,背景才能出现模糊的线条.如果背景没有景物,或是暗黑一片,拍摄时即使转动相机,也不会出现模糊效果.

5.追随摄影主要用于表现动体的"动态"和"速度"有下面几种追随法:

①平行追随.相机与动体的行进方向成90°.拍摄时,相机平行追随动体.

②纵向追随.当动体纵向运动时,相机随之纵向追随.如小孩向上荡秋千,相机向上转动.

③弧形追随.当动体弧形运动时,相机随动体运动,弧形追随.

④圆形追随.当动体圆形转动时,相机圆形追随.

⑤斜向追随.当动体由高处下降时,相机可斜向追随.

⑥变焦追随.拍摄者在面对迎面而来的动体时,利用变焦镜头,在变焦中追随拍摄.这时动体的四周会出现放射线条,有迸出的效果,动感很强.拍摄的要领是:当把动体对焦清楚后,随动体向前移动的方向,从远向近拉镜头,即从短焦距往长焦距拉动.如动体向后移动时,也可从近向远拉镜头,也即从长焦往短焦拉.变焦追随时,用左手拉动焦距,右手按动快门,在拉动焦距中按快门.背景要选择有景物的地方,这样才能在变焦时,出现迸发式的线条.拍摄时,因动体迎面而来,所以要特别注意安全问题.拍摄前要选择安全拍摄点,以免被动体撞伤.拍摄远距离快速动体时,需要用望远变焦镜头,可把相机固定在三脚架上,用慢速度在长时间曝光过程中进行变焦拍摄.

数码摄影入门之一首先要清晰

什么叫清晰，这是不是一个绝对的概念，因为我们的要求不同，我们对清晰的概念也是不一样的。这里联系到3个概念，即对焦精度、景深选择和抖动。对焦精度，现在的dc都AF了没有什么可以说的，除非你要拍的主体不在相机的对焦范围里，或者现场极度昏暗，AF还是可以保证质量的。除非你有更高的要求，比如获得超焦距等等，这些是高级手法，应该在无忌里讨论这里不讨论。

其次是景深，说道景深就需要给出另一个概念：弥散圆，名词解释：弥散圆：弥散圆.在焦点前后，光线不能汇聚到一个点，点的影象变成模糊的扩大的圆形光斑，这个光斑的外圈就叫做弥散圆。显然，当弥散圆的尺寸小到一定程度后，人眼将认为其是一个不可分辩的一个点。这时我们就会觉得在焦段前后一段距离里所有的像都是清晰的。这就产生了“景深”。景深内的弥散圆称为就称为容许弥散圆可见容许弥散圆的概念是一个随着人观察分辩力的变化变化的，景深是随弥散圆的可接受程度在变化。

最后是抖动,持稳相机，我现在可以达到：相对135的50mm焦距下，手持1/4秒可能在LCD上看不出抖，手持1/30放大到7寸内看不出抖，手持1/125秒放大到A3幅面肯定看不出抖。正确的手持方法是用相机的眼平取景器，这时你的左手托住相机左肘紧紧的支撑在肋部形成一个3角，右手持握把手，右肘也紧紧的支撑在肋部也是一个3角，同时2支手臂也自然形成一个3角，有点物理知识的人应该已经感受到它的稳定了。手部动作：拇指控制多功能拨盘，食指轻轻放在快门上，调匀呼吸，就像扣动枪机，做到“有意瞄准，无意击发”此时高手已经达到人机合一的境界，十步一击，一击必杀！当然，绝对不抖是不可能，即使使用捷信，至少它还有按固有频率出现的震动吧，就看大家的要求了。

数码摄影入门之二准确的曝光

曝光的定义，如果予以科学的解释的话，即是：光线的强度乘以光线所作用的时间。定义中的“光线的强度”，是指CCD受光线照射的强度，即照度（以I代表照度，单位是勒克司）。定义中的“光线所作用的时间”，是指感光片受爱线照射的时间，即曝光时间（以T代表曝光时间，单位是秒）。曝光量的计算单位是勒克司·秒。以E代表曝光量，即可得到曝光公式如下：E（曝光量）＝I（照度）×T（曝光时间）

依据这一公式，若要取得一定量的曝光量，则光强度愈大，曝光时间愈短；光强度愈小，曝光时间愈长。如果光的强度增加一倍，曝光时间就需减少一半，假如光强度为2，时间为4，曝光量则为8；如果光强度为4，时间为2，曝光量仍为8。

等量曝光

我们清楚地了解这样一个浅显的道理：开戾得较大的光圈要比收缩得较小的光圈能让较多的光线通过镜头到达胶片上，较低的快门速度要比较高的快门速度能让光线较长时间地停留在CCD上。由此可以演变为以下情况：光圈f/1.8与快门速度1/500秒相组合，和光圈f/4与快门速度1/100秒相组合，所获得的曝光效果是一样的。它们又和中级光圈f/8与中等快门速度1/25秒相组合所获得的曝光效果是一致的。这就叫作"等量曝光"。

上述三组曝光组合的曝光量是相等的，体现在底片上的密度是一致的，体现在CCD上的影调层次、色调还原与再现是一致的。但是它们三者之间在画面效果上存在着两个重要差别：一是由于光圈的大小形成了不同的景深；二是由于快门速度的高低构成动体影像的不同清晰程度。

由等量曝光的原理使我们知道，不同曝光组合的等量曝光，可以获得底片密度相同的曝光效果。然而，以摄影实践中，应该根据拍摄题材和被摄对象的不同，在可以产生相同密度的若干曝光组合中，选择最佳的一组曝光组合，来表现所拍摄的主题。这就是选择曝光的概念。

那些富有经验的摄影家，从摄影的理论和实践经验中得知，尽管每组快门和光圈均能产生等量的曝光效果，而画面中景深与动体清晰程度却大不相同。具体采用哪一种曝光组合，必须认真考虑。是用较小的光圈去获取较深远的景物清晰范围呢？还是用较高的快门速度去抓取被摄动体的“凝固影像”？或是用极短的景深使背景虚化以突出主体？还是以较慢的快门速度增强动体的动感？等等。这一切都需要摄影者动脑筋来思考并加以选择，这决不是那些“自动相机”所能解决的，因为“自动相机”并无思维能力。具有形象思维能力的人可以得心应手地操作照相机去完成自己的构思，这或许就是相机的“自动曝光”与人的主动“选择曝光”的区别所在。

什么叫准确曝光。正确曝光的含义简单说来应该是：在适当的时间里让CCD受到适当的光量照射。

说到曝光不得不先说说亚当斯的区域曝光。风光摄影的泰斗美国摄影家A.Adams对摄影界最大的贡献之一就是创立了“区域曝光”的概念。不说了其实我自己也没有全部理解，里面的理论足可以写一本书了。但现在我的拍摄都是建立在这部分的理解上。我们为什么可以看到多变的图像几何结构？学过素描的朋友会很容易理解。图片无非是从白亮的高光到色彩饱和的中灰到全黑的暗部的连续的过渡。这种过渡让我们分辨出物体的轮廓。

最传统的拍摄手法在数码领域依然是最有效的。当你看到一个画面你想要表现什么，也就说你想要它体现最饱和的色彩和最丰富的细节，就对准它点测，然后按照测试值曝光，出来的片子一般就不会让你失望。当然你如果希望其他部分也体现出一点细节，你就必须使用反光板、吸光板来使这些地方控制到你的CCD的宽容度的范围内，或者变换角度和等待光线的变化来减小光比。反之也一样，你如果希望某部位出现纯黑、纯白，那就让这些部位偏离曝光值5档以上，就可以看到你想看到的东西。明白点测和手动对一台相机的重要了吧。

当然实际的拍摄没有这么简单。特别使纪实类的片子。你要限制光线，同时光线也在限制你，除非室内静物，完美的光线可遇不可求。但机会往往稍纵即逝。这时，经验变得很关键。包围曝光是一个有效的手段。但不是万能，至少包围测光不能改变客观光比。布勒松语“你得不停的改变角度”角度的改变不单单是为了改变构图，往往更多的是在改善光线对你的限制。可以利用的东西太多，比如水面的反光，白色的墙壁等等包括许多不可预见的情况，比如薄云可以使阳光变柔。

数码摄影入门之三黄金分割

构图一词是英语COMPOSITION的译音，为造型艺术的术语。在《辞海》中，谈到“构图”为艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系和位置，把个别或局部的形象组成艺术的整体。在中国传统绘画中称为“章法”或“布局”。

首先说构图里的分布和造型，这里不得不提到2个名词：九宫格和趣味中心

说九宫格前先说著名的黄金分割

自从古希腊人发现黄金分割以来这种比例就被认为是美学的最佳比例而得到广泛的应用。

其实黄金分割是造型艺术中的一种分割法则。亦称黄金分割率，简称黄金率。它的分割方法为,将某直线段分为两部分,使一部分的平方等于另一部分与全体之积，或使一部分对全体之比等于另一部分对这一部分之比。即：在直线段AB上以点C分割,使(AC)2＝CB×AB,或使AC∶AB＝CB∶AC。

实践证明,它的比值约为1.618∶1或1∶0.618，被称为黄金比。黄金比最早是由古代希腊人发现的，直到19世纪被欧洲人认为是最美、最谐调的比例。黄金比广泛用于造型艺术中，具有美学价值，尤其在工艺美术和工业设计的长和宽的比例(如书籍开本)设计中容易引起美感，故称为黄金分割。20世纪中，法国建筑师Le科布西埃发现黄金比具有数列的性质。他将其与人体尺寸相结合，提出黄金基准尺方案，并视之为现代建筑美的尺度。法国还产生了冠名为黄金分割画派的立体主义画家集团，专注于形体的比例。

在实际运用中，黄金比多只采用近似值。最简单的方法是按照数列2、3、5、8、13、21……得出2:3、3、5、5∶8、8∶13、13∶21等比值作为近似值。这种分割方法亦用于优选法。

再说说九宫格，九宫格的源头可是我们中国人发明的一种构图模式，但巧的是它与黄金分割有着惊人的理论联系！大家们把画面的上下左右用黄金分割来做出4条线，我们惊奇的发现这就是我国古人所说的九宫格！

人们发现在九宫格的4条线交汇的4个点是人们的视觉最敏感的地方，在国外的摄影理论里把这4个点称为“趣味中心”。顾名思义，被反复证明的是当被摄主体处于或发布在这4个点附近最容易得到“眼球”:)

数码摄影入门之四对称平衡呼应

在中国传统绘画中把构图结构称为“章法”或“布局”，“展纸作画章法第一”。位置经营如同围棋，下子格格皆可落，切勿乱迷。素纸也可处下落墨，切记不可胡乱抒笔。棋有棋路，画有画理，一笔走失如棋败局。古人将章法（构图）比作下棋，摄影变如此，也要有一定的章法与布局，置阵布势。黑格尔在《美学》中说过，“艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好，然后再考虑把它摆在什么地方，而是在构思时就要联系到一定的外在世界和它的空间形式及地方部位”。

1、水平位置，这样拍摄出来的影像不会歪斜，你可以以建筑物、电线杆等与地面平行或垂直的物体为参照物，尽量让画面在观景器内保持平衡。

2、色彩平衡性良好，画面要有较强的层次感，确保主体能够从全部背景中突显出来。如补色平衡（下图），所谓红花绿叶配就是这个道理。同色平衡，穿黑色衣服的人一般不安排在深色背景下拍摄。

3、前景有均衡画面的作用。有时我们在画面上发现空缺不均衡的时候，比如天空无云显得单调时，用下垂的枝叶置于上方，弥补画面不足之处；有时画面下方压不住，上重下轻的时候，可用山石、栏杆做前景，色调深使画面压住阵脚，达到稳定、均衡的作用。前景运用虚焦点的表现手法，给人们一种朦胧美的感觉。

4、空白。它是沟通画面上各对象之间的联系，组织它们之间相互关系的纽带。空白在画面上的作用，如同标点符号在文章中的作用一样，能帮助作者表达感情色彩。画面上留有一定的空白是突出主体的需要。要使具有视觉的冲击力，就要在它的周围留有一定的空白。这可以说是造型艺术的一种规律。人们对物体的欣赏是需要空间的。精美的艺术品，如果将它置于一堆杂乱的物体中很难欣赏到它的美，只有在它周围留有一定的空间，它才会放出它的艺术光芒。一幅画面如被实体塞满，就会给人压抑的感觉，画面上空白留得恰当，才会使人的视觉有回旋的余地。“画留三分空，生气随之发。”就是这个道理。

现实生活中，一切稳定的物体都有均衡的形式：桌子四条腿是稳固的；盖房子如下面小上面大，就给人一种不稳固的感觉；挑担子一头重一头轻，使人走路不便；劳动中人们的姿态显然是求得身体均衡以合乎这一劳动特点的姿态……。许许多多的生活现象培养了人们要求均衡的心理，并且在人们的审美过程中起作用。画面在一般情况下应该是均衡，安定的，使人感到稳定，和谐，完整。利用人们要求均衡的心理因素，可以从几个方面来强调画面的表现力：

a、对称式构图，对称一直是我们民族强调的东西，历来的皇宫。都城都是对称布局的。它强调一种庄重、肃穆的气氛，“四平八稳”的对称均衡中显示出一种古朴的庄重的关系。

b、虚实呼应式布局，就像江南园林。在一些强调幽雅、恬静、柔媚的抒情性风光画面中，要求的是变化中的均衡画面上可以有疏有密，有虚有实，但整体要求是均衡的。一幅田园风光里比如左下角有一头耕牛，右上角的天空里最好应该有一片云。

对比和反差也是常用的平衡手法，记得有一幅名作是一只白胖的白人的手握着一个非洲饥民小孩的手（在网上我找不到这副pp，只能让大家想象了）震撼着每个人的心灵。大小对比的效果，为了充分表现pp的内容，使观众对主体形象有鲜明印象，往往需要采用大与小，长与短等对比手法来加以表现。

数码摄影入门之五线条与三角

人们在构图中还经常采用一种“定向线簇”，它常常能收到“光芒四射”的效果。在大多数情形下，它把观众的视线引向主体，其完整的效果形成了一种从主体沿着直线向外放射的气氛。这是一种达到形象化效果的简易方法。摄影构图的另一基本技巧，是运用能将观众带入画面的“内引线条”。虽然内引线条有许多复杂的形式，但最易于识别和最易于获得成功的是C形、S形及富于透视感的斜线。

“C形线条也是一种有效的内引线条，但拍摄时须注意透视线条不得从任何一个底角弓I入。一般而论，内引线条不得从任何一角开始，而要从底边中心略偏一处的某测开始。”

至于S形线条，也有人称之为“形体线条”。这是霍加思最先作为一种优美的构图线条提出的。因为它来自妇女的优美身段：一种稍稍拉长的“S”形。作为——种常用的构图线条，它确实能给人以深刻的印象。

S形线条的魅力,在利用线条进行构图时，有一点须引起注意，即画面中的直线，特别是和边框平行的直线，不能毫不间断地从画面的一边伸向另一边。否则，很容易出现下列的情形：原来的意图是只想拍一张照片，而结果却好像是两张互不相关的底片印到了一张相纸上。这个问题在拍摄自然景物时，例如在地平线居中，天空和地面各占一半画面的情况下最容易发生。如仍纠正这种毛病?在美国摄影家B·克莱门茨和D.罗森、菲尔德合著的《摄影构图学》一书中指出，只要使“这种直线的延续性中断，而且使某一部分画面的图形伸进另一部分画面，照片的整体感就会牢固地建立起来”。

对角线的构图是一种导向性很强的画面，使用这种构图往往是作者希望把读者的目光明显的导向某事物，或表现线条本身的魅力，因为大家都知道矩形画面里最长的线条就是对角线。还有一个常用情况就是当2个趣味中心不明显但需要产生某种联系的时候，作者也需要一种形式来关联他们。看图，是体现桥梁宏伟的名片，闪光的桥梁主体横跨2个角似乎要跨出画面的外面。

前文里提到的留空白，常见的留空白往往是一个几何体，而几何体里最简单，最善于表达情感的非3角形莫属，正3角形往往表达一种稳定的情绪，多用在建筑，成年男子，成功人士等场合。这里如果有年纪大一点的人可能还记得当年的课本里有一幅描写大庆劳模王进喜的图片就是使用里正三角的构图，表现主体的刚毅和力量。

非稳定的三角构图，可以活泼画面，多用在多变的女人身上，下图就是一个范例。当然也有用这种构图来渲染一种不稳定的、烦躁的情绪，但我没有找到合适的图片示范。

数码摄影入门之六名家名言

有些人或许对构图有天赋。不过，根据美国摄影家维利·奎克的看法，几乎所有的人都能够通过应用一些基本法则，达到具有相当水平的摄影构图能力。为此，他提出了一些简单的方法。他认为，依据这些方法，任何人都能在短时间内学会拍出较好的照片。

维利·奎克指出，摄影者最易犯的错误是拍摄点取得过高，与被摄体离得太远，致使画面出现各种各样与拍摄目的毫无关系的东西。

他说：“请记住，画家是把东西画进画面，而摄影者则是从画面去掉一些东西。”他说：“一张照片应该只有一个趣味中心，画面上不能有无用的东西。如果你对某个物体是否有助于画面抱有怀疑，你就应尽可能地把它放弃掉。”这里就是人们常说的摄影是“减法的艺术”

奎克认为：“这并不是说，趣味中心非得准确地置于交叉点上不可。正因为如此，实际上趣味中心常出现在交叉点附近。”

奎克指出：“每一幅照片都应保持一定的平衡。这就是说，对主要被摄体的安排，不能使画、面出现向分量大的一边倾倒。但平衡并不意味着将两个同样大小和同等形状的东西置于对称的位置。这里的关系，只要你看一下在玩跷跷板的孩子就知道了。跷跷板两边的孩子，小些的一个必定坐在离中央远些的地方，而大的孩子肯定坐在靠近中央的地方。”

奎克认为：“把突出的线条安排，指向趣味中心，是拍摄一幅悦目照片的另一个要素。这些线条被称为主导线，有效地利用主导线，可以创造出惊人的照片。把主导线安排成对角线，会产生有力的动感。

“线条常常在照片中提供一个边框。这可以通过选择视点来进行，例如在树下通过树枝框住画面上的被摄主体。此时通常使用小光圈，以使整幅照片清晰。这样做，也有可能使边框过于突出，但安排适当，会得到好照片。

“在一幅照片中，地平线的位置会给人以强烈的印象。拍摄时，地平线要尽量避免处在照片的等比线上，因为这样做会把照片均分为两半，给人以呆板的感觉。

地平线处在画面下方，会给人以宁静的感觉，而处于上方，给人的感觉则是活泼、有力的。“此外，横幅画面可以产生安宁、平静的感觉，而竖直画面则会产生动态效果。”

奎克认为，以上方法如果运用得好，你的照片将会出现明显的改观，而且随着时间的推移，你很快就会学会鉴赏构图，从而为你增添摄影的乐趣。达柯认为，有时“如果线条与视觉产生了共鸣，一簇线条本身就能成为一个主体”。美国摄影家L．小雅各希斯认为：“构图是从摄影者的心灵的眼睛做起的。构图的过程也被称为‘预见’，就是在未拍摄某一物体之前或正在拍摄的时候，就能在脑海中形成一个图像或印象。通过经常析自己和别人的作品的构图，就会使自己的这种预见本领更加娴熟，变成一种本能。”这就是我常说的用脑子拍照。

奥地利摄影家伊涅斯特·哈斯对此也有同感，对于构图，他己达到手中无剑，剑在心中的境界，他认为、“构图在于平衡，每个人对平衡的处理都各有不同。”正如同武功达到最高境界时，已没有招式名称，只凭自己的功力去化解。他认为：“你越能忘记你的器材，就越能集中你的题材和构图，这时相机只是你眼睛的延续，再没有其他意义。”小雅各布斯还认为：“构图的最基本的因素是线条、形式、质感以及这些因素之间的空间。当然色彩同样也是不可忽略的因素。会聚的线条一般能说明透视关系，但并不是所有的照片都非要表现出透视的深度不可。许多杰出的作品都是平面图案。在取景器中的某个景物或人物的肖像，都是根据摄影者个人的感受进行安排的。就是所谓摄影里所有的控制是服务于你想表达的情绪。

“在大多数情况下，每幅照片中都有一个或一组形状或形式起主导作用，而照片中的色彩、体积、位置和其他形状等，都是为主导因素服务的。……构图中的对比，是指大与小、明与暗、近与远、主动与被动、平滑与粗糙、色彩的浓艳与轻淡等等的对比。要多利用这些相互对立的因素，通过它门使主体影响整个构图。例如，恰当地利用对比法则，照片就会具有强大的魅力。”

摄影家瓦尔特·德·格鲁伊特对摄影构图作阐述。他认为：“每一种构图都是以排列次序为基础的，就像我们从哥士达心理学和信息学原理中所了解到的那样，构图可以用多种方法获得。它产生于相似事物的组合以及对相反事物的强调。排列次序并不是千篇一律的，形态和色彩的疏密和对比也会产生排列次序。排列次序是以一种美学上的均衡为基础的，而均衡则从复杂、矛盾和动态之中造就和谐。”

他说：“任何人，只要懂得把照片分成单个的构图成分，借以得出它在美学上的一致性和合理性来审查照片的具体效果，就都会成功地创作出好的作品。""要获得令人满意的照片构图，须经常分析照片。”

数码摄影入门之七用光的艺术

说白了，玩摄影就是在玩光线。就如同素描，光线的表现力就是一幅好pp的“魂”下面先讨论几个概念：任何一种光线都存在着三个要素，即强度、方向和色调。

光的强度

强度描述的是光线的强弱程度，各种光源所发出的光线都有一定的强度。强而直接的光会造成明显的阴影，并且清楚呈现出物体的轮廓，所以常用来勾勒物体轮廓；强光也可增加被拍摄主体的明暗、色彩对比。弱而散的光可以减弱被拍摄主体的明暗对比，使物体表面看来平滑细致。

对于摄像的照明，在影室内，强光源常常要作为主光来使用，是拍摄照明的主要来源。而弱光源要作为辅助光来使用，它可以减弱主光所造成的强烈阴影，同时不至于投射出多余的影子。但是光线过强，往往收不到很好的效果，因为强光下形成的阴影会过于夸张，光影效果不自然。

拍摄时，如果光线过强，可以通过加装漫射屏或反射板等方法，来削弱光线的强度。和强光相比，散光的光影效果较为柔和自然。可以使主体受光面均匀，反差适中，受光源的方向性局限小。另外还有一种光线就是所谓“漫射光”阴天里的那种没有明显方向性的光线就是所谓漫射光。漫射光不像前面提到的那2种光源，它几乎是没有阴影的，著名摄影家布列松就是驾驭漫射光的高手。

数码摄影入门之八光照度强弱

光照度，即通常所说得勒克司度（lux），表示被摄主体表面单位面积上受到的光通量。1勒克司相当于1流明/平方米，即被摄主体每平方米的面积上，受距离一米、发光强度为1烛光的光源，垂直照射的光通量。光照度是衡量拍摄环境的一个重要指标。

夏天中午阳光最强的时候，室外光照度可达到100000lux以上，很容易形成明显的阴影，这并不一定是一个很理想的拍摄环境。而大多数室内照度都在300lux以下。照度不但同光源的发光强度有关，而且和光源到被摄主体的距离也有关。一般情况下，当被摄主体到光源的距离不变时，被摄主体的照度与光源的发光强度成正比；相反，当光源的发光强度不变，但与被摄主体距离发生变化时，被摄体上的照度大致与距离的平方成反比。使用闪灯时的光圈变化就是根据这个原则来的。还有一个法则就是：当一个光源照射于前后两个主体上时，光源越近，那么这两个主体获得的照度差异越大；光源越远，这两个主体接受到的照度越接近。这样的变化在上期的“构图”里得到了运用不同的反差，会造成非常强烈的视觉冲击。

说到这里我希望大家不要和上期说的概念做混淆，上期说的是光的方向性，照度是指强度。2者有相当的联系，但，是不同的。强光更加容易得到方向性，可是如果假如满屋这个方向都是5wlux的强光拍出来的pp也是没有方向的用光。又比如在微距的环闪下所有的影子都被“消灭”此时又何来的方向？相反，窗边的肖像，不要看室内的照度相当弱，但是方向性极强，常常用于刻画成年人的稳重和矜持等。

所有的光都具有方向性，这个概念容易理解。根据光源与被摄主体和摄像机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光、侧光三种基本的类型；而根据三者纵向的相对位置，又可分为顶光、俯射光、平射光及仰射光四种光线……

数码摄影入门之九光的方向

现在就光的方向做具体的分类。所有的光都具有方向性，这个概念容易理解。根据光源与被摄主体和摄像机水平方向的相对位置，可以将光线分为顺光、逆光、侧光三种基本的类型；而根据三者纵向的相对位置，又可分为顶光、俯射光、平射光及仰射光四种光线。

1、顺光

相机与光源在同一方向上，正对着被摄主体，使其朝向镜头的面容易得到足够的光线，可以使拍摄物体更加清晰。根据光线的角度不同，顺光又可分为正顺光和侧顺光两种。

正顺光就是顺着镜头的方向直接照射到被摄主体上的光线。如果光源与相机处在相同的高度，那么，面向摄像机镜头的部分全部能接受到光线，使其没有一点阴影。使用这样的光线拍摄出来的影像，主体对比度会降低，像平面图一样缺乏立体感。在这样的光线下拍摄，其效果往往并不理想，会使被摄主体失去原有的明暗层次。这里