《镜头前表演与舞台表演的异同探析》5900字

镜头前表演与舞台表演的异同分析1.1相同点镜头前和舞台表演都是一种通过语言行动等不同形式，叙述故事的表演形式。从演员的角度来看，二者都需要进行二度创作，一味的照抄剧本一板一眼是不会造就出好的表演的，因此，作为学习表演的学生，更应该从怎么理解剧本，如何进行二度创作，如何体验角色开始，这不论是哪种形式的表演艺术，都是不可或缺的。首先，演员刚刚拿到剧本的初期，会对角色进行准备与分析，从自身出发去理解编剧的语言与创造。但是在阅读的同时，演员也会对剧本进行再次创作，即演员根据自己之前的生活经验、搜索到的素材对剧本内容进行二次性的创作，为角色、剧本融入更多的生活化特征，实现人物角色形象的生动饱满。演员需要认识到，无论是文学，还是音乐舞蹈等不同的艺术形式，都是对文字、音符、肢体的灵活运用，在运用的过程中打造自己心中的艺术形象。在表演艺术的过程中，演员也需要努力创造剧本中的人物形象。斯坦尼斯拉夫斯基就曾经指出：“爱心中的艺术，不要爱艺术中的自己”，之所以存在这样的说法，是因为很多演员在表演中会陷入对自己演技的沉迷，急于去表现自身，但这实际上会产生本末倒置的影响，必须要将全身心的精力放在人物角色的创造上，甚至能够牺牲自己的形象，这样才能实现真正意义上的艺术表演，遵循演员应有的职业准则。表演艺术在扫清了错误或者混乱观念的干扰之后，也可以根据其境界分为高低两种：其中，低境界的表演艺术是将表演看作是一种语言符号、表演道具，并没有实现二次创作基础上的能动发挥，造成自身的表演仅是剧情的串联，并没有达到诠释主题思想的效果，观众只能从中看到故事内容，无法把握不同的人物角色；而高境界是一种更为鲜明的表演，在内容的呈现与角色的表演上具有明显的特点，演员能够通过自身的二次创作展现出人物角色的内心世界、丰富情感，这种表演也能够是自己演绎的角色更为特别，与其他的人物形象区别开来。这种高境界的表演要求需要演员充分调动自己的生活经验、自身修养，结合自己的实际情况，这样才能实现更好的创作与表演，无论是在舞台表演，还是镜头前表演之中，演员都需要将上述内容作为先决的条件。另外，斯坦尼斯拉夫斯基在研究行动三要素的过程中，将表演看作是一种行动上的艺术，且演员都是在虚构假定的条件下展开表演。也就是说，从演员的角度来看，所有的一切都是假定的，如何让假变真，只有演员心中有了强烈的信念感，才能让观众信服，从而更加接受传达出的内容。这也是二者的相同性之一。部分学者认为，镜头前艺术其实就是对生活的一种真实再现，镜头前拍摄中不应该存在虚构假定的条件，必须要保证影视演绎、拍摄的真实性。但是这种理解具有一定的偏颇，其实镜头前表演也和舞台戏剧表演一样，存在着虚假条件的设定。表演需要演员能够真实地“看待”所有的虚假设定，即不是夫妻关系却要进行夫妻关系的演绎，身处的地方并非是皇宫，但却要有较强的代入感。包括在视觉、感觉、触觉、听觉上都需要有演绎的“真实性”。虽然影视艺术在时间、空间、环境的呈现上更具有真实性，对生活的展现也更加真实，具有更为明显的自由度、可实现性，通常会在实景的环境中进行演绎。但事实上，在镜头前表演的过程中仍然会存在一些虚假的设定，例如部分场景中需要有雨景，但实际上现在的天气为晴天，或者是在夏季需要拍摄雪地的场景，因此影视基地也需要在布景上进行“用心”的“造假”，常见的有利用高压水龙头来制造雨景，或者使用泡沫、塑料等材质来制造雪花。从上述案例可以看出，镜头前也有一定的虚假性。这种虚假不仅体现在场景的设置上，还体现在人物关系的虚假设定上。例如一些不是夫妻的、不是父子、不是仇敌的演员，需要在镜头前将虚假变为真实。因此，二者在过程中，重要的并不是其真实性与虚假性，而是需要将行动作为核心内容，在表演上达到真实、生活化，并将其作为关键表演的准则，勇气来征服每一位观众，受到业内认识的肯定。只有做到真实的行动才能让观众受到更多的感染。另外，在表演中还需要重视自然化的展现，为人物角色融入更多的生命力，并将真实与生活化紧密结合在一起，如果不能做到真实、生活化，即使在其它方面更加优秀，也不能收获观众的好感。要想实现表演的真实性，演员必须要从实际感受出发，准确地感受自己所扮演的角色，包括体验角色的人生经历、个性特点、成长环境、生活喜好、思想情感、外貌特征等多个方面的特点。因此，也有人将表演艺术称为一种感觉上的艺术，只有找到正确的感觉，才能提高表演的艺术感染力，实现自身与角色之间的紧密结合，反之则会造成演员与角色之间的难以融合。但是如何找到准确的感觉对于演员来说，是一个较为复杂的问题，不能完全凭借演员的天资、灵感，而是需要进行深刻的理解，这是因为只有理解了的东西才能较为深刻地去感觉它。为了达到这一目的，还应该学会去体验艺术，这种体验艺术是将形象思维与逻辑思维紧密结合在一起进行演绎创作，形象思维、逻辑思维在表演的过程中不可或缺，如若缺少哪一种思维都无法实现角色的真正、完整体验。一般情况下，可以借助演员的行动组织能力了解其表演功底的深厚与否，即从其心理、语言、动作的协调、统一出发来了解表演情况。不仅如此，不同角色的心理发展、情感思维都不可能是一样的，即使是同一角色，在具有差异性的环境或者是情境之中，其情绪变化也会有所不同，因此必须要从心理、语言、动作出发考察演员的基本素质情况，对其动作线进行全面发展，使得镜头前表演、戏剧舞台表演在内容与形式上更加丰富生动。作为一个演员,要有具备认真的分析能力,不论是电影电视和话剧作品,都要了解作者的思想,通过学习,理解,体验,感受,找到作者的思维逻辑,展现在观众面前。因此舞台表演与镜头前表演需要我们去研究和开拓他们的异同。[[][]赵晨月，舞台表演与镜头前表演的异同，戏剧之家[J]，2018（25）1.2不同点二者具有相同性的同时，更多的是二者的区别。影视表演与戏剧表演之间存在着侧重点的差异，其中前者较为注重镜头感，后者注重舞台感，在艺术表现形式上也有着明显的差异。首先，镜头前表演以真实感为首要因素，注重完美的视觉效果，在此基础上推动整体剧情；而舞台戏剧表演则是突出演员在内心的波动与情感的渗透，需要在实际演出时通过不同方式加强观众互动，更要受不可重来性的限制，将人物角色的特点、形象呈现得更加活灵活现，角色也会根据事态的变化而出现变化，与观众形成现场反馈式情感交流。其次，在所传达作品内涵、形式、媒介等多个方面也都存在着较为明显的差异，两者对于演员所诠释的角色形式要求也有着明显的差异。即使在剧本上是相同的，但是会对演员提出具有差异性的要求。其中，镜头前要求演员能够投入到一定的情境氛围之中，做好角色特征的诠释与演绎，发挥自身的能动性。而戏剧演员将演员的演绎规定在特别的情境之中，要求演员能够保持内心与情境之间的沟通交流。二者的侧重点也有所不同，前者需要打造真实的情境，后者需要实现演员在内心世界的丰富。从表现形式来看，镜头前表演与舞台戏剧表演存在着写实与写意的差异，这也会对演员表演方式提出了不同的需求。其中，镜头前演员虽然能够通过表演，实现与观众在互动上的间接性，观众所看到的镜头都是经过处理、加工的，在拍摄上也极为注重角度与方式。影视剧还会融入蒙太奇等不同的艺术表现形式，修饰故事的情节。不仅如此，影视剧在拍摄时还会受到包括天气、技术等不同因素的影响，影视表演则会直接受到天气因素的影响。例如，有剧本中对镜头拍摄有着明确的天气要求，例如在黑夜拍摄的戏份，就需要在较长时间选择黑夜的场景，如果不在该场景下，就需要断断续续拍摄，这容易造成演员的拍摄被打断，直接作用于演员的情感衔接，会产生一定的负面影响。如果不能出现剧本中要求的时间或者是地点，那么影视剧的拍摄往往会断断续续开展，加上资金、拍摄场地等条件的作用，拍摄无法实现现场戏剧表演的一气呵成，而是对演员角色情感的塑造提出了更高的要求。而舞台戏剧表演则不会出现这一情况，其拍摄场所都是在室内空间中的，天气、时间、空间等因素不会对戏剧的表演造成影响，使得表演被控制在一定的范围内，受限制的只有舞台边界限制和假定情景或道具的限制。另外，从观赏方式来看，戏剧表演在观赏性上极为连贯，会在固定的空间、时间内进行表演，台下的观众会在同一位置进行多个小事的观赏，没有特殊的理由不能随意移动，这样观众才能够全部欣赏完一整部戏剧，这也就对演员的业务水平具有较高的要求，无论是心理还是形体，必须时刻进行高度重视，一旦怠慢，将会影响整部剧情的节奏进程和观众的观赏影响。戏剧表演之所以有这种较高的连贯性受到了其特征、性质的影响，这种表演也能够实现观众情感上的牵动，能够从整体上把握故事的走向，也让台下的观众能够实时观看剧情的发展情况。在戏剧表演中，演员、观众都不是独立存在的，因为他们都处于同一个空间、时间之中，可以实现情感上的充分交流。观众可以通过观看，就能体验人物角色的命运，并且根据剧情的变化作出相应的反应，达到情感思想上的共鸣。同时，在观看戏剧表演的过程中，观众往往会沉迷于剧情之中，在情感、思维判断上都会跟随着演员的表演发生变化。而在演出之后，观众也可以表达自己的意见看法，叙述自己的直接体验，这样才有利于演员对自己的演绎、角色进行反思与揣摩，对自身的表演加以完善。正因为如此，戏剧表演长久以来都得到了诸多观众的青睐。相对而言，镜头前表演属于一种一次性的创造，这种创造需要演员在演绎之前做好充分全面的准备，在短短的时间段内，演员需要在镜头前进行一次性的、成功的创造，否则就会造成拍摄成本的提高。尤其是在电影拍摄的过程中，多是采取胶片来进行拍摄，如果演员在一段表演中进行多次拍摄，就会造成资金的浪费，因此成本、影视表演与戏剧表演同时间、进度等多重压力，在一定程度上对演员一次性的创造与演绎带来了有意无意的干扰，如果演员不能做好充分的准备，那么这些演员就会在开拍以后处于一种紧张慌神的情绪，甚至会出现怯场的情况。而电视在拍摄上虽然使用的是磁带，成本相对较低，但也不允许进行无休止的、重复的拍摄。因此，如果要想降低成本，就必须要学会珍惜每一个镜头，在拍摄的过程中争取能够做到一次性创造，需要注重演员影视表演水平的提高，否则后续处理上架的电视剧作品在品质上就会极不理想，不知道应该如何从某个方面入手加以改善，也没有充足的时间去改善补救，但是一定程度上，后期剪辑也可以帮助弥补部分瑕疵。虽然戏剧表演也是一种一次性的展现，且戏剧表演在创作相对时间上也更长，在表演上需要耗时一个小时甚至以上的时间。同时，一场戏剧表演在正式公演之前还需要排练多次，一旦公演之后就要连续演出多场，在之后几年都会出现重复演出的情况，戏剧演员可以在一次次的演绎之中不断进行创造，让今天演绎上的不足在后续的演出中不会再出现，在此过程中观众给予的反馈、对手戏演员的反应以及导演的建议、自我反思都能为不间断的演绎创造提供建议与改善的方向。如若一个角色可以由一个演员演一辈子，那么演员可以进行不间断的创造与改进。在镜头前表演的过程中，观众都是在荧幕前观看的，无法与演员实现实时互动。在观看电视剧的过程中，观众观看的地点并不是固定的，经常会被其它的事情打断。在表演、拍摄的过程也是在观众无法触及的地方，观众所看到的作品多是通过后期加工处理形成的。从剧本开始创作到演员表演，再到最后作品的呈现与播出都要经历较为漫长的周期，观众所看到的作品一般都是经过后期的打磨才呈现出来的，常见的“打磨”方式有录音、剪辑等，这也造成影视剧欣赏、表演拍摄的分离。但是影视剧的拍摄与制作形式造成演员在表演之后无法及时受到观众的反馈，由于这种表演的一次性，在后续演员也无法对自己的表演进行再次修改。相对而言，影视剧演员与观众的距离较远，演员无法实现自身体验与感受的升华。表演流程的间断与连贯。影视表演在拍摄的进程之中，表演流程从刚开始到最后都存在间断、被切割的情况，其并不是按照人物形成与发展应有的顺序开展的，也不是按照人物情感的合理逻辑来开展演绎。在拍摄上的间断造成很多演员的拍摄是片段式的、分裂的。例如，有的演员在表演中将自己剧中的情人无情杀死，在下一场却又要进行时空的“倒转”，与“已死”的情人在花前月下互诉衷肠。也许在早上拍摄时，演员演绎的还是一个风度翩翩的少年，但是镜头一转，就成为了一个年迈的老人。之所以出现这一情况，是需要按照场景的便利性来对拍摄的顺序进行安排，这样才能尽快完成拍摄的总体进度，这也是表演过程中必须要遵守的规定。在演绎的过程中，演员需要随时处理好自己的情感，能够根据不同的场景进行高效的切换，如果不能保证这种灵活的切换，就会影响整个剧组的表演与拍摄进度。这种间断式的拍摄也要求演员的情感能够迅速积聚，且能够灵活能动地爆发。特别是在部分外景拍摄的过程中，为了赶上某一个特定的场景，演员不仅要做好初期的准备，还应该在拍摄的那一刻将自己的情绪全部准确地表现出来。正因为如此，影视作品也被看作是一种遗憾的艺术，与戏剧表演则有着明显的区别，特别是舞台戏剧是在合理的步骤中不间断地开展的，它的故事是完整的，人物的形成与发展都随着时间的推进，按照一定的逻辑顺序开展的。戏剧表演演员的演出是一个人物情感世界的展现，演员可以通过这种表演体现出一个人物形象的整体发展。在此