高中音乐教案设计五篇

1、高中音乐教案设计五篇教学是一种创造性劳动。写一份优秀教案是设计者教育思想、智慧、动机、经验、个性和教学艺术性的综合体现。 #小编整理了高中音乐教案设计五篇，希望对你有协助 !高中音乐第九（合唱）交响曲学案一、教学目标【情感态度与价值观】完整而充分地聆听乐曲，感受西方交响音乐的美，拓宽国际音乐文化视野，理解多元音乐文化。【过程与方法】通过听赏作品、讲授法以及小组合作探究法，学生能够进一步提升音乐鉴赏水平，感受作品背后的人文内涵。【知识与技能】能够充分聆听并记忆音乐主题，掌握乐曲的情绪变化。二、教学重难点【重点】聆听并记忆音乐主题，结合作曲家生平理解乐曲表达的精神内涵。【难点】学唱音乐主题，掌握乐

2、曲背后的音乐史知识。三、教学准备钢琴、多媒体四、教学过程( 一) 新课导入1. 教师为同学们展示电视剧的片段，并提问同学们：“刚刚我们在片段中听到的插曲叫什么名字呢 ?”学生自由回答。 ( 欢乐颂 )2. 教师介绍欢乐颂出自贝多芬的第九 ( 合唱) 交响曲，这部交响曲被认为是贝多芬音乐创作的高峰和总结，顺势导入本课。( 二) 初步感知1. 教师初次播放乐曲欢乐颂音频，并请同学们说一说自己对作品的理解。( 师：欢乐颂是举世闻名的经典乐曲，哪位同学能说一说你对欢乐颂的理解吗 ?西方的圣诞节和唱诗班都经常演唱 ; 作者是贝多芬。( 学生根据已有的常识各抒己见即可。 )2. 教师请同学们说一说贝多芬的

3、成就及代表作品，随后师生共同总结。( 贝多芬是古典主义时期的钢琴家、作曲家，被人们称为“乐圣”。一生最重再现要的贡献在于他创作了 32 首钢琴奏鸣曲、 9 部交响乐、一部声乐套曲和一部歌剧，代表作品有第三 ( 英雄) 交响曲月光奏鸣曲以及歌剧费德里奥等等。 )3. 再次聆听歌曲，并请同学们思考乐曲选择什么音乐体裁来陈述乐思。( 交响乐)4. 教师介绍交响曲的相关知识。 (交响曲是按照奏鸣曲的曲式原则创作而成的一种管弦乐套曲，结构宏大、内容深刻而富于戏剧性、写法复杂并且音色对比鲜明。 )( 三) 探究学习1. 教师播放歌曲，并提问同学们歌曲的情绪和速度分别是怎样的 ?( 坚定、庄严地 ; 中速)

4、2. 老师再次播放欢乐颂的管弦乐演出视频，请同学们根据表现形式的不同特点划分部分。 ( 师：请同学们仔细思考一下，这首乐曲一共能够分为几个部分呢 ?两个部分，序奏和人声。 )3. 引导同学们梳理欢乐颂的音乐要素。(1) 播放核心音乐“欢乐”主题，并提问乐曲的旋律有什么特点 ?( 级进、平稳的上行和下行，无跳进 )。(2) 这段音乐表现了什么内容 ?( 传达欢乐主题 )(3) 教师提问，引导同学们边聆听音频，边观察乐谱，探寻音乐作品的情绪变化。 ( 师：作者是如何传达欢乐主题的呢 ?通过情绪变化逐步推动。)学生自主探寻音乐情绪变化的过程。 ( 过程：由抒情到坚定的情绪变化)师生共同总结音乐情绪的

5、多种推动方法。 ( 力度：由弱渐强 ; 配器：弦乐管乐打击乐转折加入人声 ; 演奏/ 演唱形式：独奏 / 领唱合奏/ 合唱)4. 教师进一步追问，作者通过第九 ( 合唱) 交响曲表达了怎样的情感?请同学们以小组讨论为单位展开思考。 ( 师：欢乐颂虽然仅仅贝多芬第九 (合唱) 交响曲的第四乐章，但是这个“欢乐主题”以前在前三个乐章中出现、又被中断过，最后在第四乐章加入人声将作品推向高潮。这样的做法表达了作者什么样的思想主旨呢 ?冲破困境，得到全人类的自由和解放、胜利和欢乐、团结和友爱。 )5. 教师与同学们分享贝多芬的生平故事，将贝多芬戏剧性的人生与第九( 合唱) 交响曲相结合，辅助学生理解作品

6、的人文内涵。 ( 这首交响曲从忧郁的小调开始，最终由明亮的大调结束全曲，这正象征了贝多芬不畏惧苦难的束缚，冲破命运的牢笼，最终走向光明的人生轨迹。)( 四) 拓展延伸请同学们观赏贝多芬的月光奏鸣曲，谈一谈自己的感受，拓宽音乐视野。(1) 学生分组讨论，各抒己见。(2) 教师引领同学们理解贝多芬的卓越历史成就。 ( 贝多芬不但在交响曲上有着突出的成就，与此同时，他的 32 首钢琴奏鸣曲是西方音乐的经典之作，被誉为西方音乐的“新约圣经”。 )( 五) 小结作业1. 师生以问答的形式共同总结本课主旨。 ( 生活中要勇于面对困难，克服瓶颈，生活终将迎来光明。 )2. 课下请同学们搜集一下莫扎特的第 4

7、0 号交响曲，并思考两位古典大师在音乐创作中形成迥异的音乐风格的社会原因是什么 ?用文字的形式带来， 200 字左右，下节课与同学们共同交流讨论。五、板书设计高中音乐西洋交响乐队及乐器教案教具：录音机、钢琴、多媒体设备教学目的：了解西洋交响乐队及乐器重点难点：西洋交响乐队规模庞大，乐器众多，不易掌握是本课的难点一、导课。1、我们时常听到交响乐队的演奏，时常听到电台广播的交响音乐，每当我们欣赏这些音乐作品的时候都会感到：从这样的交响乐队中不知道会有多少美丽的、雄壮的、激动人心的、热情横溢的音乐奔泻出来。但是，一个交响乐队到底有哪些乐器 ?这些乐器各有哪些特殊的性能和表现力？它们是在什么时候和怎样

8、结合成为这样一个庞大的整体的 ?一个交响乐队所具有的那种魔术般的力量又是怎样产生的 ?这个系列问题，并不是每一位音乐爱好者都能完全了解。2、交响乐队的萌芽实际上是在十六世纪中叶，即在文艺复兴的鼎盛时期，交响乐队中的乐器大多也是在文艺复兴时期形成的。现代的交响乐队就是从这时候开始，一直到十九世纪末叶，甚至能够说一直到二十世纪初，一共经历了三个世纪的复杂发展过程才最后定型。二、授新课1、交响乐的时代变迁与发展。在文艺复兴时期，因为资本主义在封建社会内部的萌芽和发展，因为城市的建立和发展，以及与此相适合的进步的资产阶级世界观人文主义的形成，所以对艺术创作也提出了以现实主义的方法基础。蒙特威尔第的另一

9、个功绩还在于：他对乐队有着新的理解，认为乐队就是各种不同的音色的结合，所以他开始使不同的乐器实行对置，相互对比，让各组乐器轮番演奏等，这些做法在当时都还是一种意外的新发现。总的说来，这个个时期在乐器的采用和配合方面仍持续地在变换着，有时候甚至还把一些稀奇古怪的东西、例如巨型提琴、风车和大炮等用在乐队中，以造成某种特殊的效果。十七世纪是交响乐队发展的一个很重要时期。随着主调和声风格的发展和数字低音的采用，羽管键琴因为便于奏出和弦便在乐队中占据很稳固的地位；其次，因为意大利提琴制造家，例如阿玛蒂和斯特拉蒂伐利等人在提琴的改良和最后定型方面所获得的辉煌成就，提琴族乐器在乐队中的数量便逐渐增多，并最终

10、把诗琴和其他一部分古老的乐器排挤出乐队之外。但是这时候的乐队还不能算是新型的乐队，因为它的基础仍然是羽管键琴，而且乐队中还有很多是古老的乐器。从十七世纪中叶开始，对乐队的兴趣在整个欧洲逐渐蔓延开来，乐队也从它诞生的摇篮意大利的罗马、佛罗伦萨、威尼斯和那不勒斯等城市走出国境，在巴黎、伦敦、柏林、汉堡和维也纳，都相继出现不同类型的早期乐队。到十七世纪末，不但在歌剧院和教堂有乐队演奏，还有专门供乐队演奏音乐的新场所应运而生。 1672年，第一个公开收费的弦乐队音乐会在伦敦举行， 1686年荷兰开始有定期的公开演奏会，并即遍传欧洲其他国家。十八世纪是大转折和大革命的世纪。欧洲的社会结构、哲学观点、美学

11、理想以及艺术形式都发生了变化，交响乐队的转折时期也随着到来了。在交响乐队的这个转折，应该以海顿的第一交响曲问世的1759 年为标志。十八世纪中叶，主调和声的新风格取代了多声部的复调音乐，出现了交响曲和协奏曲这个音乐新体裁，随着音乐风格本身的转换，在乐器组合方面，已经渐趋合理的所谓“古典时期乐队”也在这个时候形成了。这时候的乐队已经从长期妨碍它发展的数字低音和羽管键琴的桎梏中解放出来，但是木管乐器组和铜管乐器组在乐队中的地位还没有确立，海顿的第一交响曲所用的乐队除弦乐器组外，只有两个双簧管和两个法国号。由海顿所创始并由莫扎特最后确立的“古典乐队”，实际上是取法于曼海姆乐派的双管乐队。此后，交响乐

12、队的发展仅仅在细节上有所变换而已。十九世纪初的乐队又扩大了乐器的数量，特别是铜管乐器的数量有了比较大的变动起初把法国号增加到四个，构成一个四重奏，稍后又加用了三个长号。这样便形成了一种新型的乐队大交响乐队，也就是所谓“浪漫派乐队”。这种乐队在浪漫派作曲家威柏、舒柏特和门德尔松的创作中才最后完成。2 、交响乐队的乐器构成总的说来，在交响乐队发展的整个历史过程中，历代作曲家所采用的乐队是非常多种多样的。但是我们能够把所有这些种类繁多的乐队归纳为两种基本类型，那就是小交响乐队和大交响乐队；这两种乐队都包括有弦乐器、木管乐器、铜管乐器和打击乐器等四组。现在先谈小交响乐队。小交响乐队在十八世纪下半叶形成

13、，这种乐队在当时的作曲家看来并不觉得它是小型的乐队，直到十九世纪初，绝绝大部分的歌剧和交响乐作品都是采用这种乐队。小交响乐队使用的乐器通常包括有：弦乐器：第一小提琴六至八个，第二小提琴四至六个，中提琴二至四个，大提琴二至四个，低音提琴二至三个。木管乐器：长笛、双簧管、单簧管和大管各两个。铜管乐器：法国号和小号各两个。打击乐器：定音鼓一对。小交响乐队使用的乐器有时候往往还有所省略，例如省略单簧管和小号等。莫扎特的后期交响曲创作有时候省略小号或定音鼓，有时候省略双簧管。相反地，小交响乐队有时候也有所扩充，甚至接近大交响乐队。这种扩展的形式时常被用在当时的歌剧乐队和清唱剧乐队中，交响乐作品应用这样的

14、乐队的就少得多。从十九世纪三十年代开始直到现在，一般的交响乐、歌剧和舞剧作品，多半应用大交响乐队，大交响乐队使用的乐器通常包括有：弦乐器：第一小提琴十二至十六个，第二小提琴十至十四个，中提琴八至十二个，大提琴六至十个，低音提琴六至十个。木管乐器：长笛、双簧管、单簧管和大管各二至三个，此外往往还加用这些乐器的变形乐器，例如短笛 ( 偶尔也采用中音长笛 ) 、中音双簧管( 或英国管，偶尔也采用抒情双簧管 ) 、低音单簧管 ( 偶尔也采用小单簧管、中音或倍低音单簧管 )和低音大管等。铜管乐器：法国号四个，小号二至三个，长号三个，大号一个或两个。打击乐器：定音鼓、三角铁、小鼓、钹和大鼓等。除了上述四组

15、乐器外，往往还加用竖琴，而且多半是用两个。大交响乐队大约由六十至九十人组成，但也有一百人以上的。这种乐队有时也压缩一部分乐器的数量，特别是减少弦乐器的数量、但有时也扩大某一组乐器中的个别乐器的数量或全组乐器的数量，以及加用一般乐队少见的个别乐器，如钢琴或管风琴等。从小交响乐队和大交响乐队使用的乐器种类上能够看出，长号是决定乐队所属的类型的标志。缺少长号的乐队只能算是小交响乐队，因为一个大交响乐队必须有三个长号和一至两个大号。如果只有一个长号，也只能算是小交响乐队。三、总结我们已经把交响乐队中各级乐器都简略介绍过了，现在再讲一讲这些乐器在数量上的比例关系。上面说过，弦乐器组的乐器数量最多，单是第

16、一小提琴就有十多个，但是其他各组中的每一种乐器一般只用两三个，甚至也有只用一个的。每一种乐器所能奏出的音是不尽相同的，有的容易奏出高的音，有的容易奏出低的音，有的容易奏出快速度的活泼的旋律，有的则适合于奏出徐缓悠扬的曲调。把这些不同性能的乐器结合在一起，就得考虑到使这些乐器能够相辅相成，而不是互相妨碍。所以首先就得使这些乐器在数量上保持一定的比例。现代乐队中的乐器配置是在十八世纪中叶形成的，在这之后虽然乐队的组织日渐扩大，但是乐队中各组乐器的比例并没有多大变化。高中音乐通俗音乐教案教具：录音机、多媒体设备教学目的：了解通俗音乐的几个大的类别，以及通俗音乐的概念和特征重点难点：结合实际，让学生谈

17、谈自己对通俗音乐的看法一、导课。1、通俗音乐（ Popular Music ）把不表现重大体裁和思想内容的作品称为轻音乐，习惯上人们把通俗易懂、情调轻松的音乐，例如小斯特劳斯的那些圆舞曲等归属这个名词之下，以后，爵士乐、摇滚乐团、轻歌剧情、迪斯科等层出不穷的群众性的歌舞形式愈来愈多，而这些音乐虽然带有自娱的色彩，但有时亦有针贬时事，抨击现实的作品，原先的轻音乐的概念很难把这些都涵盖进去，有一些媒介把这些都为流行音乐，但这样就混淆了深受群众热爱的古典与这些音乐的界线。现在，理论家们一般都用通俗音乐一词概括这些音乐现象。二、授新课1、布鲁斯我们知道，布鲁斯即蓝调 , 在英文中是苦、忧郁的意思。虽然

18、爵士乐包括黑人音乐、英国歌曲、法国舞蹈音乐等等，但布鲁斯是爵士乐的主要成分布鲁斯产生的时间比爵士乐早，可能是综合了 19 世纪后半期黑人们演唱的田间号子。宗教歌曲和诉说的民谣演变而来的。布鲁斯的音乐特点，主要在于大调音阶上降第三级音和降第七级音，有时也降第五级音。这些降半音的音符有小调性的特征，而且唱到这些音时常常带有滑音。颤音，听起来哀声怨语，悲恸凄楚，感情十分丰富，所以也有人将布鲁斯译为“怨歌。当然，布鲁斯歌曲也有一些欢乐、愉悦的作品。布鲁斯的速度舒缓，节拍常为四二拍、四四拍，旋律多含切分节奏。布鲁斯的演唱风格很自由，同生活中的语言情绪结合很紧，假声、呻吟、哭泣、嘟囔都能够用来渲染烘托气氛

19、。布鲁斯这种底层社会的气质，给以后早期爵士乐带来了同劳动人民生活、同黑人民间音乐紧密相连的特色带领同学们一起欣赏“空虚”布鲁斯。同时配合讲解：2、通俗音乐在通俗音乐的源起上，有的研究者认为它作为一种文化现象主要来源于西方，“一般主要指以 19 世纪下半叶至 20 世纪，在欧美各国发展起来的一些适合城市一般市民群众兴趣和爱好的音乐” (1 ）。这种观点也许与“通俗音乐”或“流行音乐”的提法来自于西方相关。应该承认，百年来西方政治、经济和军事在世界范围内的扩展，使本身有着多种属性规定的西方文化也在世界范围内迅速扩展开来。自上世纪末本世纪初开始，伴随着西方音乐技术和理论的大量引进，各种各样的音乐思潮

20、和诸如“音程”、“谱号”、“ BLUES”、“POP”之类的音乐名词术语也都逐渐被介绍到了中国。时至今日仍然不可否认的是，从某种角度来看，现代意义上的通俗音乐仿佛的确是一个西风东渐带来的舶来品。因为直到现在，包括中国在内的世界很多国家在通俗音乐创作方面不论从艺术手法、制作技术还是运作模式上都在或多或少或快或慢地因袭着西方的一些东西。但同样必须承认的是，这些都只能说明音乐实践本身的方法问题，并不能成为对通俗音乐的内涵和外延探讨能够完全用西方社会历史文化来解释的理由。即使在西方，用来解释通俗音乐或者流行音乐的“ POP”一词的内涵也是颇为复杂的，它在不同语言和文化中的使用并不一致。法国学者亨利 斯

21、科夫 托尔格在流行音乐一书里提到，“我们混用 POP_MUSI和CMUSIQUEPO，P不加区别：在法国，前一英文用语等同于后一法文用语；但在英国，尤其是在美国，通常的称呼仅仅 ROC（K 摇滚乐）” (2 ）。事实上，作为“音乐”概念范畴内的“通俗音乐”，它首先必然具有“音乐”的属性，然后才具有“通俗”的属性，而作为一种艺术形态的“音乐”并不是只在西方民族和国家中存有；同样，作为“音乐”形态之一的“通俗音乐”，也不是在西方民族和国家中发展起来后才在别的民族和国家里出现的。实际情况是，通俗音乐不但仅在近现代才有，而是很早就已经存有，并且是在绝绝大部分民族和国家里的客观存有，只不过在不同民族和不

22、同国家的通俗音乐体现了通俗音乐在不同发展阶段的特点而已。欣赏童年回忆与思念，并请同学们在欣赏后发表自己对乐曲的感受。三、总结通俗音乐是现在流传范围最广，最易于流传的音乐形式，但是通俗音乐的层次有高有低，请同学们取其精华、去其糟粕，多欣赏其中的精品。高中音乐音乐与文学艺术教案教学目的1 、使学生了解中国古曲、古诗春江花月夜的历史背景及艺术价值，提升学生对中国音乐文化精品的审美，评价水平。2 通过古曲、古诗春江花月夜的对比欣赏，研究诗乐春江花月夜在艺术表现上的异同之处。3 通过春江花月夜诗乐欣赏，培养学生学习民族音乐的兴趣和热爱民族音乐的感情。 重点难点：诗乐春江花月夜艺术性比较一、课前预习及导课

23、。1、教师：今天我们继续中国音乐文化欣赏之旅，利用网络欣赏中国音乐文化精品的诗、乐作品春江花月夜，课前我看到很多同学按要求积极的实行了初步欣赏实践，非常好！现在能不能请同学说说古往今来人们对这两部作品有哪些较高的评价之词？（闻一多先生称之为 诗中的诗，顶峰上的顶峰 “孤篇横绝竟为大家”，中国古代十大名曲。）下面老师为同学们演奏这首乐曲其中的旋律，请问我演奏的是曲中的是那一段？（江楼钟鼓、主题）（教师演奏春江花月夜主题旋律）在中国传统文化中 , 春、江、花、月、夜这五个字代表着人生历程中的五个重要良辰美景，能够想象诗乐作品取名春江花月夜是多么富有诗意。这两部作品之所以流传百世，就在于作品表现出的

24、意境是那么的幽美深邃，那么这两部作品之间有没有联系？他们在艺术表现上有什么异同之处？对他们做一个比较如何？二、授新课1、* 初步欣赏春江花月夜夕阳箫鼓相关音响作品（全曲欣赏、片断欣赏），找出春江花月夜主题旋律。初步了解十个片断。* 春江花月夜唐诗参考资料预读，解决生字难字。* 春江花月夜乐谱对照音乐初步欣赏。* 中国民族音乐“鱼咬尾”、“换头合尾”的含义？艺术实践任务：全班同学分成 5 个小组，建议以不同角色角度完成春江花月夜艺术实践，也可另定艺术形式。上课时由课代表主持，实行 15 分钟的交流（其中部分小组表演时可合在一起）。文学家小组：小组形式完成春江花月夜唐诗朗诵或吟唱（ 3 分钟以内）

25、。音乐家小组：小组形式完成创作歌词配春江花月夜主旋律演唱或演奏（ 3 分钟以内）。书画家小组：小组形式完成创作春江花月夜或夕阳箫鼓书画作品 3 副（上课时带来）以上，上课时请一位同学即时书写“春江花月夜”五个大字（3 分钟以内）。舞蹈家小组：完成创编一段春江花月夜舞蹈（ 3 分钟以内）。历史学家小组：小组形式完成创作静态造型“春、江、花、月、夜”五组造型，可用道具（3 分钟以内）。 活动策划家小组：小组形式完成春江花月夜其他创意（ 3 分钟以内）。教师：（音乐起）同学们，对于诗乐作品春江花月夜的欣赏比较到此暂告一段落，从大家展开的热烈探讨中，可见同学们对作品从不同的角度实行了更加深入的欣赏和研

26、究，得到了令人满意的成果。下面让我们一起进入作品创意、艺术实践交流板块，请各组同学做好准备。欢迎* 同学上台主持。* 各组同学交流春江花月夜相关艺术实践、创作交流。* 老师也自己所作的的春江花月夜音乐图画与同学交流。* 最后师生全体在春江花月夜音乐声中齐声朗诵唐张若虚诗春江花月夜前十六句或齐唱主旋律。学习小结：课堂师生学习小结，课余音乐学习安排。教师：让我们再次以热烈的掌声祝贺同学们艺术实践表演的成功。同学们，今天的学习是在积极主动、互相协作、实践创新、交流的氛围中实行的，大家从两部春江花月夜作品中感受到诗含乐韵，乐融诗情的音乐文化特点。也更加理解到中国音乐特有的韵律美，浓厚的历史文化价值、及

27、中国音乐的博大精深，老师今天也受益菲浅。对于春江花月夜，对于中国音乐，值得欣赏学习研究的还有很多，希望同学们课余的音乐学习总结能够更加成功。高中音乐和声理论教案一、导课。1、和声学是专业音乐院校的必修课 , 也是古典音乐的基础和支柱 , 更是现代流行音乐决不可缺少的一门课。2、一种和声就是一种色彩，和声的实行也就是色彩的变换，耳朵通过听觉能区别和声的色彩，从中得到色彩的享受。使用和声的色彩是作曲家的重要手段，和声与旋律水乳交融，和声是强健的躯干，旋律是姣好的容颜，缺一不可。二、授新课一般认为和声是与旋律相随出现的（基本曲调的“色彩”），其最简单的表现就是两个或多个音符之间的关系。大约从西元 1

28、600 年到本世纪，和声一直遵循共同的基本原理。尽避在此期间内，作曲家对和声的处理有了戏剧性的变化。和声技巧可能源于西元 9 世纪或更早的素歌（ plainchant ，单旋律圣歌，一种中世纪教堂音乐）平行声部，此后发展成复音作曲（polyphonic writing ）一种“多层次”的音乐，其中每一层都有独立的旋律。因为以这种方式合成的音乐声音悦耳，即有“和谐性”，于是在音乐的发展过程中形成了和声的概念，且一串音符同时奏响（和弦，chords ）也还渐被用来作为标准的模式。这种模式已经纳入音乐声响基本原理的结构。每个声音或音质（ tone ）都有自己的泛音（ overtones ），不同的音

29、质与泛音的关系或近或远，这种音音与泛之间的关系是大调音阶（major scales ）和小调音阶（ minor scales ）的基础，从而亦成为主调和它们之间相互关系，即调性（ tonzlity ）的基础。所以，作曲家可依照这种调性骨架，以不同的方式把不同风格的音乐作品“组合”起来，同时保持和谐性。到巴哈和韩德尔的时代，复音（ poly-phonic ）或对位（contrapunal ）作曲法已在调性框架中完善地建立起来。最复杂的巴哈赋格曲（ fugues ）完全是用复杂的调性行进（转调， modulations ）方式编织起来的，并退回到作品的基本调上。18 世纪末，为了使那些教育水准较低的听众易于接受，并使他们在较长的演奏中保持专注力，朝着普及的方向发展，调性的变化速率减缓很多。这样就产生了奏鸣曲更为宽敞和对称的形式。像海顿和莫札持这样的古典作曲家，在其音乐作品中，表现出他们那个时代所崇尚的精炼和明显的朴实性，与华丽和装饰性的巴洛克风格