文艺复兴绘画大师拉斐尔课件

文艺复兴绘画大师之拉斐尔拉斐尔是文艺复兴时期意大利著名画家，也是“文艺复兴后三杰”中最年轻的一位，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的巅峰。他的性情平和、文雅，创作了大量的圣母像，和他的画作一样，他的作品充分体现了安宁、协调、和谐、对称以及完美和恬静的秩序。拉斐尔·桑西（1483年4月6日——1520年4月6日)拉斐尔自画像拉斐尔自画像时代背景

14-16世纪，文艺复兴首先发生于拉斐尔的故乡意大利，人文主义思想是文艺复兴的主导思想。人文主义体现在美术创作上，是重视现实生活的描绘，重视对人伦关系和人的情感的表现，呼唤人性的觉醒，对人的本质力量进行充分的肯定，美术题材空前扩大。肖像画迅速发展，人体美在美术中的地位得到恢复和发展，风景画日趋成熟。由于对科学的重视及艺术与科学的结合，美术家们开始悉心钻研解剖学、透视学，将其运用于美术创作之中，从而使形体写实主义绘画日趋成熟。同时，一些美术巨子，凭借他们广博的学识，全面的修养与科学的威力登上了世界艺术的峰巅。

拉斐尔就生活在文艺复兴的这一盛期，文艺复兴时期是一个产生巨人的时代，但因从中世纪脱胎而来，也不可避免地带有中世纪宗教的局限性。拉斐尔从文艺复兴各个大师中汲取经验和营养，凭借自己的艺术才华和努力终于开创了自己独特的艺术绘画风格——古典精神的“秀美”风格。他的风格不仅代表了当时人们最崇尚的审美趣味，并且延续了四百年之久，成为后世古典主义者认为不可企及的典范。

人物简介

拉斐尔的父亲是宫廷的二级画师。他从小随父学画，七岁丧母十岁丧父，进画家画室当助手，学习了十五世纪佛罗伦萨艺术家的作品，从此走上了独创的道路。从二十二岁到二十五岁，他创作了大量圣母像，从此声名大扬。

由于高超的艺术造诣而被神化了的拉斐尔，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的最高峰。一提起拉斐尔其人，提起拉斐尔的艺术风格，总离不开“超凡入圣”、“尽善尽美”这些始于瓦萨里的形容词，这使广大公众对拉斐尔（世界艺术史上最伟大的画家之一）的作品无法深刻领会并与之沟通，无法立即把拉斐尔的作品与那些总想用“天才”、“天才表现”等词句来标榜的蹩脚作品分开，从而在他的作品中体味生命的苦闷、浪漫的热情及感情的折磨。拉斐尔的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序——从这个意义上说，他的作品确实可被称为“人文主义及文艺复兴世界的顶峰”。人物性格拉斐尔人缘极好，十分懂得尊重人据说他只要在某地待上五分钟，就会有人来求画，对此拉斐尔很少拒绝。此外，拉斐尔与达·芬奇、米开朗琪罗一样，都要效力于教皇尤利乌斯二世。但拉斐尔与尤利乌斯二世一向处得很好，而随后的利奥十世也非常喜欢拉斐尔，特地赐给他一顶红衣主教的帽子，还把红衣主教毕比印纳的一个侄女玛利亚许配给他。虽然拉斐尔对此心存不满，但他没有直接回绝，而是一直拖着这桩婚事不办，直至自己意外死亡。总之，拉斐尔为人谦虚，待人诚恳，所到之处无不受到热烈的欢迎，很早就成为了一个超级巨星和万人迷。他的性情就像他的画一样四处受人追捧，艺术家们都把他当作成功的典范。拉斐尔于1520年他37岁生日那天去世，他的死震惊了罗马城，上至教皇贵族，下至黎民百姓，无不为他英年早逝而悲痛万分。罗马人为他举行了最隆重的葬礼，教皇还坚持把他葬在万神殿，这是绝无仅有的殊荣！幸福童年造就拉斐尔温和的性格拉斐尔的一生是非常顺利幸福的，充满了温暖、爱护、肯定、自信、安全感。这些都是达·芬奇与米开朗琪罗的一生所十分欠缺的。拉斐尔一出生以来就备受父母的爱护。父亲是一位画家兼诗人，虽然生活不很富裕，却家有贤妻，事业有成。在拉斐尔之前，他曾有过两个儿子，但都夭折了，所以拉斐尔出生后，父母都对他呵护有加，早晚祈祷他健康成长，并以“天使”来加以命名（拉斐尔在意大利文中表示天使）。拉斐尔从小也表现出极高的艺术兴趣与天分，在他还不会说话时，就喜欢拿着画笔当玩具玩，见着颜料就兴奋，这些都令父母欢欣不已。拉斐尔的父亲在儿子8岁起教他作画，10岁时就已教会他所有的绘画技巧。为了提高儿子的绘画水准，父亲还不断带儿子四处拜师，并大力鼓励他探索自己的艺术风格。拉斐尔11岁父亲过世，他进画家画室当助手，专门学习十五世纪佛罗伦萨名家的作品，走上了独创的道路。从22岁到25岁时，拉斐尔创作了大量圣母像，从此声名大扬。在这当中，他从来没有遇到过达·芬奇和米开朗琪罗那样的困境，更没有与权威人士发生过直接冲突。《圣玛利亚的婚礼》《圣玛利亚的婚礼》是拉斐尔的成名之作，创作这幅大型祭祀画时他还不满21岁。画面前景仍以对称式布满人物，视觉中心是代表神的意志的主教主持仪式，约瑟将订婚戒指戴在玛利亚的手上，左右两边分别两组男女青年。玛利亚后面的一组女子是她的女友，而约瑟背后的男青年则是求婚者，他们手执求婚标志的棍棒，谁的棒头开花，谁就是命中注定的玛利亚的未婚夫，正是约瑟的棒头开出一朵小花，这一神的意愿使其他求婚者陷入痛苦和不安，有的甚至激愤，前景中的青年就绝望地折断了手中的求婚棒。这是一幕充满戏剧性的场面。画中无论男女，形象都塑造得俊美，作者大量使用变化多样的曲线，人物的体态面貌、衣服的褶纹变化，都给人造成秀逸柔美之感。画家自己对这幅画很满意，第一次在上面签了自己的名字。

《圣乔治与龙》

1504年，英王亨利七世授予拉斐尔故乡的乌尔比诺公爵以

“嘉德勋章”，公爵为了答谢英王，委托21岁的拉斐尔绘制一幅歌颂英国守护神圣乔治的小型图画，并要求他在画中把圣乔治画成杀死毒龙的嘉德骑士。这个题材拉斐尔画过几幅，这一幅最为杰出，显示出拉斐尔自己的艺术个性。画家以对角线安排形象，腾跃的白马呈向上趋势，圣乔治举刀作欲砍之势，动作十分英武优美。画家更多关注绘画的造型形式，而对人物的内在精神、生死搏斗的勇武气质刻画缺乏力度，达不到达芬奇所作《安加利之战》中人物和马的精神表现。《美惠三女神》1504—1505年

板面油画

17x17厘米

美惠三女神是希腊神话中象征美丽、温雅、欢喜的三女神。她们是宙斯和欧律诺墨的女儿，为人们带来美丽与幸福。她们的名字分别是欧佛洛绪涅、塔利亚、阿格莱亚。

美惠三女神是古希腊、罗马雕刻中的常见题材。文艺复兴以来，许多画家和雕刻家都曾仿照古代的构图创造过美惠三女神的形象，而拉斐尔的这一幅是最出色的。拉斐尔的圣母像1504年，拉斐尔来到佛罗伦萨，有一段时间主要是完成圣母像。这些圣母像给他带来了巨大声誉。凡是拉斐尔画的圣母像，人们都争相观看，以饱眼福。他的圣母画得实在太美了，每一幅都不同凡响，观者为之流连忘返。他的圣母像的特点是：具有意大利民间女性的魅力，有着人间最能感同身受的母爱情调。以致几百年后欧洲各地流传着一句赞美女人的话：“象拉斐尔的圣母一样。”他完成的圣母像的数量之多，迄今仍难以计数。美术史上一般用画面上的细节特征或画幅的归属来区别，如《花园里的圣母》《椅中的圣母》《大公爵圣母》《阿尔巴家圣母》《藤皮圣母》《金翅雀圣母》等。画家特别着意于圣母的目光，人们常说眼睛是心灵的窗口，通过一双

眼睛可以窥视到画中人的灵魂。拉斐尔画中的圣母情深意长，关于这双动人的目光，有个传说：有一次画家从梵蒂冈出来，在门口廊柱下见到一位抱着婴儿的少女，酷似他的心上人芙纳蕾娜，看到她的目光令他神魂颠倒，他满怀激情地拾起一块木炭，想把这动人的瞬间永驻在画布上，他环顾四周，见到旁边有一只朝天的空桶，画家没加考虑，就跑过去把桶翻过来，在桶底上急速地画下这位多情而美丽的少妇，有人认为《椅中圣母》的创作灵感源于此。在拉斐尔所处的年代，流行一种新柏拉图主义的哲学思潮，既主张美是不生不灭的永恒，也在艺术中追求理想美的创造。而在人文主义大师们的艺术创造中，更为重视的是对生活美的发现，他们在艺术描绘的一切美中都具有现实美感。《椅中圣母》《西斯廷圣母》尺寸：265x196cm出处：德国德累斯顿艺术博物馆《西斯廷圣母》是32岁的拉斐尔在他的创作黄金期绘制的，是他的重要代表作。

在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。这幅画没有丝毫艺术上的虚伪和造作，只有惊人的朴素，单纯中见深奥。拉斐尔在《西斯廷圣母》中出色地表现了光明与黑暗之间的对抗。《花园中的圣母》此画作于1506年。约为107×77厘米。现藏佛罗伦萨乌菲齐博物馆。

这幅圣母像上一共画了三个人物，圣母、耶稣与约翰。但人物没有一点宗

教标签。圣婴与约翰都画成幼儿形象。年轻的圣母，就象带着两个孩子的民间母亲。构图取金字塔式，据说这是他效法达·芬奇的结果，因为这种构图在当时正是达·芬奇的成功首创，它具有很强的稳定感。这个时期拉斐尔画的圣母与圣子，都以风景为背景，人物的数目也雷同，而且具有共同性的母爱主题。《大公爵圣母》上《阿尔巴家圣母》下《捕鱼的神迹》（TheMiraculousDraughtofFishes），作者拉斐尔。作于1515年《变貌》（TheTransfiguration），又称变形，耶稣在三个门徒前的变容。

这是拉斐尔的最后一件作品。原来存放于梵蒂冈，1797年，拿破仑运到巴黎，后又被梵蒂冈出资收回。后世影响拉斐尔短短的一生（只活了37年）创作了近300幅画，其中以描绘圣母的画幅占绝对优势，所以人们习惯上把拉斐尔与娇美柔顺的圣母形象联系在一起。[2]

在短暂的37年生命中，拉斐尔完成了很多不朽杰作，他享有罗马教皇梵蒂冈宫廷画家的最大荣誉，与达·芬奇和米开朗琪罗并称为意大利文艺复兴时代的三杰，几个世纪以来，被人歌颂为最伟大的天才画家。拉斐尔怀抱着新柏拉图主艺术理想，以其洗练的画技，将文艺复兴的人文主义发挥到极致。