欧洲古典绘画与印像派绘画

欧洲古典绘画与印象派绘画夏露露视觉传达2班201406010223欧洲古典油画的概述

油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画。它是用快干性的植物油(亚麻仁油、罂粟油、核桃油等)调和颜料，在画布---亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。因为画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面油画颜料干后不变色，能长期保持光泽，多种颜色调和不会变得肮脏。凭借颜料的遮盖力强和不透明性，绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，立体质感强，色彩丰富，能较充分地表现描绘对象。它起源于宗教服务，是宗教的活动的重要组成部分。成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。它发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。其中文艺复兴时期的意大利画家主要有乔托·迪·邦多纳、马萨乔、桑德罗·波提切利、莱昂纳多·达芬奇、拉斐尔·桑齐奥、提香·维切利奥等。15世纪的欧洲文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社会现实的积极要求,许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。这个时期的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法及追求写实的造型观念。

与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。

欧洲古典油画的最初特征

1）

严格的素描功底

古典油画家们都非常重视素描，把精益求精的素描基础作为油画艺术创作的首要条件。其步骤首先要画出一幅完整精确的素描稿，作为整个绘画的主要依据和范本；然后在木板上制备坚实的白色石膏粉底子，将素描稿用扑粉法转印到石膏粉底子上，用深色的丹配拉勾画出轮廓线；最后把素描稿固定在其上进行釉染、罩染和色彩表现直到完成。2）保持画面的平和光滑，即看不见笔触

古典油画大师认为绘画要光亮清晰，表面就不能有过多的笔触起伏，要尽量平滑。为明显看出画面上没有任何凸起的颜料颗粒和画布的突起点，侧面看去绝对平滑，因此画家常常用轻浮石和乌贼骨之类的工具将画面磨平，然后用水冲洗，向制作漆画一样；绘画时用柔软的貂毛笔把笔触之间的笔痕都扫平。3）以透明画法为主

古典油画是从透明画法上产生的。许多古典油画大师的技法中也是以透明画法为核心的。尽管后来经过许多改进和发展，甚至到鲁本斯和伦勃朗的画上，厚画法已经成为主要表现手段；但是在他们的画的背景和暗部区域，还是以透明画法为主。透明画法何厚画法形成鲜明的对比，丰富和加强了画面的表现效果。利用透明画法，可以保持画面色层几百年不产生裂纹和变黑。因此透明画法也是油画技法中最为科学和坚固的绘画技法。4）深底色、黑托白的方法用深底色的优越性是能很好地把握画面的总体色调，可用明暗对照法进行比较，使画面主次分明，重点突出，背景部分可以用透明画法画得薄而富有色彩变化。古典油画的单色素描，用白提亮，分层着色，暗面色层薄、涂暖调、透气性，亮面色层厚实、富有塑造性等古典油画技法特点。欧洲古典写实油画的赏析1）《持康乃馨的圣母》

画于1478年,是意大利画家莱昂纳多·达芬奇的木板油画作品,它表现的是年轻的玛利亚和儿子耶稣在一起的情景，现藏于德国慕尼黑古代美术馆。①作品介绍：画中圣母穿着暗蓝色的衣服，外加红袖红裙，身披金色的斗篷，胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里，她一手扶着他，一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。据传说，粉红色康乃馨是圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水，眼泪掉下的地方就长出康乃馨，因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血，似乎预示了圣婴以后的遭遇。②作品分析：

该画应是达芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品，画中的圣母带有韦罗基奥作坊的特点——苍白的、北欧人式的脸，金黄色的卷发，双眼望着下方。最能反映达芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的风景，那是一排崎岖不平，犬牙交错的山峰。

2）《施洗者圣约翰》

画于1513年-1516年间，是意大利画家莱昂纳多·达芬奇的画板油画作品，画面显示《圣经》中施洗者圣约翰，现藏于法国巴黎卢浮宫。①作品介绍：画作取材于圣经中的人物：布道者约翰奉上帝之命，将为耶稣施以洗礼，当他舀起约旦河的圣水为耶稣洗礼时，天空突然豁然开朗，有一鸽子形状的圣灵显现在被启开的天空中，从此约翰紧随耶稣布道，得名“施洗者圣约翰”。画面漆黑的背景上，施洗者约翰上身裸露着，而整个身子没入黑暗里，只有从右肩到胳臂、脸部、右手以及隐约可见的左手，暴露在照明之中。他的头发很长，宛如一个青年牧羊人，他一手拿着十字架，一手指向天空，脸上露出狡黠而神秘的微笑。②作品理解：这幅画虽属传统题材，人物和背景的描绘却前所未见。事实上，施洗约翰在茫茫黑暗之中指着天国，揭示了画家当时内心的苦闷与彷徨。

3）《受胎告知》又名《天使报喜》

是意大利画家莱昂纳多·达芬奇的一幅木板上的油画作品，描写的是《新约全书·马太福音》第一章第一节马利亚受圣灵感动的故事,它属于达芬奇早期的杰作之一，现藏于佛罗伦萨乌菲齐博物馆。①作品介绍：圣经上说,马利亚许婚了木匠约瑟后,没有同房,就受到圣灵感召而怀了孕。在路加福音第一章中这样记载的:天使加百列奉神的差遣,往加利利的一座城去,这城名叫拿撒勒。到一个童女那里,是已经许配大卫家的一个人，名叫约瑟,童女的名字叫马利亚。天使进去,对她说:“蒙大恩的女子,我问你安,主和你同在了。”马利亚听了这话，很是惊慌,又反复思想这样问安是什么意思。天使对她说:“马利亚,不要怕,你在神面前已经蒙恩了,你要怀孕生子,可以给他起名叫耶稣”。画中表现跪在草坪上传达神旨的天使和正悠闲地在庭院读书的马利亚两个形象。这里的天使报喜富有戏剧性，马利亚的神态虽然平静，左手往后一缩的动作，却显露出她内心的惊讶，她似乎不能自恃，怀疑她是否听错了天使的话。

②作品理解：借助宗教故事中天使加百列与圣母马利亚对话这一段情节，既满足社会需要，也给绘画技巧的探索提供方便。这种题材以前的画家已有各种表现，达芬奇采用了横幅，是为了展现美丽的贵族庭院生活，让视野更开阔些。而背景山水的描绘却已注意到了空气氛围的表现，以及达芬奇在探索客观真实中所作出的努力，尽量想表现物质世界的本来面貌，说明他一开始就致力于解决写实与典型加工的辩证关系。于是他选用对称的形式表现人物形象，除了一点自由构思外，这幅画的场景都是遵循一般的透视画法来构思的，如宅院内华贵的建筑以及马利亚跟前的雕花桌子，经过仔细的透视推敲，整洁美观的大庭院运用科学的焦点透视法来展现。所有这一切,都是为寻求绘画平面反映事物的准确性，但也显露出画家早期绘画上的刻板，是没有老师的指导独立完成的一件作品

4）《圣安娜与圣母子》是意大利画家莱昂纳多·达芬奇的油画作品，画面显示圣安娜让圣母玛丽亚坐在自己的膝盖上，略微俯首看着一对圣母子——玛丽亚和耶稣，嘴角浮现神秘的笑容,现藏于法国巴黎卢浮美术宫。①作品介绍：这幅作品中，我们可以看到许多中世纪以来公认的宗教象征的表现。首先圣母玛丽亚的红色上衣上罩着蓝色的外套。这种红与蓝的组合在基督教教义上象征是爱情和真诚；其次孩子玩耍的小羊，原来是祭奠仪式上的牺帆品，它在这里暗示着耶酥代替人类受难而被钉上十字架的教义。小耶解似乎无忧无虑地欲骑上小羊羔，其实这里暗示了他悲剧性的十字架受难之行。玛丽亚的寓意就是快把我的孩子从悲剧的命运中解救出来，她深情地向小耶稣伸出援救的手。圣母在小羊身上，似乎已经感到了她孩子的命运，脸上的没有微笑，只有淡淡的忧伤。她深深地弯着腰，手远远伸向耶稣的戏剧性动作，反映出她内心深处的矛盾。一方面作为圣母，她对人类的命运肩负着神圣的责任；一方面而作为毋亲，对自己的孩子又自然怀有爱怜之情，这是一对尖锐的矛盾，实际上是一幅含蓄的殉难图。

②作品分析：画面中圣母马利亚坐在她母亲的膝上，外祖母圣安娜虽然也很年轻，但仍感到圣母的身躯太大些，她难以承受如此重量。可是圣安娜脸上展现的笑容，是对着眼前那个顽皮的小外孙——耶稣(耶稣正从母亲的手中挣脱下来，想要骑在羔羊身上。)而发出的，马利亚倒象坐在安乐椅上那样，毫不介意地伸手要去抱耶稣。这种情绪传递是不很协调的，人物尽管处理得紧凑，却并不显得自然生动。这幅油画的重点是放在圣安娜这一形象上，尤其是精心刻绘她的脸部表情。圣安娜与圣母子，三个人的眼神是各不相同，圣安娜是慈祥，圣母是摒弃感情的圣洁，而圣子则是超越年龄和活动的慈爱和坚毅。这种细致的刻画，将这一幅与其他家庭场景区分开来，看到他的人会第一时间感到它的与众不同，亦是不可言喻的神圣和光辉充满画面

5）《基督被解下十字架》

画于1507年,是意大利画家拉斐尔的木板油彩画作品，

面显示抬走基督遗体这个主题,现藏于罗马波给塞画廊。①作品介绍：这幅作品本是阿塔兰塔·巴廖尼为追念被害的儿子而委托拉斐尔绘制的祭坛昼，巴廖尼希望在圣母的脸上表现出自己丧子之痛。我们从十六张经过反复修改的画稿发现：此画其实是由两幅画稿拼成。从某种程度上说，拉斐尔是在迫不得已的情况下将圣母昏厥的场面插入画中的，描绘的角度从哀伤死去的基督的原始考虑转向抬走基督的遗体。画家设法弥合两个场面的断裂：右边那个强壮的搬运者虽然是抬基督遗体的那组主要人物之一，身体却向相反方向倾斜,但作品仍未能达到观念上所需要的統一性。②作品分析：在这幅祭坛画中，几何构图的框架表明了作品的原貌,以三角形为基础的构图不仅是作品的基础，而且有特别的意义，显示了拉斐尔从设计底稿到最终完成此画的全部过程。

6）《戴荆冠的基督》

画于1570年,是意大利威尼斯画家提香·韦切利奥的油画作品，画面显示圣经故事中基督被犹大出卖后，被判处钉十字架之酷刑。①作品介绍：这幅油画是提香晚期的作品，画中表现行刑前，土兵们给基督戴上荆冠，然后用荆条把他抽打得遍体鳞伤，还戏称他为犹太人的王，受尽了讥讽和凌辱。②作品理解：这件作品最突出之处不在内容，而在画家的表现技法。我们可以看到提香油画技法的突出变化，这儿已没有早期作品那种细腻透明的画法痕迹，也很少有明确的线条，画家采用了明显的笔触和厚实的色块，运用了十分突出的光线，同现代油画更为接近一些，也显得更粗犷和挥洒。这种松散而豪放的油画技法和笔触同残酷鞭打基督的内容相当吻合，丑恶、卑下同崇高、牺牲的强烈对比，更增添了画面的生动性和感染力。印象派油画的概述印象派绘画是西方绘画史上划时代的艺术流派，19世纪后半期诞生于法国的绘画流派,19世纪七八十年代达到了它的鼎盛时期，其影响遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地，但它在法国取得了最为辉煌的艺术成就，其代表人物有莫奈、马奈、卡米耶·毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及保罗·塞尚等。印象派画家们继承了法国现实主义画家前辈库尔贝“让艺术面向当代生活”的传统,使创作进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖,及讲述故事的传统绘画程式的约束。他们重写生、重实践，主张走出画室,深入原野和乡村、街头,把对自然清新生动的感观放到首位,认真观察沐浴在光线中的自然景色，寻求并把握色彩的冷暖变化和相互作用,以看似随意实则准确地抓住对象的迅捷手法,令变幻不定的光色效果记录在画布上,留下瞬间的永恒图像。印象派油画的艺术特征1）艺术思想的批判性印象派绘画在本质上是批判的、“叛逆”的，被正统沙龙排斥，又因排斥而增强了“叛逆”性，更坚韧地走上了探索之路。1874年一群青年画家假借巴黎著名摄影师那达尔的工作室举行首次画展，即是受正统沙龙排斥的产物，至1886年，印象派共举办8次画展。其间印象派绘画曲折发展，印象派画家离合聚散。但整体而言，印象派艺术思想的批判性锐意不减。

2）艺术体系的独创性印象派代表人物虽然仍保持了绘画的古典形式和一般审美理念，却撼动了传统绘画方式，松动了传承性极强的艺术之链，在美学理念、光色处理、视觉建构和审美情趣等方面创造了新的艺术体系。3）艺术精神的探索性印象派画家始终处于探索之中。起步于探索，发展于探索，在探索中走到一起，在探索中又发展新的艺术轨迹，在探索中冲撞而分手，在探索中从印象派、新印象派、后印象派走来，又向20世纪现代艺术走去。4）艺术珍品的渐显性由印象派画家作品被正统沙龙拒之门外，其作品随之遭受冷落，甚至已被买走的作品被要求退回，到后来印象派绘画被世人接受的一个过程。

5）艺术技法的借鉴性印象派画家借鉴了巴比松派画家和英国画家的技法与审美理念，还从中国、日本等东方艺术中吸取营养。如1870年，莫奈对日本浮世绘发生了兴趣，并且于1871年开始收集浮世绘版画。

印象派油画的绘画特点1）将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，反映印象派具有绘画独立性的美学观念。印象派在艺术精神上对立于西方古典传统绘画，强调创造新时代的艺术形态；他们对主题性地再现现实不以为然，提出应自然而随意地表现生活与客观物象；他们游离于传统艺术所关注的社会功用与教育职能，离开了艺术表现现实的情节化和戏剧性结构，排除叙事性的文学内容，注重画家对现实情境的自我感受和自觉表现，擅长对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，以迎合新兴市民阶层的审美需求，努力反映印象派绘画独立性的美学观念。印象派并不反对以自然为师，只是强调“不要失掉你所感觉到的第一印象”。

2）注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派对光与色的探索得益于19世纪初期科学家对光的本质的新发现，孕育了艺术与科学相结合而产生的文化跃迁。使其在光与色的表现上取得了突破性成就，在作品中光和色是基本的绘画语言、艺术要素，在光、色中求形；以光与色的讴歌表现意和美；是形、意、美的艺术起始点，形、意、美在光和色中成形、达意、示美。理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。

印象派画家最基本的绘画技法是竭力探索一种有效方法，以突破物体单一的、表面看来一成不变的“固有”色；他们力图捕捉物体在特定时间内自然呈现的瞬息色彩，那种受一定环境条件、空间距离和周围其他物体影响的颜色。

3）采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。

为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。4）“把画架搬到户外”，成为印象派的重要绘画方式。它不是简单的绘画场所位移，而是绘画方式变革，改变了西方传统绘画方式，是为了在阳光下对景写生，捕捉和描绘物体在阳光照耀下色彩的微妙效果。“阳光下的绘画”，为印象派绘画的崛起和发展在绘画方式上奠定了基础。

5）变革西方传统绘画和借鉴各种画派，留下印象派叩开20世纪现代艺术之门的文化轨迹。

印象主义艺术思潮随印象派绘画而生，印象派绘画又在印象主义艺术思潮的涌动中而兴。印象派之兴，在于对西方传统绘画的变革和对19世纪上半叶各种画派的借鉴，包括借鉴古典主义、浪漫主义和现实主义等。印象派绘画的反叛表现在众多方面，它很快形成了自己的艺术风格、绘画特征和文化风采，在独树一帜驰骋19世纪下半叶艺术舞台的同时，也显现了自身的艺术选择和文化取向的局限性，以至于困惑、分化不断，在这种进程中，印象派、新印象派、后印象派相继而生。印象主义、新印象主义、后印象主义衰落后，立体主义和20世纪各种理性化抽象艺术从中吸取了动力。

印象派油画的赏析1）《日出·印象》

是法国画家克劳德·莫奈的画布油画作品，描绘的是勒阿弗尔港一个多雾的早晨,现藏于巴黎马蒙达博物馆。①作品介绍：这幅画在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。②作品理解：这种直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。这种对绘画语言本身的探索为后世许多画家所接受，从而形成了以印象派为起源的大潮流，艺术踏上了迈入现代的旅程。

2）《埃特尔塔的悬崖》

是法国画家克劳德·莫奈的画布油画作品，描绘的是埃特尔塔石灰断崖矗立在诺曼底海岸上的风景。①作品介绍：这是一个横幅作品，庞大的拱形悬崖占据了画幅的左上方三分之二的宽度，左侧岩壁沿着画布的左端被垂直切断。使悬崖显出奇异的、巨大的视觉冲击力和鲜明的崇高感。②作品分析：画家用写意的笔法表现天空和海的远景形象，用写实的笔法表现悬崖的背面和海的近景形象。以衬托出悬崖背光面和近景海面的有力的实景。画家选取了景物的背光面来表现景物，显示了它的色彩表现功力。在大面积冷调子的背光面里，色彩丰富而厚重，笔法整飭而严谨，给人以凝重而沉积的感觉，欣赏时需屏息而敛神。在此背景的反衬下，日光直射的悬崖色彩温暖而热烈。阳光中的景物和近景海面波浪用笔粗犷、跳跃，充满激情，与严谨的天空和背光悬崖的表达方法形成鲜明对比。这一部分的表现使整个画面形象丰富生动，色彩丰富而富于美感。3）《花园里的女人们》画于1866年，是法国画家克劳德·莫奈的大型画布油画作品，描绘的是天气晴朗时四个女人在花园的场景。①作品介绍：画面上的4个女人，都由一位模特充任，因此要不断改变她的装束、发型、姿态，画家需事先分别画出草图，然后再组合到一起。为了突出四位美丽的浅色着装女性，使之更显华丽，画面上使用了大量的浓绿色，尤其是眼前坐在地上展开白色裙子、手持遮阳伞的女人，在她的身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影，从而真实的再现。②作品分析：因为这幅画的人物没有立体感和起伏，色彩才能在这里大放光彩和充分显示其多样性。妇女衣裙上的花饰、草坪上的鲜花、突出在大片浓绿之中的叶子、从树叶的空隙之间透露出来的天空、穿透阴影的光线，这一切造成了一幅色彩妍丽的镶嵌画的效果。但这幅油画缺乏色调效果，光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，光线不能渗透人体，不能成为形的实体。

4）《福利·贝热尔的吧台》

是法国画家爱德华·马奈的画布油画作品，描绘的是一位金发女招待站在吧台后面，身穿饰有宽大花边的紧身上衣，两手撑在台面上，正在应酬顾客的场景，现藏于德国。①作品介绍：这幅画是马奈晚年的代表作。在这幅画中他最后一次刻画了他所熟悉和喜欢的巴黎喧嚣和豪华的生活。画中女招待的身后是一面大镜子，画外的一切隐隐约约地收入其中。酒吧间里灯火辉煌，宾客满座，热闹华丽的景象被表现的淋漓尽致。为了加强空间的对比关系，画家特意利用了大块的玻璃镜作为背景，以琳琅满目的酒瓶、玻璃杯作为背景，使画面变化丰富而生动，好似观者自己正站在台前。②作品分析：这幅画马奈是按照艺术规律和自己的主观理解对画面进行处理：画面色调格外明亮，色彩生动活跃，轻快不失和谐，人物与环境的结合自然巧妙。他把人物安排在画面中心，凸显强烈的视觉冲击力，整幅画作笔触流畅自由、收放有度，色彩丰富绚丽而热烈，形成主与次、人物与环境虚实相生的映衬美感，从而营造了一个充满想象的艺术空间，刻画了画家心目中的吧台。

5）《煎饼磨坊的舞会》又名《红磨坊的舞会》

画于1876年，是法国画家皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿的画布油画作品，描绘的是巴黎一露天咖啡馆兼舞场人头攒动、热闹非凡的场景，现藏于法国巴黎奥塞美术馆。①作品介绍：画面表现了阳光下饮酒、谈笑、跳舞的人群，人们形态各异，但都喜气洋洋，画面灵动欢悦，而人物脸上、身上，以及桌上、地上的斑驳光影，那种灵动闪烁迷离的光色变化，则是印象主义对光色变化高度敏感的充分体现。鲜丽的色彩、富有韵律的对比、协调的空间构成，都体现了雷诺阿高超的技巧。②作品分析：这幅画我们看到的光透过树丛洒落人群的景象，同雷诺阿在创作中的即兴理论是分不开的。尽力表现了枝叶间透光的特殊效果，这种对视觉色彩变化的追求，能生动地传达出明亮快活的舞厅气氛和透过树叶间隙斑驳的光线所产生的明暗的协调。画中的人物多为作者的友人，这也是雷诺阿人物创作的一大特点。

6）《夜晚露天咖啡座》

画于1888年，是荷兰后印象派画家文森特·梵高的油画作品，描绘的是室内明亮的灯光洒在屋外鹅卵石铺成的广场上，在深蓝色的夜空中群星闪烁，宛如朵朵灿烂的灯花的咖啡馆的室外景，现藏于奥特洛克洛勒-穆尔博物馆。梵高星夜三部曲：夜晚露天咖啡座、罗纳河上的星夜、星夜①作品介绍：在这幅画上，用黄和蓝来表现一种独特感受。画中被灯光照成黄色的咖啡座和蓝色星空的对比，用白色和明丽的黄色，寥寥数笔就描绘出天空中的群星，深蓝色的笔触点染四周，蓝色逐渐变淡，笔触纵横交错，造成星光弥漫的效果，反向着星光的地面，则以不同色调的笔触相间而不相混形成，黑色笔触用来表示地面上鹅卵石，使整幅画显得很美，洋溢着一种平和的诗意。构图使用一条纵线、一条横线、两条对角线来切割画面，没影点，即透视线的会聚点位于画面正中央。②作品理解：“夜晚露天咖啡座”是世界著名画作之一，他淋漓尽致发挥的不仅仅是对绘画对象的色彩表现，更重要的是他赋予了这幅画强烈的生命力。色彩是画家心中镜像的真实表现。梵高的色彩，去伪存真试图剥现世界的本来面目