中外电影史2011-20122-.ppt

中外电影史,冯岭,第五章 英国电影史 英国电影的百年发展,一直是在与好莱坞电影的纠结难分中度过的。甚至在很多时候,英国电影的国族身份都很成问题。这也许是英国电影常常表现出对身份认同问题执着乃至焦虑的“身份情结”的一个重要原因。因为英美操持同一语言的特点,也因为历史上他们那种近乎兄弟的关系,更因为在演员、导演、资金和制片上,英国电影与美国电影彼此之间交流流通的畅通无阻(它们之间没有语言上、文化上的天然屏障)。,英国的很多电影用的是来自美国的资金,很多演员、导演在好莱坞和英国之间来回移动拍片。英国电影除了遭受美国电影的巨大冲击之外,英国民族构成的复杂(如北爱尔兰民族情绪的高涨)更使得一个统一的英国电影的称谓变得有点可疑起来。当然,这些越来越复杂的情况,并不妨碍在世界电影史中有自己独特位置的一部英国电影史或一种英国电影文化的存在。,第一节 发展历程 一、布赖顿学派 1900年前后由威廉逊和斯密士这两个出生在布赖顿的原海滨照相师,则将卢米埃尔的纪实与梅里爱的虚构相融,在英国形成布赖顿学派。,詹姆斯威廉逊,斯密士的 X-Rays,特别是早期的布赖顿学派所取得的成就更为瞩目。其得名因为两位人物出生在布莱顿，威廉孙和G.A.斯密士。其探索性的成果包括：利用叠印手法，在科西嘉兄弟将剧中人物分成两人；简单蒙太奇手法表现船赛，1900年应用于中国教会被袭记片长5分钟，分为4个场景，出现了追逐和救援的场面，由此产生追逐片；,莫特肖1903年邮车被劫记为美国鲍特火车大劫案效仿；1900年祖母的放大镜和望远镜中所见的景象，特写和远景交错使用，确立分镜头原则；阿尔弗莱德柯林斯1903年汽车中的结婚，开始了“摇拍”，“移动摄影”和“反景”（改变视点），同时把大特写和省略法结合起来。,非常可惜的是，英国的这些电影先驱没有接着进一步在广度上和深度上挖掘，也没有发展出在这样的结构模式基础上的制作体系，尤其是没能建立一个有效的商业运作系统，把围绕制片、发行和放映的垂直一体化的利益结合起来，因此也就无法享受垄断所形成的丰厚利润，链条因果式的反应就是：一方面无法像同时期的北欧、意大利和法国电影那样形成某种明确突出的民族电影的风格和特征。,另一方面也无法比拟日益崛起的美国电影，1908年美国成立电影专利公司，建立了国内整合统一的市场；格里菲斯1908-1913年为比沃格拉夫公司生产了400多部影片，范围涉及从西部片到家庭剧多种类型；英国电影在早期商业建制和经济效益方面无法提供切实可行的保障，而相应成规模的类型片也没能有计划有系统地推出。逐渐地，英国电影整体上落后于欧洲各国以及冉冉升起的美国电影。,二、纪录电影运动 英国的纪录电影运动是以J格里尔逊为核心的。格里尔逊作为电影导演,只拍出一部飘网渔船(1929)。这部影片明显表现出格里尔逊受苏联蒙太奇手法的影响。他快速地剪辑鱼船的各个部位,微微仰拍的影像效果使得片中的一般工人显得形象高大。但格里尔逊却独自举起了英国纪录电影运动的大旗,组建了一个永久性的电影团体并在他身边团结起一大批自由派纪录电影工作者。如巴锡尔瑞特保罗洛撒巴西尔瑞特与哈莱瓦特等。他们拍制了纪录影片夜邮锡兰之歌等。,格里尔逊,以格里尔逊为领袖的英国纪录电影运动,创立了一种纪录电影的创作样态。这些作品关注现实生活中的普通人,以公共利益为目的,参与到各种服务性事业中去,发挥了纪录电影记录现实、服务公众的效用。,在30年代的纪录电影中,我们或许能更加接近生活的“真实”。这是因为,主流商业电影在制作特殊再现形式时所遇到的商业压力,在纪录片制作中并不存在。然而,在纪录片运动中,我们却可能确定“主流”和“非主流”两种传统,而且由于这两种传统都涉及对工人阶级的再现,它们也就提供了对于工人阶级生活、经验和斗争的不同阐释。将这两种不同的纪录片传统制作的电影进行比较,就能突显建制、经济和政治因素对于不同再现形式产生影响的方式,而它亦使商业电影之外的制作成为可能。,三、自由电影运动和新电影 英国的“自由电影运动”是英国纪录电影传统与现实主义传统的重叠。它又被称为“厨房水槽电影”,这是因为这些电影的题材往往取自卑微琐碎的日常生活。但从某种角度看(如发生的年代,其艺术革新意味,其“愤怒青年”特征等)却相当于英国的法国“新浪潮”。其主要导演有林赛安德森、卡莱尔雷兹、瓦尔特拉萨利等。,林赛安德森,20世纪50年代中期,在英国的戏剧与小说中,因为以具有叛逆性的普通劳动阶级为主要表现对象,从而形成了一个“愤怒的青年”的浪潮。这一文学浪潮也波及到电影。先是林赛等人组织的一系列纪录电影的拍摄和播映,继而他们成立了一个非正式的团体组织,后来人们习惯称之为“自由电影委员会”。,其纲领是“强调电影制作者的自由”;电影工作者应当成为当代社会的评论家”,“公正地探索当代英国社会”。这一运动继而发展到剧情片创作领域。此类电影也被称作新电影。代表性作品有托尼里查森的愤怒的回顾蜜的滋味一个长跑运动员的孤独、卡莱尔雷兹的星期六晚上与星期天早上等。与其他“愤怒的青年”影片相似,一个长跑运动员的孤独运用了若干可能借鉴自法国新浪潮的技巧,如以快动作镜头表现主人公犯罪时的狂躁不安心绪,以摇晃不定的手持摄影机拍摄他在户外慢跑并进而表现他此时的精神状态。,四、青年电影 一批被称为“撒切尔时代电影”如富足丑闻等,一批对英国殖民历史进行反思的文化反思电影,如甘地印度之行,以及试图重整英国民族精神的火的战车希望与光荣我的左脚等,一向长于从文学改编电影(其电影因而被称为“文学电影”)的著名导演詹姆斯艾弗里的四重奏看得见风景的房间莫里斯霍华德庄园等,均是80年代英国电影业复苏以后的重要作品,代表了英国电影发展的一个高峰。,看得见风景的房间,此间英国电影的导演队伍组成也更为复杂化、年轻化,如导演杀戮之地使命(也译传道)的罗兰乔菲、导演蒙娜丽莎精神亢奋哭泣的游戏的乔丹、导演画师的合同厨师、窃贼、他的妻子和她的情人的格林纳威、导演四个婚礼与一个葬礼的麦克纽威尔等,都是一批出生于战后40年代的影坛新秀。这批电影导演也就是被称作“青年电影”的导演群体。他们的创作使得英国电影的风格、题材和主题意向等更为多元复杂而摇曳多姿。,四个婚礼与一个葬礼,五、民族电影的复苏 1电影产业状况徘徊在低谷 1982年影片烈火战车的编剧考林威尔兰德（ColinWelland）在领取奥斯卡最佳原创剧本奖时极富激情地宣告，“英国电影到来了”。第二年，理查德阿顿伯罗（Richard Attenborough）导演的甘地传 （ Gandhi）获得奥斯卡最佳影片奖，英国电影产业有了复苏的迹象。,烈火战车,但是，当英国媒体把获得奥斯卡奖作为民族电影成功的范例进行报道，并宣称是另一次“文艺复兴”时，许多电影人却表现出深深的忧虑。就像英国电影委员会主席著名导演艾伦帕克（Alan Parker）在2000年5月所指出的，“关于英国电影产业，我们有时很难搞明白是正被浪潮推动还是被浪潮所淹没”。作为一位电影从业者，艾伦帕克代表了导演们真正的感受。英国国产电影一直在低谷中徘徊，每次感到复苏的希望时，却被新的萧条所打击。,2电影产业结构在碎片中被整合 虽然有着与美国电影一样悠久的历史，但是英国缺乏统一、完善的类型电影工业体制。在上世纪四五十年代间，英国还有两大影片制作公司，即兰克（R a n k F i l mDistributors）和ABPC。这两个相当于好莱坞中等规模制片厂的制作公司，在自己的两个制片厂帕尼伍德和爱拉斯垂（Elstree）制作影片，并在自己的院线发行。当观众从1950年代突然减少时，两大公司崩溃了，公司从电影制作转向别的领域。1980年代，兰克电影发行公司这一英国电影业历史最悠久的支持者倒闭了。,随着兰克的垮台，英国的主要电影发行商基本上来自美国。哥伦比亚三星、二十世纪福克斯、华纳兄弟、迪斯尼等控制着英国的电影发行，并且与很多独立电影公司及多厅影院保持着密切的联系。 1990年代以来，英国电影的海外发行收入也都被美国电影发行商掠走了。因此，当兰克这家曾经是英国电影龙头企业的公司，在2000年初转让给多家好莱坞公司合作的UIP公司时，英国电影的一个时代就这样结束了。,当这种拥有完整电影工业链条的大制片厂消失时，一种新模式的公司开始兴起，像宝丽金电影娱乐公司（PolyGram Filmed Entertainment），它不仅获得了许多影片制作公司（像沃克恩泰特）的资助，而且是1997年英国电影最大的投资者。宝丽金在1980年代后期进入电影界，1990年代早期在音乐与录像业获得了成功。当宝丽金电影娱乐公司与美国和欧洲的电影院线系统建立联系后，它开始进入英国电影的制作业。,宝丽金主要通过资金投入分成和发行影片获利，如同屋三分惊（Shallow Grave）、猜火车、四个婚礼一个葬礼、憨豆先生和诺丁山等。宝丽金成功的一个关键因素是它的国际发行网的建立，以及采用好莱坞的方式来营销（特别突出的例子是猜火车）。但是，1998年，宝丽金遭遇了一连串的挫折，从拷贝供应不足到阻止其母公司菲力普把股份卖给西格玛公司（环球影片公司的拥有者）以至双方失和。于是，宝丽金最初的雄心勃勃企图成为与好莱坞竞争的“欧洲老大”的梦想，在与环球合并后完全破灭。,诺丁山,3.电影频道与电视制作公司为主推动民族电影产业 英国影片的生产通常是由独立制片公司来完成的，具代表性的是，由政府支持的代理处和由电视制作部门提供资金和制作支持的公司。例如，第四频道以及BBC（英国广播公司）和ITV（独立电视台公司），特别是第四频道。早在1982年，第四频道就覆盖了全英国的所有地区。第四频道采取了德国和意大利电视的运作方式，通过提供资金促使影片在其电视播映之前在影院得到发行。同时，当英国电影的资金投入不足时，第四频道成为英国电影工业的生命线。,1980年代以后，英国叫好又叫座的影片，许多就是第四频道投资制作的。例如，我美丽的洗衣房（MyBeautiful Laundrette）、紫沙瓶子 （ Letter to Brezhnev）、同伴（Comrades）、卡拉瓦乔（Caravaggio）、淹死老公（Drowning by Numbers）、远方的声音仍在回响（DistantVoicesStillLives） 、 甜蜜的人生 （ Lifeissweet）、底层生活 （ Riff-Raff） 、 哭泣游戏 （ Crying Game） 、 海滩（Bhaji on the Beach）、四个婚礼一个葬礼、猜火车、秘密与谎言 （Secrets and Lies）、伊丽莎白、向东，向东（East Is East）等。,第四频道因为其制片政策的特殊性，被认为是促进民族电影的重要力量，从而也激励了英国其他电视制作公司，包括很有国际影响的BBC广播公司。BBC邀请一些重要的电影导演拍摄电视电影，已经有很长的历史，尽管这些电影只是在电视上播映。但是，1990年代，BBC开始有意识地加大在电视电影方面的投资，并且发行了一系列的影片。如心有多大，舞台就有多大（Turly，Madly，Deeply）、爱德华二世（Edward）、迷人的四月（Enchanted April）、布朗夫人（Mrs.Brown）、奇境（Wanderland）、捕鼠者（Ratcatcher）、爱情、荣誉和顺从（Love,Honour and Obey）、跳出我天地、最后一计（Last Resort）等，这些影片在银幕和屏幕上前后放映，使得民族电影更接近普通国民。,4.在合作中坚持独创性依然是英国民族电影振兴的基础 英国“民族电影”的范例往往被认为是那些表现英国民族生活、民族性格的影片。如充满民族情绪的血腥星期天（Bloody Sunday）、霍华德庄园（Howards End）、英国病人、理智与情感、伊丽莎白等。有影响的影片主要还是以“民族”的想象和“英国人”的生活现实与情感特色来征服观众的。不仅如此，这种认识还得到了社会上不同人群（阶级的、性别的、同时代人的、种族特点的）的认可，这种关于民族的想象与共识构成了一种独特文化的基础。,另一方面，英国社会多样性和多层性又清晰地反映在影片中，形成了英国电影的多姿多彩。既有坚持1930年代纪实主义传统关注当前政治现实的导演迈克李、肯洛奇的作品，又有表现青年文化充满实验色彩的我美丽的洗衣房、猜火车这样的影片。当部分影片不再呈现一个封闭的民族身份的想象，而是按照电影自身变化的特点，更多地表现英国范围内多样而复杂的，具有民族的、地区的、伦理的、社会的和性别特征等多种意义的生活与情感时，民族电影获得了新生。,相对于法国、德国、意大利能通过如戛纳、柏林、威尼斯等国际电影节来建立一种有别于好莱坞的艺术标准（体现在选片和评奖中），同时，提供资金和发行的机会来支持民族电影，尤其是本国的电影拍摄，英国的“学院奖”却更像奥斯卡奖的一个后缀，没有自己的独特性，更不能代替政府出面为本国的电影提供稳定的支持，这也许会是英国电影界值得思考的一个现实问题。但是，英国政府也在积极通过各种手段支持民族电影事业。,像2003年6月在中国北京、上海、广州、重庆等四城市举办的首届英国电影节为中国观众认识英国影片提供了一个窗口；在2006年的上海国际电影节上安排了19部影片的英国电影专题展。在好莱坞的压力下，英国电影只有寻求更多的资金，制定较为长远的扶植政策，在不断的创作和交流中表达其对民族特性的再度想象，使文化生命力继续存在，并在整个英联邦国家内部，以至于整个欧洲的地域发挥着曾经有过的影响力，并且通过电影这种媒介建立自信，获得民族发展的希望。,第二节 英国电影文化特性 一、文学改编传统和文学性 英国是文学大国,或者更直接地说是小说大国。莎士比亚、狄更斯、托马斯哈代、E福斯特等文学大师星光灿烂。丰蕴的文学宝藏为英国电影提供了源源不绝的源泉,也影响了英国电影的风貌。,从文学名著改编,这奠定了英国电影具有深厚内涵的特点,也延续了一种基本可以称之为现实主义的传统。只要我们不纠结于这一术语的原始含义,英国电影的现实主义特色非常明显。比之于美国电影的娱乐性、画面感和奇观化,英国电影对现实的关注,其人文色彩和教化特色尤为明显。而比之于欧洲艺术电影或作者电影传统,英国电影又少了那种超现实风格、宗教的神秘气息和经院哲学的玄思色彩。也许可以说,正是这种现实主义精神使得英国电影成为美国电影与欧洲电影之外的“第三种存在”。,二、绅士与嬉皮的两极 英国是一个价值观比较保守、君主制有着很大影响的国家。因而英国文化的一个重要特征或传统是保守主义,这也表现在作为一种“意识形态的生产”的电影中。 大卫里恩的相见恨晚呈现了英国中产阶级的典型精神特点,即“自我克制”、绅士风度等。影片描述了一对各自婚姻都陷于单调乏味境地并因而坠入婚外恋情网的中年男女的故事。两人经常会面,但是克制着不逾越规矩。大卫里恩对这种传统保守主义精神是微温嘲讽而非剑拔弩张,呈现出一种内敛含蓄的浪漫温情风格。,火的战车希望与光荣我的左脚等影片通过对英国历史的重述和对现实生活的观照,以其深沉、严峻的现实主义风格,充实、乐观的精神风貌,呈现了英国的民族精神和清教徒传统。也许是压抑过深,反弹也越不常规,越会扭曲变形。英国电影在保守甚至不免迂腐的电影风格之外,却几乎并行不悖地存在着一种近乎嬉皮的风格形态,这种嬉皮,简直可让观众瞠目结舌。就像我们知道英国有文化标志性的燕尾服、文明棍和绅士风度,但也有赫赫有名的摇滚乐、披头士乐队等等。,20世纪80、90年代,猜火车浅坟洛克,斯多克和两杆大烟枪光猪六壮士等进一步集中呈现出这种新风格,一种“酷英国”(CoolBritannia)或“怪异英国”。猜火车具有强烈的反传统、反文化的边缘文化性。影片充满了后现代文化的一些重要表达策略如滑稽模仿、拼贴与挪用、反讽与叙述游戏、颠覆和解构、开放不定的结尾、自相矛盾的叙述、“摇滚化”的影像或声音风格、假定性的突出和有意暴露、超现实的影像,等等。,三、文化反思、身份认同和政治意识形态 英国学者勒兹库克认为,“电影是阶级、社会、种族、地域和身份的再现”。英国的社会文化政治有自己的特点:它是一个多民族国家,在悠久的封建君主制中发生的不彻底的资产阶级革命使得封建等级社会传统与近代自由民主国家体制长期并置,曾经辉煌的殖民地宗主国历史以及这种“日不落”帝国地位的日渐衰弱的现状也常不和谐,这些现实和历史因素,使得作为意识形态之独特表象的英国电影一向关注种族问题、自我身份定位、第一世界/第三世界文化对比等,跨文化、跨国家、跨种族、跨社会阶级阶层政治团体乃至跨性别等题材的影像化思考与表述。,这种题材选择与主题意向尤其在80年代以来更趋明显,这也表现为英国电影文化传统的不断丰富和开放,正如论者所言,“80年代的英国电影极大地忽略过去观众的传统,而偏向寻求另类的身份关系、多元文化,以及多重性别的市场定位”。文化对比与文化反思一直是英国电影的一个重要文化意向。大卫里恩的一批跨国电影堪称代表。,另一种文化反思意向则是从英国文化和民族内部进行的。一批具有后现代文化意向和青年、边缘文化特性的电影如墙猜火车等,均不乏深刻尖锐的文化反思意向。猜火车一开场,就是男主人公瑞特在街上狂奔,伴随着风格狂放的运动拍摄和快速剪辑而形成的几乎令人眼花缭乱的视听冲击力,一个画外独白愤愤地否定了各种循规蹈矩、按部就班的生活方式,宣称自己“选择不要生活”。这种对社会生活方式的反思和叛逆还常常上升到文化和民族。英国,虽然是最早进行资产阶级民主革命和现代工业革命的老牌帝国主义国家,但到20世纪已渐趋衰落。,客观而言,早期英国电影,民族问题的表现并不明显,表现的主要还是英国南部以英格兰民族为主体的民族性(忽略了全英国范围内的其他民族如苏格兰、威尔士和爱尔兰),也难免具有一种大一统的民族优越感。随着民族危机的逐渐加剧,素有现实主义传统的英国电影开始关注多民族问题并加以表现(尽管在潜意识中还是有着英格兰民族优越性的主导意识形态)。,英国影评家约翰希尔曾论述过这一趋向并对此趋向表达了由衷的赞许:“有人哀叹英国民族电影的消失,不再表达和反映统一的民族身份或者文化,但是关于这些表现应该换一个角度和方式更好地看待,那就是越来越多的英国电影准备展现英国全境的更为丰富、更为复杂的民族的、区域的、种族的、社会的和生理性别的身份和特点。”有的电影如乔丹的迈克尔柯林斯是正面展现了爱尔兰独立运动,塑造了一个机智、勇敢、大义凛然的爱尔兰民族英雄形象。,作为意识形态之表象的电影,我们还是不难发现,导演们虽然在民族意识、价值取向上更为平等、自由、开放,但在潜意识深处还是表达出一种大一统的英国国家意识形态,他们虽然同情爱尔兰独立运动,但其实颇为隔膜,而且无一例外地极力谴责共和军的恐怖行径,表明了骨子里正统的官方意识形态立场。,四、英国电影的身份界定 一部英国电影包含哪些要素？ 在英国，英国电影的标准是具体的。早在1927年颁布的电影动议案就规定了影院上映英国影片的数量，同时也制定了英国影片的明确标准：一部由英国人或英国公司制作的影片，才可以被界定为英国影片。具体来说，该公司必须在英国境内组建，同时负责人中大部分是英国人。所有摄影棚的场景都要在帝国内拍摄，一部影片制作中的劳务费用，除了版权、一名外国演员或制片人的费用之外，不得低于总数的75%要付给参与制作的英国人（或在英国定居的人）。剧本必须是英国人写作完成。,这个标准也在随着时代的发展不停地变化，主要是设定的劳务费比例在不断降低。1985年制定的电影法是一个经济标准，从制片公司注册地来区分影片的国别，也是因为此，闪电手戈登（Flash Gordon）、超人、全金属外壳（Full Metal Jacket）、星球大战等影片竟然被划分为“英国电影”，而第二春（Shirley Vanessa）、高斯福德庄园、迷雾家园、时时刻刻这类影片被视为“好莱坞影片”。,高斯福德庄园,但是，我们说的“英国电影”应该是从内容和艺术风格角度来区分的，即在一系列的阶级、社会性别、种族、区域性的民族身份概念的再现中呈现出“英国特质”的影片：影片所描述的生活、反映的情感、表达的方式、呈现的节奏，甚至人物的举止言语方式自然而然呈现出“英国风格”。,电影的“民族特质”这么一个重要的概念，同时又是一个矛盾丛生的概念。从创作上看，1980年代看得见风景的房间（A Room With a View），1990年代的理智与情感、四个婚礼一个葬礼、一脱到底、情迷朱古力（Chocolat）、憨豆先生（Bean），新世纪的哈利波特、时时刻刻、钢琴师、维拉德雷克（VeraDrake） 、 女王等片不仅以商业上的成功再度引起了对英国电影的关注，更主要的是以独特的情感方式和影像风格重建民族文化的自信。,一方面，在近年来的英国电影中，我们还可以看到英国绅士式的自信和从容，彬彬有礼的传统生活方式，独特的民族历史经验以及蕴含于这种生活经验中的价值观无可奈何走向崩溃的过程，传达出一种优伤的韵致。另一方面，处在后现代文化中心的英国影片如猜火车（Trainspotting）、两杆大烟枪（Lock,Stock and TwoSmoking Barrels）、跳出我天地（Billy Elliot）、偷拐抢骗（Snatch）、阳光小美女（Little Miss Sunshine）、惊变28天（28 Days Later）等却反映了一个充满动荡不安、疏离另类的现代都市经验，与美国电影、法国电影中的某些独立制作有着惊人的相似性。,一方面是英国病人（TheEnglish Patient）、青楼姐妹（Magdalene Sisters）、风吹麦浪、维拉德雷克这样反映民族内容、由民族电影业制作发行的“民族影片”，另一方面，是多方资金注入，反映民族内容和情感，由本国的演员制作人完成的“合拍片”93号航班（Flight 93）、时时刻刻、女王等。在资本与人员迅速流动的当下，英国电影已不全是英国题材或英国本土资金，常常包括他民族的经验、他国的资金及人员参与，尤其是英联邦国家的题材和文化为英国电影增添了许多内容，包括加拿大、澳洲、新加坡，甚至还有非洲颇具代表性的获得奥斯卡奖的影片何处是我家（Nowhere In Africa）等。,现在，在英国的电影制作已不再和英国民族电影画等号了，它也不再意味着是英国文化并只被英国人所消费。英国民族电影更多的是一种理想，一个文化符号。,第三节 电影大师大卫里恩 1942年，他导演了处女作相见恨晚，紧接着他又将狄更斯的孤星血泪和雾都孤儿搬上银幕。大卫里恩善于用文学作品般的严谨结构和曲折情节来打动观众，用温婉却又涌动的戏剧手法来描写伟大的人道主义，他宣扬战斗、宣扬解放、宣扬爱情、宣扬和解。他以其在文学艺术和视觉艺术的双高被称之为“影像化的狄更斯”。,相见恨晚,孤星血泪,雾都孤儿,桂河大桥,阿拉伯的劳伦斯,日瓦戈医生,瑞安的女儿,印度之行,1957年，大卫里恩拍摄了著名的“跨洋电影”桂河大桥，从这部电影开始，他使用65和70毫米宽银幕胶片，之后他的每一部影片采用的都是宽银幕。宽银幕善于表现大场面、大气势的技术特点使得大卫里恩如虎添翼，里恩的创作也从35毫米胶片时期进入到了宽银幕巨片时代。桂河大桥的成功为大卫里恩带来了他电影生涯中的第一个“小金人”。,这之后，大卫里恩又相继导演了四部重要的影片：阿拉伯的劳伦斯、日瓦戈医生、瑞安的女儿、印度之行。这些电影几乎都是战争史诗巨片,带有强烈的史诗背景和史诗风格。,一、在史诗中实现自己的电影梦想，在大时代(史)与独立个人(诗)之间寻找人生的真谛，在理想与现实之间探寻生命的意义这就是大卫里恩的选择。,二、奢侈的导演风格如果说史诗电影是一场由时间、金钱、明星和高科技聚集成的豪门盛宴，那么大卫里恩的作品就是其中最奢侈、最不惜代价的一笔。为了实现心中的一个想法，大卫里恩从来不考虑会花费掉多少时间、多少精力、多少金钱。也许比起梦想成真来，一切都显得那样的微不足道。,三、自由而孤独的灵魂：阿拉伯的劳伦斯关于劳伦斯，导演大卫里恩有这样一段阐释：“劳伦斯是一个极其复杂、超群出众的英雄人物。他为一般社会所不容，但身在茫茫沙漠里却大显身手。影片前半部分描写非凡的劳伦斯如何登上英雄宝座，而后半部分则描写他从神的高度一落千丈的悲惨结局。在阿拉伯人的心目中，他近乎于一个预言家”,大卫里恩擅长改编名著，如狄更斯的孤星血泪，曾获最佳黑白摄影和最佳黑白艺术指导两项奥斯卡金像奖。他导演的雾都孤儿也获得了英国电影学院奖的最佳电影奖。大卫里恩影响最大的改编作品是改编自苏联作家帕斯捷尔纳克的诺贝尔文学奖同名小说日瓦戈医生，这部史诗般的巨片描写了博学多才的医生日瓦戈和热情奔放的护士拉娜之间的爱情故事，曲折的剧情，壮丽的北国风光和动荡的革命背景使观众荡气回肠。,第四节 早期英国电影与希区柯克的先锋实践 有人通过甄别考察指出，世界范围内，其电影在艺术和商业两方面都取得了巨大成就的有三个人，卓别林、希区柯克和詹姆斯威尔。有意思的是，他们全都来自英国，而后又都被收归于美国好莱坞的麾下。前者开拓的流浪汉形象和喜剧电影风靡全球；希区柯克以“悬念大师”著称于世；后者因为科幻片弗兰肯斯坦的科学怪人系列引发了连续性的轰动效应。,年,希区柯克得到梦寐以求的机遇,第一次独立执导了影片欢乐园。虽然这部影片公映后受到好评,但他自己却并不满意,他更加勤奋地拍片,连续导演了山鹰、房客、追、恐吓等影片,他开始在英国影坛声名鹊起。,年,希区柯克执导了英国第一部有声影片讹诈。在这部影片中,希区柯克的独特风格已初见端倪,这就是:故事曲折、情节离奇、气氛神秘、悬念迭出、结尾出人意外。英国和欧洲的观众认可了希区柯克的风格,他三十年代拍摄的几乎每一部影片谋杀案、骗局、奇怪的富翁、第十七号、 维也纳的华尔兹、三十九级台阶、 间谍末日、 失踪的女人、牙买加旅店,都获得了可观的票房。观众的如醉似痴增强了希区柯克的自信,他总结说:“最吸引一般观众的主题就是谋杀,他们从谋杀的镜头获得一种身临其境的恐怖感,同时会产生一种庆幸的感觉最好这种事情没有发生在我身上。”,希区柯克在美国导演的第一部影片,是根据英国女作家达芙妮莫丽叶小说丽贝卡改编的蝴蝶梦,希区柯克从此在好莱坞站住了脚,在将近年时间里,拍摄了多部影片。其中影响较大的有:深闺疑云、爱德华大夫、美人计、电话谋杀案、后窗、西北偏北、眩晕、精神变态者、群鸟等。,群鸟,后窗,美人计,深闺疑云,蝴蝶梦,年满岁后还执导了黄玉石、丧心病狂、家庭阴谋等影片。在这几部影片中,他坚持自己的理念,用画面进行思维,避免用台词说出主题。 年元旦,英国女皇伊丽莎白二世晋封希区柯克为爵士,祖国在他的暮年向他表示了敬意。个月后,他带着未能完成最后一部影片短夜的遗憾告别了人世。,有一点需要特别指出，希区柯克的创作定位是针对中产阶级和富裕家庭平淡无奇的生活，而设计出来的一幕幕有惊无险的情感体验，并且在无数引人入胜的离奇情节的设置安排的过程中，人与人之间复杂而微妙的情感得以彰显，特别是靓男美女的爱情，总是纠葛其中，并且占据重要的位置。,他在充分地吸引观众的参与后，引发他们强烈的感情和身份认同，并且在希氏风格化的常规框架内不断引进和吸收来自各方面的先锋试验的视听成果，从而有效地提升影片的艺术品格。我们可以经常看到，他在游刃有余的商业类型的运行和操作过程中，积极嵌入各种前卫新鲜的手法。,这样，他的作品在完备的希氏风格的类型化特征内，始终保证着与观众既熟悉又新颖的有效交流，同时也吸引着评论者们对于希区柯克作者化影像的多角度欣赏分析的可能性。他之所以能够在全世界范围内维持着艺术上叫好商业上叫座的双重冠誉，正是基于类型突出和先锋探索相交织的实践。,。希区柯克从房客开始，就刻意追求摄影技巧和视觉效果。他的另外一个突出特征就是设置悬念。 他制造悬念不是仅仅通过追逐的连续镜头。相反，他尽量有意识地让时间慢下来，强调取景合角度的选择，由此因为摄影机镜头的注视而变得颇有寓意。当摄影机告诉观众一鳞半爪的信息时，片中人物并不知道，这就是“希氏悬念”。,在希氏的影片中，角色往往是日常生活中的平凡人，突然陷入危机之中，必须靠自己的力量去解脱困境，事件发生的背景也和角色一样平凡，就在日常生活的周围环境之中，从而引起观众的认同，让观众共同参与揭开真象的过程的同时对人物产生认同，对角色面临困境产生矛盾反应时，悬念就产生了。,正如欧洲评论界的说法，他是唯一擅长拍摄人物思想活动的电影家，他可以不借助对白而让我们感知一个或多个人物的思想活动。这一点使人们有理由把他看成是一个现实主义的电影家。他每一部影片为了获得纯粹视觉性的戏剧效果，在很大程度上都是基于画面与对白对位这样一个原则上，这样可同时表现出第一情境（明显的）和第二情境（隐秘的）。,一方面，希区柯克的作品以其简练明了而最为各阶层观众所接受；另一方面，他又最精于拍摄各种人之间最微妙的关系。他的电影跨越了通俗类型与高层次寓意电影之间的界限，而且有关他长盛不衰的名声是由他作品的普遍性、多样性和歧义性为条件的。他的经典地位是对历时的社会、政治和文化变化的适应性。,第五节 英国导演艾伦帕克 他的第一部故事片龙蛇小霸王一反以往黑帮片陈旧的叙事模式，大胆地动用一大群未成年的小孩为主角，演绎黑帮故事，因而轰动了当年的戛纳电影节，并且在英国一举打破历史票房最高收入纪录。接着，1978年他在好莱坞拍摄了午夜快车，不仅荣获两项奥斯卡金像奖，而且为好莱坞制片公司获得了4个亿的票房。,龙蛇小霸王,午夜快车,迷墙,鸟人,密西比在燃烧,贝隆夫人,天使的孩子,命悬一线,1980年，他的荣誉准确、真实地再现了美国艺术院校学生的生活，见证了他们在追求艺术道路上的心路历程，令无数艺术院校的学生激动不已。1982年他的迷墙一经推出便震惊了世界，成为后现代派电影的扛鼎之作。他于1984年拍摄的鸟人从另一个角度诠释“越战”对人们心灵造成的伤害，用一个看似荒诞的故事来控诉战争对人的理想的扼杀，该片也因此而获得戛纳电影节评委会特别奖。,进入90年代后期，他仍然继续着自己的艺术创作，1996年的贝隆夫人，1999年的天使的孩子都在商业性和艺术性上取得了较好的成就。就在2003年他又推出了自己的新片命悬一线:，在美国已经取得了不俗的票房成绩。,他之所以能取得如此大的成就，是因为他在电影中，对政治、对社会、对人性都作了深刻而独立的思考，他的电影中始终洋溢着一种精神，那就是反叛。他在反叛自我的过程中，也反叛着传统；他在反叛传统的同时，还努力重新建构一种新的体制，一种新的精神。首先，艾伦帕克一直在不断地反叛自我。,在他连续不断的电影创作中，他几乎触及了所有的样式和题材的作品。他既能拍出像荣誉这样充满青春的呓语和反叛的少年成长影片，也能拍出令所有前卫艺术家嫉妒不已的后现代扛鼎之作迷墙；既能涉足于像鸟人这样充满荒诞色彩的优秀反战影片，也能驾御天使的孩子这样蕴含悲悯情怀和人文关怀的传记题材；,而贝隆夫人是全世界的电影观众为之瞩目的歌舞片，燃烧的密西西比则在政治纪实片中反映了三k党的血腥和暴力；此外，射月是一部伦理片，午夜快车是一部惊险片，而天使之心则是一部恐怖侦探片。,“其次，艾伦帕克还在不断地反叛传统。在艾伦帕克十几部不同风格、不同样式、不同题材的作品中，都洋溢着一种强烈的反叛精神。在看他的电影时，我们会感到导演在表面的镜头形象背后隐藏着一股浓重的愤怒，一种摄人心肺的力量支撑着整部电影的进程。,电影精神的反叛 在看艾伦帕克的影片的时候，我们能感受到他电影的内涵透露出对政治、对社会现实的反叛，以及对保守的旧制度和传统思想的猛烈抨击。,如果说艾伦帕克电影中的反叛是对现有社会制度、道德体系的一种解构，那么同时他也在试图重新建构一种新的精神，追求一种理想的生活。艾伦帕克的电影提倡一种人性的张扬，歌颂自由的生活。自由是艾伦帕克作品永恒的主题，这在他的很多电影中都有体现。,电影语言的反叛 在艾伦帕克的电影中，我们能够感受到他对传统电影语言的解构，在他的电影里一切的表现手段都成为可能。时空的混乱，叙事的突兀，剪辑的无序，音乐、画面的大胆创新运用，这一切都是为了在表面的叙事层面下突出其意象的表达。他电影中的影像只是一个个符号，它们并不单单代表事物本身的含义，而是超越了事物，间接地揭示出世间的真理。,艾伦帕克对电影语言的反叛分为以下几个方面：艾伦帕克在电影中打破常规的叙事逻辑，时空转换上显示出随意性，剪辑上显示出无序性，情节发展上显示出突兀性，因而在电影中达到非凡的表达效果。早在1980年艾伦帕克的早期作品荣誉中，他就显示出卓越的叙事技巧。影片荣誉是一部“群像式电影”；如何有效、生动地表现各个人物不同的形态、心理是这类电影的关键问题。艾伦帕克利用高超的电影叙事技巧，巧妙地把不同的人物缝合在一个规定的情境里，显示出他对于电影语言把握的非凡的能力。,在他的电影中，我们既能听到深情款款的爵士乐，也可以感受到狂暴激荡的摇滚乐，同时还可以享受催人泪下的流行音乐。艾伦帕克电影的成功很大一部分是他的歌舞片的成功。在他的第一部影片龙蛇小霸王中，我们可以看到衣冠楚楚的小孩正襟危坐，唱着一首首含情脉脉的歌曲，在艾伦帕克这一个个带有后现代意味的叙述中，我们能够感受到他对于传统电影音乐的颠覆。,第五章 德国电影史 德国电影有着辉煌的历史。1895年11月1日，斯克拉达诺夫斯基(Skladanowsky)兄弟用自己发明的放映机在柏林冬宫首次放映了自己制作的活动画面，它甚至比卢米埃尔兄弟同年12月28日在巴黎卡普辛大街14号大咖啡馆地下室的那次著名放映还早了近两个月。,20世纪初的“室内剧”、“表现主义电影”、30年代莱妮里芬斯塔尔的纪录片创作和六七十年代的“新德国电影”都是世界电影史不可或缺的重要组成部分。在电影理论领域，德国 也贡献了阿恩海姆和克拉考尔这样大师级的电影理论家。,第一节 德国表现主义与室内剧电影 1910年，表现主义运动开始于慕尼黑，它是一种反对印象主义以及自然主义的流派，表现在音乐、文学、建筑等各方面，特别在绘画方面。绘画上夸张的变形、扭曲的失真、奇幻的色彩、怪异的线条，散发着20世纪初狂乱、骚动、不安的意味。,表现主义作为美学史上一个重要的历史时期，对19世纪末20世纪初的各个艺术领域都产生了广泛而深远的影响。表现主义艺术家用文学、绘画、戏剧及电影等诸多艺术形式淋漓尽致地表现当时的时代潮流，可以说在当时的历史环境下，表现主义艺术是先锋艺术。电影艺术是19世纪末20世纪初新兴的艺术门类，在发展初期即与表现主义思潮碰撞，被表现主义赋予了新的美学内涵。,表现主义(Expressionism)原为艺术史与批评的专用语，意指不再把自然视为艺术的首要目地，以线条、形体和色彩来表现情绪与感觉作为艺术的唯一目地。表现主义电影则发源于1920年的德国，此种电影中的演员、物体与布景设计都用来传达情绪与心理状态，不重视原来的物象意义。,电影的出现在一定程度上使得绘画走向了抽象主义的道路。因为在真实世界的复原上传统艺术形式特别是绘画已经无法与电影和摄影相抗衡。所以转向了用风格化的形式表现对象的内部世界。而电影作为新兴技术形式(当时普遍不认可电影是真正的艺术)也迫切得需要得到艺术界的认可。于是在复杂的情况下德国的表现主义电影的出现也成了理所应当的了。,追求怪诞、扭曲、奇异成为各门艺术的共同走向。卡里加里博士的小屋（Das Kabinett des Dr.Caligari，1919）被称为德国电影表现主义诞生的重要标志，当时人们甚至以“卡里加里主义”作为表现主义的代名词。,导演罗伯特维内（Robert Wiene，18801938）为后人留下了这部世界电影史上被谈论的最多的影片，它的表现主义风格和它所塑造的疯狂和幻想、残忍和固执的结合体卡里加里博士这一形象，对西方恐怖片这一类型片的形成和发展具有深远的意义 ：,片中舍扎尔棺材中的僵尸形象为后世恐怖片创造了基本原型 ：卡里加里的形象成了后来许多影片中科学怪人和专制暴君的前驱。卡里加里博士剧中塑造了作为疯狂和幻想、残忍和固执的结合体卡里加里博士。,卡里加里博士利用催眠术，驱使青年人去杀人。影片中充斥着表现主义的美术特征：夸张失真、扭曲变形的形体和奇特的色彩搭配，其表现主义风格及其塑造的人物形象，对于西方恐怖片的形成和发展有深远影响。,保罗威格纳的泥人哥连(1920年)，描写了一个由社会政治所造就的专制暴君的残酷性，并借此转喻为威玛共和国初期德国的命运。弗立茨朗格的三生记(1921年，又译疲倦的死)，在命运之神囚禁着千万条生命的高垒坚壁的城堡中，一次爱情与死亡的冲突，终于征服了命运之神。,表现主义电影导演们无不倾向于在影片中制造出一种迷幻、扭曲和阴冷的世界。对于这样一个世界心怀恐惧是全人类的共性，在这样一个世界中逃亡出去寻找精神的安慰之地也是全人类的愿望。和表现主义的其他文艺类型一样，表现主义电影建立在本民族的心态基础之上，但他们蔓延的情绪显然不仅仅是在代表某一个具体的民族发言。,霍华德劳逊在分析表现主义电影时曾指出，“这些影片所反映的社会环境一般都是混乱的。有的影片表现狂人征服社会;有的表现生性残暴的人强行进行极权统治;有的表现男男女女听任超自然的摆布;有的把犯罪和堕落表现为人类社会必然具有的属性。大部分影片对资本主义社会进行了含蓄的批评。但有些批评只是低声表示不满，有些则冷嘲热讽地接受现状。更多的影片是表现痛苦、失望和无可奈何的愤怒，偶尔也流露出一线希望。”,德国表现主义电影艺术特征 （一）、题材的“奇”与“幻” 从卡利加里博士的小屋到大都会，被认为是表现主义影片的大约为24部，均在1920年至1927年之间上映。在这些杰出的影片中，我们不仅看到了德国的艺术、哲学等上层建筑，还能从电影这面镜子更深入地体会历史的真相。在那些表现主义风格的元素外衣下，是对于性、暴力、死亡、幻灭、扭曲的人性等社会黑暗空间的探索。因此，表现主义电影风格对后来产生于20世纪三四十年代的黑色电影影响深远。表现主义电影的选题本身就充满了“奇”与“幻”的色彩。,这些题材一部分是直接来源于神话传说，比如泥人哥连和疲倦的死神。诺斯费拉杜的故事更是来自于人们所熟知的吸血鬼的传说。莎吉弗里、客轮希尔的复仇、尼伯龙根的指环等都是德国民族史诗的重新演绎。还有一部分题材来源于大众流行读物，特别是那些调子灰暗的，具有恐怖氛围的故事。,（二）、表现主义的影像风格 1.光与阴影的美学 在打光方面，侧逆光较主光源更为强烈，形成深色的阴影。特别是在特写镜头中投射在五官上的侧逆光，形成大片眼影和颧骨阴影，造成人物恐怖的外观（比如卡中康拉德维德的造型）。表现主义电影的背景始终是幽暗的，总体上打光是处于一种很低的角度，或者相反，使用很高的角度。高角度和低角度一样，使灯光和演员之间的夹角不会很大。,阴影有时直接作为演员参与表演，比如吸血鬼的双手的巨大阴影、悚影中手执利剑的阴影和大都会中男女主人公巨大的前景阴影等等。阴影充满了画面的每个角落，在神话题材片里，在外景地的拍摄中也故意将大片阴影收进画框中。,2.构图、剪辑与场面调度 在画面构图上，线条和色块承袭了表现主义绘画的一些特色。线条是粗壮的线条，不规则的斜线。大量场景中出现的倾斜的楼梯和路灯等等都是如此。倾斜而不是水平是表现主义电影另外一大特色。这种做法打破了平衡关系，使人进入一种疯狂的主观臆想的世界中。,特写镜头的使用是表现主义影片中最多的基本镜头语言。导演们喜欢把人物扭曲的面部清晰地呈现在观众面前。,表现主义电影的剪辑更多的是好莱坞式的流畅剪辑。但如同法国印象派电影一样，加入了很多表现心里的主观臆想的剪辑。比如奥莱克之手中主人公的特写连接一个幻想的凶手的镜头等。由于整个表现主义电影题材中幻想的情节很多，这种主观镜头的出现就不足为奇了。在大都会中，最后竟然出现了女主角直接连接到一个象征死亡的骷髅死神的镜头的类比手法，说明蒙太奇的运用在这些才华卓著的导演手中已经达到炉火纯青的程度。,3.绚丽多彩的特技 为心理叙事进行服务的工具不仅仅是剪辑，特技的使用更是一把利器。 在人物的幻想中，通常出现多个同样的形象，比如大都会中的类似于苍蝇复眼的形象，来自典型的多次曝光的效果。多次曝光在电影中经常用来表现在同一时空中出现的多个虚幻的事物，这一事物在现实中不可能同时出现。除了多次曝光，叠印、停机再拍等成熟的技术已经融入其中。,模型是完成各种怪兽角色唯一的选择。尼伯龙根的指环取材于德国传统神话，讲述英雄的铁匠战胜恶龙获得财富的故事。这个故事也成为一个经久不衰的母题，特别是主人公沐浴龙血的镜头，使一代代观众为之胆寒。乌发公司为了完成勇者斗恶龙的镜头，居然制作了一只巨大的电动模型，足有6米长的头与颈部能张开2米幅度的大嘴。最令当时观众惊愕的是龙的血盆大口中居然能喷发出火焰。这个特技场面的完成标志着科技将取代笨拙的人工模型。两名技师在龙的头部像开汽车一样驾驭它那巨大的身躯。,4.形式化的表演 表现主义时期的表演风格主要还处在从戏剧舞台到摄影棚的过渡时期。由于是无声表演，演员多半采用较为夸张的表情，以配合剧情的进展为主。茂瑙在好莱坞拍摄的日出获得了多项第一届奥斯卡的奖项，包括了最佳女配角奖。这部影片中的表演可以看做表现主义时期表演风格的代表。,在该剧中，优雅的女性和放荡的淫妇通过精彩的表演使人一目了然。如同表现主义影片中其他善良的女主角一样，恬静和含蓄是她们基本的形态。她们的心理变化主要靠含情脉脉的大眼睛来表现。而男主角的个性化表演则是表现主义的典型风格。由于题材的关系，鬼怪和精神失常者成为其中的基本表现人物。这一类角色必然成为了程式化的产物。僵硬的肢体、邪恶的眼神和夸张的动作是必不可少的符号。,弗里德里威廉茂瑙（Friedrich WilhelmMurnau，18881931）作为德国电影表现主义的重要代表人物，以诺斯费拉图（Nosferatu -Symphonie des Grauens）等影片为后人开辟了新异