设计的艺术性

设计的艺术特征设计与艺术的渊源艺术，希腊语作teche，拉丁语作ars，都有技能和技巧的意思。在古代，艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。中国古代以礼、乐、射、御、书、数为“六艺”，日本也将香道、茶道、歌舞、乐曲称为游艺。在西方，艺术的美学观是渐渐出现的。艺术这一概念是一个历史范畴。绘画、雕刻和建筑早期并不包括在自由学科(LiberalArts)之中，西方古代至中世纪时期，并没有一个缪斯专门分管它们。直到18世纪，巴托(CharlesBattaux，1713〜1780年)在他有影响的著作《归结到同一原则下的美的艺术》中( LesBeauxArtsreduitsaunemePrinciPle，1746)，才有了美的艺术的划分。巴托把各种艺术细分为实用艺术(theusefularts)、美的艺术(thebeautifularts，包括雕刻、绘画、音乐、诗歌)，以及一些结合了美与功利的艺术(如建筑、雄辩术)。由于近代西方愈来愈强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术(finearts)的概念，以别于应用艺术(appliedarts)。人类早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才使得艺术从实际技术中分离出来，而艺术的观念也发生了变化。伴随美术概念的出现，产生了大美术与小美术的区别，但是到了19世纪，随着艺术纯形式主义研究的兴起，尤其是奥地利美术史学家里戈尔 (A．Riegl)的《风格问题：装饰艺术史的基础》(problemsofStyle：FoundationsforaHistoryofOrnament ，1893)一书的影响，终于从价值上打破了大美术与小美术的界限，指出了装饰和设计中内在的“艺术意志”(Kunstwollen)。设计design概念产生于意大利文艺复兴时期。在艺术的定义最初系统地形成时，设计一词的界定同现代“设计”概念一样，其含义时宽时窄。设计最初的意义是指素描、绘画(drawing),女口15世纪的理论家弗朗西斯科 朗西洛提(FrancescoLancilotti)就将设计、色彩、构图及创造并称为绘画四要素。切尼尼(Cennini)也有类似的论述，称设计为绘画之基础。瓦萨里(Vasari)将设计”与创造”概念相对，称二者为 一切艺术”的父亲与母亲。设计指控制并合理安排视觉元素，如线条、形体、色彩、色调、质感、光线、空间等，它涵盖了艺术的表达、交流以及所有类型的结构造型。设计的宽泛的含义，则包含了艺术家头脑中创造性的思维(常被认为在画素描稿时就酝酿着) 。因此，波迪内奇(Baldinuecci)将设计定义为“事先在心中酝酿，在想象中已描绘出结果，并能通过实践使之成为现实的可视物。”设计这个词历来带着一定的神秘性。柏拉图“理念”或“原型”关于创世与艺术创造活动之间存在某种相同之处的说法，使“设计”被赋予了一种神秘力量，而正是这种力量决定了艺术家之不同于工匠。设计被认为是可以得到的材料及手段，为如何完成一件艺术品而进行运筹、计划的过程。我们对设计和艺术概念的追根溯源，可以帮助理解二者内在的、历史的联系。设计的艺术含量设计的艺术性质在康德(I．Kant，1724－1804年)以及更早的英国经验主义哲学中可以找到理论基础。康德认为美有两种，即自由美(Pulchritudovaga)和依存美(Pulchritudoadhaereus)，后者含有对象的合乎目的性。对康德而言，合乎目的是一个更有优先权的美学原则，它与功能相近。康德认为，只有当对象吻合它的目的(英国经验主义称之为fitness)，它才可能成为完美的。康德讨论了绘画，并谈及装饰艺术、家具设计及室内装潢，认为这类的美以合乎目的为要旨。美视对象的目的而定，而目的既可能是显性的也可能是隐性的。我们知道，设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程。这种实用化的求美不是“化妆”，而是以专用的设计语言进行创造。在西方，工业设计常被称为工业艺术(IndustrialArt)，广告设计称为广告艺术(AdvertisingArt),等等。设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。一幅草图或模型，本身就可能具备独立的审美价值。 作为有艺术含量的创造活动，设计中常常发生这样的现象， 一个设计不是直接地进人生产， 而是巧妙地引发了另一个新的设计。不可否认，很多工业设计品的形式表现出与现代雕塑与绘画的密切联系。包豪斯时期，结构主义的抽象形式设计与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。 艺术对设计有着相当的影响，反之亦然。如果我们接受这一事实，艺术与设计的截然区别就不复存在了。我们会承认现代建筑(即使采用了预制单元构件) 是艺术的一种形式，于是我们也当承认工业制成品也是艺术，至少部分是艺术。在近代，现代设计与现代艺术之间的距离日趋缩小，新的艺术形式的出现极易诱发新的设计观念， 而新的设计观念也极易成为新艺术形式产生的契机(图15，图16)。从古到今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来。中国的仰韶、马家窑、屈家岭、大泱口出土的彩陶品种丰富， 各种造型都能表现出各自的功能， 又具有极为动人的美感。在这个基础上，先祖们运用黑、红颜料在陶坯表面画上动植物或几何形的纹样， 其艺术的魅力使无数近现代艺术家为之倾倒。 可以说它们是原始艺术与原始设计的完美结合， 是原始设计追求艺术的成功典范。随着历史发展与社会进步，创造纯精神产品的艺术逐渐从物质生产中分离出来。 社会出现了以艺术为职业的音乐家、 舞蹈家、画家，出现了以艺术为专长的文学家、 诗人、书法家，这种现象极大地推动了艺术进步。 但是，物质生产中设计对艺术的追求， 以及设计与艺术的结合，并没有因此而停止，反而在更深、更广、更高的层面上发展起来。例如皇宫的建筑设计，从来属于物质生产，同时又有很高的艺术要求。皇家要求建筑设计师运用空间组合、立体造型、比例、色彩、材质、装饰等建筑语言与视觉符号，构成独特的艺术形象，表达帝王至高无上的权力， 君临天下的气势，震慑臣民的威严，包罗万象的财富，使之成为皇权的象征。再看船舶的设计，皇船、官船、游船与货船、渔舟所追求的艺术形象与精神力量绝不会相同：货船适用，民船简朴，商船丰俗，游船浪漫，官船显赫，皇船雄大、威严、豪华。它们设计的差别造成的彼此间精神氛围的差距异常鲜明。从漫长的原始社会，一直沿续到现代化的今天，人类社会发生了翻天覆地的变化。 但是，作为物质生产第一步的设计，从来没有停止过对艺术的追求。人类从古至今的设计作品如恒河沙数，从远古的兵器、礼器、乐器、食具、车马船轿，到现代的家具、工具、玩具、电器、服装，以及火车、飞机等等，无不在功能设计的基础上追求尽可能完美的艺术形式，从而形成了人类今天的物质文明。是什么力量在推动设计对艺术的执着追求呢？是社会的政治、 经济、军事、科学技术共同的力量，是艺术和设计自身的力量，但是归根到底是人的需求。 人在生存温饱之后，追求发展和进一步的满足，包括物质享受与精神世界的满足。 生活应当美好，性格需要表现，成就追求承认，地位期盼彰显，权力企望膨胀。 这一推动历史发展和社会进步的力量，也就是促使艺术与物质生产分离， 走上了纯艺术的道路。这一力量同时促使古往今来的物质技术产品具有艺术的内涵。当设计解决了物质技术产品的技术课题与使用功能， 艺术便成为它永无止境的追求。在今天，设计不仅以科学技术为创作手段，如电脑辅助设计，还以科学技术为实施基础，如材料加工、成型技术、能源技术、信息技术、传播技术等等。然而这并没有损害设计的艺术特性，反而使得现代设计具有了科技含量很高的现代艺术特性，如全新的材料美，精密的技术美，极限的体量美，新奇的造型美，科幻的意趣美等。这就为艺术拓展了大片的新天地，为生活增加了很多新情趣。设计的艺术手法设计的艺术手法主要有：借用、解构、装饰、参照和创造。借用在设计中借用某句诗、某段音乐或者某个镜头、某一雕塑或其他艺术作品，借用艺术创作的思想与风格、技巧等，是设计的一种手法。这种手法使设计直接借用艺术的力量吸引、娱乐观众，达到感动观众，传播信息的效果，从而达到广告的目的，这是广告设计经常使用的手法。在设计中借用艺术作品营造特定的文化艺术空间，宣扬特定的精神主题，形成感人的人文氛围，这是环境设计的经常做法。只要借得巧妙，用得灵活，就能大大地提高设计的艺术品质，从而提高整个设计的品味与水平。解构以古今纯艺术或设计艺术为对象，根据设计的需要，进行符号意义的分解，分解成语词、纹样、标识、单形、乐句之类，使之进入符号贮备，有待设计重构。设计中有了这些艺术的或信息的符号，就有可能获得艺术的或信息的认同，进一步获得个性的和风格的力量，这是建筑、室内、家具、标志、包装、广告等设计的普遍做法。符号意义就是约定俗成的信息载体的意义。艺术符号意义就是普遍认同的艺术作品、艺术类型及艺术思想或艺术风格的表述与象征意义。只要解得典型，构得和谐与自然，就能鲜明显现出设计的文脉与创造价值，既合乎科学与艺术的发展规律，又合乎观众的接受心理与接受能力。解构是对设计极为有用的手法。装饰在解决设计的艺术品质问题时，装饰是最传统又最常用的方法。彩陶和青铜器采用了装饰，建筑、服装、家具也采用了装饰，时至今日，科技最先进的电子产品外壳上也用了女性特征的纹样或童趣的形象作装饰。由此看来，装饰并不等于“罪恶”，也不等于错误，关键在于使用是否恰如其分。好的装饰可以掩去设计的冷漠，增添制品的情感因素，增强设计的艺术感染力；好的装饰是设计不可分割的部分，只有多余的装饰才是可以随意增减的附件。参照设计属于创造。在解决设计的艺术品质问题时，无论是借用、解构、装饰，都不能简单地模仿，而要表现出适度的创新，参照不失为一个简便又有效的方法。参照的对象是前人和当代的艺术成果或设计成果。参照的核心是形式借鉴，规律借用，由此及彼，举一反三。参照的关键是根据设计课题，寻求成功的范例，反复参详考察，找出规律和可变的环节，在基本规律或基本形式不变的前提下，使设计呈现新的艺术面貌。创造在设计遇到开创性课题时，选用的材料、设备、技术、构造、外形等，都有可能是最新的科学技术成果，设计要实现的艺术和符号功能，也可能没有先例可寻。 这时，设计只可能依靠创造方法，在解决物质、技术、经济等功能的同时，予设计对象以合适的艺术形式。包括特定的平面或立体空间形象；恰当的造型、色彩、材质与肌理的美感；精心处理的同一、参差、主次、层次以及平衡、对比、比例、节奏、韵律等审美关系，从而确保设计作品在科学技术的先进性，实用功能的可行性，艺术欣赏的完美性，经济价值的现实性上，达到和谐一致的境界。创造是设计艺术最根本的方法，是借用、解构、装饰、参照等方法的基础。2.1.5艺术推动设计考察现代设计发生和发展的历史背景，我们看见艺术的变革以一种激进的方式影响了许多设计领域。现代设计的美学原理正是以本世纪初艺术运动的思想为基础，艺术的变革为现代设计的发展开辟了道路。事实上，各个时代设计与艺术的审美趣味是相一致的。 在同一时代背景作用下，艺术批评与设计批评所使用的概念与术语常常惊人地相似。维多利亚时代的设计与艺术表现出共同的趣味，20世纪之交兴起的现代艺术与现代设计的步伐正好合拍，立体主义、未来主义、表现主义、构成主义等一系列艺术运动，都在力图定义工业文明条件下的美学形式与功能。艺术的发展与设计的发展并行不停，二者都在追求一种能够体现时代精神实质的理想形式。而本世纪初，艺术的抽象形式尤其是几何形式直接影响了设计的现代化，而设计的探索又同时影响了艺术形式，二者的合力诞生了机器美学。包豪斯典型地代表了艺术推动设计．艺术与设计结合的成就。包豪斯在设计教育上也力图打破艺术与设计的一切界限，从而创造“完全艺术品”(Gesantkunswerke)。艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。“现代设计之父”威廉•莫里斯( WilliamMorris)是个典型例子。一个多世纪前的英国，工业革命取得成功，机器生产淘汰了手工业作坊，社会来不及为工业产品准备设计师，涌进市场的工业品粗糙、丑陋，附加着累赘的装饰。 身为艺术家的莫里斯决心克服这个弊端。他组织了一批艺术家兴办工厂，开设商店，投入设计实践，发起了一场影响深远的工艺美术运动，设计出一批清新自然、美丽动人的家具、挂毯、壁纸、瓷器和书籍。他的设计经验为现代设计的诞生打下了基础。设计师关注艺术，投入艺术研究，也可以推动设计进步。以布鲁尔( MarcelBreuer)为例，1920年布鲁尔进人魏玛包豪斯学院学习，师从艺术家依顿和康定斯基，学习色彩与形体理论，接受色彩与形体的构成训练，这为他后来从事家具设计奠定了良好的基础。他从“阿德勒”牌自行车把手上得到启发，开创了钢管家具的设计，用钢管、皮革和纺织品为材料，设计出一大批功能良好、造型现代化的椅子、桌子、茶几等，受到各国市场的广泛欢迎。他的第一把钢管椅子是1925年产生的。为了纪念他和他的老师康定斯基之间的友谊，这把椅子就命名为“瓦西里”椅子。设计师与艺术家的合作则更有可能推动设计进步。白马广告是一个典型。 1990年前后，白马广告的设计师和广东省内外的一批导演、演员、编剧、音乐家、舞蹈家以及摄影、制片、舞台美术家通力合作，在短短几年里，设计制作了一大批电视广告片， 如“健力宝”、“太阳神”、“乐百氏”、“潘高寿”、“花园酒店”、“三星汽车”、“浪奇”等，在思想上、商业上、艺术上都达到很高的水平。我们观察到，艺术理论和实践都推动着设计的发展，但是在设计与艺术的关系上，也存在一些误区。误区之一是为艺术而设计。否认设计的功利目的，否认设计的科学技术和经济特征，把设计作为纯艺术的一个品种。这样一来，设计就成了纸上谈兵之举和架上欣赏之物，科学、技术、生产、流通、消费等均成为无关