《造型艺术中的形式问题》读书笔记

1、读造型艺术中的形式问题有感论 文 摘 要摘要作者从自己的创作经验中谈到绘画和雕塑创作中应该注意的诸多形式问题。作者有肯定也有批判，从他对艺术的理解中我总结出几点适用于我自己的创作思考规律，同时我也也提出了一些不同观点和意见。在我的论述里，我主要从视觉形式的平面、空间、色彩关系以及创作者同其它客体的关系来谈及感想。关键词 视觉形式 二维空间 三维空间 深度 运动感 艺术创作者 本书给我们分析了艺术创作中涉及到的形式问题,这将使我们的艺术创作更适合大自然规律，更适应人的接受规律，更具艺术表现力。作者在本书中由浅入深、由视觉到功能观念，从多个角度阐述艺术创作中最基本的法则。不得不说，这本书不仅从基础

2、上完善了我们对于平面、立体、空间、视知觉的认识，更给我们提供了艺术创作的灵感和途径。我也从视觉形式、并且本书中的很多观念与其它艺术形式有着可比拟性，我将会在接下来的阐述中谈到。一、所有形式的和谐统一贯穿创作始末。1、万物呈现的两大基本形式。作者把大自然万物看作“本体”和影响其“本体”形象塑造的诸多外部因素（譬如光影、运动）的共同组成体。也就是书中谈到的物体的“实际形式”和“知觉形式”。对于这两种形式我想用人来做比喻：放在现代社会来说，一个成年人刨去存在于社会的外部因素，他只是一个生命本体，他是个残疾人或者是个拥有四肢、五官、毛发等等的正常人，他与其它人的组成形式是一样的。这就是客体的“实际形式

3、”。但存在于社会生活中的他被称作老师、 医生、运动员等等，这些是他的职业添加。不仅如此，他还会有着自己的喜好，他刺青、染发、剃胡子，他唱歌、跳舞、偷盗、杀人都是“本体”之外的独特性。所以这时我们会说他是一个受人尊敬的老师，一个骄傲的国家运动员，一个人人都喜欢的朋友，一个残忍的杀人犯，这便是附加了社会因素之后我们看到的一个人。此时的人在我们观念里留下的是“知觉形式”。但是通过作者的阐述，我看到实际与知觉的关系不是简单的整体与部分的关系，尽管人在感知知觉形式时离不开实际形式的表现，但他们相互作用的效果远大于二者简单结合。也就是说，在造型创造过程中，我们不是单一地观察实际形式然后将它们组合到一起，而

4、是在创作之初就将实际形式放在知觉中观察并归纳，然后把二者同时表现出来。这个特点在所有艺术形式中都适用。例如音乐，它是音符与旋律共同的产物，得出的却不仅仅只是一段优美的旋律那么简单，它可以左右一个听者的情感，可以团结一批旋律的听众，甚至成为其生活必不可少的元素。2、平面与空间观念的关系浮雕观念。作者以开篇就从最基本的成像原理来阐述造型过程中需面对的客观事实人眼对平面和立体的判断。他总结说道“立体视觉不过是我们两只眼睛在同一时间各自看到的两幅不同画面的结合”。二维平面形式无论在绘画还是在雕塑中都是重点表现对象。它的表现力和感染力对观者而言是最直接且最大众化的。而以三维空间形式存在的雕塑则需要最佳的

5、二维视面来获得其价值。所以就在传统的写实主义来说，无论在绘画还是雕塑中，二维和三维的关系是你中有我，我中有你，统一表现作品。作者在第六章中谈到的广场上的雕塑时说到三百六十度的视角会让雕塑作品难以统一而抵消画面效果，所以说对于雕塑来说，二维视面的效果是极其重要的。而作为平面表现的绘画需要用空间感来传达它的艺术表现力，使画面和谐统一。之后作者把浮雕观念引入绘画中，强调这两者的结合能使画面获得最和谐的艺术效果，并指出浮雕观念与绘画统一的的问题就是“艺术的形式问题”即“把每个单一价值表现为相对价值“。这就更直接地道出了统一的平面上立体空间的存在使画面更具感染力。3、细节刺激视觉投影是本书的重要概念，它

6、的的意义和价值在于它仿造自然并使之统一为一个整体，由此引出一个有意思的理论：视觉投影的大小不受画面大小的限制，而是刺激的力量决定精神态度。也就是说，物体的大小比例不存在于远近距离中，更不局限在画幅里，而是通过它的细节在环境之中所达到的视觉效果来达到。这就是细节刺激在艺术创作中的作用和它与整体的关系。4、常见的两类构图效果。作者说到构图中最稳定最基本的构图是水平与竖直。“在大自然中，水平方向一般占支配地位，另一方面，几乎所有站立的和在地面上生长的东西都有一种竖直向上的倾向。”这点在平常的海报制作中体现的尤为明显。所以在画面中水平或者竖直的方向的构图方式更易给眼睛造成一种统一的印象，给整个结构以稳

7、定感。另外一种常见的构图则是三角构图，其中分为两种情况：一种是局域中央的物体在近处，给人以从前往后的纵深感，另一种则是中央物体远于两侧物体，使画面产生向前运动的趋势感，并且，当中央与两侧物体距离过远时，三者之间的空间感会削弱甚至不见。作者对这两类常见的构图方式的概括用在设计思维中会比造型艺术中更具价值参考性。5、色彩的空间与真实性除了素描形式给画面提供空间感，色彩的运用也在营造神秘的空间感。我们要分清色彩的装饰性与色彩总体观念真实性的区别，前者不构成空间。在这里，作者着重谈到雕塑中的色彩，他强调雕塑材料本身的色彩表现，认为彩塑是粗俗的，就像他之前谈到的装置艺术，都使得艺术创作失去了“真实性”。

8、这让我想到忠于材料的雕塑家亨利·摩尔。他说过：“一切原始艺术最突出的特点，是它们那生气勃勃的活力。这是人民对生活的直接感受的再现。”所以在他的创作中，首先追求物体的质感，保留材料本来的美质。他宁肯要求一件雕刻像一块“有生命”的石头或树干，而不要求它们完全象一个有生命的人。但是这些观点在我看来都是艺术家个体的艺术理念和追求，我们需要的是无限创造力的艺术活动。材料本身是否需要保持他的原始性并不重要，重要的是一件艺术品的创作观念和形式是否与材料的改变和谐统一。二、视觉形式挑起的运动感共鸣。物体的视觉表现与其动感在人的观念里同时发生。作者道出艺术与其它理性学科的不同：“艺术之所以富有表现力源

9、于我们通过在艺术控制我们视觉和动觉观念的关系。”这也是艺术的魅力所在。作者提出在表现一个物体的时候，最重要的是我们选择物体的哪一个视面，如果它恰巧是一个活的生命体，那么我们可以从它身上捕捉什么样的姿势或动作。其实就是说任何三维、动态的物体展现在人眼、记忆中其实是它的某一个二维面，所以我们在进行艺术创作中就是把它的那个二位面充分表达出来。我在文章第一点里提到的“知觉形式”就是这个概念的体现。这也是作者在书中提到的“空间深度”概念。他说人在看一件艺术品时脑子里并不是只想到这件艺术品此时静止在画面中的样子，而是它在大自然中的运动影像。这就是联想中的观念。我认为这也是任何艺术创作形式的终极目的唤起记忆

10、和联想，也就是共鸣。作者在书里说到造型艺术的空间体量感越多，幻觉的鲜明生动性就越强。这句话我不知道作者是站在怎样的基础上来说，但我并不是很赞成这个观点。除非这里的“鲜明生动”纯指艺术品重返大自然的写实性，不然我认为艺术的鲜明生动不仅存在与空间体量感里，而是在观众与作品的共鸣之中。这种共鸣从最直观的角度来说自然是作品的还原性、立体感和空间感，但更多的共鸣存一定存在于观众习惯的视觉观念以外的东西里，那些观众时常能看到却注意不到的东西。这样一来，这个作品才不是故意的、多余的。所以这里我想提出几个问题：具有空间感与平面化的造型艺术所产生的视觉效果完全不一致却都能引起观众共鸣的原因是什么？表现形式上的不

11、同是如何让观众都能接受的？这与人的视觉接受范围有关还是与人的原始以及社会心理有关？一些精神病患者的主观世界里究竟怎样反映艺术作品？这几个问题还需要我之后大量资料的研究和分析来解决。 三、艺术创作中的矛盾与统一1、艺术家不断寻找创造力 “作者谈到造型的艺术表现力问题。作为创作者，我能要把大自然的偶然发生变成艺术家的感觉，也就是说，我们要善于去归纳那些也许不具备显然的形式美的事务，然后遵循创作规律把其变成艺术。”这样，我们可能就找到了一条使作品充满表现力的途径。我们强调给作品赋予生命力因素。这种观念是从内部、从我们过去身体感觉的全部经验中获得的，而艺术家的能力则是通过独有的语言来让作品说话，这种独

12、有的语言就是我们常说的“符号”。所有艺术形式都有自己的象征，所有艺术家也都有自己的符号。正是这些形态各异的符号让艺术家找到自己的创作道路。这种符号都是经过主观处理后的自然物，但是当它被赋予作品中的特殊意义后就可以被放置在原本不合理的地方不会引发质疑，反而会富有表现力。然而这种符号化语言的弊端是当它习惯性地带意蕴出现在观众视线中，往往先入为主地左右观众观念，这样常常会引发对作品理解上的错误。说道艺术创造力，不得不提到艺术教育问题。究竟是浑然天成还是学习规律一直是艺术教育中的矛盾问题。就自身情况而言，我的确在全面学习美术之后失去了当初的激情。当我知道了美术规律之后，我开始质疑自己的作品不符合那些规

13、律，于是失去信心，甚至眼高手低。但是换句话说，如果我一直朝着兴趣方向走下去，我保持了自己的风格和审美，却可能一直处在业余的水平。不管怎么说，无论是形式还是观念上的艺术教育都是不能少的，我们需要做的就是对这些内容的取舍问题。2、观念的作品和作品的观念书中作者批判性谈到全景装置、写实主义以及色彩的装饰性。作者认为视觉形式应该遵循自然原始性，这样的作品会更具感染力，与此同时，又不能直接无意识地表达自然。但是放到现在的艺术创作环境中，我们无疑无法否认其中任何一种创作手法。拿“照相写实主义”来说，它重在表现自然的真实状态，而不是人为添加情感，它的机械感遭到众多质疑与批判，认为它失去了艺术创作的“自性”。诸如此类的矛盾有不少，它表现的其实是艺术家与作