[音乐大观]京剧演唱对声乐教学的启迪.doc

京剧演唱对声乐教学的启迪孙骈 宿迁高等师范学校 江苏宿迁 223800摘 要：京剧是我国最具影响力的剧种之一。在声乐教学中，可以借鉴、吸收中国京剧演唱艺术的技巧与理论，从而提升声乐教学的水平，推动声乐教学的发展。关键词：声乐，教学，京剧，演唱京剧艺术，海纳百川，兼收并蓄了众多戏曲艺术的优秀成果，是中国戏曲艺术的瑰宝。然而学习声乐专业的很多学生，却认为京剧演唱不如美声唱法时髦，与民族声乐演唱没联系，不能用于声乐演唱中，这种错误的理解也是声乐教学者在教学过程中的一个遗漏。一、声乐艺术发展概况 民族声乐演唱是中华民族独有的演唱形式，从历史发展演变过程来看，我国的民族歌唱主要有四个方面的渊源：“一、纪元前的诗经、楚辞，纪元后的汉乐府、唐诗、宋词、元曲等各个时代民族歌唱的主要形式；二、宋代出现的元杂剧、散曲、鼓词等说唱音乐；三、多年来产生于我国民间的各民族众多的民歌、号子、山歌、民间歌手等；四、五四以来欧洲声乐艺术开始传入中国后出现的学堂乐歌、艺术歌曲、儿童舞剧、群众歌曲、新歌剧等。”1 刘桂珍.论中国民族声乐学派兼论美声唱法的中国化问题J.兰州大学学报,2005,(1).在20世纪30、40年代，延安涌现出一批优秀的民族唱法歌唱家；到50、60年代，高等音乐院校的建立和发展，成就了一大批优秀的歌唱家；到了70、80年代，“民族声乐”专业在音乐院校中设立；90年代至今，民族唱法成为声乐教育的主流，民族声乐的演唱技术也正在不断地发展和提高。而美声唱法是上个世纪初传入我国的，它最早起源于欧洲的“阉人歌手”的一套唱法，经过改良整理后发扬光大，并逐渐传到世界各地。自改革开放以来，中国的美声唱法已逐渐走向成熟，进入了全面繁荣的阶段。但是从美声唱法的起源上来看，实际上也就是当地的民族唱法。二、京剧表演艺术与声乐表演艺术的联系国剧京剧艺术是中国优秀的传统艺术，是我国最具有代表性的戏曲剧种之一。它是集音乐、舞蹈、文学、美术及表演等多门艺术为一体，表达一定思想感情的一门综合性艺术。京剧的表演，虚实结合、精致细腻、“以形传神、形神兼备”，京剧的唱腔悠扬委婉，声情并茂。而从民族声乐艺术的形成上来看，它继承了京剧等我国传统演唱方式的艺术精华与特点，借鉴西方美声声乐艺术而发展，所以，民族声乐无法脱离京剧等传统艺术而存在。而从美声唱法在我国的发展来看，从歌剧江姐开始，我国的声乐艺术家们就对美声与民族这两种唱法的相互借鉴做出了很多努力，到现在，美声唱法已立足于中国，学习其他各种艺术的优点，加以消化、吸收，形成了中国特色的美声唱法。因此，声乐教学应该是在借鉴的基础上继承，在继承的基础上再发展，以培养出更加出色的声乐艺术传承者、教育者和表演者。三、声乐教学对京剧演唱的借鉴1声乐教学在分析理解作品方面应注重向京剧艺术靠拢“分析音乐是理解作品思想感情的关键”2 余笃刚.声乐语言艺术M.湖南文艺出版社,2000,(18).通过对音乐的分析，从而取得对歌曲更深刻的理解。这里所说的对音乐的分析，是一种全方位的分析。主要包括：（1）对背景材料的分析。京剧中的每一个剧目，每一折戏乃至每一个唱段都有其深远的作品背景，京剧演员在表演前，必然要将整出戏的来龙去脉了解清楚：这个作品讲述的是怎么样的一个故事？是什么情况下发生了这个故事？故事发生在哪朝哪代？故事中都有些什么角色？每一位人物都是什么样的性格京剧演员如果对此不进行分析理解，可以说就无法进行表演。而在声乐教学中，由于种种原因，对学生的要求可能只限于知道词曲作者，或是演唱时有没有记住歌词这样肤浅的方面，上课时学生只是盲目的歌唱，而对音乐作品的创作意图等方面却一无所知，这样就无法进入到作品中去，更好的演绎作品。（2）对作品内容的分析。京剧作品的内容，事实上是包含两个层面的，一为念白，二是唱词。无论念白还是唱词，都是在长期的艺术实践中，由于某类情感的表达需要而形成的内容经典而直白，容易理解。在声乐教学中，某些声乐专业的老师只是追求学生声音、力度、音高等技能的处理，而忽视歌词内容的的表达。特别是一些美声的乐曲，老师只是注意了歌词的意大利发音是否正确，内容则只看书本上已有的翻译，殊不知翻译得再好与原文之间的对照也不能按照单个词进行的，甚至于有的老师自己就不懂意大利文，靠看翻译来进行歌曲的二度创作，只能是“隔靴搔痒”。记得在上世纪90年代中期，南京师范大学音乐系曾要求学唱美声方法的学生必须要选修意大利文，这是一项很好的举措，依靠外语专业的教师把握单词的发音及翻译，一般来说，要比专业声乐教师进行把握要好得多。2. 声乐教学在歌唱技巧掌握方面应注重向京剧艺术靠拢声乐演唱与京剧声腔同属声乐范畴。在演唱的声音要求上，二者都讲究呼吸、共鸣、发声等方面的科学方法，都讲究“气沉丹田”、“字正腔圆”和“以情带声，声情并茂”，同时二者又都以“咬字归韵，吐字收声”、“以字带声，以声圆字，字领声行，以字行腔，以腔圆字，字领行腔”为发声和润腔的前提，并以此作为正确处理字与声的结合、声与腔的结合、准确把握各类风格的重要手段。京剧中的严格规范性决定了作为“四功”之首的唱功必须要与“念、做、打”密切配合，以人物为主线，京剧声腔的演唱要服从人物、服从剧情，注重情节的贯穿和人物思想的准确表达。（1） 京剧演唱中的气息运用讲究用“丹田气”，并且已经形成了一套自己完善的气息训练方法。而在声乐教学中，不管是民族唱法还是美声唱法，现在也引入了西方“横膈膜”的说法。从“丹田气”到“横膈膜”，虽然说法是一中一外，但“万变不离其宗”，“横膈膜”其实是对“丹田气”更加具体的说法，这就表明，声乐教学中的气息运用其实也是借鉴京剧演唱气息运用的。（2） 音乐作品的情感表现，主要是通过速度快慢和声音强弱的反复对比来实现的。京剧演唱非常讲究抑扬顿挫，也很注重速度和力度的把握。京剧演唱的速度变化有四：速度变化频繁、节奏变化频繁、“快而不赶、慢而不瘟”、“有腔则慢、无腔则快”。而力度问题除了变换要自然，一般情况下不能有太特别的明显变化之外，也有三大原则：第一是欲扬先抑，要强先弱，以弱烘托出强来，第二是激昂时响，抑郁时轻，第三是高音拖大腔时要响些，而低音小腔时则宜弱些。而在声乐演唱中，要求速度与力度要取得一定的对比，提高声乐演唱的感染力，从而表现作品。相比来看，在速度与力度的处理上，京剧演唱与声乐演唱之间也有共通之处，加以借鉴、吸收，也是顺利成章的。3声乐教学在二度创作方面应注重向京剧艺术靠拢首先是作品的意境。如果音乐是有生命的，那么每首作品的词曲都只是这个生命的承载体，歌唱者更重要的任务就是要给这个生命以灵魂，用自己的演唱去表达作品的情感，这是艺术处理的一个关键环节。声乐教育家萨莫伊洛夫说：“只有从歌唱者心灵中流露出来的东西，才能流进听众的心灵。”3 石惟正.声乐学基础M.北京:人民音乐出版社,2000:67.简介：孙骈，1978年9月，江苏泗洪人。江苏教育学院宿迁分院、宿迁高等师范学校音乐教师，讲师，主要从事声乐理论和实践的研究。 作为歌曲处理与演唱的灵魂因素，情感的表达是非常重要的。在二度创作时要置身于歌曲创作的意境之中，充分调动自己的想象，真实的感受作品，在这个作品中自己是什么角色，旁观者、叙述者、少女、老年人、青年、真实的人还是虚构的人等等。从这个方面来说，京剧演唱却要比声乐演唱更进了一步。京剧首先就有扮相，未有声先入情，使京剧的表演在先天上有了一定优势。而声乐演唱和表演，除了是表演整部歌剧，对于表演者的服装、化妆等没有需要贴近原型的要求，这就造成了在进行二度创作时与原型本身产生了一定距离。在声乐教学中，我们声乐教师也要注意到这一点，要求学生经常性的想象原型，在特定的情况下，也可以要求学生上课时按照歌曲的内容进行装扮，从而能够更深刻的体会作品。搞创作的人会经常性进行田野调查、采风等等，而作为一名声乐表演者，也应该经常让自己处于作品的氛围之中，把握好表演情感的尺度，从而更好地进行二度创作。其次是作品的表达。作为一种艺术形式，表演是京剧的精髓。在京剧中，很多角色的台词、唱腔虽然很少，但却丝毫不影响在剧中的地位，同样可以在观众心目中留下深刻印象，这就是掌握了高超的艺术表现技术。所以演唱者必须研究“声”与“情”的关系，这样才能较为准确地表现作品的思想感情，完成艺术的再创作。京剧的传承，自四大徽班进京至今，已有二百多年的历史，它吸收、发展了多种古老艺术的精华，积累了很多实践经验，作品其中的对比与冲突，对丰富声乐艺术中的表现方法起到很大的作用。上世纪5060年代，在我国京剧“样板戏”的创作实践过程中，京剧与民族声乐之间曾有过密切联系，一些著名的唱段对后来声乐艺术的发展起到了举足轻重的作用。而在任何音乐的创作，包括歌曲的创作中，讲究作品内部的矛盾与冲突，产生一定的戏剧性，进而使作品的印象更为深刻。绝大多数学习声乐的学生，在表演时一般多会去注意声音的技术处理，但疏于表达，所以在声乐教学中，可以学习京剧表