中外国绘画艺术课件

中外绘画

在表现形式上：中国绘画讲究“以线造型”，而西方绘画讲究运用光线、色彩来塑造形象。在题材上：中国绘画多为山水，花鸟，肖像的刻画，而西方绘画多为圣经故事、女性的裸体、控诉战争和贵族为题材在画面上，中国绘画较为传统，写意。而西方绘画风格众多，不乏荒诞怪异的在透视上，中国绘画独创散点透视，而西方采用成角透视。。中西绘画各有渊源，自成体系。有着不同的特点、区别。而这些差异，归根结底就是文化体系的差异，既不能归咎于画家个人的思想风格，更不能视为只是材料、技法的不同。这两种文化体系来源于两种不同的思维模式和哲学系统，而且从古至今都有各自的传承关系，就如同两个连绵不断的链条，各自环环相扣、生生不息。中西绘画在世界艺术的百花园中充分发挥着各自的特点，又是互相勾通、取长补短，是今后中西方绘声绘色画在艺术发展的长河中各创高峰、共造辉煌不可缺少的重要前提。简单的对中外绘画做一个比较一、画虾一绝

——齐白石绘画风格

浓厚的乡土气息，纯朴的农民意识和天真浪漫的童心，富有余味的诗意，是齐白石艺术的内在生命，而那热烈明快的色彩，墨与色的强烈对比，浑朴稚拙的造型和笔法，工与写的极端合成，平正见奇的构成，作为齐白石独特的艺术语言和视觉形状，相对而言则是齐白石艺术的外在生命。现实的情感要求与之相适应的形式，而这形式又强化了情感的表现，两者相互需求、相互生发、相互依存，共同构成了齐白石的艺术生命，即齐白石艺术的总体风格。

齐白石画虾堪称画坛一绝。齐白石画虾通过毕生的观察，力求深入表现虾的形神特征。齐白石画虾表现出了虾的形态，活泼、灵敏、机警，有生命力。是因为齐白石掌握了虾的特征，所以画起来得心应手。寥寥几笔，用墨色的深浅浓淡，表现出一种动感。一对浓墨眼睛，脑袋中间用一点焦墨，左右二笔淡墨，于是使虾的头部变化多端。硬壳透明，由深到浅。而虾的腰部，一笔一节，连续数笔，形成了虾腰节奏的由粗渐细。齐白石用笔的变化，使虾的腰部呈现各种异态，有躬腰向前的，有直腰游荡的。也有弯腰爬行的。虾的尾部也是寥寥几笔，既有弹力，又有透明感。虾的一对前爪，由细而粗，数节之间直到两螯，形似钳子，有开有合。虾的触须用数条淡墨线画出。取舍：对水中的虾，为表现出那种透视感，齐白石的线条有虚有实，简略得宜，似柔实刚，似断实连，直中有曲，乱小有序，纸上之虾似在水中嬉戏游动，触须也像似动非动。毕加索：“齐白石真是中国了不起的一位画家！中国画师多神奇呀！齐白石用水墨画的鱼儿没有上色，却使人看到长河与游鱼。”枯枝朽木——齐白石与徐悲鸿的故事1929年9月，徐悲鸿由蔡元培引荐，就任北平大学艺术学院院长。徐悲鸿转而聘齐白石为教授。当时的北平画坛，死气沉沉，以摹仿古人为能事，保守势力相当顽固。木匠出生的齐白石大胆创新，变革画法，可惜，却得不到多少响应，北平画坛对他一片冷嘲热讽。当徐悲鸿乘坐四轮马车来到齐家时，齐白石为其诚心而感动：“我一个星塘老屋拿斧子的木匠，怎敢到高等学府当教授呢？”“你岂止能教授我徐悲鸿的学生，也能教我徐悲鸿本人啊！”徐悲鸿说，“齐先生，我徐某正要借重您这把斧子，来砍砍北平画坛上的枯枝朽木！徐悲鸿（1895-1953年），汉族，原名徐寿康，江苏宜兴市屺亭镇人。中国现代画家、美术教育家。曾留学法国学西画，归国后长期从事美术教育，先后任教于国立中央大学艺术系、北平大学艺术学院和北平艺专。1949年后任中央美术学院院长。擅长素描、油画、中国画。中国画擅长人物、走兽、花鸟，主张现实主义，于传统尤推崇任伯年，强调国画改革融入西画技法，作画主张光线、造型，讲求对象的解剖结构、骨骼的准确把握，并强调作品的思想内涵，对当时中国画坛影响甚大，与张书旗、柳子谷三人被称为画坛的“金陵三杰”。所作国画彩墨浑成，尤以奔马享名于世。作品欣赏作于1941年秋季第二次长沙会战期间。在此幅画中，徐悲鸿运用奔放的墨色勾勒头、颈、胸、腿等大转折部位，并以干笔扫出鬃尾，使浓淡干湿的变化浑然天成。马腿的直线细劲有力，犹如钢刀，力透纸背，而腹部、臀部及鬃尾的弧线很有弹性，富于动感。整体上看，画面前大后小，透视感较强，前伸的双腿和马头有很强的冲击力，似乎要冲破画面。《奔马图》《珍妮小姐画像》为画家徐悲鸿最著名的油画人物肖像之一，作于1939年春夏之交，徐悲鸿时年44岁。此作品是徐悲鸿为了支持国内抗战，而在南洋举行义卖募捐时的作品。画中女子珍妮小姐，祖籍广东，为当时星洲名媛。在当时传为佳话。此画得到画筹四万新币，为这一时期与南洋募捐中画筹最多的一幅（总数为十一万一千多元新币），徐悲鸿本人也是非常满意这幅作品，特意请摄影师为其和画作拍照留念，后成为《悲鸿在星洲》一书的封面。家庭生活徐悲鸿17岁时父母为他娶亲，但他不满这门婚事离家出走，后被父亲抓回来结婚。18岁生子取名为劫生，意即“遭劫而生”，但家人为他改名为吉生，后早夭。徐悲鸿不愿被家室拖累，到上海学画。认识老师兼同乡蒋梅笙教授，同时认识他二女儿蒋碧薇（棠珍），蒋碧薇原已安排好许配给苏州查家，在徐悲鸿到法国前与他私奔。后来生了儿子徐伯阳，女儿徐静斐。28年后分手做了张道藩的情人。廖静文是徐悲鸿的学生，徐悲鸿身体不好的时候照顾他，1946年嫁给比自己大28岁的老师，生子徐庆平、女徐芳芳，一直陪伴徐悲鸿直到他去世，结婚共7年。徐悲鸿长女徐静斐记忆最深刻的是小时候父亲和母亲蒋碧微常常吵得不可开交。母亲专横跋扈，脾气非常暴躁，因此，徐静斐在感情上并不依恋母亲，她几乎没有感受到多少真正的母爱，也没有得到过多少家庭的温暖和幸福。但是，徐静斐极爱戴仅比她大6岁的继母廖静文。从40年代她与廖静文相识，在半个多世纪的风风雨雨中，她与这位感情丰富、心地善良、深明大义的继母建立了深厚的感情。特别是让徐静婓感佩不已的是，继母虽然比父亲小28岁，却极为敬重父亲的人品和画品，为父亲作出了巨大的牺牲，献出了毕生的精力和心血。著名艺术家

——梵高

梵高简介文森特·威廉·梵高荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已挤身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。1890年7月29日，梵高终因精神疾病的困扰，在美丽的法国瓦兹河畔结束了其年轻的生命，是年他才37岁。

梵高自画像代表作《向日葵》、《星夜》、《邮递员鲁兰》、《咖啡馆夜市》、《包扎着耳朵的自画像》、《梵高在阿尔勒卧室》、《欧韦的教堂》等，都包含着深刻的悲剧意识以及强烈的个性和形式上的独特追求。当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。法国的野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。梵高——星夜咖啡馆夜市邮递员鲁兰拾土豆者梵高的卧室盛开的杏树花梵高思想来源

无论是人生经历还是艺术生涯，梵高的事迹在心理学领域都很具有典型性，同时也很值得人们研究与探索。 梵高的人格结构中个性倾向性受到了后天环境极大地影响，即他的兴趣、理念、信念、世界观都在他短暂的一生中发生过巨大的变化，而作为人格结构中最核心、最活跃的成分，个性倾向性巨大的改变也就很好的解释了梵高一生中，尤其是最后几年到法国后所做出的许多怪诞的行为。 如果我们将梵高的一生分为三个主要阶段来看，即从出生到追求厄休拉未果、从之后到离开荷兰之前、前往法国一直到去世，那么不难看出第一阶段中的梵高过的与普通人无异，而他人格特质的巨大改变始于第二阶段，成于第三阶段。在第二阶段中随着初步的追求厄休拉受挫到后来离开荷兰前的接二连三的爱情、亲情的挫折，梵高的性格与心理已经开始初现乖张的端倪。第三阶段，到法国后，随着环境的改变，生活质量的改变，画风的改变，从遇见挚友高更到吵架闹翻，以及其他许多事情，梵高的心理开始呈现出一种极为不稳定的状态，已然有了一种精神疾病。从弗洛伊德的人格理论看来，梵高后半生一直处于一种无法在本我与超我中正确定位自我的状态，最终，在长时间的积累下，自我防御机制无法调节，梵高结束了自己短暂的一生。总结：

综上所述，梵高的人生经历给了他与众不同的人格，亦决定了他的艺术风格。但作为一个成就伟大而一生苦难的艺术家，梵高的事迹永远值得后世去铭记与瞻仰。二、走进莫奈说到印象派绘画，就不能不提它的代表人物——克劳德·莫奈。所以现在，就让我们一起走进莫奈的印象世界。

克劳德·莫奈（ClaudeMonet，1840年11月14日－1926年12月5日）

作为印象画派代表人物，克劳德·莫奈的名字与印象派的历史密切相连。印象派运动可以看作是19世纪自然主义倾向的巅峰，也可以看作是现代艺术的起点。莫奈对这一艺术环境的形成和他描绘现实的新手法，比其他任何人贡献都多。这一点是无庸置疑的，印象派的创始人虽说是马奈，但真正使其发扬光大的却是莫奈，因为他对光影之于风景的变化的描绘，已到走火入魔的境地。他对光色的专注远远超越物体的形象，使得物体在画布上的表现消失在光色之中。他让世人重新体悟到光与自然的结构。所以这一视野的嬗变，以往甚至难以想象，它所散发出的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。《睡莲，晚间效果》

在我的印象的，睡莲是一种紫色的平静而又高贵的美。而在莫奈的印象里，却不一样。

1901年，莫奈在他的池塘的延伸处又购置了一块地，池塘面积因此扩大了三倍。周围更精致、更具装饰性地种了竹子和日本樱桃树……他还安装了一个水泥槽，以便保护异国情调的睡莲不受水温过热的伤害。对睡莲如此爱惜，又怎么会不将之变成自己画作中的主角。

《睡莲，晚间效果》是莫奈《睡莲·水影系列》的其中之一。漂浮在水面上的华丽的睡莲，占据了整个画面；在鲜黄、桔黄和朱砂色彩的烘托下，像是一团燃烧着的火。旋风般强劲的笔触增加了火焰在睡莲云间扭曲上升的感觉，呈现出一片视觉的梦幻世界。这里，没有睡莲，只有一个个暗暗的大圆盘，其中，时有明亮的笔触将它们凸显出来。再也没有空间的标志，只有被画笔捕捉到的光和色彩。

叶子是纯绿色的，而花朵却像暗红的火焰。看似随意的彩色线条笔触柔美，似乎让水流动起来，又像是捉住了一瞬间水面似真似幻的光和影。参观者站在画旁，就如同伫立在池塘旁边，竟能领略到“接天莲叶无穷碧，映日莲花别样红”的唐诗意境。记起Proust的文字：“稍远些的水面上，片片睡莲簇拥在一起，犹如一座浮动的花坛，仿佛花园里那些蝴蝶花搬到了这儿，蝴蝶那般把蓝得透亮的翅膀停歇在这座水上花坛的斜面上……傍晚当它宛若某个遥远的海港，披着夕阳那玫瑰色的、梦幻般的霞光，不停地改变着色彩，以便始终跟色泽比较固定的花冠周围的那种在时光里隐匿得更深的、更奥妙的东西――那种存在于无限之中的东西――显得很和谐的时候，开在这片水面上的睡莲，就像是绽放在天际的花朵。”睡莲开在水里，淡定从容的伸向天空，没有纷扰，无忧无虑的仰望苍穹。《睡莲》，可以说是莫奈一生对光与色表现的总结。

有人说“女人，是善变的动物”，其实，男人也一样，而画家，更是如此。同样是睡莲，与之前那副相比，就有了明显的不同。这幅《睡莲》是莫奈晚年的作品，以令人叫绝的技法，在垂直的平面上描绘出波光粼粼的水面向远处延伸的视觉效果。《睡莲》

在1872年的一天，太阳照常从东方升起，就在这天，莫奈在布上用画笔画下了他印象中的日出。就这样，平凡无奇变成了近点之作。这幅画曾在1874年第一届印象主义作品展中展出，现于巴黎马莫坦博物馆。这幅作品表现了重要商业港口勒阿佛尔的景色。但莫奈对光线的作用，呈现的是夕阳西下的美景，而不是着墨于对工业的兴趣。这幅油画描绘的是透过薄雾观望阿佛尔港口日出的景象。直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面无限的光辉，并非准确地描画使那些小船依稀可见。真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。《日出印象》《鲁昂大教堂》

这幅画里几乎只有一种色调，只是颜色深浅不同从而勾勒出这样的大教堂。那应该是在一天下午，当时天气阴冷，气氛忧郁，光线晦暗而又沉闷，而大教堂就耸立于一片灰色的天空下。画面上用的是赭石色，灰色的大钟，四周细细涂抹了一点既蓝而又带深灰的颜料，中央部分用的却是黄褐色。中央三扇大门如同三个黑沉沉的洞穴；那木门的深暗色今日仍可从画面上看出来。在以灰色为主的这种深暗色度的调和之中，我们仍可看到停留在各种雕塑上的光的符号，因为这些雕塑是用少量活跃的色彩绘出的。彩绘玻璃窗上的蔷薇花饰，在正中大门小尖塔后面用的是沉浊的蓝色，因而清晰可见。莫奈所关注的正是这一点，不是建筑物本身，而是光线所演绎出的“悲喜剧”。作家、艺术评论家古斯塔夫-热弗鲁阿在欣赏了莫奈二十几幅有关教堂的绘画后，称赞这些画“画出了生命在光线变幻的时时刻刻所呈现出的永恒美”。了解：

对于火车站，大家都应该不陌生吧，而且，印象都不会很好，因为，除了拥挤就是拥挤。那有没有想象过一百多年以前巴黎的火车站是这样一篇光景呢？绘于1877年的《圣拉查尔火车站》是一幅表现巴黎火车站的画，这是一个日常生活场面的实际“印象”。莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸气烟云的效果，神往于从混沌之中显现出来的机车和车厢的形状。莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画出色的表现了力量、空间、对比和运动。

圣拉扎尔火车站了解：蒙托尔热街的节日

那天是星期天，是普法战争之后巴黎人民的第一个狂欢日，也是巴黎万国博览会开幕的日子。在这条繁华热闹的街上，人头窜动、人来人往、有说有笑、国旗飘飘、风和日丽、晴空万里。看不清一个人的模样，也看不清这些庞大的古老建筑和旗帜，但画面上的一切却在观众的面前又都真实地存在着，风在吹、光在照、云在飘、旗在摇、声音在喧嚣、人在挤。从不脱离生活而关门意造，让自己的情感燃烧在现实里，最终促成自己作为绘画导演要完成的工作。

莫奈用色彩反映人、反映声音、反映欢声笑语，用色彩反映风、反映建筑和旗帜，用色彩反映蓝天和白云，还有那火一样热烈的阳光、晴朗的空气，小小的画面已经影射出那天整个法国城市沸腾的风貌，画面笔触所到之处充满了无限的生机和力量，寓意着法国美好的明天和未来。艺术家让那一天的一切成为永恒的鼓舞留在了世间。

就像是听到叫声后回头，是谁在叫她？丈夫吗？旁边的是她的孩子吗？在这幅作品里，我们依然看不到具体的线条和形状，女人在画面中的出现只是为了迎合天空中直射下来的光芒、为了天空与绿地这段距离之间的空气、为了风、为了草丛中升腾起的气息。这一切大自然的美妙玄机必须有一个理由，那就是这个端庄的女人。女人的出现，使天与地连接，不再有空旷和孤寂，孩子的隐约出现进一步增添了人与大自然的亲密关系，也暗示了女人是孩子慈祥的妈妈，就像天与地有一个从属关系，同时孩子的出现也在画面视觉上起到了一个平衡的作用。虽然画面上的女人因为阳伞的问题，全身都处在阴影里，但是莫奈用寥寥强烈的笔触，快速地勾列出她是在温暖的光里，我们看不清楚她的容颜，但这一切都没有影响到她的美丽和端庄，乃至她惬意的笑容，当然还有种贵族女人无所事事的庸懒感。

近处的草娇艳地在风中晃动摇摆着，舞姿完全是对应着天上推动云的风而波动，充满着青春和朝气。人与自然的美好和谐，这是一种幸福的时光。《撑洋伞的女人》

有没有试过那个一个悠闲午后，约上三五友人，在一片绿意昂扬的草地上，畅意地共享一顿丰富的午餐？如果有，那是否会像画中人一样的惬意呢？饱餐过后，舒躺在地上，阳光透过林木洒在身上和树木上，透明灿烂，令人耳目一新。《草地上的午餐》

莫奈的作品不单是外光扑进画框的结果，也是爱的光芒辉耀的结果。一系列以第一任妻子卡米耶为原型的作品，是莫奈燎原的灵感之作，也是对妻子爱的呈现。富有产生不了爱，贫穷也摧毁不了爱。伴莫奈走过困难时光的卡米耶，是莫奈眼睛里最闪亮的一道曙光。

自恋的莫奈一生很少为别人画肖像，但他爱上卡米耶后，常以她为模特儿画肖像，或把她当做点景人物。其实在他眼中，她早就成了最美的风景、最美的印象了。《窗前的卡米耶》

爱情可能是每个人一生中都不能缺少的东西吧~你有为你爱的人做过什么浪漫的事吗？例如，为他/她作画一副。一位浪漫的画家，就有画下他印象中爱人的美好形象。

如果画中的是你的家人，而你也身在其中，那么此时此刻是不是你最幸福的时刻呢？画里