世界名画赏析二

伦勃朗光线是一种普遍而善用的光线，用精确的三角立体光，勾勒出人物的轮廓线，让其余部分隐藏于光暗之中。给人以稳定庄重的感觉。伦勃朗的油画一贯采用“光暗”处理手法，即采用黑褐色或浅橄榄棕色为背景，将光线概括为一束束电筒光似的集中线，着重在画的主要部分。这种视觉效果，就好像画中人物是站在黑色舞台上，一束强光打在他的脸上。法国19世纪画家兼批评家弗罗芒坦称伦勃朗为‘夜光虫’，还有人说他用黑暗绘就光明。

伦勃朗对光的使用令人印象深刻，他独到地运用明暗，他灵活地处理复杂画面中的明暗光线，用光线强化画中的主要部分，也让暗部去弱化和消融次要因素。他这种魔术般的明暗处理构成了他的画风中强烈的戏剧性色彩，也形成了伦勃朗绘画的重要特色。苏丁和许多贫困潦倒的画家一样，开始总是画家禽和鱼之类的静物，因为它既可画又可吃，但他画的与众不同，他笔下的形象令人怵目，奇丑，在他的画中企图向人们显示：丑与美的两个极端是多么的密切；在死亡与毁灭中包含着复活。苏丁的秘密无疑在于爱的广博深沉，他不能容忍人们的不相沟通(他曾因此遭受过巨大痛苦)，也不能容忍僵化和死板空洞。那怕是表情木然的面孔，他也要毫不犹豫地吹人自己的勃勃生气。如果说他致力于画分解的肌体，剥了皮的牛，死掉的禽鸟，那是为了找到更新和复活的萌芽。他通过一切作为自己模特儿之物，去倾听象是发自贝壳内部，只有附耳其上方能感到的沉闷声音。他意识到自身未能尽善尽美，明白自己的贫困不幸，因而对自己永不满意，不断地重画一个题材，无情地摧毁不符合自己需求的一切。然而，正是通过追求绘画从未实现过的社会生活与材料惰性的熔合，苏丁可能比任何人都更接近于它的解决。埃尔米塔什的杰作之一《“天使报喜”场景中的圣母》由西莫内•马丁尼(SimoneMartini)在生命的最后几年里完成。马丁尼是杜乔(DucciodiBuoninsegna)的学生，意大利前文艺复兴时期锡耶纳画派最重要的画家，在来到阿维尼翁做教皇的宫廷画家时画了双连画《天时报喜》。圣母只是构图的一半，绘有天使长加百利的左翼现藏于华盛顿的国家艺术博物馆。西蒙尼将拜占庭传统（例如金色的底色）与哥特风格的简单精致相结合，为国际哥特风格的发展及其鲜艳的色彩、匀称的线条、对细节细致的研究和优雅而近乎飘忽的形体奠定了基础。坐在坐垫上的圣母是崇高女性美的理想形象。她的头倾向肩膀，她正沉思地聆听天使传来的关于她即将成为人类救世主母亲的喜讯塞巴斯蒂亚诺·德尔·皮翁博出生在威尼斯，最初师从于乔凡尼·贝利尼画，后又受乔尔乔内画风影响，他23岁时为威尼斯尼亚尔多教堂作装饰画《圣人们》等，明显地表现出对上述两位大师的师承。26岁的画家应罗马大银行家依奇的邀请，来罗马为他的别墅作装饰壁画，他那威尼斯画派特有的色彩效果，立即引起同在别墅作画的拉斐尔注意。就在这里又受到米开朗基罗的艺术思想和雄健的造型方法启迪，他的作品得到米开朗基罗的称赞，并在以后的年代里得到大师的不断关怀提携，作品中显示出米开朗基罗式的雄劲造型，但在整个作品的色彩处理上仍保持自身的特点。拉斐尔去逝后，皮翁博作为罗马一流画家而被教皇所重用。在他的创作中，把罗马画派的气势磅礴的造型方法和威尼斯的华美艳丽的色彩完美地结合在一起，从而形成自己的风格，在罗马画界享有崇高地位。约翰·辛格·萨金特（JohnSingerSargent，1856年1月12日－1925年4月14日），美国艺术家，因为描绘了爱德华时代的奢华，所以是“当时的领军肖像画家”。[1][2]他在一生中创作了900幅油画，2,000多幅水彩画，以及无数幅素描画、炭笔画。他的画作描绘了他游历世界各地时的所见见闻。萨金特的父母皆为美国人。不过，他迁居伦敦之前，都在巴黎接受训练。萨金特在绘画肖像方面享有美名，不过，他的声誉也并非完全没有非议，他也曾经遭受批评。他早期在巴黎沙龙展出的画作X夫人肖像就引发了丑闻。萨金特的绘画技巧，尤其是他后来被人推崇备至的笔触，在一开始就显得相当出色。他的肖像画带有雄伟风格，而非正式的手稿和风景画，则可以看到印象主义的影响。萨金特进入晚年后，开始对肖像画创作的规条产生矛盾情感。他转向壁画和外光主义画作创作。萨金特大半生都在欧洲渡过。当时，艺术界的集中力都在于印象派、野兽派和立体主义，但萨金特没有随波逐流，仍然坚持自己的现实主义，对委拉斯开兹、安东尼·范·戴克和托马斯·庚斯博罗的作画技巧，进行了出色的借鉴。他当时的品味诠释古典大师，看似毫不费力，却引领了一股技艺精湛的肖像画潮流。他也由此取得了“当代范·戴克”这个外号。[86]

不过，他还是受到了一些批评。他的同行卡米耶·毕沙罗写道：“他不是一个热爱艺术的人，不过是一个熟练的表演者”，而沃尔特·西克特（WalterSickert）更写了一篇文章以讽刺他。[87][69]在他逝世时，公众已经认为他是不合时宜的镀金时代产物，跟不上一战后出现的艺术情操。ElizabethPrettejohn认为，萨金特的名声衰落是因为一战后欧洲出现了反犹主义浪潮，无法容忍表现犹太人奢华生活的作品。[88]也有学者认为，萨金特在画作里面加入异域成分的做法，就是在19世纪80年代开始，而那时他在为犹太客户作画。[89][50]

布卢姆茨伯里派的罗杰·弗来（RogerFry）对萨金特的批评最为猛烈。1926年，他在伦敦萨金特画作回顾展上面指出萨金特的作品缺乏审美素质。[88]刘易斯·芒福德在30年代也声称，他华丽的技巧并不掩盖他空洞的思想和作画时的轻蔑态度。亚历山大·罗斯林，AlexanderRoslin(1718-7-15-1793-7-5)瑞士著名的人像画家。1718年7月15日生于瑞典马尔默，于1759年娶Marie-SuzanneGiroust。其画作遍及斯德哥尔摩、拜罗伊特、维也纳、巴黎以及意大利。RoslinArtGallery，罗斯林艺术馆，坐落在加利福尼亚州格伦代尔，主要展出亚美尼亚民间艺术品。罗萨(1615-1673年)《战场》萨尔瓦托·罗萨[1]萨尔瓦托·罗萨，是追随卡拉瓦乔艺术的那不勒斯画家。罗萨是一位多才多艺的艺术家，他不仅是画家，而且是演员、戏剧家、音乐家和诗人。很像卡拉瓦乔，一生富有传奇色彩。年轻时曾参加过1647年的那不勒斯人民大起义。他曾多次去罗马，40年代后有一段时间住在佛罗伦萨，一生飘忽不定，到处流浪从艺。他性格古怪，曾画过驴子、山羊等动物从幸福之神手中获得了王位和王冠，神气十足，这无疑是寓意达官贵人之流。

他的肖像画很出色，富有鲜明个性，他所作人物多为社会底层浪人、农民等，从他的艺术选材、形象塑造和画面的艺术处理看，属于卡拉瓦乔学派画家。

乔治·罗姆尼（1734.12～1802.11）与庚斯博罗、雷诺兹，被并称为英国肖像画三大师。他最早向肯达尔的油画家斯蒂尔学画，1756年，便自设画室。六年后移居伦敦，1764年和1780年两次访问法国；1773年又去意大利学了两年。70年代后，在伦敦以肖像画家的身份开创了自己的局面。他在伦敦专给上流社会人物画时髦的肖像。所谓“时髦”肖像画，是抓取人物某个优雅的、漂亮的姿态，加以渲染。不过，罗姆尼不善于用色。除了很强的记忆力与即兴速写的才能外，主要依靠他所熟练运用的线条，这可能与他从罗马古典雕刻的流畅线条以及匀称的姿势律动中获得启发有关。他的画从表面看来，形象生动，有一定吸引力，细细品味又觉缺少心理深度，被画的肖像有着千篇一律的美，特别是他的女性肖像。《戴草帽的汉密尔顿小姐》属于他的肖像代表作之一。乔治·罗姆尼的肖像画一般索要的酬金很高，可是订画的人仍蜂拥而至。尽管这样，他未被官方接纳，至多只是个“在野派”肖像画首领，与西南部巴斯的庚斯博罗的地位一样。据说，他曾受到位居权威地位的雷诺兹的抵制。乔治·罗姆尼还在青年时期就画过几幅精采的历史画，本应获奖，但雷诺兹仗权徇私，把此奖转授给他的朋友，使罗姆尼落榜。从此，罗姆尼恨之入骨，发誓永不在美术院展出自己的作品。成名之后，他共创作了约两千幅肖像，名声大震，成为与庚斯博罗、雷诺兹并称的英国肖像画三巨头之一。路易十四的宫廷画师亚森特·里戈所画著名的肖像《路易十四》，一直被美术史家们奉为他一生近400余幅肖像中的上乘之作。作为18世纪肖像画的典范，里戈的油画创作为现实主义艺术作出了独特的贡献。一般说，他画得很稳，无论是盛装肖像，还是便装肖像都是一丝不苟的。这位盛装的国王正非常严肃认真地摆着姿势，让画家去刻意描绘。当然，我们相信这种姿势不可能摆上几个小时。要认真捕获此时此刻的精神状态，就要凭画家非凡的记忆力和想象力，这也是此幅肖像成功的重要条件。这位盛装的国王正非常严肃认真地摆着姿势，让画家去刻意描绘。当然，我们相信这种姿势不可能摆上几个小时。要认真捕获此时此刻的精神状态，就要凭画家非凡的记忆力和想象力，这也是此幅肖像成功的重要条件。里戈淋漓尽致地描绘出这位最高权力者的戏剧般的姿态，他那一身负荷过重的帝王礼服及其精细的织物质感，实在描绘得太高明了：他右手支撑在权杖上，帝冕被放置在后面一张矮桌上。国王不想把这些具有权力象征的东西离开他自身，为了处理好构图，平衡色彩的关系，画家有意把桌围与国王的礼服取同一花纹，以利画面色调的稳定。塞巴斯蒂亚诺·里奇SebastianoRicci(1659-1734年)，18世纪初活跃在威尼斯画坛的代表画家。《智慧女神》,1718年,113x85cm,布油彩,TheLouver，Paris,巴黎卢浮宫,SebastianoRicci,塞巴斯蒂亚诺·里奇,1659-1734年,意大利,巴洛克,罗可可时期,绘画,神话希腊神话中，传说宙斯在人间的妻子墨忒斯怀孕了，宙斯担心生下儿女将来篡夺他的王位，就将怀着身孕的妻子吞下吃了。这使他患了谁也治不好的头痛病，于是叫来冶炼神伏尔甘用斧子劈开他的脑袋，里面立刻跳出一位全副戎装、手持长矛的女神，叫雅典娜，她是普罗米修斯用泥塑造了人之后，给人以生命和智慧的女神，在她的身上集中智慧、勇敢和贞洁的美德，她还是主宰纺织、手工艺的勤劳女神，也是雄霸于爱琴海雅典城的守护神。在这幅画上显示出她给人类带来智慧、财富，也带来征服与称雄的霸道，在她的脚下就踩着一位力士。画中的雅典娜身着盔甲，正在以珠宝装饰一位挚长矛的半裸女神，下面安放着画笔、调色盘和乐谱，表明施智慧于人类。里韦拉，J.deJosdeRibera(1591～1652)[]西班牙画家。1591年2月17日生于哈蒂瓦，1652年9月2日卒于意大利那不勒斯。早年可能从里巴尔达学画。1612年到意大利旅游，1616年定居那不勒斯，受到卡拉瓦乔主义的影响。成名以后，受聘为宫廷画家。1626年，成为罗马圣加学院的院士。30～40年代是里韦拉的鼎盛时期，他创作了大量富有人民性、风格朴实、粗犷有力的作品。1648年他辞去宫廷画家职务，隐居在那不勒斯郊外。两年后，才开始继续作画，晚年的作品笼罩着悲怆的阴影。里韦拉的艺术风格很有特色，他虽然画了不少宗教题材的画，但歌颂的不是神而是人，并且是一些生活在底层的人，其中有流浪汉、渔民、农妇等。画家并没有美化他们的外形，而是把这些人朴素善良的内心世界描绘出来。学院派一些画家把他贬为“强盗和凶手画家”，这说明他的艺术与学院派的艺术完全不同。他和卡拉瓦乔一样走着一条面向底层，面向时代的创作道路。也有人把他看作是巴洛克画家。其实尽管他的人物画常常充满了激情，但不是出于对宗教的虔诚，而主要是为了表现西班牙人民豪爽的气质、力量和性格。他的艺术技巧很娴熟，用笔很有力度，笔触宽大、豪放，颇有气势。他的画还常常有优美的背景，空间有阳光和大气浮动。他的主要代表作品有《圣塞巴斯蒂安与圣艾琳》(1628)、《圣巴塞洛缪的殉教》(1630)、《圣雅各之梦》(1639)、《圣伊涅萨》雷伯恩(1756-1823年)[1]亨利·雷伯恩，年幼父母双亡,沦为孤儿，早年跟一金饰匠学艺，开始画细密画，后转师于爱丁堡画家大卫·马丁。28岁时在伦敦认识雷诺兹，受其艺术深刻影响。次年赴意大利考察学习两年，这时已形成自己的艺术个性，31岁重回爱丁堡建立自己的画室，接受肖像订件，到59岁才成为皇家美术学院院士，66岁被英王乔治四世授予爵士称号，聘为苏格兰御用画家。雷伯恩没有受过正式艺术训练，油画是自学成才，从一开始就胆子很大，不受任何局限。原来很穷，24岁时与一位富裕寡妇结婚，有了生活保障而专心作画，逐渐成为苏格兰最优秀的肖像画家。他作画从不先画素描稿，也不在画布上作草稿，而是直接用油画色画出基本明暗色调，大胆入手，尔后仔细刻画人物的个性特征，他喜欢用强烈的侧面光描绘具有毅力和意志的人物肖像，如著名的《阿拉斯泰上校》。

画家以一位英雄式姿态描绘上校，全身站立，转首侧身，右手持着长枪，英武雄壮、坚定果断的气质一目了然。背景配以简略的枪剑和军号等军人配饰，单纯的环境更衬托上校的英姿。

这是一幅立体主义的抽象画面，当立体主义的画家们将形象切割成模块的时候，一方面让许多画家着魔，毕加索就是其中的代表人物之一。而另一方面，让一些特别敏锐、特别有才华的画家感受到了什么，是的，他们捕捉到了更加纯粹的艺术样式，那就是几何图形的抽象画面，如抽象表现主义的开山鼻祖康定斯基。留波夫•波波娃的《安慰》，就是在一个平面的画面空间中将所表现的形切割成大大小小的若干个碎片。这些碎片经画家着色后便成了一个个色彩体块，一眼瞥去，就象是打散了的魔方。魔方画面构成了一个立体的方阵，把我们带向了一个起伏不定的精神魔境，它引导我们在上上下下当中寻找精神的家园，那没有规律的立方色块总是让我们的视线迂回堵截，找不着北。啊，这是画家设的局。这个局，当观众处于愉快心情时，它便是一曲抑扬顿挫的旋律，是金属音乐的铿锵，让你感到一种明快；而当观者情绪不佳时，这样的画面愈发让人感到挫折，那机械、冷漠的直线和曲线，找不到人文的亲和力。留波夫•波波娃是生活在俄国革命时期的一位才华横溢的女性画家，35岁就燃尽了她的青春年华。从这幅《安慰》中，我们从画面上部似乎可以看到一个站立着的女子和男子相互亲吻的形象，气氛热烈而欢快，这个年轻女性的形象也许就是画家本人。《基督降架》是画家31-34岁期间完成的杰作，可谓意大利早期样式主义美术的代表作品。这幅画的内容并非确切之说，由于没有画十字架和棺材，因此难说是“降架”或“入殓”。画面的视觉中心，无疑是抬着耶稣的尸体，但整个画面被人物充满，所有人都向画面前景涌来，使画面堵塞，画中没有焦点，人物的动态、神情使画面中心分散，所有人物都似乎沿着画框的边缘在扭动着，没有一个人处于静态，显示出样式主义绘画在空间处理上往往关系不明确，但层次很丰富的特点，这种模棱两可的空间关系，使画面产生出一种神秘的气氛。

画中扭动、变形、夸张的人物，如四肢拉长，头部缩小，这就造成整幅画充满一种骚动不安的情绪。有人考证，在身着蓝衣服的圣母背后那个转首望着我们的男子，正是画家蓬托尔莫自己的肖像。乔舒亚·雷诺兹爵士（SirJoshuaReynolds，1723年7月16日生于德文郡的普林普顿，1792年2月23日卒于伦敦。），英国18世纪后期最富盛名且颇具影响力的历史肖像画家和艺术评论家，英国皇家美术学院的创办人。雷诺兹强调绘画创作的理性一面，他的许多观点是英国18世纪美学原理最典型的体现。研究画理一般是文艺理论家们的事，即便画家也很少有人问津；当然，这不是说理论和画艺在根本上是冲突的，实际是因为真正的能够用精深的文字表述画理和思考的画家少之又少。

雷诺兹有着过人的思考空间和精力，在意大利的十年间，他坚持每天把思考成果总结成日记形式，并付有许多关于绘画的长篇论述。他几乎对每一幅名画都作出了详尽的记录，这种记录有时是以公理形式保留下来。公理不仅是对画家创作成败的详细分析，也包括自己在今后创作中应该借鉴的东西，这实在是一部具备审美情趣和理论价值的著作。同时，雷诺兹临摹了大量文艺复兴时期的作品，今天在世界各地很多令收藏家掉眼镜的作品就是出自他的手笔。在观摩过程中，他对米开朗基罗和提香表现出特别的热爱，尤其花心思研究了威尼斯画派对色彩的巧妙运用。30岁时，雷诺兹回到了阔别12年的故国，立刻得到了他众多显赫的朋友的捧场，成为整个艺坛的新秀。《复活》简介：

这幅画是弗兰斯卡伟大的创作作品之一，是为故居的市政厅所创作的。这个小镇的名字叫博戈圣塞波克罗，字面上的意义就是“圣墓之镇”。而在盾形的镇徵里，原本就有一座耶稣之墓的标志，因此，它和弗兰切斯卡这幅画简直是天作之合。画面分为两个透视区，下面的区域画了几个卫兵正在睡觉，它的视觉消失点走得很低，这使得人物显得更威风、更壮实。据说，那个胡子刮得十分干净、背靠着幕墙的卫兵，实际上是弗兰切斯卡的自画像。在画面上方区域直挺站着的是基督，弗兰切斯卡不仅把这幅画中的基督形象画成一般人常见的样子，而且用崭新的表现风格，让基督自然地融入看起来不甚协调的主题之中。他按理想的人体形象来表现基督，还在背景中呈现出一种优雅的美感。画家把这五个人物不同侧面的部位，都凝聚在单一的一个平面中，把不同角度的人物进行了结构上的组合。看上去，就好像他把五个人的身体先分解成了单纯的几何形体和灵活多变、层次分明的色块，然后在画布上重新进行了组合，形成了人体、空间、背景一切要表达的东西。就像把零碎的砖块构筑成一个建筑物一样。女人正面的胸脯变成了侧面的扭曲，正面的脸上会出现侧面的鼻子，甚至一张脸上的五官全都错了位置，呈现出拉长或延展的状态。画面上呈现单一的平面性，没有一点立体透视的感觉。所有的背景和和人物形象都通过色彩完成，色彩运用的夸张而怪诞，对比突出而又有节制，给人极强的视角冲击力。毕加索也借鉴和吸收了一些非洲神秘主义的艺术元素，比如画面上两个极端扭曲的脸，扭曲变形的部位，红、黑、白色彩的对比，看上去狰狞可怕，充斥着神秘的恐怖主义色彩。乌德里早年从事插图绘画，画过圣经插图。在他34岁以前以肖像画家著名画坛，后来就专画动物，作为动物画家在当时的巴黎画界独一无二。33岁时就被法兰西皇家美术院接纳为院士。他在动物画上取得很高成就后又转画静物，专画死去的动物，这种转变纯属自己的爱好，在画中并不着意追求什么主题思想，只是把一些对象组合在一起，描绘它们的形态、质感和空间感，有的甚至杂乱无章，但很自然、真实生动，就像常见到的生活中一个角落，有时将这些对象堆放在具有巴洛克特征的建筑物前，作为整体背景统一着前景杂乱物象，构成和谐统一的艺术效果。乌德里的《死去的狼》让-巴蒂斯特·乌德里画造型力强，画中杂物共处一画样样如真。这幅《死去的狼》中，无论是死去的狼还是活着的猎犬，无论是台面上的各种静物，还是背后的风景，都极富质感，严谨的色彩、细腻的笔触都融化在物象之中。穆立罗是一位极富盛名的画家，早在他还在家乡塞维利亚作画的时候他就已经小有名气了。之后的十八世纪，尤其是十九世纪，他的名气达到了顶峰。在拿破仑入侵西班牙后，他的画作流传到了整个欧洲的四面八方，这些从伊比利亚半岛上得来的珍贵画作被法国人作为战利品据为己有，并散布在了各地。正如经常发生的类似的情形一样，随着他画作的流传，饱受了大众的欣赏和赞美之后，也开始有越来越多恶批评的矛头对准了他。现在，经过了这一切的反反复复之后，人们又重新以钦佩的目光来欣赏他的作品，他也得以重返十七世纪西班牙最伟大天才画家之列。他的绘画技术的逐渐进步也是显而易见的。起初，就如同自己的启蒙老师一样，他的画也显得干涩；后来通过学习阿隆索·卡诺和祖巴兰，他的画面得以逐渐饱满；在家乡，他研究了生活在塞维利亚的意大利画家和佛兰德斯画家的作品；马德里之行对他的绘画而言意义重大，他能够有幸欣赏到菲利浦四世私人收藏的著名画家委拉兹开斯的大作，并由此而深受启发。同时，我们也不能忽视其他画家如柯列乔、里贝拉以及凡·代克在他的绘画生涯中的影响。他的笔法已经不再局限于仅仅追求平面上的光滑，而是越来越自由流畅，以至于他在作画时能够轻车熟路、运用自如；他的技法越来越纯熟精湛，被称为“蒸汽式的”的手笔。物体的形状在他的笔下渐趋解体，而他所更加重视的是光线和色彩，通过暖色调的协调运用，画家向观众恰如其分地展现了他力图通过画面来诠释的精湛技艺。他的绘画技术的逐渐进步也是显而易见的。起初，就如同自己的启蒙老师一样，他的画也显得干涩；后来通过学习阿隆索·卡诺和祖巴兰，他的画面得以逐渐饱满；在家乡，他研究了生活在塞维利亚的意大利画家和佛兰德斯画家的作品；马德里之行对他的绘画而言意义重大，他能够有幸欣赏到菲利浦四世私人收藏的著名画家委拉兹开斯的大作，并由此而深受启发。同时，我们也不能忽视其他画家如柯列乔、里贝拉以及凡·代克在他的绘画生涯中的影响。他的笔法已经不再局限于仅仅追求平面上的光滑，而是越来越自由流畅，以至于他在作画时能够轻车熟路、运用自如；他的技法越来越纯熟精湛，被称为“蒸汽式的”的手笔。物体的形状在他的笔下渐趋解体，而他所更加重视的是光线和色彩，通过暖色调的协调运用，画家向观众恰如其分地展现了他力图通过画面来诠释的精湛技艺。奥地利维也纳分离派（VennaSecession）的领袖人物，著名画家。他强调个人的审美趣味、情绪的表现和想象的创造，他的作品中既有象征主义绘画内容上的哲理性，同时又具有东方的装饰趣味。他注重空间的比例分割和线的表现力，注重形式主义的设计风格。他那非对称的构图、装饰图案化的造型、重彩与线描的风格、金碧辉煌的基调、象征中潜在的神秘主义色彩、强烈的平面感和富丽璀璨的装饰效果，使画面弥漫着强烈的个性气质，对绘画艺术和招贴设计产生了巨大而又深远的影响。克里姆特的作品提升了招贴的艺术品位和价值，同时也使他名扬四海。这幅《死与火》创作于画家生命的最后年头，当时画家患了重病，生命垂危。画面上弥漫着一种浓厚的凄凉和哀愁的氛围，这不是一种主观臆断的猜测，而是画面上的艺术感染力使然。画中粗重的黑色线条隐藏着一种不堪负荷的沉重。中间有符号语言组成的苍白的人物形象，就像一个骷髅头一样，让人感受到一种死亡的预示。并且仔细观察会发现这个形象的眼睛和嘴巴是由“T”、“O”、“D”三个字母组成，而这三个字母组成的“tod”一词，在德语中正是死亡的意思。克利对这个形象处理得极为特别，一方面采用了图画和文字组合的方式，看上去新颖、有趣；另一方面，这个形象从轮廓上看是个面向左的人，可在五官的处理上