艺术学类基础综合

艺术学类基础综合艺术学类基础综合艺术学类基础综合V:1.0精细整理，仅供参考艺术学类基础综合日期：20xx年X月第一部分艺术学类基础综合第一篇艺术的本质、特征与特征第一章艺术的本质关于艺术本质的几种传统观点1、艺术史上对艺术本质的几种主要看法。（1）“客观精神说”。认为艺术是“理念”或客观“宇宙精神”的体现。代表人物是古希腊哲学家柏拉图。（客观唯心主义艺术观）（2）“主观精神说”。认为艺术是“自我意识的表现”，是“生命本体的冲动”。代表人物是德国古典美学开山祖康德。（主观唯心主义艺术观）旧唯物主义艺术观、形式唯物主义艺术观（3）“模仿说”或“再现说”。认为艺术是对现实的“模仿”发展到后来认为艺术是对“社会生活的再现”。代表人物是古希腊的亚里士多德。二、马克思主义的艺术本质观艺术是一种特殊的社会意识形态，也是一种特殊的精神生产；艺术是人类掌握世界的四种方式之一，它通过感性的形象来反映世界；艺术是为着审美目的、按照美的规律进行的审美创造，是人的本质力量的对象化。第二章艺术的特征艺术的主要特征是什么答：1.形象性。艺术必须借助形象来完成；艺术形象是感性的、直观的或可感知的；艺术形象是感性与理性的统一。艺术形象是客观与主观、内容与形式、个性与共性的统一。2.主体性。艺术创作、艺术作品、艺术欣赏具有主体性。3.情感性。艺术创造、艺术欣赏都具有明显的情感性；艺术中的情感的几种表达方式。4.审美性。艺术能够激发人的审美愉悦；传统美学的两种范畴：优美与崇高；现代美学对美的拓展。艺术的审美性是人类审美意识的集中体现；是真、善、美的结晶；是内容美和形式美的统一。第三章艺术的功能一、审美功能艺术作品具有独特的审美价值，艺术生产是通过创造具有审美价值的艺术作品来满足人的审美需要。艺术具有认知功能、教育功能、娱乐功能等多种社会功能，但审美价值却是艺术最主要和最基本的特性。艺术始终把创造和实现审美价值来满足人的审美需要，作为自己最主要和最基本的功能。二、教育功能1.含义：艺术是作用于人的灵肉，是艺术家与欣赏者的一种心灵对话，艺术家把自己的生命意识和审美体验融入作品之中，欣赏者通过作品获得二度体验。这种由一个生命进入另一个生命之中的“对话”，使艺术成为一种感性生命的创生和传达，成为主体间的一种深层精神活动。就这个意义而言，艺术成为人们心灵沟通的渠道，成为人的灵魂净化之所，人的精神家园。2.中外思想家对艺术审美教育的重视孔子——礼乐相济、柏拉图、亚里斯多德——教育、净化、快感3.艺术审美教育作用的特点：a、以情感人（柴可夫斯基的音乐）b、潜移默化（历代爱国诗）c、寓教于乐4.艺术教育艺术教育是美育的核心，它的根本目标是培养全面发展的人。艺术教育承担着开启人的感知力、理解力、想象力、创造力，使人的内心情感和谐发展的重任。美育与艺术教育a、古代思想家把美育视为道德教育的特殊方式b、席勒正式提出美育的概念，并从自然与人、感性与理性等基本哲学命题出发，为实现人性的复归这一更为深刻的层面来论述美育，成为提倡审美教育的代表人物。代表作：《美育书简》c、近代中国审美教育的提倡者——王国维、蔡元培d.美育的核心是艺术教育。人的审美教育可以通过多种途径实现，但是艺术是对个人目的明确施加审美影响的基本手段。2)艺术教育的根本任务和目标，就是培养全面发展的人。a.普及艺术的基本知识，提高人的艺术修养。优秀艺术作品塑造出生动的艺术形象，鞭挞丑恶，颂扬美好，因而可以培养人的高尚审美趣味，帮助人们提高审美判断力。b.健全审美心理结构，充分发挥人的想象力和创造力。想象力比知识更重要。训练表现美、创造美的能力。c.陶养人的情感，培养完美的人格。艺术审美能够使处于日常感性中的人获得全新的审美体验，从而超越日常生活中的平庸、麻痹，而感到一种新的感性的境界。美的艺术形象总是能鼓舞人们产生一种向上的意愿。三、认知功能1.认识社会、历史、人生（通过直观可视的艺术形象，展示古今中外的社会生活）2.认识自然现象（科教片、风景片、科幻片）科教片：《人体漫游》、《走近科学》、《探索发现》等3.艺术独特的审美认知功能四、娱乐功能1.含义：主要指通过艺术欣赏活动，使人们的审美需要得到满足，获得精神享受和审美愉悦，使身心得到愉快和休息。2.艺术作品之所以特别受人欢迎，在于它能给人以精神上的享受，通过欣赏文艺使人们的审美需要得到满足，精神上产生一种愉悦、美感。3.使劳动者得到积极的休息，从而以新的精力投入到新的工作。第二篇艺术的起源和发展第一章关于艺术起源的不同观点关于艺术起源的六种观点是什么？

答：1、“模仿说”。代表人物是古希腊的德谟克利特和亚里士多德，“模仿说”认为艺术起源于人类对自然或现实生活的模仿。对“模仿说”的评价模仿说是一种朴素的唯物主义的观点。合理性：一、它揭示了史前人类一种比较普遍的心理特点，即人有一种模仿的天性。二、模仿可能是人类最早采用的艺术创作方法。局限性：一是他虽然承认艺术来源于生活，但它将模仿归结为人的本能和天性，却不能解释这种本能和天性从何而来，为什么模仿此物而不模仿彼物，其间显然忽略了人的社会实践因素和情感因素。二是，模仿说只强调机械的描模自然生活，却将艺术中占有很大比重的表现性因素置之一边，这当然就很难全面把握艺术的起源和人们从事艺术活动的基本动机。对于原始艺术来说，“模仿”更多的是一种手段，而不是目的.“游戏说”。代表人物是德国的席勒和斯宾塞。他们认为艺术活动或审美活动起源于人类所具有的游戏本能。它表现在两个方面：是由于人类具有过剩的精力；b、是人将这种过剩的精力运用到没有实际效用、没有功利目的的活动中，体现为一种自由的“游戏”。这种说法又叫“席勒—斯宾塞”理论。对“游戏说”的评价:艺术起源于游戏的说法，具有一定的合理性:这种说法将艺术和游戏联系在一起，在某种程度上揭示出了艺术的部分特殊性。如艺术和游戏一样，都主要是为了满足人的精神需要，都是超功利的。局限性：a、游戏说把游戏和艺术看成是人和动物共有的本能，是错误的论断，因为艺术活动与审美活动仅仅属于人类社会所专有。b、游戏的目的是发泄过剩的精力或是某种活动的练习，而艺术的目的广泛而深刻；c、游戏是短暂的，而艺术的生命力是长久的；d、游戏不需要观众，是个人的自娱，艺术是情感的交流，必须有观众；e、儿童喜欢游戏却未必喜欢艺术，艺术家喜欢艺术却不喜欢游戏。这种说法仅仅从生物学或心理学的角度出发，未能揭示出艺术产生的最终原因。3、“表现说”。代表人物是克罗齐和科林伍德。认为艺术是情感的表现而已，是艺术家的主观想象和情感的表现,其美学思想核心是“直觉即表现”说。对“表现说”的评价合理性：表现说无疑是关于艺术起源问题的最重要的理论之一。情感在推动艺术的发生和发展上有着不可忽视的动力作用，它从本质的角度体现出艺术一个方面的基本特征，因此，今天仍然有许多学者坚持从情感表现的意义上来分析和认识艺术。局限性：首先，仅仅局限于“表现说”，很难将再现性艺术、创造性艺术的起源解释得十分清楚。其次，人类表现情感的方式是多样的，艺术之外的许多语言动作和表情都可以表现情感，仅仅强调感情的冲动和宣泄还不能完全说明艺术产生的真谛。4、“巫术说”。代表人物是爱德华•泰勒和弗雷泽，在他的《原始文化》一书中最早提出艺术起源于“巫术”的理论主张。“巫术说”认为艺术起源于原始民族的巫术仪式活动。这一理论是西方在艺术起源问题上影响最大的一种理论。“巫术说”的观点可以归纳为三点：1、万物有灵论；2、巫术是人与物沟通灵魂的方式；3、巫术仪式本身就是艺术活动。对“巫术说”的评价:合理性：巫术说以考古学、人类学、文化学的证据作为支持，把对于艺术起源的探究引向原始人的生存斗争和社会实践提供了依据。从而使艺术发生学带上了科学的性质。局限性：没有揭示艺术发生的最根本原因，因为并不是所有的原始艺术都与巫术有关。比如因为饱餐后的满足而产生的原始歌舞就与巫术无关。5、“劳动说”。代表人物是普列汉诺夫和恩格斯。认为艺术发生于劳动，“劳动先于艺术”。对“劳动说”的评价合理性：劳动起源论以历史唯物主义为基础，指出了物质生产实践活动与早期艺术活动的紧密联系，指出了功利先于审美的艺术发生秩序，以及艺术活动的社会性和实践性。局限性：对从劳动到艺术之间的中间环节未予以充分说明过分注意劳动与艺术发生的直接关系，也不免有些简单化。劳动是人类社会生活最重要的组成部分，但却不是社会生活的全部。劳动以外的其他社会生活的内容，也与艺术的发生有着密切的关系。6、“多元复合论”。原始文化、原始劳动、原始宗教、原始艺术的长期融合。认为艺术起源是一个复杂的问题，是多因的，是多元的，不是单一的。艺术起源是多种因素复合作用的结果,概括的讲，艺术起源是一个漫长的过程，它以劳动为前提，以情感为动力，以巫术为中介，以模仿为手段，以集体为纽带；其基本发展线索是从实用到审美，作为其推动力的情感的性质是原始人的生产愿望。不论是劳动、巫术，还是原始艺术，都是原始人的社会实践的组成部分，具有鲜明的实践性。从劳动到艺术的诞生，曾经过了巫术礼仪、图腾歌舞等等中介形式，巫术、原始宗教和艺术长期混合不分。肇始于生存愿望的社会实践是艺术起源全部因素的聚焦点。你是怎样认识艺术起源的多元决定论的？

答：艺术的起源或艺术的发生，经历了一个由实用到审美、以巫术为中介、以劳动为前提的漫长历史发展过程，其中也渗透着人类模仿的需要、表现的冲动和游戏的本能。艺术的发生虽然是多元决定的，但是巫术说与劳动说更为重要。从根本上讲，艺术的起源最终归结为人类的实践活动。艺术的发展艺术是发展变化的，而发展是有规律的，探讨艺术发展的规律是艺术理论的重要任务。而我们研究艺术发展规律主要从两个方面入手：一是艺术发展的他律性；二是艺术发展的自律性。一、艺术发展的自律性艺术发展的自律性就是艺术自身的发展规律，它包含两方面的内容：继承与革新(一)历史继承性是艺术发展的普遍规律所谓艺术发展的历史继承性，就是前代艺术对后代艺术的巨大影响以及后代艺术对前代艺术的积极成果的继承保留。它揭示了艺术发展历史之间的必然的、本质的、稳定的联系。这是古今中外一切艺术发展都应遵循的普遍规律。无论个体艺术家还是一个时代的艺术都不可能凭空诞生，但是在前代艺术传统之上生成的。继承的内容主要包括如下方面：1、艺术作品思想内容的继承2、艺术作品形式的继承3、艺术种类和艺术创作方法的继承（二）革新是艺术发展的必然规律继承的目的是为了更好的创新，每当一种艺术风格或者题材、主题乃至创作方法达到高峰状态时，新的艺术潮流就在孕育，这是艺术发展的新陈代谢规律。因为艺术的任务是反映生活，而生活是发展的，因此艺术也必然是发展的，这是艺术革新的客观必然性；同时艺术欣赏者的审美需求也是在不断变化的，总是在求新、求异、求变，这也必然要求艺术不断变化创新才更有生命力。二、艺术发展的他律性艺术发展的他律性就指在艺术发展的过程中，艺术与其他事物，如经济、政治、哲学、宗教、道德和科学等文化因素本质的、必然的、稳定的联系，也就是揭示外因是怎样制约和推动艺术发展的。1、经济对艺术发展影响（1）经济决定艺术的发生任何艺术的发生，都以经济的一定发展为前提。经济创造了艺术发生的条件，经济创造了艺术发生的动因，经济甚至决定了艺术的内容与形式。还是以原始艺术的出现为例子，如果没有经济的物质生产的需要，也不会出现早期艺术的创作内在动因。（2）经济决定艺术的性质经济决定了艺术的不同的阶级性质。由于人们对生产资料的占有关系不同，在生产关系中地位不同，有人占据着统治阶级的地位，有人处于被统治阶级的地位。因而必然有表现统治阶级思想感情的艺术，也有表现被统治阶级思想感情的艺术。例如，十八世纪法国的路易十五终生奢糜，纸醉金迷，愉快优雅奢华感就成了统治阶级的普遍追求，于是以布歇、弗拉格纳尔为代表的崇尚奢华、精致、装饰性甚至轻佻的洛可可风格的艺术应运而生。（3）经济决定艺术的发展艺术是发展的，推动艺术发展的决定力量是经济的发展。举例来看，在中国古代，当奴隶制的生产关系确立之后，一个充满了剥削、压迫、流血的社会产生了，与此相适应，青铜器上狞厉恐怖的饕餮纹张开了它吃人的大口。（4）艺术与经济发展的不平衡性艺术繁荣与经济高涨，并不总是如影随形、亦步亦趋的绝对平衡的关系，而是复杂的、包含差别的关系，这就是艺术与经济发展的不平衡性。宗白华先生写道：“汉末魏晋六朝是中国政治上最混乱、社会上最苦痛的时代，然而却是精神史上极自由、极解放、最富于智慧、最浓于热情的一个时代。王羲之父子的字，顾恺之和陆探微的画，云岗、龙门壮伟的造像，东晋大诗人陶渊明的田园诗，无不是光芒万丈，前无古人。”2．政治对艺术的影响（制度文化对艺术的影响）政治是经济的集中表现，是整个上层建筑的核心，政治要求艺术为自己服务，用物质的、精神的力量去达到自己的目的。这是一个不可否认的客观事实。革命的政治是这样，反动的政治也是这样。这种影响就像一柄“双刃剑”，开明的政治会为艺术发展提供强大的支持和保障，以及广阔的创作天地；但腐朽反动的政府也会艺术的发展设下重重阻碍。３：艺术与哲学哲学是关于世界观和方法论的学问，它主要研究自然界、人类社会和人的思维等领域中带有普遍性的根本规律。哲学对艺术思维的渗透不仅体现在艺术家、艺术作品、艺术流派和艺术思潮，而且包括艺术的表现形式和创作手法。反过来艺术也扩大和深化着特定的哲学流派和思潮的影响。(1)哲学对艺术的影响首先表现在对艺术家的影响上。这是最显而易见的，艺术家对生活的态度、对艺术的追求无不受制于自己所信奉的哲学思想。（2）哲学对艺术的影响还表现在促成了一批有哲理性的艺术作品的出现。哲学思想对艺术创作的影响还会渗透到艺术的主题、题材、情节、场面等范畴，直接影响和改变艺术的形式和手段。（３）哲学对艺术的影响，更表现在它能起到促进艺术潮流形成的作用。比如西方现代派艺术中出现最早影响力比较大的一个艺术流派就是象征主义。这一思潮出现在19世纪80-90年代，这一艺术思潮广泛影响到艺术创作的各个领域，绘画、文学、戏剧等。而象征主义艺术思潮的哲学基础是共同受到叔本华、尼采的唯心主义哲学的影响。强调用象征、寓意和暗示等手段来表现人们内心的精神世界（而这一世界往往是黑夜、死亡、梦境，充满了神秘、怪诞和恐怖）。所以说艺术思潮总是与一定的哲学观相联系，具有各自不同的哲学基础。哲学对艺术的影响是相对的，并不是每个艺术家都在自己的艺术作品里表露哲学观点，更不是每件艺术作品都非得具有深刻的哲学理性。同时艺术作品也对哲学产生一些影响，艺术可以启迪哲学家的思维，艺术作品往往也可以传播特定的哲学思想。尤其是哲学家对艺术的思考往往会成为哲学体系的重要组成部分，如黑格尔、叔本华、尼采均是如此。４、宗教与艺术宗教是一种对社群所认知主宰的崇拜和文化风俗的教化,是一种社会历史现象，多数宗教是对超自然力量、宇宙创造者和控制者的相信或尊敬，它给人以灵魂并延续至死后的信仰体系。宗教是一种文化现象，它的历史几乎同人类文化史一样久远。宗教是一种社会行为，它包括指导思想（宗教信仰），组织（宗教组织，如教会，宗侣），行动（宗教组织内的活动，如祭祀，礼仪），文化（宗教建筑，宗教绘画，宗教音乐）等等方面的内容。一种成功的宗教能够为广大民众所接受，并且对某一时代人类的社会发展形成较大的影响。宗教对艺术的影响:（１）宗教对艺术的影响首先表现在利用各门类艺术来宣传宗教，为艺术提供了宗教题材和内容。（２）宗教对艺术的影响表现在具有推动和阻碍艺术发展的两种相反作用上．宗教在一定程度上阻碍艺术的发展，比如中世纪漫长的一千年中出现了很多教会文学，基本主题就是宣传基督教教义、宣扬“原罪”、禁欲主义和宿命论,产生了大批低劣的福音书\赞美诗和宗教剧使这个时期的艺术沦为宗教神学的婢女,极大破坏和阻碍了欧洲艺术的发展.A：宗教文学在历史上地位和影响很重要。西方基督教经典文学代表著作《圣经》、17世纪弥尔顿的《失乐园》，中国的《西游记》、《封神演义》都受到与宗教相关的故事的影响。B：绘画在宗教艺术中也有重要的地位．不少艺术家的巨型壁画只有在教会或者寺庙的支持下才能实现。《创世纪》、《西斯庭圣母》、《雅典学院》；中国石窟艺术中敦煌、云岗中大量的宗教题材绘画和雕塑更是直接用造型艺术讲述了“舍身饲虎”、“割肉贸鸽”等佛经故事。５、艺术与道德所谓道德，是指人们在社会生活中形成的关于善与恶、是与非、正义与非正义等等伦理观念和行为规范的总和，它包括道德认识、道德关系、道德活动等等内容。相比之下，东方美学比西方美学更重视道德与艺术的联系。总体上西方美学史上大多数是“哲人”对艺术的思考，而中国美学史上则更多的是“贤人”对艺术的要求。孔子认为“善”比“美”更加重要，是更根本的东西，非常重视艺术的社会伦理道德功能。《毛诗序》中认为艺术的目的就是要“经夫妇，成孝敬，厚人伦，美教化，移风俗。”可见高度强调美与善的统一，强调艺术在伦理道德上的感染作用，是中国美学一个显著的特征。（１）一定时代和一定社会的伦理道德思想总是要通过艺术作品的主题、题材、情节、人物、思性、倾向性、内在意蕴等体现出来。（２）道德对艺术的影响尤其表现在对艺术家世界观和道德观对艺术创作的重大影响上。当艺术作品表现进步的道德标准和高尚的理想情操时，往往会产生持久的、强烈的艺术感染力量。６、艺术与科学从文化学角度来看，科学技术也是人类社会一项重要的文化现象。各种自然科学理论是精神文化的重要组成部分，同时它又通过技术的形式直接转化为社会生产力，创造出人类的物质文化。从艺术与科学联系的角度看，科学技术对艺术的影响是广泛而深刻的，除了自然科学的成果直接应用到艺术领域之外，更重要的是以科学的思维方法来促进艺术家文化心理结构的改变，从而推动艺术创作观念和创作方法的革新，推动艺术形态的发展。艺术创作艺术创作主体——艺术家一、艺术家的主体性艺术创作主体——艺术家：是专门从事艺术生产的创造者的总称。应当具备艺术的天赋和艺术的才能，掌握专门的艺术技能和技巧，具有丰富的情感和艺术的修养，能通过自己的创造性劳动来满足人们特殊的精神需要即审美需要。艺术家是艺术生产的发起者和创造者。艺术家作为艺术创作的主体的主要特点有哪些？

答：艺术家是艺术产品的创造者，艺术家至少具有五个方面的特点：1、艺术家内部有多种多样的职业和分工。2、真正的艺术家往往具有为艺术而献身的精神。3、具有敏锐的感受力、丰富的情感和生动的想象能力。4、具有卓越的创造能力和鲜明的创作个性，具有强烈的创新意识。5、具有专门的艺术技能，熟悉并掌握某一具体艺术种类的艺术语言和专业技巧。作为艺术创作的主体，艺术家与社会生活有着十分密切的关系。艺术家应当具有艺术才能与文化修养。

二、艺术家的社会性任何艺术作品都是艺术家对社会生活的能动反映和艺术创造的产物。因此，艺术创作从主客体两个方面来看都与社会生活密切相关。1、社会生活是艺术创作的源泉和基础，因此，艺术家对社会生活的观察和体验就显得十分重要。2、艺术家作为创作主体总是属于一定的民族和时代，与社会有着密切的联系。因此在进行艺术创作时，不仅需要从社会生活中吸取创作的素材和灵感，而且要对社会生活作出判断和评价，自觉或不自觉地表明自己的情绪和态度，从主观方面也折射和体现出社会生活的影响。艺术家的地位是社会分工及观念变化的结果；艺术家的身份来自艺术世界的授权；艺术家的创作收到社会影响与制约。三、艺术家的才能与修养艺术才能是指艺术家创作艺术形象的能力，它是先天禀赋和后天训练培养相融合而形成的艺术创造力。

（一）艺术家修养的五个方面敏锐的感知和丰富的情感；创造性的艺术想象力；精湛高超的技艺；丰富的生活阅历和体验：丰富的生活体验是艺术创作的基本材料和前提条件；深厚的文化修养与深刻的思想力；对艺术的信仰和献身精神。（二）艺术家修养的最高目标：不断优化艺术心理定势第二章艺术创作过程艺术创作活动是指艺术家在创作欲望的推动下，运用一定的艺术语言和艺术手法技巧，通过艺术的加工和创造，将自己的生活体验与思想情感转化为具体、生动、可感的艺术形象，将自己的审美意识物态化为艺术作品。艺术创作过程大致可以分为艺术体验活动、艺术构思活动和艺术传达活动。一、艺术体验——“眼中之竹”艺术体验活动可以说是艺术创作的准备阶段，是艺术创作的起始，也是艺术创作的基础。艺术体验是指一种活跃的、丰富的、深刻的内心活动，它伴随着强烈的情感情绪，把艺术家长期对于生活的感受、观察和思考，形成艺术创作的基础和前提，乃至萌发不可遏制的创作欲望。艺术体验的几种类型：有意体验、无意体验、直接体验、间接体验二艺术构思——胸中之竹艺术构思是艺术家在深入观察、思考和体验生活的基础上，加以选择、加工、提炼、组合并融会艺术家的想象、情感等多种心理因素，形成主体和客体统一、现象与本质统一、感性与理性统一的审美意象。对于艺术构思来说，多种审美心理因素都在发挥积极作用，其中想象和情感具有特别重要的地位和作用。想象是艺术构思的核心，情感是艺术构思的动力。三艺术传达——手中之竹艺术传达活动是指艺术家借助一定的物质材料和艺术媒介，运用艺术技巧和艺术手法，将自己在艺术构思活动中形成的审美意象物态化，成为可供其他人欣赏的艺术作品和艺术形象。

艺术体验、艺术构思、艺术传达是融合在一起的。第三章艺术创作心理一形象思维与抽象思维、灵感思维1、形象思维是运用一定的形象来感知、把握和认识事物，也就是通过具体、感性的形象来达到对事物本质规律认识的一种思维形式。形象思维是艺术创作基本的和主要的思维方式。特点是：第一，形象思维过程始终不能离开感性形象。第二，形象思维过程始终依靠想象、情感等多种心理功能。第三，形象思维具有整体性的特点。说说形象思维以及它的三个特点。

2、抽象思维是指运用概念来进行判断、推理和论证的一种思维形式。在艺术构思与创造的过程中，诸如作品体裁的选择、主题的提炼、结构的安排、人物性格的设计、表现手法的选择等，或多或少都离不开抽象思维活动。3、抽象思维在艺术活动中，必须服从于形象思维的规律，有机融合在形象思维之中。4、灵感思维是指在创造活动中，人的大脑皮层高度兴奋时的一种特殊的心理状态和思维形式，它是在一定的抽象思维或形象思维的基础上，突如其来地产生出新概念或新意象的顿悟式思维形式。灵感的出现与潜意识或无意识活动有密切的关系，但也与自觉的显意识活动的长期积累紧密相关。二．意识与无意识无意识或称潜意识和下意识，是相对于意识而言的。在普通心理学中，无意识指人的不知不觉、没有意识的心理活动。从总体上看，艺术创作无疑是艺术家有目的、有意识的创作活动，意识在艺术创作中起着主要和支配作用。然而，在艺术创作中又确实存在着一些无意识或下意识的活动，这种无意识或下意识常常成为激发顿悟、灵感的契机，也常常成为表演艺术二度创作的最佳瞬间。第四章艺术风格艺术流派艺术思潮一．艺术风格艺术风格就是指艺术家的创作在总体上表现出来的独特的创作个性与鲜明的艺术特色。1、艺术风格最鲜明的一个特点就是多样性。第一，首先来自艺术家独特的创作个性。第二，艺术风格的形成离不开艺术家独特的人生道路、生活环境、阅历修养和艺术追求。第三，来自审美需求的多样化。2、艺术风格具有鲜明的民族特色和时代特色。艺术风格的民族特色归根结底根源于本民族的社会生活与经济基础。也离不开民族的文化心理结构。艺术风格的时代特色是指同一时代的艺术作品常常具有某些共同的特征，体现出这个时代占主导地位的审美理想和审美追求。二艺术流派艺术流派是指在中外艺术发展的一定历史时期里，由一批思想倾向、美学主张、创作方法和表现风格相似或相近的艺术家所形成的艺术派别。艺术流派的形成大体可以分为三类：由一批具有相同艺术主张的艺术家们，自觉结合而形成的艺术流派。由一批艺术风格相近或相似的艺术家们，不自觉而形成的艺术流派。艺术家们本身并没有形成流派的计划或意愿，甚至自己并没有意识到属于某一流派，只是由于艺术风格的相似或相近，被后世人们在艺术鉴赏或艺术批评中将其归纳为特定的流派。三．艺术思潮1、艺术思潮是指在一定的社会历史条件下，特别是在一定的社会思潮和哲学思潮的影响下，艺术领域所发生的具有广泛影响的思想潮流和创作倾向。2、艺术思潮与艺术流派、艺术风格的关系艺术风格是指艺术作品所呈现的美学特征，艺术流派是指艺术风格相近的艺术家集团，而艺术思潮则是指一定历史时期的艺术潮流。艺术流派有自己的艺术风格，但艺术风格并不就是一个艺术流派，更不是一种艺术思潮。一个艺术流派可能成为一种艺术思潮，但是，一种艺术思潮常常包含多种艺术流派与艺术风格。艺术思潮往往跨越艺术门类的界限，而艺术流派一般局限于一种艺术门类。艺术风格、艺术流派与艺术思潮是艺术史上存在的复杂现象，它们与社会思潮、哲学思潮有紧密的关系，但又绝不是一种简单的对应与图解，因为艺术发展有其自身的规律。艺术风格、艺术流派和艺术思潮，分别针对个体、群体以及在一定历史时期内具有相当规模的较大全体而言。第四篇艺术作品艺术作品的层次从艺术分析的角度看，艺术作品可分为内容和形式；从艺术感知的角度看，艺术作品可分为艺术语言、艺术形象和艺术意蕴三个层次。一、艺术语言1、艺术语言指任何一门艺术都有自己独特的表现方式和手段，运用独特的物质媒介来进行艺术创作，从而使得这门艺术具有自己特性和艺术特征。这种独特的表现方式或表现手段，就叫艺术语言。艺术语言是指用以完成艺术表达的独特媒介。所有艺术作品都是通过艺术语言来完成的，没有艺术语言就没有艺术作品。2、艺术语言是用来完成艺术形象的。艺术语言成功与否，要看它是否成功地塑造了艺术形象。艺术语言也有创生、发展与衰落、更新的过程。因此，艺术革新往往从艺术语言入手。法国的新浪潮电影、印象派绘画、邓肯的表现派舞蹈、未来主义的诗歌等新的艺术流派都是通过艺术语言的更新进行艺术变革。最有说服力的证明就是中国新文学运动。从文言到白话的转变是新文化运动的标志。3、艺术语言与科学语言是迥然不同的两种语言体系。从语言的性质和功用上区分，艺术语言是感性的、审美的，科学语言是理性的、实用的。艺术语言拥有具体可感的形象，包含着主观情感和美学倾向，它的功能不是说明，而是表现；科学语言一般是用理性的抽象语言来说明一件事情，表述是客观的，不夹杂主观情感，它的功能是说明，而不是表现。二、艺术形象

艺术形象是艺术家通过艺术语言创造出来的形象，是具体可感性与概括性的统一。艺术形象是艺术作品的核心。艺术形象：是文艺反映生活的特殊方式，是具体可感的，是客观因素与主观因素的统一、内容与形式的统一、个性与共性的统一。艺术形象的类别：视觉形象、听觉形象、综合形象、文学形象。根据艺术感知方式的不同，艺术形象可分为视觉形象、听觉形象、视听形象与文学形象。视觉形象是指通过视觉感知的艺术形象，如绘画、雕塑、建筑等。它们大多存在于二维空间或三维空间中，可以用眼睛观看。听觉形象是指通过听觉感知的艺术形象，如音乐等。听众只能根据自己的感知来重塑听觉形象，带有浓郁的主观特色，难于作出明确的意义判断。视听形象是指同时通过视觉和听觉来感知的艺术形象，如电影、戏剧和舞蹈。它们既存在于空间中，又存在于时间里。观众需要调动眼睛和耳朵一起感知艺术作品，在时间的流动和空间的延展中重塑艺术形象。艺术形象是人类精神探索的结晶，一个时代的艺术形象总是带有这个时代独特的艺术精神和文化气氛。中国艺术在漫长发展中形成了一些独特的形象，如书法等，它们是中华民族宝贵的财富。三、艺术意蕴艺术意蕴是指艺术形象里所蕴涵的形而上美学意味，它往往表现为一种只可意会、不可言传的哲理玄思或美学意境。黑格尔说：“意蕴总是比直接显现的形象更为深远的一种东西。艺术作品应该具有意蕴……要显现出一种内在的生气、情感、灵魂、风骨和精神。”对于艺术作品里的艺术意蕴，观众只能以心灵去感悟，去接近，但永远不会也不可能穿透。艺术意蕴往往具有模糊性，不容易用一个明确的概念来规范、限制，即贝尔所说的“有意味的形式”中的“意味”。对于一些艺术巨作，它们的艺术意蕴就更难以把握。作为一种形而上美学意味，艺术意蕴象征了艺术作品的高度。并非所有的艺术作品都有艺术意蕴，或都能达到同等的丰富性与深厚度。许多作品仅仅停留在艺术语言或艺术形象的层次，艺术意蕴缺席或匮乏，导致艺术作品浅陋粗俗、生命短暂。艺术意蕴是艺术魅力的源泉，是优秀艺术作品的标志。只有富于艺术意蕴的作品才具有永恒价值。第二章典型与意境典型与意境是艺术意蕴的两种类型的代表。典型来自西方，主要适用于叙事型作品，如小说、戏剧、电影等艺术样式；意境源于中国艺术理论，主要适用于抒情型作品，如抒情诗、中国画、音乐、书法、建筑等艺术样式。一、典型典型：又称典型人物、典型性格或典型形象，指艺术作品中塑造得成功的人物形象。典型说产生于西方。17世纪以前，典型说主要停留于类型说的范畴，强调形象的普遍性和类型性；18世纪以来，典型说开始注重艺术形象的个性。1、“典型”理论黑格尔开始重点论述典型的个性特征。别林斯基更进一步地探讨了典型的共性与个性的关系。别林斯基已经注意到典型的重要特性，即它的概括性与新颖性，典型既有普遍的共性，又有新的发现。恩格斯不仅科学地阐释了典型的特性，还进一步阐明了典型的生成语境，即典型环境中的典型人物。他还认为，典型人物是高度概括性与鲜明个性的统一。2、典型举例人类艺术史上曾经产生了大量杰出的典型形象。（1）阿Q形象分析阿Q是中国现代文学史上最为成功的典型形象。鲁迅以精神胜利法作为阿Q性格的总特征，概括了中国农民在长期封建统治下所形成的性格特征；同时，精神胜利法不仅是农民，也是工人、知识分子等所有中国人的共同性格特征。阿Q质朴愚昧而又圆滑无赖，率真任性而又正统卫道，自尊自大而又自轻自贱，争强好胜而又忍辱屈从，狭隘保守而又盲目趋时，排斥异端而又向往革命，憎恶权势而又趋炎附势，蛮横霸道而又懦弱卑怯，敏感禁忌而又麻木健忘，不满现状而又安于现状。他纠集了这些复杂的性格，用精神胜利法来获得自我满足。阿Q是中国国民性的一个代表，是在典型环境下产生的典型人物。（2）哈姆雷特形象分析优柔寡断是哈姆雷特的主要性格特征。这代表了当时欧洲知识分子的普遍心态，因此，哈姆雷特的性格千百年来为人们所钟爱。3、小结典型形象不仅是艺术作品成功的标志，同时也构成了人类深层精神生活的画廊。我们可以说，艺术史上的典型形象是时代心态的忠实反映，记录着人类精神发展的历程。二、意境意境是中国古典艺术理论的重要范畴，它集中体现了中华民族的审美意识。1、“意境”理论但是，作为艺术理论的范畴，最早形成于唐代。据传王昌龄所作的《诗格》把诗分为三种境界：物境、情境、意境。此后，司空图的《二十四诗品》提出“象外之象，景外之景”、“韵外之致”、“味外之旨”的美学范畴，已经关注到意境的主要元素：情、景、虚、实。意境是一种美学创造，是人与自然的精神遇合孕育的心灵之花。意境是情景交融、虚实相生的审美境界，是艺术意蕴的最高层次。2、中国艺术中的意境中国艺术家从来都注意艺术意境的创造，而最能体现艺术意境的是中国书法、诗词和山水画。张旭把草书和生命融为一体，日月星辰和喜怒哀乐相形，汇融成一个整体意象，他把全部灵魂都投注于疯狂旋转的笔墨中。因此，他的书法才达到情景交融、虚实相生的最高境界。诗词最讲究意境。风格或豪放，或婉约，都以意境为上。中国文人画也以意境为旨归，追求逸韵，力戒俗浅，表现了中国有节操的文人所崇尚的理想人格境界。意境是中国美学的一个重要范畴，也是中国艺术的理想境界。。因此，作为艺术意蕴的最高层次，意境和典型一样仍将是艺术作品追求的目标。从中外优秀艺术作品的赏析来理解典型与意境。

答：典型又称典型人物、典型性格或典型形象，是指艺术作品中塑造得成功的人物形象。比如：《水浒传》中勇猛鲁莽、见义勇为的鲁智深，秉性刚烈、性格倔强的武松，脾气暴躁、心地善良的李逵；《三国演义》中足智多谋、料事如神的诸葛亮；狡猾奸诈、欺世盗名的曹操，粗豪威猛、急噪暴烈的张飞等都是文学作品中的典型人物形象。正是这些有血有肉、个性鲜明的人物形象，使得这些优秀作品长期受到人们的喜爱，广为流传。

意境：是一种情景交融的境界，它是若有若无的朦胧美、有限无限的超越美和不设不施的自然美。例如：郑板桥以竹寄托自己的思想情感和理想追求，以竹的自然特性来象征高风亮节、正直坚贞的美德。他还一诗、书、画统一与画面，〈风竹图〉上就题诗表明自己的精神追求“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声，些小吾曹州县吏，一枝一叶总关情。”艺术鉴赏与艺术批评第一章艺术鉴赏的审美过程与审美心理艺术鉴赏是一个完整的、动态的审美过程，它在一定程度上可以区分为审美直觉、审美体验和审美升华三个阶段。 “直觉与感知(包括通感）——体验与想象——理解与创造”过程艺术鉴赏的发生阶段及其审美心理：悦耳悦目发生阶段的审美心理：感知、直觉。所谓审美直觉，是指人们在审美活动或艺术鉴赏活动中，对于审美对象或艺术形象具有一种不假思索而即刻把握与领悟的能力，使人刹那间暂时忘却一切，聚精会神地观赏它，全部身心沉浸在审美愉悦之中。许多西方美学家都提到过审美与艺术活动中的直觉性。

审美直觉的重要特点是直观性直接性。直观性是指鉴赏主题必须亲身参与和直接感受。而直接性常常表现为一种不假思索地直接把握或领悟，这种把握或领悟又常常是在一瞬间完成，无须通过逻辑判断或理性思维。艺术鉴赏活动的真正开始，应从感知艺术作品起。艺术作品首先是以特殊的感性形象作用于人们的感觉器官。艺术之所以区分为视觉艺术（如绘画）、听觉艺术（如音乐）和视听艺术（如电影），正是由于这些艺术门类采用了不同的艺术媒介和艺术语言，因而作用于人们不同的感觉器官。艺术直觉是指人们在审美活动中对于审美对象具有一种不假思索而即刻把握与领悟的能力。审美感知是指人们在注意审美对象形式特点的同时，也已开始关注审美对象的意义。17世纪英国美学家夏夫兹博里认为：“眼睛一看到形状，耳朵一听到声音，就立刻认识到美，秀雅与和谐。”二、艺术鉴赏的发展阶段及其审美心理：悦心悦情发展阶段的审美心理：想象、联想、情感艺术鉴赏中的审美体验，作为整个审美过程的中心环节，是指鉴赏主体在审美直觉的基础上，达到艺术审美活动的高潮阶段，调动再创造的想象力和联想力，激起丰富的情感，设身处地地生活到艺术作品之中，获得心灵的审美愉悦，把外在作品中的艺术形象转化为鉴赏者自身的生命活动。审美体验阶段主要是鉴赏主体反作用于艺术作品，整个心理活动处于一种主动状态，体现为一种积极的审美再创造活动。在审美体验中，鉴赏主体的审美想象越丰富，审美理解越透彻，那么他的审美情感就会越强烈、越深刻。审美体验中，想象和联想最为活跃。艺术鉴赏活动既包括再造想象也包括创造想象。由于艺术作品提供的形象，仅仅是提供艺术鉴赏的对象，要把它变为鉴赏者内心的艺术形象，就必须通过审美的联想和想象，进行新的、再创造的活动，才能变成鉴赏者自身的东西。所以，联想和想象的作用表现在它们在艺术鉴赏中填补了艺术作品的空白。接受美学提出了文学作品结构的召唤性问题，认为任何作品都必然存在着“空白”或“不确定性”，有待于读者在阅读活动中去参与作品意义的创造。联想在审美心理中有着不容忽视的地位和作用。通过联想，不仅使得艺术形象更加鲜明生动，而且能使感知的形象内容更加丰富深刻，从而使艺术鉴赏活动不只是停留在对艺术作品感性形式的直接感受上，而且能够更加深入地感受到感性形式中蕴含的更为内在的意义。音乐欣赏中，联想这一心理活动大量存在。

艺术鉴赏中的联想必须以艺术作品和艺术形象作为依据，不能离开作品的内容和情绪。这种联想应当是在作品的启发下，针对艺术形象而进行。三、艺术鉴赏的高潮阶段及其审美心理：悦神悦志高潮阶段的审美心理：共鸣、理解、启悟理解既包括对于作品的形象、情境、形式、语言的审美认知，也包括对于作品整体价值的追寻。鉴赏过程中，对作品从形式到内容再到意蕴的把握都离不开理解与创造。尤其是在对意蕴的理解方面，只有调动审美心理的理解与创造因素，才能真正领会和感悟到作品中深邃的人生哲理和艺术蕴味。中国美学中，常追求“言外之意、弦外之音、象外之旨”；西方美学中，也追求一种“寓意、意蕴”或哲理”。可见中西美学都把这种追求看作是审美的极致。但这种理解也可能会造成误解。这是由于“期待视野”的存在，欣赏者对于作品必然会有一种先入为主的成分，即阐释学理论所指出的“前理解”。这种“前理解”与作者的创作动机、作品的意蕴以及作品的艺术价值之间构成的“对话”关系是复杂的，既可能相应，也可能相悖。艺术审美心理中的理解因素至少有以下三层含义首先，对于艺术作品内容的鉴赏离不开理解因素其次，对于艺术作品形式的鉴赏离不开理解因素。最后，对于每一部艺术作品内在意蕴和深刻哲理的认识，更不能脱离理解因素。所谓共鸣，是指在艺术鉴赏过程中，鉴赏主体在审美直觉和审美体验的基础上，进而深深地被艺术作品所感动、所吸引．以至于达到忘我的境界，使鉴赏主体与艺术形象之间契合一致、物我同一，物我两忘。共鸣是鉴赏过程中情感、想象等多种心理功能达到最强烈程度的表现，同时也离不开对作品意蕴的深入的感受和理解。因此，共鸣不仅具有艺术鉴赏审美心理的各种特征，而且也是艺术鉴赏活动的高峰和极致。鉴赏活动的共鸣，是艺术作品自身价值实现的重要途径产生共鸣两个原因：一是作品本身具有深刻丰富的思想感情和强烈的艺术感染力；二是鉴赏者的期待视野中须含有与作品相同或相似的思想见解与情感体验。作为艺术鉴赏活动的最高境界，审美升华是指鉴赏主体在审美直觉和审美体验的基础上达到一种精神的自由境界，通过艺术鉴赏的审美再创造活动，在艺术作品和艺术形象中直观自身，实现本质力量的对象化。艺术鉴赏的审美升华，实际上就是鉴赏主体通过审美再创造活动，在鉴赏对象(艺术作品和艺术形象)中直观自身，实现人的本质力量对象化，从而引起审美愉悦，产生美感。艺术鉴赏是一个从初级到高级、从外部到内部、从感性到理性、从浅层感受到深层体味的过程，三个阶段是彼此依托、互相渗透、互相融合。艺术批评艺术批评的作用艺术鉴赏与艺术批评的关系：由于艺术批评是一种偏重于理性分析的科学活动，它同艺术鉴赏既有联系，又有区别。一般来讲，艺术鉴赏偏重于感性，艺术批评则偏重于理性；艺术鉴赏更多带有个人主观性的特点，艺术批评则需要符合客观规律性。1、帮助人们更好地鉴赏艺术作品，提高鉴赏能力和鉴赏水平。

2、通过对艺术作品的评价，形成对艺术创作的反馈。艺术创作是一种复杂的精神生产，艺术家需要广大读者、观众、听众和批评家的帮助，才能深刻地认识自己，不断地提高自己，敢于攀登艺术的高峰。

3、丰富和发展艺术理论，推动艺术科学的繁荣发展。一般来讲，艺术学的主要内容包括艺术理论、艺术史和艺术批评三方面的内容。艺术批评的主要任务是对艺术作品的分析和评价，同时也包括对于各种艺术现象（如思潮、流派）的考察和探讨。二、艺术批评的特征:艺术批评具有科学性，具有艺术性。一方面，艺术批评具有科学性。艺术批评家需要在艺术鉴赏的基础上，运用一定的哲学、美学和艺术学理论，对艺术作品和艺术现象进行分析与研究，并且作出判断与评价，为人们提供具有理论性和系统性的知识。另一方面，艺术批评又应当具有艺术性。艺术批评作为一门特殊的科学，与其它的科学不同，它既需要冷静的头脑，也需要强烈的感情，既离不开理性的分析，更离不开艺术的感受。艺术批评的二重性特点，还决定了艺术批评既带有强烈的个人色彩，又具有客观的共同标准。因此，艺术批评的标准应当是思想性和艺术性的完美统一。思想性是指艺术作品所具有的思想意义和所达到的思想水平，它是艺术作品内在的灵魂。艺术性是指艺术作品在艺术构思、艺术语言、艺术表现手法等方面所达到的水平，特别是从整体上达到完美的艺术境界，具有独创的艺术风格。当然，凡是优秀的艺术作品，总是达到了思想与艺术、内容与形式的完美统一，艺术批评也应当从这种统一的角度去评价艺术作品。艺术批评作为艺术鉴赏的深化和发展，在艺术生产中发挥着重要的作用。艺术设计艺术设计概论艺术设计的基本概念艺术设计的定义艺术设计，就是将艺术的形式、美感结合社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面因素，再现于和我们生活精密相关的设计当中，使之不但具有审美功能，还具有使用功能。换句话说，艺术设计首先是为人服务的（大到空间环境，小到衣、食、住、行、用等），艺术设计应是人类社会一定的物质功能与精神功能的完美结合，是现代化社会发展进程中的必然产物。艺术来源于生活，反过来又作用于生活二、艺术设计的特征三、艺术设计的方法第二章艺术设计的分类行社一、产品设计的定义（工业设计）1964年国际工业设计会对工业设计的定义：产品设计或工业设计是一种创造性活动，目的是决定工业产品的造型质量，不但是外部特征，而且主要是结构和功能的关系，宁从生产和使用者的观点把一个系统转变为连贯的统一。二、视觉传达设计的概念三、环境艺术设计的概念四、服装与服饰设计的基本概念五、展示设计的基本概念六、公共艺术的基本概念七、数字媒体艺术的基本概念第三章艺术设计的关联性一、设计与绘画艺术二、设计与科学技术科学与技术的关系：1，科学是在技术的基础上发生和成长起来的2，科学的目的是在于推进知识的进展，而技术的目的则是改选特定的实在，科学旨在获得关于实在的新信息，而技术则在于将信息注入，两者的区别是明显的亦是不能互相取代的3，与科学结合，成为现代技术的根本特征之一，技术的科学化是技术发展方向，与是未来技术的主体。4，科学同样得益于技术的发展，亦向着科学技术化的方向发展5，科学技术对社会和人生活的贡献和影响是通过产品设计和产品形式实现的。人体工学是现代设计中的新兴学科，也是现代设计艺术进一步科学化的标志。三、设计与社会生活第四章设计师一、设计师演变的历史过程从“制造工具的人”到现代意义上的设计师，是一个漫长的、渐进的过程。我们还不能非常准确地判定在何时何地首先出现了专业设计师，只能在现有资料的基础上，勾勒出一条大概的演变线索。“制造工具的人”从最广泛的意义上来说，人类所有的生物性和社会性的原创活动都可以称为设计。因而广义上的第一个设计师，可以远溯到第一个敲砸石块、制作石器的人，即第一个“制造工具的人”。劳动创造了人，创造了设计，也创造了设计师，人类通过劳动设计着他的周围和人类自身，人类是这个星球上唯一的、伟大的设计师。工匠和百工距今七八千年前的原始社会末期，人类社会出现了第一次社会大分工，手工业从农业中分离出来，出现了专门从事手工艺生产的工匠(craftsman)。他们的辛勤劳动为人类社会提供了丰富实用的劳动工具与生活用具，推动着社会生产力不断地向前发展。在这个基础上，社会分工不断细化，为专业设计师的产生预备了必要的社会条件。另一方面，手工工匠在长期的生产实践中积累了丰富的设计制作知识与经验，为专业设计师的产生预备了必要的物质技术条件。4、从事民间建筑和生产工具设计制造的有木匠、铁匠、泥匠、瓦匠、石匠；从事日用品设计制造和维修的有陶匠、竹匠、篾匠、铜匠、锡匠、焊匠；从事服饰和日常生活服务业的有织匠、染匠、皮匠、银匠、鞋匠、剃头匠；从事文化、信仰和娱乐业的纸匠、画匠、吹匠、塑匠、笔匠、影匠和乐器匠等。5、手工匠人有自己独特的行业特征。比如祖师崇拜，鲁班是木匠、瓦匠、泥匠、石匠的祖师；铁匠、铜匠、银匠、锡匠的祖师是老君(李耳)；织匠的祖师是黄帝、嫘祖和黄道婆；染匠和画匠的祖师是葛洪……6、

在古希腊，工匠行列中也包括画家和雕塑家，他们的地位一般来说是比较低下的，像雕刻家和普通的石匠之间就没有什么大的区别，两者都被称为石工。工匠，专业设计师出现1、古罗马时期设计分工更趋精细，在制陶和建筑行业中首先有了设计分工的需要和专职的可能，出现了“观念和制作之间的分离”，即出现了脱离实际生产操作的最早的专业设计师。古罗马的制陶作坊由于采用了青铜翻模技术，实现了快速化、标准化、批量化的生产，产生了专门从事陶器造型与装饰设计的工匠设计师。建筑业由于其本身的复杂性、艰巨性，需要有很多不同专业的工匠和工人协作完成。为了保证稳固的质量，事前必须有个系统的计划，起初由众多工匠的协商最终集中在一个或少数几个熟悉建筑各种建造工序和善于整体计划的工匠身上，他们除了制定计划，还能测量、计算应力等，但已不再参与实际的施工建造，而成为专门的建筑设计师。2、

中世纪时期的工匠除了被宫庭、庄园或修道院雇佣服务的工匠以外，其他自由手工艺人大都在市镇里开设家庭式手工作坊，成立“手艺行会”。行东(会员)既是店主、作坊主，又是熟练的工匠，集中设计、制作、甚至销售于一身，通常还雇有学徒和帮工。3、当时的封建贵族妇女中也有不少灵巧的工艺师，她们通常是为了消遣或恪守妇道的缘故。例如著名的“巴约挂毯”的设计制作就与“诺曼征服”者威廉的妻子玛希尔达密切相关（图）。另外，修道院里的僧侣也不乏能工巧匠，堪称早期书籍装帧杰作的“林迪斯芳福音书”的设计者就是林迪斯芳的主教伊德弗雷兹。工匠、艺术家、专业设计师出现1、文艺复兴时期，工艺和艺术在观念上有了区分，艺术家作为学者和科学家的观念产生了，“艺术家终于获得了自由。”瓦萨里(GiorgioVasari，1511～1574年)的《传记》记载了不少著名的艺术家，如吉贝尔蒂(LorenzoGhiberti，1378～1455年)、波提切利(SandroBotticelli，1445—1510年)、韦罗基奥(AndreadelVerroechio，1435～1488年)等都是从工匠作坊中开始他们的艺术生涯。切利尼(BenvenutoCellini，1500～1571年)的《自传》则详细记述了他从普通工匠发展成为艺术家的不平凡的经历。2、1851年的“水晶宫”博览会之后，英国的莫里斯为自己的商行进行“美术加技术”的工艺设计，倡导了“工艺美术运动”，被誉为“现代设计之父”。科班出身的德雷瑟是第一批自觉扮演工业设计师角色的设计师。现代专业设计师出现1915年，英国成立了设计与工业协会，最早实行了工业设计师登记制度，使工业设计职业化，并确立了工业设计师的社会地位。1919年，美国设计师西内尔(JosephSinel，1889～1975年)首先开设了自己的设计事务所。二战以后，社会、经济与技术的飞速发展，为设计师提供了大显身手的机会。1949年，美国设计师洛伊上了《时代周刊》的封面，被誉为“走在销售曲线前面的人”。战后各国的设计师境况1、在北美和西欧的英国、德国和荷兰等国家，设计师的工作更多地被认为是科学性和研究性的工作。2、在意大利，设计师却更多地被当成“艺术家”来看待。诚如后现代主义产品设计大师索萨斯(EttoreSottsass，1917～)所言：“设计对我来说，是一种探讨性的生活方式，它是探讨社会、政治、情欲和食物的生活方式，甚至是一种建立可见的乌托邦或隐喻世界的生活方式。”3、在法国，设计师的境况比较尴尬。1987年全法国只有约300名工业设计师。4、

在北欧的丹麦、瑞典和芬兰等斯堪的纳维亚国家，以工艺和装饰美术为基础的设计教育，曾使他们的设计师在五六十年代获得巨大的国际声誉。70年代末起，设计师转向高科技产品的设计，工业设计师的教育也从工艺与装饰美术教育中分离出来。5、

日本在五六十年代曾有“劣质货的大生产者”的坏名声。70年代后，善于学习的日本设计师很快就让他们的欧美同行们刮目相看，一跃成为国际设计界的后起之秀，但在设计思想上，他们还是受西方的支配。日本的设计师大都是“公司人”，在公众眼里犹如“无名氏”。二、设计师的基本素质三、设计师的知识技能艺术与设计知识技能Design(设计)的拉丁文原词disegno原义就是drawing(素描)，设计与艺术有着与生俱来的“血缘”关系。设计师首先需要掌握工匠(craftsman)。

这是所有设计师必备的首要条件，包括：1、造型基础技能2、专业设计技能3、设计相关的理论知识。1、造型基础技能是通向专业设计技能的必经桥梁。造型基础技能包括：A、手工造型(含设计素描、色彩、速写、构成、制图和材料成型等)设计素描造型与色彩造型不同于传统绘画造型，再现不是它的最终目的。设计速写造型是最快捷方便的设计表现语言，不受时间具的限制构成造型包括平面构成、色彩构成和立体构成这“三大构成”以及光构成（图）、动构成和综合构成。制图技能包括机械制图、装饰制图与效果图的绘制，这是产品设计师与环境设计师尤其要掌握的基本技能。B、摄影摄像造型摄影摄像也是设计师所应该具备的技能。一种是资料性的摄影摄像，可以为设计创作搜集大量图像资料，也可以记录作品供保存或交流之用。另一种是广告摄影摄像，这种摄影摄像本身就是一种设计。C、电脑造型。一种最新的电脑辅助设计技术即快速成型技术，又称快速原形制造技术(RapidPrototypingManufacturing即RPM技术)，可以将电脑上的创意设计快速准确地复制成三维固态实物，就像打印机打印文件图纸一样方便，这是材料成型技术的重大突破。目前成型材料主要是用纸、木和树脂材料。随着RPM技术的进一步发展和完善，将来必定会成为广大产品设计师普遍采用的一种设计手段。2、设计师具备了造型基础技能，才能顺利过渡到对各专业设计技能的学习掌握。专业设计技能包括视觉传达设计、产品设计与环境设计技能；三大类下面还有更细的专业技能：如视觉传达设计的书籍装帧设计、广告设计、包装设计、展示设计……产品设计的工艺品设计、纺织品设计、工业设计、家具设计……环境设计的建筑设计、室内外设计、公共艺术设计……各专业设计师的造型基础训练是大体相似的，但也不是没有差别，如视觉传达设计偏重于平面造型，而产品设计和环境设计则偏重于空间造型。3、设计师应掌握的艺术与设计理论知识，主要有艺术史论、设计史论和设计方法论等。属通史通论的如中外艺术史、中外设计史、艺术概论、设计概论、工业设计史、设计方法学等；属专业史论的如工艺史、建筑史、服装史、广告史、建筑学、广告学、服装学等等。其中建筑作为“大艺术”、“大设计”，对其他各种专业设计都有直接或间接的影响，例如哥特式、洛可可式的家具设计都是由相同风格的建筑设计直接影响而来的。格罗佩斯在《包豪斯宣言》中甚至称“建筑是一切造型艺术的最终目标”。四、设计师的协调合作与经营管理意识五、设计师的超越自我第五章艺术设计的工作程序一、项目确认与市场调研1、项目的确认与市场调研2、市场调研与论证社会调查；市场调查；产品调查；资料分析二、设计构思与定位实施1、设计构思阶段2、设计的定位实施阶段：构思评估与选择阶段；方案表现阶段（设计表现图/设计模型制作）三、项目审核与设计管理1、项目审核：试产阶段；批量生产阶段2、设计管理动画创作流程与设计管理动画成为工业化生产模式是动画艺术与技术成熟的标志。体现在合理的计划性与生产程序化方面，即前期的一些案头设计工作以及具体表现的工作，包括：文学剧本、文字分镜头剧本、画面分镜头剧本、对白台本、录音台本、生产进度表、造型设计、镜头画面施工设计、动作设计与表现以及背景绘制等。动画创作工艺流程：创意构思——文学剧本——文字分镜头——导演阐述——人物设定——环境设定——形象设计——画面分镜头设计——标准造型设计（人物、场景、服饰、道具）——美术风格设计——镜头画面设计——填写摄影表——原画动作设计——背景绘制——加中间动画——描线与上色（电脑、手工）——校对拍摄——剪辑——录音——声音与画面合成FLASH创作流程至少要注意：剧本创作--造型设计--背景设计--分镜头设计--原动画设计--动画合成--配音--后期校正等步骤。迪士尼卡通电影制作流程与管企划；文字剧本；故事脚本；造型与美术设定；场景设计；构图；背景；原画；动画；品管；影片描经；定色与着色；总检；摄影与冲印；剪接与套片；配音、配乐与音效；试映与发行第二篇中外艺术设计史中国艺术设计的发展历史石器时期的设计石器时期是人类文化的起源；陶器的出现；玉器的设计特点；彩陶二、夏商西周时期的设计青铜器；青铜器分类；尊像出现的朝代、用途、造型特点；甲骨文；饕餮龙凤纹三、春秋战国时期的设计编钟；青铜器在装饰设计上的新技术；我国最早的铁制兵器；《考工记》四、秦汉时期的设计第一次由官方统一标准的文字模式——李斯小篆；汉代长信宫灯；造纸术；秦兵马俑的造型设计特点；陶器设计制作的特点五、三国两晋南北朝时期的设计魏晋南北朝瓷器设计；佛塔与中国建筑结合的表现形式；魏晋南北朝时期的石窟设计布局；中国文字书体变化的形式及原因。六、隋唐时期的设计唐代出现的书籍装帧形式；隋唐时期家具设计中最重要的现象——椅子的出现；唐三彩；雕版印刷术七、五代两宋时期的设计宋代制瓷；宋代五大名窑各自的特点；活字印刷八、辽金西夏元时期的设计元代制瓷的装饰特点；郭守敬，元大都宫殿设计；元代金银器制作的先进技术九、明清时期的设计明清时期瓷器的釉色种类；紫荆城宫殿建筑文化；明清两代家具设计风格；明清时期书籍装帧形式和保护书籍的方法；明清时期的设计文献：《天工开物》《鲁班经》《三才图会》《大清工部工程做法》十、现代时期的设计民国时期广告设计；二十世纪我国书籍装帧形式第二章外国艺术设计的发展历史本章的主要内容包括古代西方社会的造型装饰、近代社会的工业设计、现代主义设计运动、后现代主义与信息社会的设计发展。一、现代设计的萌芽与工艺美术运动工艺美术运动的概念、风格、意义及影响；1851年英国世界博览会与“水晶宫”；威廉•莫里斯二、“新艺术”运动“新艺术”运动的概念、风格及其影响；西班牙的新艺术运动和安东尼•高蒂的贡献；苏格兰艺术的“新艺术”运动和察尔斯•马金托什以及格拉斯哥死人设计集团；奥地利“分离派”与德国的“青年风格”运动。三、装饰艺术运动“装饰艺术”运动的背景和风格特点；“装饰艺术”运动和“现代主义”运动的异同。四、现代主义设计的萌起现代主义设计概念、思想特征、设计风格；现代主义设计大师及其设计作品；德国工业同盟及其宗旨；俄国构成主义设计运动；荷兰的“风格派”运动。五、包豪斯包豪斯成立；包豪斯的变迁；包豪斯的设计风格；包豪斯对现代设计的贡献；包豪斯对现代设计教育的贡献。六、工业设计的兴起和现代设计的职业化美国的工业设计；流线型运动；七、丰裕社会与国际主义风格波音设计运动；国际主义风格的发展八、世界现代设计斯堪的纳味亚国家的现代设计；意大利的现代设计；德国的现代设计；美国的当代设计；九、后现代主义国际主义设计运动的衰退；后现代和后现代主义；后现代主义（狭义）风格；后现代时期的设计风格。第三篇重要艺术家及经典作品赏析主要测查应试者对中外重要艺术设计师及经典作品的了解程度，以及运用艺术理论和艺术史方法对其进行鉴赏的能力。本篇内容包括中外各个历史时代的艺术设计师及经典作品赏析。第一章中国艺术设计师及经典作品赏析主要测查应试者对中国重要艺术设计师及代表作品的了解程度。要求应试者了解中国古代及近现代出现的一些重要艺术设计师及代表作品，掌握艺术设计师和艺术作品出现的历史背景，运用艺术理论和艺术史方法对其进行赏析。本章内容主要包括中国各个历史时代的艺术设计师及经典作品赏析。一、石器时期的设计玉器；彩陶二、夏商西周时期的设计青铜器；象尊；甲骨文；饕餮龙凤纹三、春秋战国时期的设计编钟；《考工记》四、秦汉时期的设计第一次由官方统一标准的文字模式——李斯小篆；汉代长信宫灯；秦兵马俑五、三国两晋南北朝时期的设计魏晋南北朝瓷器设计；佛塔；魏晋南北朝时期的石窟设计；中国文字书体变化六、隋唐时期的设计唐代书籍装帧形式；唐三彩；七、五代两宋时期的设计宋代五大名窑；活字印刷八、辽金西夏元时期的设计元代制瓷；郭守敬，元大都宫殿设计；九、明清时期的设计明清时期瓷器；紫荆城宫殿建筑；明清两代家具；明清时期书籍装帧；明清时期的设计文献：《天工开物》《鲁班经》《三才图会》《大清工部工程做法》十、现代时期的设计民国时期广告设计；二十世纪我国书籍装帧形式第二章国外艺术设计师及经典作品赏析本章内容主要包括国外各个历史时代的艺术设计师及经典作品赏析。1、约瑟夫•伯克斯——“水晶宫”2、威廉•莫里斯——“红屋”3、安东尼•高蒂的设计作品：文森公寓；巴特罗公寓；米拉公寓；高蒂最重要的作品是“圣家族大教堂”4、察尔斯•马金托什——高背椅子5、彼得•贝伦斯——德国电器集团（AEG）的厂房建筑（1909年）6、勒•科布西耶——马赛公寓、朗香教堂7、沃尔特•格洛佩斯——包豪斯校舍、法古斯鞋楦工厂8、密斯•凡德罗——西格莱姆大厦、巴塞罗那椅子9、佛兰克•赖特——流水别墅10、塔特林——第三国际塔（构成派最重要的代表作）11、盖里•里特维特的红蓝椅子12、蒙德里安的非对称式绘画13、雷蒙•罗维——可口可乐玻璃瓶、宾夕法尼亚铁路公司的火车头（流线型）14、艾托•索扎斯——书架15、理查•罗杰斯——蓬皮杜文化中心设计的范畴分类根据不同对象可分为五大类：1）现代建筑设计、室内与环境设计2）产品设计3）平面设计4）广告设计5）织品与服饰设计设计环境艺术设计是一个新兴的设计学科。它是人类生活设施和空间环境的艺术设计，又称作室内设计，主要从事建筑物内部的陈设、布置和装修，塑造一个美的并且适宜人居住、生活、工作的空间。目的：为人创造出符合人体科学需要，适应人各项活动要求，舒适宜人的空间环境。三、产品设计（工业设计）1）即工业产品的艺术设计，又称为“工业设计”。2）指在现代工业化生产条件下，运用科学艺术与艺术结合的方式进行产品设计的一种创造性方法。3）主要是解决一定物质技术条件下工业产品的功能与形式，结构与符号的关系。4）从分类上看也就有了广义和狭义的范畴，广义即“设计”，狭义的指工业产品的设计。5）工业设计的主要种类：生活用品类；公共性商业、服务业用品类；工业和机械设备类；交通运输工具、设备类。四平面设计（装潢设计）（1）德维金斯提出。（2）平面设计又有图形设计、印刷设计、视觉传达设计之称。（3）设计的对象和范围限定在“二维”的空间维度中，主要是图形，文字等形象和信息要素的综合设计。（4）它以易识别，易懂，形象的方式传达给观众。（5）平面设计的一个现代特征是与现代印刷技术的结合，它包括书籍设计、包装设计、标志设计、企业形象设计、字体设计及其他出版物的设计等等。装潢：（1）装潢是指“染纸’,装演原指中国古代书画卷轴的“装裱”。（2）装演是设计学科中的传统概念，包含包装、商标、广告、装裱等工艺在内的设计门类，可以说与平面设计相同。（3）装演设计是商品形象建构的重要环节，亦是充分体现商品价值的手段。（4）通过宣传与促销服务，体现出装演本身强烈的实用目的性，而绝不是为装演，当然，实用目的的实现，必须充分考虑大众消费心理和审美需求。因此，优秀的包装设计，能够激发人们积极的需求，引发购买欲望，实现购买行为。五、广告设计（1）指将各种高度精炼的信息，采用艺术手法，通过各种媒介传播给大众，以加强或或改变人们的观念，最终引导人们行为的活动。（2）广告，即广而告之，以一种用登报、广播、招贴等形式介绍商品、服务性事业等的宣传方式。设计师.一、一件设计作品的优劣与否取决于两个主要因素,一是取决于设计,一是取决于制造或施工质量.即起决定性作用的是设计师.二、设计师作为一种专门职业，是现代设计的产物。但是设计师作为独立的职业直到20世纪20、30年代才开始出现。1919年，美国人西奈尔开设了自己的职业设计事务所，并首次使用了“工业设计”一词。当时从事“工业设计”的职业设计师大致上有两种类型，①是驻厂设计师，②是所谓的“自由设计师”。三、创造是人类生活的本质特征之一。创造，是设计师的“天职”和本职，设计师是天生的创造者，是永无止境的创造者。设计师本身就是战略，设计的每一环节也都需要有战略性，这两种战略都来自于设计师。设计师只有把自己自觉地置于战略家的地位，从战略的高度把握设计，才能充分发挥设计的主动性。职业设计师的出现，标志着设计发展已进入了一个职业化、专门化的新阶段，德国是现代设计的发源地之一。中国早在二三十年代后，逐渐产生一些职业设计师。中国著名设计师、画家张光宇1921年至1925年即任南洋烟草公司从事设计，他是中国早期职业设计师的代表。这一时期的职业设计师有一个显著特点即都游业与绘画艺术也设计之间，其设计有很强的绘画性。如何理解艺术设计是知识创新体系的一部分：1，在设计创新的内涵和过程中，新知识具有重要地位，可以说设计是基于新知识的设计，设计是新知识的载体和表现形式，2，艺术设计中的新知识，既来自科学技术，又与艺术的创造联系在一起，从本质上看，艺术性的创造亦是一种新知识的创构，3，艺术设计是知识创新的一个重要组成部分，它是科学技术与艺术结合的产物，是艺术设计工作者艺术智慧的集中体现。计算机对于艺术设计的影响：首先，是为大多数设计师所认识到的“工具变换”所谓“换笔”，它带来了便捷与高效率，第二，是在电脑所建构的信息空间中，设计师与设计对象、设计之物与非物质设计，功能性与物质性、表现与再现、真实空间与信息空间的诸多关系发生了变化，即产生的了一种全新的关系和设计观念。艺术与科学整合意义：1，艺术与科学整合具有必然性，是艺术与科学两方面的内在要求2，在艺术存在的意义上，艺术与科学技术的整合，使艺术的存在具有了一咱新质和动力学的内容3，从科学技术存在的意义上看，与世界一任何事物存在的两而性，矛盾性一样，科学技术也具有两面性，一方面给人类造福，使人类的生存状况得到了重要的改变，另一方面，它又不可避免地存在着负面的影响。方法是为解决问题或达到某一目的而采取的手段的总和。广义上可以指人的一种行为方法，狭义上可说是解决某一具体问题完成某一工作的程序或办法。科学方法论的四个时期：1萌芽时期/2归纳——试验、分析为主的方法论时期/3从19世纪初到20世纪中叶分析与综合并重的方法论时期/420世纪中叶以来的综合、交叉方法论时期第二章：艺术设计的历史可以说人类的设计是从（石器）开始的。（陶器的制作）是人类文明史上第一次利用火将一种物质改变成另一种物质的伟大创举，以（陶器的产生）为标志，人类亦结束了上百万年的狩猎生活而开始农耕和定居。（彩陶）是中国新石器时代陶器中最具有代表性的器物。中国现今发现较早的彩陶距今约（6000年）。中国现今发现最早的陶器距今约（一万年）。（东汉时代）在中国浙江余姚、上虞、慈溪等地成功创造了人类历史上真正的瓷器——（青瓷）。最早（创烧）成功的是（青瓷）。唐代诗人曾将（越窑）瓷器之美誉为“千峰翠色”。宋代在唐代南青北白两大瓷系的基础上形成六大瓷系：北方地区的定窑系、耀州窑系、钧窑系和南方地区的龙泉窑系、景德镇的青白瓷系，（六大窑系）孕育了著名的宋代（五大名窑：定、汝、官、哥、钧窑）。在隋唐时代，中国陶瓷生产出现了，（南青北白）的局面，以（浙江越窑）为代表的（南方青瓷）与（北方邢窑）为代表的白瓷组成中国瓷业发展的两大体系和窑场。（景德镇）自（元代）起作为中国的瓷都而闻名中外。元代最著名的产品是（青花）和（釉里红）。迄今发现最大的青铜盘（“虢季子白盘”）。现存最大的青铜鼎（司母戊鼎）。现存西周初年第一件有纪念铭的铜器（“何尊”）。现在发现最早的漆器出自（浙江河姆渡文化）。雕漆中最常见的是（剔红），是（唐代）漆工艺的一大创造。（明代）著名漆器工匠（黄成）所著漆工专著（《髹饰录》）。（元代）是雕漆工艺发展的高峰时期，浙江嘉兴出现了两位雕漆巨匠——（张成）和（杨茂）。1851年在英国（伦敦海德公园）举办世界首次国际工业博览会，展览会的主要场馆时当代采用钢铁和玻璃材料建造的大型建筑（“水晶宫”）。1851-1870年间，（艺术与手工艺运动）的发起人（威廉·莫里斯），在现代设计史上被称为（“现代设计之父”）。他与朋友马歇尔·福克纳一起在伦敦成立了一家从事室内装饰和设计的（美术装饰商行），可以说是现代设计史上第一家由艺术家从事设计、组织产品生产的公司。（比利时）和（法国）是新艺术运动的主要策源地。1908年任德国魏玛工艺学校（即著名的设计学院包豪斯的前身）校长（凡·德·威尔德）。包豪斯自创办至1933年被德国法西斯关闭，经历了短短14年，其间三次迁校，由此形成了三个不同的发展阶段，即创办初的（魏玛时期）、（德索时期）和（柏林时期），包豪斯盛行时是（德索时期），第二任校长是（梅耶），第三任是（密斯·凡·德·罗）。包豪斯的毕业生，（马谢·布鲁尔）首创（钢管）家具设计的先例的设计师。1953年成立的乌尔姆设计学院，乌尔姆设计学院第一任校长是（马克思