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漫话动画片动画影片是我小时候的最爱。记得很小的时候看过一部“孙悟空大闹天宫”的动画片，看了之后兴奋的不能自已，挥起墩布杆儿一通狂耍，家里的易碎物品多未能幸免，就连妈妈最喜欢的青花瓷小糖罐也被打的只剩下一个小盖儿了。那时侯就连做梦也时常喊着“老孙来也！”后来动画片就几乎成了我人生必不可少的一部分了，有些一直都难以忘怀；草原小姐妹，渔童，三个和尚，雪孩子，黑猫警长，金刚葫芦娃米老鼠和唐老鸦，忍者神龟，狮子王，直到后来的 长发公主，穿靴子的猫，冰河时代和蜡笔小新等等。有时在整理我的那些光碟时，我总在想；为什么我越来越喜欢看外国的动画片，而对中国的动画片却渐渐地缺乏热情了呢？可能是由以下几个方面造成的；国外的动画片从形式上看具有较强的视觉冲击力，色彩讲究，造型生动，故事情节有趣味有波折，主人公多数都是比较有个性的，影片的主题思想也比较鲜明，篇幅越短意思越明确，充分体现了寓教于乐的指导思想。另外，在镜头的调动上也颇为用心，视角变化大，敢于用夸张的手法来进行构图，音乐和动效也比较讲究，具有强烈的感染力。而国产动画片的画面就显得有些粗糙，摄影的视觉角度变化比较呆板，有一种拍摄舞台剧照的感觉。同时，导演总怕说不清事，过多的无效重复显得比较罗嗦，不能很好地使用视觉语言来推动故事情节，主人公缺乏个性，作品的主题思想不是通过人物的行为来体现，而是靠口号喊出来。这样就容易显得比较缺乏趣味性。相对真人拍摄影片，动画片应该更具有广阔的创作空间，如果只是把真人画成图画去拍摄，实在是丢掉了动画片最宝贵的自由随意的创作手法，真的是很可惜。再有，动画片的剧本属于儿童文学创作。作者是不是能够真正考虑到儿童的特点来进行创作，这才是影片能否取得成功的关键。当然，要想写出好的儿童文学作品，作家除了要有较高的文学素养之外，最宝贵的是要有一颗童心！中华文化源远流长，适合于儿童的文学作品浩如繁星，相信我们的电影工作者一定能够拍出令人喜爱，值得珍藏的动画片！完 2012年3月16日幼儿绘画中的想象力和创造力一位美国科学家说:“为啥中国孩子画的太阳都是火红火红的,而美国孩子画的太阳却是什么颜色都有”。因此有人曾说:“中国孩子缺乏想象力和创造力。” 我曾不止一次地看过这样一篇文章说，美国某小学有一个班正在上美术课，老师拿了一些苹果，启发学生从视觉、味觉、嗅觉、触觉等方面让学生去感知，然后再画苹果，结果学生的作业色彩斑斓，什么颜色的苹果都有。而教师看过后还一味肯定地说：“good、good!”另一幅画面是中国某校一个班也在画苹果，教师讲过后，还不停的在班上转，不停地指点学生：苹果的颜色只有黄、绿、红(因为日常的苹果没有别的颜色)。学生就算有其他想法，这样的教师也会把他超然地想象扼杀于萌芽。 确实如今幼儿教学处在从以往陈旧的幼教模式向以幼儿发展为主、以幼儿活动为主的转化过程中，想象力和创造力对幼儿来说非常重要，但如何培养幼儿的想象力和创造力，我认为绘画起着举足轻重的作用。培养幼儿绘画的主动性是合理开发幼儿想象力和创造力的有效途径，但如何培养幼儿的主动性呢?日本研究幼儿美术活动的专家长坂光彦认为:幼儿美术活动的目的不在于教会幼儿画成一张画或制成一件工艺品，不是为了培养未来的画家，而是把它当成开发智力，培养创造意识，创造才能和高尚情操的一种手段。我认为幼儿绘画主动性的开发，在教育教学中应注意以下几点: 一、让幼儿涂自己喜欢的颜色，鼓励幼儿在绘画中自我创造，合理开发幼儿的想象力。在一次的美术课上，我让幼儿画我要到月球上，在涂色时，我发现许多幼儿都把月球涂成蓝色，而有一位幼儿却把月球涂成黄色，当我轻轻提示他：“月球的颜色是什么？”他却振振有词地说:“月球上太冷了，我要让它变成另一种颜色，让它和地球上一样温暖，那样我们到地球上时，就不怕冷了。”我尊重他的观点，因为他把自己的情感融汇到绘画中去了。 二、让幼儿画自己想画的。在一次绘画活动中，我发现班上有一位幼儿画了一艘大轮船，下边没有海水，轮船上站着一个人，手里拿着遥控器，上面还有几架飞机吊着它走，我弄不懂他画的是什么。问他时，他却说：“这是空中作战活动，我站在轮船上指挥作战，我要消灭一切外国侵略者，使祖国变得更加强盛。”“那你这幅画的名字叫什么？”我又问，“太空飞将”，他脱口而出。通过这次活动，我真正感觉到，只要幼儿对自己作品满意，教师就应加以肯定，从而培养幼儿再造想象和创造能力。 三、积极开发幼儿，自身潜力。在绘画活动中，幼儿形象思维活跃，他们创造性表现自己对世界的认识情感和幻想。正如苏霍林斯所说：“儿童的创造这是他们精神生活独特的范畴，是鲜明揭示每个孩子个人特征的一种自我显示和自我肯定。”这就需要幼儿教师积极丰富幼儿绘画内容，引导他们积累、贮存，促使其开发自身潜力。通过上述方法的实施，再通过自己行之有效的操作，我想：美国人不会再说中国孩子不富有想象力和创造力。 论文出处(作者):admin成为当代设计领域的热点，但对于视觉语言的元素化问题还鲜有重视。文章试图研究视觉语言、元素符号与平面图形的关系，探讨视觉元素结构、特性及其文化意义，提出视觉语言研究的新遐想和思路。 关 键 词：视觉语言 符号元素 通感转译 “视觉语言”作为一种重要的平面设计语言，是设计师传达信息的重要手段。在创作图形的过程中，设计师扮演着翻译的角色，将多样化的产品信息和感官体验迅速而准确地转译为各种视觉元素，并在由视觉语言引导的通感体验中把信息完整地传播给受众。 一、符号元素 1.符号元素与符号学 随着科学与技术的快速发展，平面设计作品在日常生活中触目可及。而语言作为信息的载体，在平面设计过程中逐渐由单一的文字表达被转换成具有一定代表性意义的符号元素。符号正是利用一定的媒体来代表或者指示某一事物的东西。意大利著名符号学家艾柯提出：将符号定义为任何这样一种东西，它根据既定的社会习惯，可被看作代表其他东西的某种东西一个记号x代表并不在的y，成语“雁泥鸿爪”生动准确地表述了符号的概念，鸿雁在泥沼与雪地上留下的爪印，使人们得知曾有鸿雁经过这里的事实，并且可由此推断出鸿雁的大小多寡等信息。爪印，是记号x，而鸿雁是并不在的y。符号学，正是研究符号规律的科学，它涉及交际的全部，任何表意的东西都在符号学研究范围之内。因其看似简单却深刻的影响作用逐渐被引申到平面设计领域。也正是由于它的存在，使平面图形设计中的视觉语言传达得更加科学准确，表现手法更加丰富多彩。 2.平面设计与符号学的运用 在平面设计中，符号学的运用，深刻地影响着设计作品的表形性思维的表诉。图形本身就是平面设计中的一种符号形象，是视觉语言传达给受众过程中直接准确的传达媒介，在沟通人类思维与文化、信息方面起到了不可忽视的作用。视觉符号元素以其独特的创造性、想象力，是提高视觉注意力的重要素材。 平面设计是以传达信息为主要目的的，而人是通过符号来思维的，符号是思维的主体，这是一个由设计者开始，进而延续到受众心理活动的思维过程，而这种延续正是依赖于作为思维主体的符号。视觉语言通过符号表现并传达信息，为了把信息准确并有效地传达给受众，设计师设计需要的视觉语言，并将其转译成符号元素运用到设计作品中，以传达自我的设计理念和艺术主张。从另一方面，受众也正是通过观看设计者的作品，把对在设计作品中出现的符号元素的理解与自身积累的经验加以印证，最终了解设计者所希望表达的思想感情并达到与设计者产生情感共鸣的效果。 二、从视觉语言到符号元素 1.视觉语言 平面设计中的图形在不断的创造中表达着自己的语言，被称为“视觉语言”，这是从信息传达的功能角度对图形的描述。视觉语言的表达，从人类诞生起就始终与人类的思维密不可分。美国符号学家萨姆瓦(larry a. samovar)等人在其著作跨文化传播中提出：“由于语言是一种代表客观实在的非精确的符号系统，因而词语的含义受各种各样不同解释的影响和制约。实际上，词语的意义在于人而不在词语本身。”我们可以清楚地看出，因为文化、地域、种族、信仰等的差异，不可避免地使不同的人群对于相同语义的理解变得模糊和多样，面对同一词语也产生不同的感悟。但总的来说，由于人类的固有本质和先天性，同一物种的人类面对同一客观世界的原始的最初的感官体验则仍是相对普遍而稳定的。 在人类探索对世界的感知与认识过程中，主要依靠感觉。通过感官的体验，形成脑海中的印象，并不断地结合自我的思维方式，逐渐形成区别于不同个体的经验的积累。西方体验派美学指出知觉对象的三个特性，如下： （1）客观对象的物理属性，如体积、数量等； （2）对象依托人的感官而存在的性质，如色彩、声音、气味、质地等； （3）对象的情感性质，格式塔心理学认为外在事物和人的内在心理之间存在“同形同构”和“异质同构”两种结构，当二者在大脑的思维立场中达到碰撞和融合后，物质与精神的界限变得模糊，客观事物因此具有了人的情感特征。 这三个特性中的不同属性所指代的物质名词都是设计中应用的最基本的要素，视觉语言的表达是对图形、文字、色彩这三大视觉元素的应用以及对这三大元素相互之间的美学性构成的创新。所以，以研究人类生理感受和心理联想的类型和特点为基本指导，用视觉形态为主要语言描述人类的各种感官体验及思维意识，是平面设计中视觉传播与交流沟通的有效途径。对于设计者来说，视觉元素的创造与选择是表现自己设计作品的功能性与独特性的重点。 2.表现平面设计视觉语言的符号元素 近年来，我国部分学者、科研专家对广告语言创意、设计中所使用的符号学方法以及符号的类型也进行了初步的研究和探讨。如“符号学与广告语言”（王少琳，1994年）、“论符号学方法在广告语言创意设计中的运用”（苟志效，1994年）、“从符号学原理谈广告的创意特征”（黄鹂，1997年）等。由此可见，符号元素在平面视觉语言的表现中的关注程度越来越高。而从符号本身与它所指涉对象（即其指向与涉及的事物或领域）的关联上，在符号理论研究领域得出的成果显示，可以将符号区分出以下三种不同的类型： 图像符号（icon）；指示符号（index）；象征符号（symbol）。 但平面设计视觉语言的符号元素和一般的数字符号、单位符号是有所区别的。视觉语言符号元素具有一般性符号所不具备的灵活性和可塑性等特征。这正是由设计者在设计的思维过程所决定的，设计者必须把握对图形符号的挑选、组合、转换、再生的准确有效程度，以达到科学的视觉传达功能目的，同时给人以审美及视觉心理的满足。所以象征符号（symbol）因其抽象性和联想性，在平面设计领域的应用中最具发展潜力。 3.符号元素的运用探索 格式塔心理学家曾作过一个试验，将一些自然的图形在被试看过之后，过上几天再让他们根据记忆作画，结果发现所画的图形均比原来的图形要更加规则化、简单化。由此可以认为，对艺术形式简洁性需求是人的视觉心理的天性。 古今中外的人类文化遗迹中，符号元素一直是表达图形语言的重点，图腾便是最早的一种表达。无数的艺术家和工匠将毕生精力投入其中，使其形式和内涵在数千年来的时间流逝中得到不断的丰富和升华。从美洲的玛雅文化遗址中的那些断垣残壁上鲜艳的色彩和美丽的图案及城里记事的石柱，令玛雅人为之顶礼膜拜的水晶头骨到亚洲的佛教美术洞窟壁画及本身故事，从石器时代的彩陶装饰丰富多彩的纹样到今天的随着科技发展的计算机分形艺术，到处都闪现着图形符号元素的身影。 纵观这些历史存留下来的美妙图徽，我们不得不为前人的聪明智慧而叹服。在自然界中常见的、与我们生活密切相关的动植物，被人类自然地美化、神化，并融入自己的情感与寄托，元素化为各种各样富有寓意，充满情趣的图徽。 （1）太极图是容量极大的意象图，它由黑白两个鱼形纹组合而成，俗称阴阳鱼，意象造型的美学法则深藏在这两鱼追逐之中，它完美地、形象化地表达了阴阳轮转，相反相成是万物生成变化根源的哲理。太极图的设计成功地运用了图底反转，对比强烈却又融汇合一。太极图纹（如图1）的简洁是对人们求简心理的完美阐释。 （2）“卐”字符，是古代的一种符咒，护符或宗教标志。人们普遍认为它是出现在释迦牟尼胸前的瑞相，用作为“万德吉祥”的标志。关于其来源，上世纪60年代台湾重要作家冯冯居士认为：整个宇宙的黑暗无垠的空间，亦是在旋转移动之中，亦是卍形的。在无穷无尽的更多的宇宙中，无边无垠的黑暗太虚中，还有无数的星云漩系，它们互相连接沟通，互相存在于当中。所谓银河系，不过是其中最小的一面而已。在宇宙中到处类似的星云漩系，不同的形状、位置、光华颜色，但都是像卍形的（图2）。原来是银河系的旋转形状，象征着永恒、光明与莫测的高深伟大智慧。 洲却有着完全不同的含义。1920年，当时的德国纳粹党党魁希特勒将“卐”用作了纳粹党的党徽,“卐”遂成为了法西斯统治、暴力和血腥恐怖的象征。“卐”字符以其简单的外形在世界人民的心目中留下了深刻的印象。 （3）“”在英文中曾含有两种意思，即：“在”或“单价”。它的前一种意思是因其发音类似于英文at，于是常被作为“在”的代名词来使用。而它又有each的含义，所以“”也常常用来表示商品的单价符号。如今，由“” (图3)引申出了一个新名词“一代”,是德国汉堡某休闲生活研究所提出的，泛指年龄在1429岁之间伴随信息时代成长起来的新新人类。在现代科技进步中，它本身的含义渐渐被人们模糊淡忘，取而代之的是它已成为交流的标志，它的简洁精到,使其在运用中显得如此的便捷,并在人们的脑海里留下了挥之不去的深刻印象。这也使它同样反复地出现在相关主题的平面设计作品中，成为现代表达中一种新兴有力的元素。 综上所述，在思维过程或是符号表达式的平面设计中，所挑选、组合，加以运用的符号元素必需是具有明确指涉功能及内涵丰富的符号。艾柯甚至提出“人是符号的动物”，平面图形设计的目的是人与人之间的交流共鸣，符号元素，无疑是必然的设计语言。这就要求设计者必须准确地把握和归纳将要表达的视觉语言，并考虑组成符号元素的相关特性，保证这些符号的当前值正是设计者表达思想感情的所需值。 三、视觉语言元素化对设计文化的意义 经由视觉语言形成的符号元素系统，是元素化的视觉语言。按照雅科布逊（jakebson）所提出的关于语言功能的著名分类，信息可以拥有以下功能的一种或数种组合方式：指涉性；情感性；强制性；交流性；元语言性；诗性。所有这六种功能都可以并存于单个讯息之中，在更大规模的正常语言（以及审美讯息）之中，它们常常交织和重合着，尽管其中某种功能通常占据主导地位，因而决定讯息的特征。 在平面设计中，通过把视觉语言转化为符号元素，又应用不同的设计形式把元素化后的视觉语言展示给受众，在受众脑海中又重新反映出视觉语言，并在此基础上促使受众产生自己独到的见解，这是一个循环反馈的过程。这个过程更需要准确地表现出信息的六种功能，而要让视觉语言元素的某种功能占据主导，则是由设计者想要表达的讯息的特征所决定的。视觉语言的元素化后将带来一个新的视觉系统，为设计行业中注入了新的活力、新的视觉感受，它将让设计行业更富活力和魅力。 元素化的视觉语言与设计、符号、沟通紧密相连，也可以说它是三者的化身。我国台湾杨裕富博士认为：设计、符号、沟通是设计的文化基础。那么，视觉语言元素也就是设计文化的基础。我们该强调它的文化身份，它的作用该受到更大范围的重视，并加大力度地去挖掘让它在设计中发挥潜质，形成具有本土性和现代性的设计元素系统，使它成为真正的“设计文化基础”。具有自省精神的设计者们应该身体力行，使自己的作品去唤起人们对于产品体验的情感共鸣，使人们在认知、购买和使用产品的过程中能够体会到延伸的设计含义和原创的本土艺术精神，满足人们对设计产品高情感、高技术平衡的需求，在追寻、探索、创造、形成视觉语言元素化系统的过程中，使设计成为真正意义上的影响人们思想和行为的力量。 注释： 李幼燕著.理论符号学导论.社会科学文献出版社，1999年6月第1版. p2. 王令中著.视觉艺术心理.北京：人民美术出版社，2006年版. p58. 乌蒙勃托艾柯著，卢德平译.符号学理论.北京：中国人民大学出版社，1990年10月第1版. p300. 参考文献： 1李幼燕著.理论符号学导论.社会科学文献出版社，1999年6月第1版. 2乌蒙勃托艾柯著,卢德平译.符号学理论.北京：中国人民大学出版社，1990年10月第1版. 3何烈炯著.语义学.语文出版社，1995年10月第2版. 4王德胜等著.科学符号学.辽宁大学出版社，1992.12. 5(法)巴尔特（barthes，roland）著.符号帝国.商务印书馆，1994.2. 论文出处(作者):何平静内容摘要：在我国，动画是一项具有辉煌前景的产业，有着巨大的发展潜力和广阔的市场空间。目前中国许多高校都开设了动画专业，文章就其学习过程中应注意的几点问题进行探讨。 关 键 词：动画专业 学习质量 发展模式 近几年，我国动漫产业十分热门，究其原因，首先是“国际大环境”的推动，在日本、美国，动漫可谓是国民经济的支柱产业，所带来的经济效益十分可观。其次，我国对发展动漫事业的重视以及各项有利政策的出台。为了顺应社会需求，全国上百所大专院校纷纷开设了动画专业，与市场的紧密结合值得鼓励，但从总体上来看，层次差别也相对较大。为了以后能更好地适应社会需求并立足于此行业，学生在学习过程中应做到有的放矢。 一、加强基础课程的学习 动画是一种非常奇妙的艺术形式。进入这个专业学习，需要多方面的知识结构，良好的美术基本功必不可少，同时还应通过大量练习，训练对角色形态的观察能力和艺术概括能力。 动画大师温莎麦凯曾说过：“如果我能重新来过，首要之务就是彻底学习绘画，我要学透视法，然后是人体，包括裸体与着衣人体，再围绕着人体画上适当的背景。”可见，基础造型能力的训练对于一名动画人员是多么的重要。素描可以了解解剖知识、人物的表情特征、光影的变化与空间透视关系，更能锻炼整体把握能力。速写则可以收集素材，积累各种形象，训练对角色动态规律的把握和记忆。 二、寻找动画作品的生命力所在 一部好的动画作品至关重要的就是要有好的主题，主题确定后再借助想象进行夸张来反映人们的生活、理想和愿望，其来源于生活又高于生活。日本动画大师宫崎骏的作品风之谷，就以环境污染为主题，讲述了巨大的工业文明下被牺牲的自然环境，世界上仅仅只剩下少数几个没有被污染的绿洲风之谷，小公主娜乌西卡勇敢地和邪恶势力做斗争，终于发现了破坏者的秘密从而保卫了自己的家园。人物形象纯洁善良却又不失勇敢，人物内心情感刻画得细致入微，深深地打动人的心灵。一部好的动画作品，应能让观众在欣赏时获得审美感受，通过他们的回味、思索上升到更高级的审美阶段，达到精神的升华。罗丹曾说过：“美是到处都有的。对于我们的眼睛，不是缺少美而是缺少发现。”创作者应该善于观察生活，如同孩子一般，具有强烈的表现欲望与好奇心，让作品的思想性与艺术性达到完美结合。 三、明确“寓教于乐”的重要性 动画集娱乐性、商业性、教育性于一身。中国的有些动画作品都偏向于说教性质，“寓教于乐”在很多时候都被忽略了。相对于国外动画强大的娱乐功能，国内动画在一定程度上就失去了市场，以至于做出来的东西品种单一、千篇一律。而日本动画之所以能成为国家经济的重要支柱之一，很大程度上是其创作手法的多样化、观众群体的广泛性，大家看动画的积极性都被好的作品调动起来了。比如，蜡笔小新充满童趣，手法诙谐，大人小孩都爱看，而因为我们的触角还不够敏锐，不善于捕捉生活中的亮点。怎样把动画的主题、诉求对象及表现形式由单一向多元化发展是值得思考的。在学习过程中，学生应转换观念开阔视野，深入了解各个年龄阶层的精神需求，做到题材多样化。爱因斯坦说过：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。”如何激发自身的创造性思维值得思考。有些同学在学习中都偏向于电脑技能的培养，忽视了“大脑”。将电脑三维技术运用到影片中，使真实感和空间感大大加强，的确能给影片增色不少，但是社会需要的不是动画初级人才，而是可以进行独立创作的高素质人才，这样才能在动画市场的激烈竞争下挑起大梁。因电脑舍弃创意，这就如同为了一棵树放弃了整片森林。创造性思维是人类的高级心理活动，也是艺术家必须具备的基本素质。学习过程中应和老师多多互动，注意培养发散性思维，思路要清晰自由，不被头脑中的条条框框所拘泥，这样才能创造出多姿多彩的动画世界。 五、了解动画产业的产业链 动画片动画商业形象关联产品这一条产业价值链至关重要。如何将动画产业多元化,在学习过程中就要好好思考。许多欧美国家在这方面已经做得较完善。好的作品问世后，一系列的卡通玩偶、日常用品应运而生，在影响了市场需求的同时也带来了巨大的经济效应，可谓鱼与熊掌兼得。而我国在这方面做得还不够，相对成功的有蓝猫淘气3000问，该片一经播出就拥有了广大的观众群体，其系列玩具、服装、文具、食品等在市场上大受欢迎，具有较高的市场占有率，蓝猫逐渐成为一个品牌更代表着一种文化。以后的发展中如何让市场更好地参与进来，实行动画产业化的发展亟待解决。 六、关注民族文化，寻求中国动画的独特发展模式 目前，美日动画大举侵入我国动画市场，对此应有一个正确的态度。著名画家吴昌硕说：“化我者生,破我者进,似我者死”。寥寥几句,含义颇深。美日动画都有其鲜明特征，中国动画如何走上一条民族化道路值得我们深思。中国丰厚的绘画遗产已为我们提供了参考答案。比如，中国传统十八描就可以作为动画创作中用线的极好材料，相同的纸笔，不同的线型，可以引起不同的视觉和心理感受。纷繁多样的艺术风格，都有着重要的参考价值，关键是如何改进。剪纸和水墨动画因其体现了中国传统的美学思想和民族风格，在世界上独树一帜，受到了极大的追捧。在学习过程中，学生应深入了解民族文化，多探讨，多实践，实现创作表现形式的多样化，最终探索出我国动画的独特发展模式。 中国的动漫事业可谓刚刚起步但也潜力无限，挑战同时蕴藏着无限机遇。只要我们在学习的过程中多尝试多思考，创造出一种既民族又现代的“中国风格”，在日益激烈的市场争夺战中再创辉煌就指日可待了。 参考文献： 1拾荒（田易新）.动画艺术家：传统动画片与flash实践m.北京：兵器工业出版社，2004. 2李铁，张海力.动画角色设计m.北京：清华大学出版社，2006. 3丁海祥，姚桂萍.动画概论m.北京：清华大学出版社，2006. 论文出处(作者):毛媛媛谈设计色彩及其表现方法摘要：文章从绘画写生色彩与设计色彩的不同特征，论述艺术设计专业中设计色彩及其表现方法。设计色彩是以绘画写生色彩为基础，依据艺术设计专业自身的特点与要求，运用色彩归纳、概括、提炼等手段，表现和呈现空间，它着重强调物象的形式美感以及色彩的对比协调关系，更好地培养艺术设计者表现色彩的能力。 关键词：设计色彩 艺术设计 表现方法 在现代艺术设计专业与产品设计、包装中色彩起着十分重要的作用，它与设计产品造型、图案纹样、材料加工一样，是产品设计的主要内容之一。所以，不同的产品设计本身就包括了不同色彩的设计。而设计色彩与绘画写生色彩既有区别，又有联系。绘画写生色彩是以光照作用下产生的色彩变化为主、对表现物体瞬间引起变化的色彩进行敏锐的捕捉，真实地再现自然物象，绘画者的科学认识与观察是表现写生色彩的正确方式。设计色彩则以绘画写生色彩为基础，根据设计专业的特点和要求，运用色彩归纳、概括、提炼等手段，表现物体之空间，它更注重和强调物象的形式美感以及色彩的对比协调关系，培养设计者表现色彩的能力。绘画色彩是感性的、客观的、空间的、真实的，而设计色彩则是理性的、主观的、平面的。这就要求进行色彩学习时，要有侧重地做写生练习。设计色彩将视觉中观察到的色彩经过有目的地筛选、梳理、提炼、变化体现出来。设计色彩是绘画写生色彩与设计用色之间结合的桥梁，是以培养学生的设计思维及表现能力为主旨，经过绘画写生色彩训练，在具备正确观察和认识色彩的前提下，进入设计色彩表现方法的学习是从事艺术设计色彩的必经之路。 一、设计色彩的特征 设计色彩是艺术设计专业一门基础课程，它对现代艺术设计专业如广告、插图、标志、设计、建筑外观、服装设计有着重要作用。它在美化生活、满足物质需要的同时，也提供了精神上的享受，因此色彩的协调与正确运用是产品成功走向市场的保证。正是由于色彩的特殊性，在绘画写生色彩中可以有个人喜好来运用和表现色彩，而在设计色彩中则不允许有明显的个人偏好。当人的审美观念随着时代的发展而不断提高时，设计色彩也在随着时代而不断创新，并要符合时代性与环境、地域等不同的审美要求。同时强调以实用为前提，注重大众接受为目的，其要求色彩效果明确、清晰、单纯。设计色彩在绘画写生色彩的基础上通过高度概括、提炼、归纳等手段，夸张变化地表现出来。它不受光源色、环境色、固有色的影响，它的最大特点就是不满足于自然中客观变化的色彩，而要灵活地调配出比现实生活更理想的色彩，表现出更高境界的色彩。这就要求设计者有丰富的想象力和对色彩的控制能力，同时具备较高的个人审美艺术修养。 二、设计色彩的配色 艺术设计作品的造型以写实和变形为主。写实是指比较真实地反映生活中的物象特征；变形是在不背离物象的基础特征以及自然规律的前提下，根据设计者的审美取向和审美感受对物象进行概括、简化，改变其表现物象的外在形式，将“自然”形态转化为艺术形态，它是对自然物象“形”的美化过程。“变形”是依据不同对象特征所进行的变形，是自然物象的升华。“写实”与“变形”二者是相互联系的。视觉的需要促使着形的变化，有韵味、意味、趣味的“变形”也满足了形式与内容的高度统一。而设计色彩主要以表现平面、单纯、秩序的形式为了。在艺术设计中出现的形象，无论是二维形象还是三维形象，在构图上都处于平面状态；而物象色彩多采用单纯的颜色，使形象具有审美感染力和表现力，形成画面效果所具有的秩序感、韵律感、节奏感。这些形式设计者一般采用重复、渐变、放射、对比、统一等法则来体现，最终达到赏心悦目的效果。设计色彩配色原理，艺术设备者设计色彩时在颜色选择上可以丰富多彩，也可以只选几个颜色，甚至用一种颜色来表现。设计色彩作品之所以打动人，不在于色彩是否强烈，而是色彩的丰富变化上。即使用一种颜色通过黑、白、灰变化其明度或纯度，作出等级色组成的画面，使画面效果产生秩序感、节奏感。设计色彩的配色，要求色彩的形式和内容应该冷暖对比协调统一，通过形与色的结合来实现色彩传递和表达感情的目的。不同表现主题具有不同的韵律，不同的色调可以给人不同的美感。设计色彩的调和方法主要包括同类色调配、类似色调配、邻近色调配、对比色调配、互补色调配等。 三、设计色彩的表现方法 1.变换环境、物象引起的色彩变化学习：任何物体的色彩面貌呈现都是与周围色彩比较的结果，它是固有色、光源色、环境色的综合体现。通过练习可以使学生直接而生动地认识局部与整体色彩的关系，从中发现并掌握一些变化规律与表现形式，为日后理性地运用色彩语言表达设计思想奠定有力的基础。要求对一组静物进行写实色彩写生，然后变换静物组合。如：a.变换光源色（由日光变为白炽灯等）；b.变换少量物体；c变换和拆除静物组合的部分衬布等，使该组静物产生局部变化。最后将前后几张作品对照，从中感悟局部色彩变化所带来的整体色彩变化。在此基础上，为了更进一步地提高对色彩内在联系和变化规律的把握，以及自由运用色彩语言的能力，可以继续进行色彩组合默写训练、变调训练，使学生在解决问题的过程中，理解和掌握设计色彩知识。2.色彩归纳表现：通过掌握对自然色彩的分析、概括与提炼，从中了解如何将画面由三维向二维方向转化的方法，了解由写实表现形式向设计表现形式转化的过程。也便于更加理性地用色，为日后走向设计工作奠定基础。在写实的基础上，对同一景物、风景、花卉进行色彩归纳，并进行概括和提炼的实践。由于客观物象的色彩千变万化，因此在做这一练习时，先画一幅写实性色彩作业，然后再完成两幅不同处理方法的归纳色彩写生作业。色彩归纳训练，是沟通写实与装饰色彩画法的有效措施。归纳色彩写生同样重视色彩感受中的第一印象，只是更进一步地表现对象色彩的本质特征。其表现形式的不同之处是，归纳色彩写生是在排除了光色影响下的色彩作去伪存真的处理，有意识地追求平面化的画面效果。 归纳色彩写生一般有两种方法：一是在保持原有光色关系的基础上，将几种邻近距离范围内的近似色都转化成它们的平均值色，以平均值来代替它们，尽量以平涂式处理，但并不是将对象单纯地用固有色来代替。二是在保持写生物象色调特征下，加强对色彩的主观处理，作必要而适度的夸张，如加强色线的曲直对比、色彩分布的疏密对比等。丰富的景物组合适宜作为写生对象，处理画面的方法除以平涂色块，还可以勾线填色，或对局部进行繁化处理等。同时还应注意色块之间的着色边线必须肯定、明确，颜色在色块内一般不能渐变、渗化等变化。 3.色彩的装饰性表现：要求这一环节是继“色彩的归纳训练”之后的又一个培养具备设计思维能力和设计表达手段的重要命题，它分别以风景、花卉、人物为对象进行装饰色彩的技法练习。以主观性为主，以美化画面为核心，运用归纳、变色、象征等表现手法，讲究色彩自身的韵律效果。装饰性色彩表现是印象派和现代画派画家常用的手法，如高更、劳特里克等。练习应循序渐进，由归纳写生开始过渡，在色彩归纳的基础上尽可能地强调其装饰性，将形体与色块较大程度地整化。第二步可以尝试“限制用色”的方法，达到以一当十的目的，只用数种色彩根据不同搭配形式，产生各种不同的色彩样式。第三步“借用色彩”，吸收古今中外优秀装饰作品的手法，尤其是装饰绘画和图案设计的主要手法。与色彩同样重要的还有体现色彩效应的描绘手法如色点缀，勾线描边、渐变、间隔色块等可以增强画面色彩的丰富性与装饰性，使画面色彩呈现出循序感，从而色彩效果达到调和。 4.色彩抽象化表现。要求摆脱视觉对形象直接识别的依赖性，锻炼学生的设计思维能力，是设计表达手段的重要环节。使形象与色彩取之自然，逐渐脱离自然，最终又作用于自然。使色彩与形式具有暗示、象征、传递意念的功能。通过一些命题设计（如：激越、和谐、生命等进行锻炼）来完成。学生由于自己的经历、文化背景不同、性格等因素导致命题对其有着不同的心理响应，在进行抽象练习时，根据个人的理解不以任何具体形象为装饰的对象，而运用单纯的点、线、面作为表现的形象，来组成作品的面貌。 5.色彩肌理效果表现。要求选择归纳、装饰、抽象中的一幅作品，在不改变其形的前提下，进行肌理效果的处理。如将水粉纸更换为木板，颜料中加入沙子、木屑、碎玻璃粒、石膏粉等方法以取得很好的质感效果，用油画在画面上运用拓印、渲染、磨擦等技法，使画面达到新的境地。通过对绘画写生色彩、设计色彩特征的认识，使学生从理论学习到实践练习、从感性认识上升到理性认识，从绘画写生色彩的科学观察认识到主观理性地归纳设计色彩。从而培养学生理解与把握色彩、生动表现设计色彩的能力水平，使其掌握不同设计色彩方法在今后从事的不同艺术设计领域中发挥作用，为将来从事的艺术专业正确地使用色彩、设计色彩打下坚实的基础。 参考文献： 1冯健亲.色彩.江苏美术出版社，1994年. 2马也.色彩基础.辽宁美术出版社，2006年. 3席跃良.色彩与设计色彩.清华大学出版社，2006年. 4李莉婷.色彩构成.湖北美术出版社，2001年.习画读画临画品，以画为师,在绘画作品中感觉美，沉积对美的鉴赏能力，可以增强审美能力，丰富绘画知识；在具备了一定的审美能力和绘画知识的基础上进行绘画的实践与研究，可以避免盲目性。 题记 学习绘画的起点、方向和方法决定着学习者的进步程度、发展方向。正确的、高起点的、行之有效的学习方法可以使学习者迅速地提高绘画能力。而不科学的学习方法则反之。时至今日，国人对西方绘画教与学的方法存在误区与不解，通过读画、临画，悉心领悟是学习西方绘画不可或缺的重要环节。 一、为什么要读画、临画 即使是作为绘画基础入门的素描艺术、色彩艺术，看似简单，实则是技法性、理论性、思想性相当精深。初涉画坛之门的青少年学生对此是懵然无知的。他们单纯地理解为素描就是人类本能地对客观事物的模仿，只要肯刻苦下工夫就可以掌握这门技巧。然而，事实远非如此简单，我们首先应该知道的不应仅仅是技法，而更应该先明白绘画是怎么一回事，素描是怎么一回事，色彩是怎么一回事等。先具备一定的绘画鉴赏能力、审美能力，知道自己需要做什么，应该做什么，怎样做，这样的理性的绘画接触与训练才会具有认知效率。因此，学画者首先应当先了解绘画，学会欣赏巨匠们的经典作品，学会读懂巨匠们杰作之精妙所在。要明白巨匠们为什么要这样画。因此，培养广泛的艺术修养是学好画、画好画所必需的、非常重要的前期准备工作。 传统绘画技法与思想表现是人类几千年来在自然中不断发现、积累起来的，是人类心血与智慧的结晶，人类艺术发展漫长的历史，即是人类智慧的传承与发展史。绘画是人类文明的组成部分，对于学画者来说，欣赏传统巨匠和当代巨匠们的绘画杰作就不应当仅仅是单纯地满足于视觉和情感的高尚享受，更应该研究巨匠的艺术表现手法与技巧。实质上，欣赏是学习绘画技法及其表现形式的一个必须的学习经历。综观中国传统绘画发展史和西方传统绘画发展史，历代画家都非常善于吸取前辈或同辈画家的成功经验。可以这样总结：绘画艺术的发展史在一定程度上表现为历代画家技法的代代相传史。西方文艺复兴盛期的绘画曾由达芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔的努力达到了艺术的至境。这个伟大的时代是由于向希腊传统的学习而得以实现，它同时也产生了像提香、丢勒、荷尔拜因所创作的那类伟大的绘画。以后是委拉斯贵兹、伦勃朗、鲁本斯、安格尔、米勒、柯罗、罗丹的艺术。即使现在为我们许多人所津津乐道的现代派大师，如德加、修拉、凡高、毕加索、柯柯西卡所取得的成就同样不是偶然，他们无一不受伟大传统的训练。当然，每位画家也都是在继承的基础上不断地寻找、补充、发现新的表现手法。分析达芬奇的成功历程，很容易发现：他在对老师的作品手稿欣赏、临摹过程中学会了最初的技法并超越老师而成为世界艺术大师的。德国画家丢勒多次到意大利考察文艺复兴绘画成果，在接受文艺复兴绘画成果的基础上，在吸收了凡代克的绘画艺术的基础上，合理地与德国传统绘画艺术熔于一炉，取得了成功。徐悲鸿在法国留学期间，经常滞留在各个美术馆里流连忘返，悉心研究大师们的作品。后来他又去了意大利、德国的美术馆观摩，掌握了西方绘画艺术许多宝贵的经验，其成就有目共睹。法国画家大卫为了能够取得去当时的欧洲艺术中心意大利学习的机会，曾3次参加为获取去罗马学习的奖学金竞赛，都未能成功，终于在1774年第4次参赛时获得此项奖学金，他留在罗马的艺术学院直至1778年。意大利展现在他眼前的是新的艺术世界，在此期间，他临摹了大量的经典作品。大卫偏爱意大利17世纪具有现实主义色彩的画家卡拉瓦乔，并在其后的绘画作品中应用了卡拉瓦乔派画家们擅用的明暗手法以突出画面主题。由于他善于博取众长，我们甚至在他的作品中看到了另外两个杰出画家的魅力拉斐尔式的空间和普桑式的画面张力。他作了大量人体写生，丰富和扎实了绘画技巧。由于他始终勤奋地作画，他最终成为使法国取代意大利而成为欧洲艺术中心的旗帜人物。这些事例不胜枚举，巨匠的成就历程告诉我们：读画、临画是学习绘画的一个行之有效的学习环节。针对初学者来说，不读技艺高超的绘画作品，而一味地埋头苦干，虽然具备吃苦的精神，但无异于身在现代文明社会而不接受现代文明的成果，仍回到茹毛饮血的蛮荒时代摸索着进步。所以，笔者认为：开阔审美视野，努力提高审美趣味，陶冶审美能力，才是初学绘画者的当务之急。 读画，就是以画为师，用心去“读”经典作品。通过认真地分析研究，对大师的精典之作进行深入的体会和领悟，体会其专注之精神，领悟其精妙之所在，在绘画艺术中寻找美，从而更好地理解绘画的特性，熟悉绘画的形式构成，并做到尽其精微，得致广大，提高眼界及绘画境界。眼高方能手高。眼低，手是永远都高不起来的，也不可能具备伟大的艺术表现力。 二、如何读画 绘画艺术活动包含很强的技艺方法问题，绘画理论对绘画实践的指导必须具体到针对性，抛开绘画实践而空谈理论往往会让受传授者一头雾水。而在绘画实践过程中进行针对性地读画并辅之以准确到位的理论解释，则可以起到很好的教学效果。例如，习画者对“素描基本功”这一概念模糊不清，我们可以选合适的经典素描作品作参照，针对性地结合写生内容对素描基本功这一概念进行较全面的介绍：“素描的基本功包括形体结构、明暗光影、透视空间、动态比例等诸因素。在一定视角角度下，由于对象的形体特点的关系，产生了与之相符的明暗光影、透视空间、动态比例的变化。所以，素描最本质的因素是形体结构。我们在素描写生时，首先要强调准确地把握对象的形体结构关系，这一点做不到，其他一切均无从做起。否则，便会在错误的形体结构上下工夫，越深入越远离对象。作为明暗光影的层次变化也是素描基本功的重要因素之一，有经验的画家可以区分并表现出两千多个层次变化，而没受过训练的人没有这样的意识，只能区分出很少的层次。基于准确形体结构上的丰富明暗层次变化，是进一步深刻理解对象和生动表现对象的手段和方法。”在这里必须对学生反复强调：明暗光影和变化是受形体结构所制约的，把笔多用在结构转折处，自然能做到形色结合，反对脱离形体结构的明暗层次的涂抹。在二维画面上表现出三维的立体空间，我们要从由长、宽两维的观察改变到有纵深的三维观察，即对对象做一个360度的观察。基于这点，要求我们能用雕塑的方法立体地理解和表现对象。研究作者是怎样竭尽全力地画出对象在透视空间中的形体变化，表现出画面的三维纵深感，使人感到真实的空间感觉。在一幅作品中，应该有严格的形体结构，丰富的明暗光影变化，深远的空间透视，感人的意境神韵。这样的具有针对性的、有经典作品参照的理论与实践相结合的教与学的实践，学生是能够接受、弄懂的。 笔者在教学实践过程中系统地从以下几个方面进行了针对性的读画学习，取得了有效的教学效果。 1.作品的构图匠心了解和掌握各种构图法则和表现规律，并能根据自己作品将要表现的意图进行合理地组织、运用。 2.明暗对比的设计对明暗光影的发现组织与处理，是画面最出视觉效果的关键所在，不同明暗光影的组合对比传递着丰富而微妙的层次信息，如同用娓娓动听的语言在讲述着动人心魄的故事。明暗是西方绘画表现空间次序感的灵魂，是渲染画面境界、情感、趣味最重要、最基本的表现要素之一。 3.形体结构之间的衔接关系及其透视变化的表现事物形象是由内部结构和表面结构组成的。我们在欣赏、分析人物素描时，要研究画家是怎样把内部结构在皮肤表层忽隐忽现的形状塑造出来的，既经得起推敲而又耐人寻味。研究大师们是怎样利用对解剖知识的精确理解再凭借想象力所作出的精彩塑造巨匠们的作品之所以有那么生动的震撼力，就是因为他们把人物形象、解剖知识和透视现象完美地结合在一起。欣赏大师们是怎样运用准确的透视变化，详略得当的处理手法，巧妙地在平面支持物上表现出强烈的体积感、空间感、质感，潜移默化间就强化了观者的造型意识。4.线条的组织素描，归根结底是点、线、面的创造物，线条是素描最本质的语言。形体是依靠线和面产生的层次形成的。看似简单的线条在艺术家的笔下，刚柔相济地烘托出入骨三分的人物构造，富有生命的张力，因线条的重复而自然组成的丰富的明暗层次含蓄地形成律动的节奏美。要具体地分析画家是怎样运用线条的轻重缓急围绕结构进行形体信息传递的，从而找出组织线条的规律。 5.主次虚实关系的处理善于利用主次虚实关系处理画面是一件轻松愉快的事情，它可以帮助我们轻而易举地达到强烈的空间立体效果，也可以帮助我们合理地设计节奏次序。如果不分前后空间而进行面面俱到的描绘，永远都不会达到和谐的目的。美术家对自然界万物的观察是从宏观（整体）到微观（局部）的整体间相互反复比较、逐步确定主次关系的观察方法，这样的观察方法得以产生合理的虚实关系。如果不知道整体的观察对比方法，无论画者怎样刻苦努力，他都不会进步的。而通过读画可以很容易地明白这个道理，掌握这种方法。 6.视觉暗示意识、心理暗示意识要想在平面支持物上塑造强烈的体积感、空间感、起伏感、转折感，仅仅依靠看到什么就塑造什么是远远不够的，巨匠们大量地使用了视觉暗示意识和心理暗示意识的非技法性手段，大大深化了平面支持物上的体积感、空间感、起伏感。 在进行色彩写生、研究的同步，同样可以进行针对性地读画学习，以迅速地理解色彩生成画面的原理，掌握色彩造型的一般规律。比如当我们欣赏、分析色彩静物作品时，笔者是从这几个方面引导学生进入主体的： 1.构图色彩构思构图的形式法则在作品中是至关重要的。构图即对组成画面的所有元素的一种安排和构成，实现这些元素的和谐存在，达到形式上的统一与整体的原则。研究经典作品的构图形式可以丰富自己的构图形式素养，为创造性的构图提供支撑。 2.色调的组织色调是客观存在的，但不是人人都能够认识到它的存在。一般人看物象只注意于每个物体本身的色相，而且本能地摒除光色、环境色的影响识别出物体所呈现的固有色，即“固有色观察方法”。色彩写生需要的是“条件色观察方法”，只有运用后者观察方法观察物象，才能看到物象的条件色，才能够发现色调。 3.区分色彩冷暖关系冷暖关系是运用色彩造型的重中之重，明丽的色彩组合主要是靠色彩的冷暖对比产生的，知道画家是怎样区分冷暖关系的，是画者迅速掌握色彩造型手段的最本质的内容。写生时，冷暖关系的区分首先决定于光源，如在户外阳光下的风景写生，