毕加索作品全赏析.doc

史上最全毕加索作品全赏析毕加索（Pablo Picasso，1881年10月25日1973年4月8日），西班牙画家、雕塑家。现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索的作品通常被分为9个时期。时期的名称尚有争议，大致是“蓝色时期”（1901年1904年）、“粉红色时期”（1904年1906年）、“立体主义时期”（1917年1924年)“晚期”（1912年1972年）。毕加索是一位真正的天才。20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始从西班牙来到当时的世界艺术之都巴黎，开始他一生辉煌艺术的发现之旅。在20世纪，没有一位艺术家能像毕加索一样，画风多变而人尽皆知。毕加索的盛名，不仅因他成名甚早和亚威农的少女们、格尔尼卡等传世杰作，更因他丰沛的创造力和多姿多彩的生活，他留下了大量多层面的艺术作品。毕加索完成的作品统计约多达六万到八万件，在绘画、素描之外，也包括雕刻、陶器、版画、舞台服装等造型表现。在毕加索1973年过世之后，世界各大美术馆不断推出有关他的各类不同性质的回顾展，有关毕加索的话题不断，而且常常带有新的论点，仿佛他还活在人间。毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。 30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。他不要规定，不要偏见，什么都不要，又什么都想要去创造。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具体到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。梦 西班牙 毕加索 布上油画 纵130横97厘米 私人藏创作梦之前，47 岁的毕加索与一位长着一头金发、体态丰满、容貌美丽的17 岁少女初次相遇，从此，这 位妙龄少女便成了毕加索的热恋情人和专职绘画、雕塑模特儿。在这一幅具有立体主义风格的作品中，画家既表现了少女肉体之美，也表现了他自己对精神和肉体完美结合的追求。毕加索64岁时给她的生日贺信中说：“在这个世界上,与你相遇才是我生命的开始”。这幅画作可以说是毕加索对灵与肉的最完美的体现。画面用线条勾勒女人体轮廓，并置于红色背景之前，肢体没有做分解，只是稍稍夸张的划分。色彩也极其单纯。梦与镜前的女人属于毕加索立体派和新古典主义相结合的产物。是形象极端自由性线条和色彩自由组合的杰作。用荣格的话说：“无意识的集合体。”梦的少女为何是六个手指，谁能解答？格尔尼卡 西班牙毕加索 布上油画 纵349.3横776.6厘米马德里国家索菲亚王妃美术馆藏格尔尼卡是西班牙北部巴斯克族人的城镇。1937年被纳粹“神鹰军团”的轰炸机炸成一片废墟，死亡了数千名 无辜的老百姓。毕加索被法西斯暴行所激怒，毅然画了这幅巨作，以表示强烈的抗议。画面以站立仰首的牛和嘶吼的马为构图中心。画家把具象的手法与立体主义的手法相结合，并借助几何线的组合，使作品获得严密的内在结构 紧密联系的形式，以激动人心的形象艺术语言，控诉了法西斯战争惨无人道的暴行。 这幅格尔尼卡里面只有牛、马、女人、灯等物体，然而它的意义已经超越了表象。毕加索把象征性的战争悲剧投入蓝色调中，那浅青、浅灰在黑色调的对照中表现正义的极点，它聚集了残暴、痛苦、绝望、恐怖的全部意义。这木然屹立的公牛、濒死嘶鸣的马、仰天狂叫的求救者、断臂倒地的士兵、抱着死婴号啕大哭的母亲、吓得发呆的见证人到底表现了什么呢？ 毕加索对于他的作品经常保持沉默，希望给予观赏者自由的体验空间，但是对于格尔尼卡这幅作品他曾解释道：“牛代表残暴，马则代表人民。不错，我在那画里用了象征主义，但并不是在其他画里都这样做。”“那幅画是存心向人民呼吁，是有意识的宣传”因为在西班牙一般人心目中，斗牛场上出现的公牛，往往代表着妖怪、恶魔等黑暗势力之文化因素下，所以毕加索会以牛来代表着无视人民疾苦的残暴政权。同时，在斗牛场上的斗牛士攻击下，公牛终难以逃脱死亡的命运之西班牙斗牛文化下，这匹马乃为象征着面对公牛咆哮不屈服的人民，他们是对抗暴政的主力军。战士虽然已经倒下，但他仍然紧紧地握着那柄剑与象征着生生不息的精神花朵，表达了人民的复仇的决心和决战到底的精神。 因为这幅巨画是毕加索为以进步和平为主题的巴黎万国博览会之西班牙馆所绘制，并且曾到英国、美国等其它国家巡回展览，引发了全世界热爱自由、拥护民主人士的共鸣，同时在画家声明要将该画捐赠给结束佛朗哥政权后的西班牙祖国之种种动作下，使得该画的意义很快就超出了单纯事件的抗议范畴，而成为政治斗争中的一种文化示威，甚至成为文化对暴力的一种对抗。 就其意义来说，这幅作品超过了这桩偶然事件，而正好是通过绘画技巧起了象征启示、重要契机的作用。这是由一个触目惊心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形体所构成的画面；这色彩是指光影和立体感，也正是由於缺乏这一点，它就象征着死亡。这死亡不仅是轰炸受难者的死亡，而且也是文明的死亡。亚威农少女 Avignon girl 油画尺寸244 234cm 1907年创作者表现手法：画家把这五个人物不同侧面的部位，都凝聚在单一的一个平面中，把不同角度的人物进行了结构上的组合。看上去，就好像他把五个人的身体先分解成了单纯的几何形体和灵活多变、层次分明的色块，然后在画布上重新进行了组合，形成了人体、空间、背景一切要表达的东西。就像把零碎的砖块构筑成一个建筑物一样。女人正面的胸脯变成了侧面的扭曲，正面的脸上会出现侧面的鼻子，甚至一张脸上的五官全都错了位置，呈现出拉长或延展的状态。画面上呈现单一的平面性，没有一点立体透视的感觉。所有的背景和和人物形象都通过色彩完成，色彩运用的夸张而怪诞，对比突出而又有节制，给人极强的视角冲击力。毕加索也借鉴和吸收了一些非洲神秘主义的艺术元素，比如画面上两个极端扭曲的脸，扭曲变形的部位，红、黑、白色彩的对比，看上去狰狞可怕，充斥着神秘的恐怖主义色彩。 创作思路：毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街”所见的妓女形象为依据。这条街以妓院林立而闻名。画上的女人形象，就是这条街上的妓女们。画家曾多次易稿。在这件作品的草图中，曾出现一个海员和一个刚进门的医学院学生。毕加索大胆地画了五个姑娘和两个男人。背景是妓院的客厅或饭厅。后来几经修改，又作了大胆的突破。毕加索曾对人说，他讨厌这个题目。因为亚威农的姑娘并非是些风姿绰约的妙龄女郎，而是一些出卖爱情的妓女，她们与画上的女人毫无干系。这幅画的题目是诗人萨尔蒙给起的。也许诗人根据这些裸女，才把她们与亚威农妓院联系起来。由于这一幅以裸体女人为主的大型油画，与那个不光彩的亚威农背景相联系，使毕加索受到了猛烈的抨击。在此画的第一幅稿子上，一如前述，还有两个男子，一个持花束，另一个从布幕后面走出来。毕加索自己说，他原想画一个骷髅，以强调死亡。如是这样，似乎又多了一层“劝人为善”的意义，以符合西班牙人对花街柳巷蔑视的传统。但后来全部改变了，以立体主义方法来表现五个裸女。在这幅画上，观者多少可感觉到画家着意于纯粹的田园风趣。五个裸体女人的色调是以蓝色背景来映衬的。蓝色使他想起戈索尔那美丽宜人的风光。但观众看到的是一群几何形变异的女人。右边坐着的一个女人像戴上假面具一般，当她转过身来，脸容十分可怕，就像从阴间爬出来的鬼魅，颜色却又像烤熟了的乳猪。最左边一个女人，正拉开赭红色的布幕，为要展示她的姊妹们的菱形身体。她那严肃的表情，侧面的轮廓，简直像埃及的壁画。中间还有一堆水果。创作背景：正当人们在期待毕加索以“蓝色时期”和“粉红色时期”为起点而迈出新的探索阶段时，1907年，他画出了这幅亚威农少女。这是一幅与以往的艺术方法彻底决裂的立体主义作品，当时不免要遭到来自社会各方面的嘲讽和指责。立体派艺术家追求碎裂，解析，重新组合，形成一个单独的图片，在许多幅画面的组合下显示他的创作目标。.艺人从多视点来描述对象，把他们的图片，为了表达对象是最完整的图像。.的每一个视点的视图对象重叠的放电引起许多垂直和平行线角，散阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视三维造成错觉。背景和画面的主题是互动穿插，让立体主义的图片来创建一个二维空间的绘画特征。深远影响第一张被认为有立体主义倾向的作品。这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚而波及到其他领域。不仅在美术上，连芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐上，都引起了共鸣。亚威农少女开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。同时这些形象使人观后产生作呕感。当诗人把这些形象与亚威农相联系时，观众似乎受了侮辱一般，责骂毕加索的鄙俗。瓶、玻璃和小提琴毕加索1912年，炭笔色粉画，564x 75厘米，斯德哥尔摩，现代艺术博物馆藏。1912年起，毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。他开始以拼贴的手法进行创作。这幅画里我们可分辨出几个基于普通现实物象的图形：一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。但是，这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。在分析立体主义的作品中，物象被缩减到其基本原素，即被分解为许多的小块面。毕加索以这些块面为构成要素，在画中组建了物象与空间的新秩序。他通过并置和连接那些笔触短促而奔放的块面，获得一种明晰剔透的画面结构，反映了某种严格而理性的作画程序。以基本原素为起点，将基本的形状及块面转化为客观物象的图形。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把一个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得一种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的材料，拼贴出不同形状的块面。这些块面，一方面显示着画以外的那个世界，另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。难怪他的画商及好友卡恩维勒会如此地评价他：“即使没有摆弄画笔的本领，他也能搞出绝佳的作品。”在这幅拼贴的画上，左边的一块报纸表示一只瓶子，那块印有木纹的纸，则代表着一把提琴。而几根用木炭笔勾画的坚挺的线条，则使这种转换得以实现，并且将那些不相干的拼贴材料，纳入一个有机的统一体中。这种拼贴的艺术语言，可谓立体派绘画的主要标志。毕加索曾说：“即使从美学角度来说人们也可以偏爱立体主义。但纸粘贴才是我们发现的真正核心。”毕加索曾在与弗朗索瓦吉洛的交谈中，阐述了他对于拼贴的看法：“使用纸粘贴的目的是在于指出，不同的物质都可以引入构图，并且在画面上成为和自然相匹敌的现实。我们试图摆脱透视法，并且找到迷魂术(trompe Lesprit)。报纸的碎片从不用来表示报纸，我们用它来刻画一只瓶子、一把琴或者一张面孔。我们从不根据素材的字面意义使用它，而是脱离它的习惯背景，以便在本源视觉形象和它那新的最后定义之间引起冲突。如果报纸碎片可以变成一只瓶子，这就促使人们思考报纸和瓶子的好处。物品被移位，进入了一个陌生的世界，一个格格不人的世界。我们就是要让人思考这种离奇性，因为我们意识到我们孤独地生活在一个很不使人放心的世界。”格特鲁德斯坦因1906年，毕加索结识了马蒂斯。他从这位野兽派泰斗那里发现了黑人雕刻，从此迷上了黑人雕刻，并吸收其艺术精华融入自己的作品中去。这年，毕加索将调色板上的胭脂洗掉，换上灰褐色的颜料，为美国女作家斯坦因画肖像。这幅斯坦因画像，是毕加索从玫瑰红时期跃入立体主义时期的跳板，即受到原始艺术的影响，也注意了几何学的基本形，画中的手是写实的，而脸却似土著面具式的形象。斯坦因是1902年来巴黎定居的美国女作家。她以实验式表现手法，曾给年轻的先锋派文学家们以巨大影响。她和现代派的艺术家们交往频繁，使其大名常常在现代美术史著作中出现。她不但与比自己小七岁的毕加索相处得很好，而且与马蒂斯、布拉克以及那些立意创造新型艺术的画家十分亲密，经常在这些画家最困难得时候慷慨解囊。她和哥哥利奥不断收藏他们那些富有争议得作品，以示在经济上支持穷画家们专心致志地从事新艺术的创造。斯坦因为这幅肖像做了八十次模特，最后还是在没有模特地情况下，毕加索独自润色此画。朋友们看了完成作后大吃一惊，都指责所画人物根本不象斯坦因。毕加索说：“这有什么关系呢？最后她总会看起来跟这幅画一模一样的。”斯坦因很感激地收下这幅画。数十年过后，评论界一致认为，这幅画与女作家的内在气质是一致的。赤脚的女孩又名赤足姑娘 本画是毕加索在14岁时的作品。画中的女孩是一个普通的邻家姑娘，她随意地坐在一堵墙壁前，乌黑的大眼睛凝视前方，衣着朴素，不太干净的围巾胡乱地搭在肩上，粗糙的大脚显示出家境的贫寒。与粗手大脚相对应的是姑娘纯净的眼神、匀称的脸庞，以及忧郁、娴静的神情。从绘画技巧上来说，毕加索让人物正面坐着，却隐藏了椅子与地面的空间关系；在对女孩衣裙的处理上，他利用光的明暗突出层次感，裙子颜色从红色到暗红色渐变起伏，使得二维画面具有了一种三维透视效果。对绘画技巧的驾轻就熟可见毕加索“学有本源，非率而命笔也”，这也正是中国画大师张大千在拜会毕加索之后的所言。当然这幅画并不纯粹以技法取胜，难得的是毕加索着力捕捉同龄模特儿的内在气质和生命，从结果来看他的努力亦非常成功。所以，表现在画中的强烈的视觉和情感对比才是这幅画引人入胜之处。毕加索本人对赤脚女孩也相当满意，一直将它保留在身边。第一次圣餐 1896年，为了参加一个大型展览会，16岁的毕加索决定画一套具有“沙龙风格”的作品，他征求父亲的意见，最后选中了三个题材：祭坛男孩、第一次圣餐、科学与慈善既有宗教的，又有科学的。4月，巴塞罗那全市美术展览会上，毕加索的第一次圣餐陈列于第一展览室，标价1500比塞塔。5月15日的巴塞罗那日报上刊登了一篇对这次展览的综合评述，其中也提到了这幅画，称其“画中人物富于感情，线条明快”。祭坛男孩女孩的头像科学与慈善 在巴塞罗那全市美术展览会上展出第一次圣餐，并获得一定好评后，毕加索做好足够的思想准备，把自己的情绪、心理调整到最佳状态，就动笔画那幅著名的科学与慈善。毕加索的父亲唐霍塞，破天荒地亲自做模特儿，于是他就成了画面左边坐在病人床旁的医生。唐霍塞一生拘谨踏实，极少照相，后人也许只能通过这位“医生”来想像他的模样了。儿子毕加索充分借鉴流行的印象派的技巧，在以赭色、棕色表现悲悯和忧郁的同时，映衬着紫红、黄绿诸色，从而一扫伤感颓靡之风，画面成熟稳重，泰然自若，虽然尚没有摆脱学院派的影子，却也对未来的风格有所预示。比如，病妇那只柔软细长的手，就好比一段安详优美的语言，在款款倾诉。科学与慈善在1897年的马德里全国美展上获得赞扬，接着又在马拉加市的全省美展上摘取了金像奖。画面体现了16岁少年对人生的思考人类需要两种关爱。自画像 自画像酒馆的“四只猫广告”酒店前的西班牙夫妇洛拉等待比赛开始的斗牛士和公牛穆斯克前的的吉普赛人情侣拥吻德拉加莱特红磨坊骑马斗牛士皮埃罗和科隆比纳有钱的人红色的裙子戴宝石项链的妓女七位芭蕾舞演员三位芭蕾舞演员沐浴 这是毕加索立体主义时期的作品，画面中人物没有被彻底解构，保留着具像的视觉效应。但是，这时的画家深受非洲木雕面具等民间艺术品的影响，特别是在获得了宝贵的形式灵感启示后，潜移默化地构成了立体主义绘画的征兆与重要因素。我们从画中沐浴的少女圆锥体的体态中，可以看到这种立体因素。画家倾向于把人体作为圆柱体、圆锥体与圆球体的结构关系组合，来表达一种丰富的思想内涵。海边的一家海边的一家人创作于毕加索携家人在滨海城市迪纳尔度假期间，画作构图安稳地将母亲、小孩、父亲的姿态串连在一起，如同文艺复兴时期的绘画一样自成一个完满的结构。父子两人全身赤裸，只有母亲穿戴红色的发饰和白色的长袍。根据这件作品的素描习作，原本毕加索以简单的线条暗示出窗帘和床铺，描绘了一个室内场景;制成油画后，则转而以水平的色块来表现海水和沙滩。此时毕加索以这种没有云朵和礁石，只用水平线暗示海水、陆地与天空的交际线的做法，来展开他的构图研究，这种背景也广泛地出现在同时期的油画和素描作品中。海滩上奔跑的妇人（两个在海滩上奔跑的女子）结伴而舞的森林之神画家和模特儿 西班牙 毕加索 布油画 纵130横162厘米 马德里国家索菲亚王妃美术馆藏此画描写了画家在画女模特儿的情景。右侧的裸女坐在地上，画家坐在椅子上聚精会神地作画。背景简略，人 物充满画面。画家完全以自我的立体派面貌来表现对象，他将人体拉长、压扁、扭曲、调位，从而获得了令人惊骇 的艺术效果。五位沐浴的女子海滩游戏和救援抢救扔石头的少女海边的情侣朱安雷宾风景“普钦内拉”场景设计在昂蒂布的夜间捕鱼垂死的牛牧神头像头像戴着草帽吃冰淇淋的男子戴草帽的男子斗牛场面（被掀起的骑马斗牛士）斗牛场面（被掀起的斗牛士）生命的欲望（田园）灯桌上的头骨、海胆和灯头骨、书籍和油灯墓地拉斯维加斯梅尼纳斯（委拉斯开兹）公牛白衣女子男人和女人蓝色的房间和洗澡的人毕加索作品赏析 1901年毕加索重返巴黎，此时的他已有足够的实力支付路费了。到巴黎后他的情绪趋于平静。随着风格的突破，创作数量巨增。在巴黎，他感觉到创作裸体画的自由，绘制了一系列的作品，以体现出在西班牙时受到压抑的性解放。这一次，他住在克里希大街的寓所里。陋室太小，生活起居和工作都在其中，而他的灵感却没因此消失。 蓝色的房间和洗澡的人就在这间屋里诞生的，和其他几幅相同色调的油画一起揭开了毕加索蓝色时期的序幕。当时，蓝色是他的最爱，不仅衣着，甚至连思考事物与观察外界都是蓝色；毕加索更认为蓝色是“颜色中的颜色”。日后艺术史家统称他这一时期绘画作品为“蓝色时期。”。招魂 又名卡沙盖马斯的葬礼。毕加索听说了卡沙盖马斯自杀的消息，好几天都一言不发，只是画，不久就画出了那幅低沉阴郁的卡沙盖马斯的葬礼。这幅很大的油画是毕加索蓝色时期的代表作之一，送殡者、尸体与云雾上的裸体女孩、飞腾的白马反映出一种复杂的心理状态，地狱的混沌和天堂的清明糅杂在一起，让人想起高更临死前画的那幅著名作品我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？。人类自身的问题，是哲学的最高问题，也是一切艺术的终极问题。盲人的早餐 一位盲人坐在桌前，眼窝深陷，毫无生气，枯瘦如柴的手摸索着桌上的水壶和面包。在巴塞罗那期间，毕加索画了一系列关于盲人的作品。盲者最能体现人类的困境 盲目的，不仅是看不到光明，而且根本就没有光明的概念。沉于黑暗的深渊，它的尽头依然是黑暗。爱情是盲目的，幸福是盲目的，只有苦难永远睁大着狞厉的眼睛。索勒一家杂技演员一家西班牙 毕加索 布上油画纵197横129厘米 克里夫兰博物馆藏这是毕加索蓝色时期的代表作之一。画面右侧一位怀抱婴儿的妇女，象征着生活的重负，母亲一脸沧桑，注视着面前的一对青年男女，她的形神憔 悴，神情专注，目光严厉，好像有责备的意味。左侧男女两人紧紧相依，比喻放纵的爱情，画家把这一对恋人处理为裸体形象，与右面那位着衣母亲形成对比。男青 年左手微微抬起，指向那位母亲，似乎对母子俩承受的巨大痛苦感到怀疑。 男子的形象在写生阶段还像画家自己， 作品完成时却已变成好友卡洛斯卡萨赫马斯的形象。卡萨赫马斯是一位立志绘画艺术的青年，却在巴黎失恋自杀身亡。毕加索一直怀念这位因失恋而自杀的好友，所以在画面上将 他描绘为爱情的象征，右边那对母子则是母性的象征。 画面上还有两幅作品，女人的姿势都是缩成一团，两幅画，由两人到一人，刻画的都是在生活的重压下疲惫不堪 的人们，从相依为命到孤苦无依的生活境遇。赤裸的身体不但完全暴露了他们苍白无力的肌体，也展示了他们人性最真实、最痛苦的一面。这也是画家 对他所处的那个时代最贴切的描绘。 巴勃罗鲁伊斯毕加索(18811973)是20 世纪最有影响的西班牙艺术家，也是法国现代派艺术的主要代表。 这位具有无穷创造力的人，不仅有着与众不同的鲜明个性，而且有着不息的探索精神。他一生中画法和风格几经变 化：19011904 年初的作品多表现饥饿的穷人形象，并主要以蓝色调加强孤独和失望、灾难与不幸的感觉，这一时 期为他创作上的“蓝色时期”；19041906 年是“玫瑰色时期”，这一时期的作品题材以描写江湖艺人为主，形象虽 然忧郁，但不孤寂；1907 年前后，他学习黑人雕刻的艺术手法，被称为“黑人时期”；1908 和布拉克创造“立体主 义”，发展为“综合立体主义”，从而使他成为欧洲画坛的瞩目人物。老盲人和男孩年老的盲人吉他手母亲和孩子古尔的买卖人悲剧（穷人们）圣母与花环手里捧着鸽子的孩子贪婪小丑 小丑一家母亲和孩子 母亲和孩子 站在球上的女孩 女孩与教练的形态构成强烈对比，在荒凉背景下映衬下，尤显流浪艺人的艰苦。远处有一条小狗和白马，在毕加索画里多次出现的细节，作为对流浪艺人生活的补充交代。远处母亲领着穿红衣孩子，母爱的主题，对比近处练功的女孩，更发拿着烟斗的男孩1905年，当时他只有24岁，刚刚在巴黎著名的蒙玛特高地青年艺术家聚集的地方安顿下来。创作了拿着烟斗的男孩，画面集中展现了一位表情有点忧郁的青春期男孩，他身穿蓝色服装，头戴花冠，手里拿着一支烟斗，画面的背景是两大束色彩艳丽的鲜花。专家评价说，这一作品色彩清新明快，笔法细腻，人物和景致都刻画得非常生动逼真，是毕加索一生中很有代表性、也很经典的作品之一。这幅画在2004年伦敦举行的苏富比拍卖会上以1.04亿美元的天价成交，创造了世界名画拍卖史的最高纪录。它被评论家誉为“具有达芬奇蒙娜丽莎似的神秘，梵高嘉舍医师的画像似的忧郁的唯美之作。”这副名画背后有一个凄美无比的爱情传奇毕加索一生中有无数杰出的作品问世，其中拿烟斗的男孩是他走过蓝色忧郁时期进入了粉红时期的代表作。随着毕加索声名鹊起，这幅画在巴黎几经转手，最后被德国的犹太富商格奥尔格先生收藏。人深思。 花篮女人（手里捧着花篮的年轻裸女） 扇子女人（手里拿着扇子的女子）这是毕加索粉红时期的作品，粉红色开始成为毕加索他的画布上主要的颜色。柔和的粉红色调开始渗透到毕加索他的画布上的单一蓝色中去。 毕加索之子 穿着小丑服的保罗（保罗扮演的丑角） 穿着百袖服的保罗（毕加索儿子保罗的小丑装扮）扮丑角的保罗创作于1925年，画中的保罗出生于1921年，是毕加索和第一任妻子奥尔加的孩子，也是毕加索绘画中常见的模特儿。画作中保罗身穿有着夸张领口的白色小丑服，头戴尖帽，手持面具。毕加索以轻快的笔调勾画出保罗的表情以及简洁利落的身形，构图单纯而富有装饰性，运用白色、黑色、红色塑造出强烈的对比。玛雅和玩具船母亲和孩子（玛丽泰蕾兹和玛雅）跳舞的情侣 小丑皮埃罗和小丑弹吉他的小丑雕塑家 雕塑家是以毕加索的情人玛丽泰瑞莎的形象为蓝本设计的。玛丽泰瑞莎的形象被描绘成画面左边的胸像，这尊胸像形体巨大、色彩鲜明，和雕塑家身后台座上的白色雕像有着截然不同的魅力。画中雕塑家正支着头注视着他的作品，彷佛正思考要如何进行下一步。这种雕塑家及其作品的主题，往往令人想起希腊神话中的毕马龙对于现实生活中的女性兴趣缺缺，反而爱上自己的作品。另外，这一时期毕加索正在实验各种变形的手法，在这件作品中，他对于变形的处理诉诸平面化与图案化。毕加索运用大量夸张的曲线勾勒出形体的轮廓，其中雕塑家和胸像的脸部造形相对较为清晰可辨，彷佛在强调两人对望的情景，而远离头部的手、脚与家具等造形则激烈地扭曲、断裂，甚至和其他形体的线条连在一起。毕加索也将许多轮廓线加以延长，而切割出不同的区域，色彩就如同填色游戏般涂绘在各区域中。此外毕加索也强调装饰的效果，他在部分线条的周围加上点状装饰，使得平涂的色块变的层次丰富。三个舞者（舞女）在215CM143CM的巨幅画面上，毕加索安排了三个舞蹈者，中间一人头部昂起，乳房高耸，双手抬举，表现出一种沉醉和追求。左者露齿狞笑，身躯倾斜；右者扬手踢腿，大部分没入阴影之中，左右两者联手，共同展示出一种即将崩溃的平衡。毕加索把眼睛、胸部、四肢等的位置全都摆乱了，看不到一点推理的因素，眼睛移向头部边缘，那是一只仰视命运的眼睛；连胸脯上都长着一只，那是窥视内心的眼睛，仿佛在倾诉，又仿佛在哭泣。在这里，没有秩序，只有构成。当评论家泰里阿德问毕加索为何要这样画时，毕加索说：“我不是模仿自然，而是面临自然。”那么面临的自然又是什么？当毕加索的妻子奥尔迦变得越来越极端，当她所得到的关心越来越少时，她怒不可遏，朝丈夫发泄。毕加索由生气而愤怒，由愤怒而狂暴，由此而诞生了舞女(三个舞者)，当然只是诱因之一。毕加索有过自我评价，说自己的画“一半是上帝，一半是魔鬼”，那么这幅作品属于哪个一半呢？作背景看，另一个诱因，来自超现实主义运动，这项文学、文化运动从1924年起有如汹涌潮水一般。超现实主义宣称：“美是痊孪病态的”战争后遗症，绘画艺术亦不例外。吻静物哭泣的女子 1937 布面油画60.850cm 英国伦敦塔特陈列馆收藏哭泣的女子这幅画刻画了一位极其悲伤的女人，悲凄的命运和感情由粗放的颜色和劲利的笔触反映出来。人物的眼睛、嘴唇、鼻子似乎杂乱无章，支离颠倒，具有常人难以理喻的特点。这幅人物画是毕加索不朽巨作之一，女人脸部扭曲和断裂的方式是立体派手法的一个发展。哭泣的女人是毕加索于现代派艺术中最具先验性效应和性格特征的杰出肖像作品，是立体派理念的一个发展，他在艺术里果断地把丑化为美，同时又在现实中义无反顾地使美向丑沉沦。哭泣的女人，也是毕加索后期畸形女人作品中最动人的一幅。有人说，他把自己给了魔鬼，把画笔给了上帝，而对于这一幅作品，他把痛苦给了女人，这个女人，就是朵拉玛尔。毕加索仅以一些散乱而紧凑的线条、剧烈变化着的粗犷的颜色和挺直有力的笔触轻而易举地表现出来。女人的面部因无法控制的情绪而痉挛，悲愤的大眼和前额颠倒支离，眼睫毛是齿轮般的，眉毛是倒悬的锯齿般的，特别是那引人注目的嘴唇和牙齿之间凄凉的蓝白色域上，由于悲伤而破碎；她面色忽黄忽紫，浸透着墨绿的苦涩；她长着钢丝般的头发，头顶的帽子红得让人心焦；她用手