绘画色彩学教案

#第一章导论一、关于色彩：1、广义与狭义的色彩：（1）、它是最具有表现力的视觉要素；（2）、它是人感性的直觉，而不是理性的判断；（3）、在艺术作品中，是绘画的重要语言，也可以是一种重要的表现手段，具有独立的欣赏价值（4）、在自然界中它又是某些动物的保护色2、色彩在绘画中的作用对于深入刻画形象、抒发情感、烘托气氛、准确鲜明地表现生活，具有独特的作用；3、色彩在造型艺术中的地位？反对色彩第一主义——坚持色彩第一的观点，有陷入形式主义的可能：1、作为造型艺术的绘画语言来说，色彩虽然是重要因素但不是第一位的；素描和白描才是第一位的，因为素描和白描是解决形的问题的，也就是解决形体结构问题的，没有行也就没有造型艺术；2、色彩是依附于形的，生活中如此，在反映生活的绘画中也是如此，不依附于形的一堆颜色是不能正确反映生活的；3、形与色、创作的关系二、理论知识的再认识和学习色彩艺术的途径（1）、科学、光学知识以及艺术流派的风格特点（2）、学习大师的创作经验和风格特征表现手法、观察方法；（3）、自我的直觉和经验以及灵感；《所谓的经验是我们可以习得的理论知识和相关的视觉表现形式与技法》三、色彩与色彩研究发展的过程1、出发点：A早期运用实践，集中与经验和技法的表达上；B随着科学的发展——》从直觉发展到科学的理性分析——》多元化的研究和探索——》深入到自然科学或其他学科的研究领域，甚至与其他学科相交叉。C从美学角度出发——》是对我们的艺术实践具有普遍使用价值的色彩理论和规律2、在艺术领域中，针对实践色彩的演变过程：@1、菩提切利的线描填色法；@2、“先形后色”的古典画法@3、伦勃朗的透明画法@4、“先色后形”的画法@5、印象派与运用色点色线色束的技法艺术作为文化它自身的发展、演变、伴随的是文化的传承与创造，在传承和复兴的传统过程中，每一代人都会发现和创造色彩新的功效再现艺术——色彩作为象征的手法追求简单而清晰的象征效果，而不是阴影和色彩的变化（如古典绘画）表现主义——用形状和色彩的手段来表现内在的精神体验现代主义——强调的是每种色彩固有的表现价值，创造有意味的形式，追求绘画自身的真实；每位艺术家的观点都决定他在使用色彩时所呈现的不同倾向；四、我们如何参鉴大师的作品？如何理解他们利用色彩来创造作品的形式意味？A、历史背景B、个人的风格特点C、画家与时代的风格关系古典主义绘画古典主义作为一种艺术思潮，它的美学原则是利用古代的艺术理想与规范来表现现实社会的道德概念，以典型的历史题材表现当代的思想主题，也就是借古喻今。古典主义绘画以此为精神内涵，竭力在表现风格上追求一种完美的崇高感，在表现形式上创造一种完整的典范性。古典主义的特征1、以古希腊、罗马神话、历史事件以及圣经故事为绘画题材，表现某种哲理观念和社会问题，宣扬一种理想化的崇高境界。2、以古希腊、罗马的雕塑和文艺复兴时期大师们的绘画为典范，塑造一种类型化的艺术形象。3、技巧上，古典主义绘画强调精确的素描技术和柔缓微妙的明暗色调，并注重使形象造型呈现出雕塑般的简练和概括，追求一种宏大的构图形式和庄重的风格、气魄古典主义的发展从17世纪到19世纪，法国古典主义绘画的发展先后有三种不同的艺术倾向：1、以普桑为代表的崇尚永恒和自然理性的古典主义；2、以达维特为代表的宣扬革命斗争精神的新古典主义；3、以安格尔为代表的追求完美形式和典范风格的学院古典主义。普桑从文艺复兴运动以来，罗马一直是欧洲美术的中心。各国的艺术家象朝圣者一样，到这里来向大师们顶礼膜拜。1624年，30岁的法国画家尼古拉・普桑，也来到了罗马。这个出身农民的青年在这里完全被培育成为古典艺术法则的忠实捍卫者。1640年，法国国王路易十三召他回国为宫廷服务，他便把这伟大的古典法则原原本本地搬到了法国。在近代历史上，巴黎成为世界艺术的中心，是因为拿破仑的远征。但是在此之前，正是由于伟大的古典主义者普桑的努力，正宗的古典艺术才在巴黎深深地扎下了根。达维特的油画《马拉之死》表现的是马拉刚刚被刺的惨状：被刺的伤口清晰可见，鲜血已染红了浴巾和浴缸里的药液，握着鹅毛笔的手垂落在浴缸之外，另一只手紧紧地握着凶手递给他的字条，我们可以看到上面写着： “1793年7月13日，马丽•安娜•夏绿蒂•科尔代，致公民马拉：我是十分的不幸，为了指望得到您的慈善这就够了。” 显然，女刺客夏绿蒂•科尔代是利用马拉对她的同情趁其不备下的毒手，我们还可以看到丢在地上的带血的凶器。 在浴缸的旁边立有一个木台，看来，这就是马拉办公用的案台，“案台”之上有墨水、羽毛笔、纸币和马拉刚刚写完的一张便条：“请把这5法郎的纸币交给一个5个孩子的母亲，她的丈夫为祖国献出了生命。画家有意将画面的上半部处理的单纯、深暗以突出下半部的客观写实表现，同时，加强死者身体的下垂感和这一令人震惊愤慨的事件给人们带来的压抑、憋闷即莫大的悲痛之感。马拉工作的木台有如纪念碑一般，使画面产生了一种凝重、庄严的气氛； 尤其是木台的立面画家精心安排的法文：“献给马拉•达维特。”有如石碑上的铭文。这简洁、严谨、明晰、理智的表现手法以及这深入、具体、真实再现细节的刻画，不但反映了马拉的真实斗争生活、善良的人格和献身精神，强调并记录了历史的精确性，反映了达维特对马拉的无比敬重之情。 同时，也反映了法国大革命期间，古典主义的盛行以及人们渴望寻求一种时代所需要的理想的英雄主义精神。《大宫女》就严格的古典风格去要求，确实存在很多“越轨”之处，夸张了的形体，这个女裸体几乎成了变形美的一种试验，它完全背叛了老师的庭训。安格尔的学生杜瓦尔为此曾竭力为他作辩解，他说：“我并不想说，安格尔先生是个浪漫主义者。但我也要肯定，他从来不是当时所理解的那种意义的‘古典主义者’。罗斯科绘画艺术的特点：1、其作品特征是对色彩、形状、平衡、深度、构成、尺度等形式因素的极度关注；2、画面主要是两三个色彩明亮、边缘柔和、微微发光的矩形色块；蒙德里安的绘画特点：1、他的画对现代绘画有很大的独创性贡献，即绘画使用两种基本的手段：比例对比和色相对比； 2、主题从没有变化，主要选用方形划分画面的色域；在他的绘画中“造型性”和“真实性”是他的毕生追求总结：色彩艺术并不是仅靠学会一套规则就可以掌握的，一切源于我们对现实的洞察力和实践中的能力。对我们来说，最重要的是态度和个人追求的目标，他决定了我们的学习方式和性质。第二章 绘画色彩理论第一节色彩物理学（1）光与色（2）光源色、物体色（3）固有色1、光与色的关系?色彩始于光，也源于光，没有光也就没有了颜色。光源可以分为：自然光：日光人造光：白炽灯光、烛光、火光、射灯等等2、什么是光？广义上：光在物理学上是一种客观存在的物质（而不是物体），它是一种电磁波；实际上：阳光的七色是由红、绿、蓝三色不同的光波按不同比例混合而成，我们把这红、绿、蓝三色光称为三原色光1676年，英国物理学家牛顿做了一次非常著名的实验，他用三棱镜将太阳白光分解为红、橙、黄、绿、青、蓝、紫的七色色带。据牛顿推论：太阳的白光是由七色光混合而成，白光通过三棱镜的分解叫做色散，虹就是许多小水滴为太阳白光的色散结论：白光不是单色光，而是由各种色光混合成的．太阳光通过三棱镜后被分解成七种色光,依次是红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫.可见光谱表：光的物理性质由光波的振幅和波长两个因素决定，波长的长度差别决定色相的差别，波长相同，而振幅不同，则决定色相明暗的差别。毛泽东的诗句“赤橙黄绿青蓝紫,谁持彩练当空舞”二、光源色、物体色夕阳返照桃花渡,柳絮飞来片片红。柳絮白如雪,岂能片片红?你能解释这其中的物理道理吗?所谓的光源色是指光源的颜色；物体的颜色1.透明体的颜色透明物体的颜色是由它透过的色光决定的．2.不透明体的颜色不透明物体的颜色由它反射的色光决定白色物体反射各种色光.黑色物体吸收各种色光,完全不反射光.三、固有色固有色：所谓固有色就是指物体在白光下所呈现的颜色。任何物体的颜色都会受到光源及其周围物体的影响而产生变化，大多数时候我们把物体中间灰调处的颜色认为是固有色,真正固定不变的颜色是没有的。环境色:是指物体所处的周围环境所反射出来的光色，它可以影响到物体固有色的变化，如一个梨在红色的背景布下暗部会呈现橙红倾向。我们有了对色彩的观察、分析能力，有了对各种物体在自然环境中受到的影响，并表现出来的色彩关系的理解，我们就会增强处理画面色彩关系的能力。色彩的三属性：色相、明度、纯度练习:1.黄色光是由红色光和绿色光合成的,白光是由红、绿、蓝三种色光合成的.2电视机屏幕上的各种颜色都可由红、绿、蓝三种颜色合成.第二节色彩的生理与心理功能一、色彩的生理功能二、色彩的心理功能三、色彩的象征性1、为什么要了解色彩的心理和生理功能?2、人的色彩感觉大体分为几类？各有什么特点？@、可以分为以下两类：直觉反应和思维反应；一、色彩的生理功能色彩的生理功能主要体现在错觉与幻想，并由此而产生的直接联想；它集中体现在：(1)色彩的膨胀与收缩(2)前进与后退(3)冷与暖(4)轻与重(5)兴奋与沉静以及直觉等方面；1、胀缩感造成色彩的膨胀与收缩感的原因什么？主要在于光色本身波长较长的暖色光与光度强的色光作用于人的眼睛，使我们看的形象边缘轮廓模糊产生膨胀感；波长较短的冷色光或光度弱的色光相对来说会产生收缩感。2、进退感进退感也是一种错觉现象，是由色性、纯度、明度、面积等多种对比造成的。前进与后退：暖色、亮色、纯色有前进感；冷色、暗色、灰色则有后退感色性排列：红＞橙＞黄＞绿＞紫＞蓝明度排列：黄＞橙＞红＞绿＞蓝＞紫3、轻重感轻重感的产生，有直觉的因素，但更多的还是联想，与我们的日常生活经验有关；色彩的轻重同一造型的物体，但是色彩不同，会让我们感觉重量不同色相的轻重排列：白＜黄＜橙＜红＜中灰＜绿＜蓝＜紫＜黑4、冷暖色彩的冷暖感觉具有相对性，其本身并不具有独立存在的价值，它与色相、明度和纯度是密切相关；二、色彩的心理功能受以下一些原因的影响：1、这里有年龄、性别、阅历等因素的影响；2、民族风俗、地域环境的不同影响，使人们对色彩的态度各不相同；三、色彩的象征性象征是由联想并经过概念的转换后形成的思维方式。“生命是张没有价值的白纸自从绿给了我以发展红给了我以热情黄教我以忠义蓝交我以高洁粉红赐我以希望灰白赐我以悲哀再完成这帧彩图黑还要加以死亡从此以后我便溺爱于我生命因为我爱它的色彩。”色彩名称具体联想 抽象情感红色火血太阳喜庆热情健康警告橙色橘子橙秋叶温暖活泼美味和谐黄色 黄金 阳光穗谷光明 希望 明朗 富贵绿色 树木 草原和平 青春 安全 新鲜蓝色天空大海平静广博深邃冷静紫色 葡萄 紫菜优雅高贵 浪漫 神秘黑色 炭 墨严肃刚毅 深沉 稳重白色雪哈达白银纯洁神圣安静光明灰色水泥不锈钢平凡谦和大度红色一一热情、活泼、热闹、革命、温暖、幸福、吉祥、危险……橙色一一光明、华丽、兴奋、甜蜜、快乐……黄色一一明朗、愉快、高贵、希望、发展、注意绿色一一新鲜、平静、安逸、和平、柔和、青春、安全、理想……蓝色一一深远、永恒、沉静、理智、诚实、寒冷白色一一纯洁、纯真、朴素、神圣、明快、柔弱、虚无…黑色一一崇高、严肃、刚健、坚实、粗莽、沉默、黑暗、罪恶、恐怖、绝望、死亡色彩美学可以从—印象(视觉上)、表现(情感上)、结构(象征上)三个方面进行研究。第四节色彩的对比与调和一、 关于色彩与色彩的对比调和的几个问题(一)为什么要学习色彩的基本原理知识?(二)如何发展审美的色彩关系?(三)色彩对比与调和的关系?二 色彩的对比与调和根据观察色彩效果的特征,总结出以下七种不同的色彩对比类型:(1)色相对比(2)明度对比(3)纯度对比(4)冷暖对比(5)同时对比(6)连续对比(7)面积对比色相对比是由色相差异造成的对比;同类色搭配的特点：和谐、温馨、安逸、平静邻近色搭配的特点：优雅、含蓄、浪漫对比色搭配的特点：热烈、活泼、明快、醒目色相对比的运用：我国古代的敦煌壁画永乐宫壁画 以及建筑民间的年画和其他的民间美术苏州桃花坞、天津杨柳青、山东潍坊和四川绵竹，是我国著名的四大民间木刻年画产(河南朱仙镇、河北的武强、广东的佛山)在西方主要是宗教建筑明度对比：1什么是明度对比2它划分的原则和特点是什么3明度差别大小的划分4明度对比与色彩的关系：定义如何划分色彩纯度常见的几种改变纯度的方法：A一种纯度色彩与白色混合B一种黑色和某种颜料混合C 相同明暗的中性色混合D 一种颜色与补色的混合冷暖对比什么是冷暖对比?将色彩的色性倾向进行比较的色彩对比称为冷暖对比。色彩冷暖是如何界定的?A色光的物理特性;B色彩的冷暖感觉是人们对色彩的生理和心理的反应以及人们对色光的视觉印象及其心理联想;冷暖不同的色彩在心理上的反应:冷色阴影透明镇静稀薄空气感流动远的轻的湿润的暖色日光不透明刺激浓厚固定近的重的干燥的色性对比的特点?色性对比具有相对性;为什么要了解色彩的色性?可以加强对色彩的敏锐感觉（2）冷暖对比是色彩构图的重要因素:（3）在写实性绘画中冷暖对比也表现在与之相对应的物像受光和背光的色彩关系中,空间的远近效果也有赖于冷暖对比的准确运用;同时对比什么是同时对比?当两种或两种以上色彩并致配色时，相邻两色会互相影响，这种对比称为同时对比。同时对比色彩的特点?A在色相上，彼此把自己的补色加到另一方色彩上，两色越接近补色，对比越强烈；B在明度上上，明度高的越高，明度低的越低C越接近交界线，影响越强烈，并引起色彩渗漏现象D同时对比使相邻之色改变原来的性质，都带有相邻色的补色光抑制的方法：（1）改变纯度，提高明度，缓和纯度对比作用；（2）破坏互补关系，避免补色强烈对比；（3）采用间隔、渐变的方法，缓冲色彩对比作用；（4）缩小面积对比关系，建立面积平衡关系。强化同时对比效果的方法：（1）提高对比色彩的纯度，强化纯度对比作用；（2）使对比之色建立补色关系，强化色相对比作用（3）扩大面积对比关系，强化面积对比作用。什么是面积对比?面积对比是指两个或更多色块的相补色域,这是一个多于少,大于小之间的对比;面积对比的特点:A它可以变更和加强任何其它的对比效果;B面积和明度一样可以决定一种纯色的力量;哥德的色彩光亮度和色块面积比为：黄:橙:红:紫:蓝:绿3:4:6:9:8:6C它是一种比例对比第六节色调、什么是色调？色调亦称调子是指画面总的色彩倾向，是色彩整体的多样统一关系的重要体现。色调是形成画面色彩和谐的基本因素；色调关系是什么？色调中的主色调，决定了颜色面貌的多种多样，有着变化无穷的确切安排，这就是色调关系。色调的类别明度上分：亮色调、暗色调色性上分：冷色调、中性色调、暖色调色相上分：紫色调、绿色调、红灰色调等心理因素分：深沉、浓郁、轻快、色调与情绪色彩不仅可以模拟和重现视觉现象，色彩本身还能引起某种感情。色彩与感情的联系虽然因时代、民族、个体的不同而有所差异，但是在一定范围内色彩感情是有其共同性的。“忆的绿罗裙，处处怜芳草”源于诗人对这绿衣裙女子的喜爱，这是色彩感情的个体性。1.鲜明的纯色调纯色调是由高纯色相组成的色调，每一个色相个性鲜明，具有挑战性、令人振奋、赏心悦目强烈的色相对比意味着年轻充满活力与朝气。.清新的中明调中明色调的刺激感仅次于高纯色调，中色调加入了白色，提高了明度。因此显的清新、明朗，像少男少女的纯真、朝气蓬勃，具有上进精神。.明净的明色调明色调属于青色系列，其特征是加入了多量的白色提高整体色调的明度，色感相对减弱。明色调犹如春天的新绿，透明清丽、明净、轻快。以明色调的暖系列为主的配色有甜美、风雅之味道，像少女般的清纯。明色调的冷系列显得清凉、爽快。.高雅的明灰调这是在全色相色系大量的调入浅灰颜色，是色相全部带有灰浊味。由于过多调入灰白色，色相的明度提高了，形成高明度的灰调子，这是明灰调的特征。明灰调以平静的感觉，蕴含着高雅与恬静，显示出另一种美的境界。.朴实的中灰调中灰调是一组中等明度的含灰色调是纯度降低，色相感淡薄。中灰调带有几分深沉与暗淡，有着朴实、含蓄、稳重的特色。.浑厚的暗灰调色相环中所有颜色均调入暗灰色，使色相感呈低弱灰暗的灰调。就像乌云密布、阴郁暗淡，令人压抑.中庸的浊色调浊色调居于色彩体系的明暗中轴线与高纯色之间的位置，具有明显的色彩个性，有宜于调和色调.稳重的中暗调中暗调属于暗色系色彩，调入了少量黑色。此色调在保持色相原有的基础上有笼罩了一层较深的调子，显得稳重老成、严谨与尊贵。.深沉的暗色调暗色调入了大量的黑色，形成浓浓的深色调。隐约略显各色的相貌，这是暗色调的特征。表现出深沉、坚实、冷静、庄重的气质。色调形成的因素A色调的形成是由：色相、明度、纯度、色性、面积、形状等多种因素综合造成的；B色调的画法：色调画法和色彩并置画法六、色调构成的基本法则：多样与统一一、均衡在色彩构图上，不同位置、形状、性质的色块给人的“重量感”是不同的。二、呼应任何色块在布局上都不应孤立地出现，它需要同种或同类色在画面的上下左右前后等方向彼此相呼应并以各种形式做出疏密、虚实大小的丰富变化。三、面积色调构成与诸种色彩面积之间的比例的大小、各种色彩的色量差异有密切的关系，面积对色调的形成起着决定性的作用。画面的色彩有其相对的色域，色彩组合是在各种大小的色域中，色度和面积决定某一色彩的力量。色彩的稳定性与面积有关。四、它们之间的关系从色彩的多样化中取得谐调一致的方法就是必须权衡整个色彩构图。根据每块色的作用，所占的面积位置等，构成色彩的均衡、对照和响应，也就是使所有色彩形成有机的联系，给人以整体色彩的感觉。实际上色彩的效果是在画的各颜色相互关系的变化与协调中形成的，而不是孤立地去强调每种颜色的个别价值。我们必须整体地观察色调并把整个色彩关系的表现，归结到色调上来，才是把握色调的最好方法。色调与创作（一）什么是绘画创作？艺术是人类心灵的产物。绘画作为一种空间艺术，以其静态的方式,运用点、线、面、色等构成要素,向人们呈现出丰富多采的人类心灵世界。在运用绘画语言表达人类精神生活的时候，不同时期的绘画艺术家们，总有着各自独特的角度和方式。不同时期不同画家他们在创作艺术作品时还要具有独创性。生活是创作的源泉。作为绘画创作，首要的是选择题材。色调在创作中的重要作用？色调是典型表达绘画主题思想和情绪的色彩节奏和韵律；色调是关乎全局处理的重要问题；东山魁夷的风景画1908年生于横滨市。1931年毕业于东京美术学校（现东京艺术大学）。1933年留学欧洲，攻读美术（1935年归国）。1947年第三回日展【残照】特选受赏，一鸣惊人。1950年第六回日展【道】，大放异彩。1956年第十一回日展【光昏】，日本艺术院赏。1960年东宫御所壁画【日月四季图】完成。1968年新宫殿壁画完成。1969年获文化勋章，被选为文化功劳者。1974年日展理事长就任。1975年唐招提寺壁画【山云】、【涛声】完成。1990年长野市城山公园内，东山魁夷馆开馆。1999年5月6日逝世，获赠从三位、勋一等瑞宝章。东山魁夷是当代日本画的泰斗。他接受过西洋绘画的基本训练，且多年游历欧洲各地，他最大的创新在于用西洋画的平面厚涂技法融合水墨渲染，改变了一味注重线条和笔法的传统日本画技法，表现力大增。东山的创作从实地写生开始，继而绘制样稿，再到正式成画，仔细琢磨，一丝不苟，是写实性与装饰感的完美结合。也许习惯于西洋画创作技法和过程的人更能体会并欣赏东山作品的细腻和完整，但在本质上，东山的作品却传神地表现了日本传统的“物之哀”的审美观，是对自然和人生的深深依恋和淡淡感伤。川端康成说：“东山的风景画是日本大自然美的灵魂。”从尺幅小品到百丈巨作，东山魁夷异常深刻地表现了大和民族追求的情调之美，一种平和、澄澈、忧伤、眷恋的纯粹的情调。（四）东山魁夷风景画的特点？一、色彩上，剧烈与柔和并存之美；二、空间上，延伸与精窄呼应之美；三、主题上，静寂与绽放兼容之美一、色彩上，剧烈与柔和并存之美；二、空间上，延伸与精窄呼应之美三、主题静寂与绽放林风眠在晚年的血泪自述中说：“后来在欧洲留学的年代里，在四处奔波的战乱中，仍不时回忆起家乡片片的浮云，清清的小溪，远远的松林和屋旁的翠竹。我感到万物在生长，在颤动。”这种逐渐升华为宗教情感般的对大自然的人文关怀，是所有震古铄今的杰作诞生的先声。东山魁夷一生放眼风景，他曾在《花•月•我》一文中说：“无论是什么场合，能够与风景偶然相遇，哪怕只有一次，也是值得庆幸的。……把这种偶然相遇视为重要之事的缘由，就是把人生看作一个旅程，不是时光的流逝，而是我们和这个世界上所有的东西的流逝。”对无常的宿命论的真诚信仰，使东山产生了与自然共同生存的连带感，这种感受也正辉映着林风眠尝遍人生孤寂和悲凉之后却永不磨灭的赤子之心。作业布置：选择大师作品分析色彩构图对画面的形式色彩等因素进行抽象的概括描绘，从中发现色彩构图或表现的规律。第七节光色现象与色彩写生＜一＞、关于光色现象：色彩印象就是自然界中的彩色物体给予我们造成的视觉印象；对自然界光色现象（印象）的研究是再现性艺术的基础。对于色彩现象的成因以及色彩概念和原理的认识，通常从光色谈起。因为光不仅是生命之源，也是色彩的起因。光让我们感受到瑰丽的色彩世界，光决定了我们的视觉对自然界的感知。没有光线，色与形在我们视觉中就消失了。我们在绘画中运用的一切有关色彩的法则都是自然规律的反映。＜二＞、关于写生合理地分析观察自然，并加以描绘，是写生训练的要求。在此过程中，感觉变得敏锐，艺术才智得到锻炼。＜三＞、光与色在色彩写生中的几个问题：光不仅是物体色彩的起因，也是它们形体存在的原因。根据物理学来说，物体是没有色彩的，当光照射到物体上时，才形成色彩。实际上随着物体的起伏变化，就出现了明暗现象，色彩也随着明暗而变化，形与色是不可分离的统一体。我们往往把表现物象明暗结构的素描，作为写实性色彩画法的基础，这对于表现物象的体积和空间等视觉再现为目标的绘画更具指导意义。在很多绘画大师那里素描就是一切。＜三＞、光与色在色彩写生中的几个问题：素描三大面：受光面、半受光面和背光面；五大调子：亮部（高光）、中间调（半受光）、明暗交界线、暗部（包括反光）和投影。在由单色的素描过程到色彩造型时，首先明确的是任何有体积的物象都不是单一的色，因为在每一个物象的明暗调子转化的同时色彩也在发生变化，这是一个基本事实。以色彩观念而言，明暗变化中同时也包含了色相与纯度的变化，这时物体素描关系中的明暗因素，就应以色彩三要素中色彩的明度关系这一角度来认识，是色相间的调子变化而已，不再具有独立意义存在。可以说由明暗变化中认识到色相与纯度变化，是由素描转化为色彩画的关键，作画时可采用块面造型，来表现形体转折或相应的色彩变化。一、固有色物体的颜色是由其反射的色光决定的，而在一般强弱的白光照射下物体所呈现的颜色，就是我们所认为的该物体的本色称为固有色。二、光源色光源色即光源的色相。不同的光源会导致物体产生不同的色彩。相同的景物在不同光源下会出现不同的视觉色彩。光源色的色相是影响景物色相的重要原因。三、环境色环境色也叫“条件色”是指对象受环境的影响所产生的色彩，每种有色彩的物体向他周围空间反射它的色彩，被反射出的色光又照射到其他的物体上，因特定的物体总是处在一定的环境中，并受环境中反射光的影响，色彩就会发生变化。环境色对不同质地的物体分别有哪些影响？质地光滑的浅色物体对环境色的吸收与反射较明显，如金、银、不锈钢及玻璃制品等反光色彩基本上就是环境色，而陶器、竹木制品、亚麻、丝绒等质地粗糙或颜色深的物体，对环境色不敏感。四、阴影色在白昼光下，每种彩色光线都产生它的补色阴影，事实表明这种彩色阴影确实存在，这也并非单是由于同时对比的原因。思考：光源色、固有色、环境色之间的关系是怎样的？（1）光源色、固有色、环境色是构成物体色的三个主要因素，它并不是均等地其作用，而是在不同的，具体条件下，各处于不同的主次地位。（2）物体的颜色受不同光源和环境下物象会呈现出不同的颜色。写实性色彩画法就是将写生对象结构与明暗变化规律作为基础，并把条件色作为一个整体与之相匹配的整体表达，使物体的固有色、光源色、环境色与物体的三大面五大调子紧密的联系在一起。实际上，物体色、色彩、体积等本来是一个有机的整体，从概念上将他们加以区分，对我们观察、分析及表现物象色彩真实感具有认识和方法上的意义。因此我们将分析光源色、固有色、环境色与物体的明暗调子之间具体关系并作如下描述：物体亮部的色彩——主要是光源色与固有色色混合，即光源色加物体的固有色。物体的高光色彩——基本上是光源色的直接反映，也受固有色的影响，其主要受物体表面材质的影响，表面光滑的高光强，基本上是光源色。物体中间调子的色彩——基本上是固有色，但也受光源色与环境色的影响，是物象色彩变化最丰富的部位，作为明暗的中间过渡靠近物体亮部的色彩，光源色的成分多一些，靠近物体暗部的色彩，环境色成分多一些。总体上是固有色最为明显的部分.明暗交界线部分的色彩——色感最弱，色彩倾向与暗部色彩相近，但明度更暗。物体暗部的色彩主要是固有色与环境色的混合，明度上也比较暗。物体反光部分的色彩——是暗部色彩的组成部分，基本上与暗色统一，更多显示环境色的成分，明度上也稍亮一些，但受环境色强弱与物体本身的影响。物体的投影部分的色彩一般是把固有色加暗，再加上环境反光的颜色。五、色彩透视同“近大远小”这个形体透视规律一样，由于人的视觉技能或可视物体与人的远近距离所造成色彩变化的规律，叫做色彩透视。色彩强弱的变化规律：距离越近色相越明确，色彩越鲜明；距离越远色相越模糊，色彩越变灰。了解色彩远近和扩张、收缩的变化这种规律，对于我们表现画面的空间关系非常重要。我们也了解色彩本身也有远近感，比如：暖色有向前冲的感觉，冷色有隐退的感觉。暖色近，冷色远。六、写生色彩的观察方法首先“大色调“。强调的是大的感受，即物象体现出的总体的色彩特征。其次是对自然色彩的概括提炼，要求画面色彩与自然色彩之间相对的平衡关系。

最后，强调感觉与理性分析相结合，也是强调在感觉基础上，运用色彩理论知识，对色彩理

论知识，对色彩现象进行理性分析，在实践中提高对色彩规律的认识，培养对色彩的感知能

力。总色调记在心,分层次要认真,（指黑白灰）同等明度比冷暖,冷暖相同比色相,整体观察精概括突出特点见精神.1、什么是写生？写生是指直接面对自然物象并对其描绘的方式。使我们学习绘画时所采用的最为普遍、有效

的方法之一。它是以再现风格作为研究基础的。2、为什么要学习写生？（1）我们的理想是通过对物象写生逐步学会以新的观点观看自然，和以新的观点看待我们的绘画传统，发现或创造新的视觉结构，并对自己的主题进行创造性的描绘。（2）以形式创造的角度来看，写生和创作并没有什么严格的界限。在绘画史上很多画家就是在写生中进行创作，例如：库尔贝、印象派的画家们都是通过写生

来完成的，其他的如马蒂斯、弗洛伊德、阿列卡、玻尔斯坦等等。（3）写生中的再现风格，也并非是我们平常所理解的对自然真实模仿。总之，在写生中色相的选择及他们相对的形势，它们在构图中的位置和方向，它们的表面结构或同时并存的形势，它们的面积和它们的对比关系，都是色彩表现的决定性因素，课后小结：学色彩要有三个眼睛。第一个眼睛用来看物体固有色，第二个眼睛用来看整个画面的环境色，而第三个眼睛用来理解“你中有我，我中有你。大色调、大明暗、大冷暖，是色彩绘画训练过程中，最为重要的三个方面，我们只有从这些方面去观察、分析被画物体色彩之间的特点，才能准确地把握住色彩的各种变化。第三章油画颜料油画的材料一、常用油画颜料的性能与禁忌1、用色2、用油3、树脂二、高科技时代新兴的油画材料的介绍三、调色板四、油画底子的制作 ★油画技法1、用色（1）白色及带粉质的颜料为什么要减少使用白色？过量的使用白色会使画面的色彩失去明确的色彩倾向和应有的饱和度，从而使画面失去色彩的表现力和感染力。哪些颜料的明度可以代替白色改变色彩的明度和纯度？油画颜料中除了普蓝、煤黑、深红、大红等少数几种饱和度极高的颜色外，其他各种颜料都具有不等的明度（甚至有许多颜料本身就具有定量的粉质）比如冷色中的湖蓝、钴蓝、粉绿甚至群青；暖色里的各种黄色、土红等都具有这种性质。在需要降低色彩的明度和饱和度时，应首先考虑能否使用其中的一种或者数种；这样既能恰如其分地处理好画面上色彩的明度变化，同时又保持住色彩鲜明的个性。（2）红色朱红、大红、特别是玫瑰红和紫红的化学性能一般不是很稳定；因此要遵守一些禁忌，特别是在涂过较厚的红颜色底子上要忌讳覆盖大面积的白色，否则经过一段时间后，红色可能会漫漫的从表层的白色下渗透出来；（3）紫色在用色时，因为紫色是最不稳定的颜色，因此在作画时一定要尽量避免用原色作大面积的平涂；（4）油画调色须知正确的调色方法应是用笔将颜料在调色板上随意的调和两三下就行了，每次渗入的颜色一般最好也不要超过三种。2、用油（1）调色油为什么不能过多的使用调色油？@1由于我们所使用的调色油一般都是生亚麻油（生核桃油），生油一般都干得非常缓慢，过量的使用会使画面的颜料不易干燥；@2过量的用油还会造成难以塑造结实的的形体同时还会使画面的颜色发黄，从而影响一幅作品日后的保存寿命（2）松节油过多的使用松节油天长日久会使颜色剥落；因其具有漂白作用，过量还会使画面色彩变灰；（3）树脂树脂是一种固体的或高黏度的透明或半透明物质，分为天然树脂、合成树脂、和人造树脂，可溶于挥发性溶剂；在油画中树脂用于配置上光保护剂、绘画媒介剂以及修复用粘合剂；达玛树脂、马蒂树脂、松香、虫胶柯巴树脂、琥珀树脂等达玛树脂1：3的达玛树脂和松节油是最好的油画上剂；2%的达玛树脂松节油溶液是理想的粉画和素描定画液；达玛树脂也可以以1：2的比例溶解于松节油，制成达玛树脂油来配制各种媒介剂，如蛋彩坦培拉乳液和蜡画颜料的成分；达玛树脂干后形成比较坚硬的薄膜，不易脆和变黄；玛蒂树脂玛蒂树脂可以用来制作2%浓度的酒精定画剂；可以和含铅的熟油一起做成凝胶媒介剂；光油作用：光油有两个作用。光油能协调画面的效果，使各个部位的反光度一致。保护画面。光油可将油烟如灰尘与画面色层隔开，便于清洗，有利于延长作品的寿命。现在国内商店里卖的光油质量比较差，一是容易使画面变黄，二是遇天热时光油层发粘，三是透明度不佳。自制光油，可以控制光油结膜对光的反射能力。它们是折光强的、半折光的和不折光的三种。光油和作品的色彩技巧是密切相关的，不同的作品效果应选择不同折光程度的光油，这对于作品的整体效果十分重要当上光油时请注意以下几点：检查一下画面是否全部干透。2.上光油前用湿布将灰尘颉净。.上光时先上下涂，再左右涂。不要重复。均匀、稀薄是其技术要点。.平放晾干。避免灰尘。二、高科技时代新兴的油画材料的介绍@1、底料@2、填充料@3、衔接剂@4、调色剂@5、新型的油画颜料三、调色板调色板上颜色的安排一般是从浅颜色到深颜色，按照冷暖顺序放置；四、油画底子的制作宾卡斯油画画布：纯亚麻布、棉布和混纺布绷画布：绷画布时应注意四点：第一，买来的亚麻布用之前要用水洗去胶质；第二，不要绷的太紧，像鼓一样，而是绷的即要紧又要有弹性。太紧，布眼会被扯大，对涂胶层以及将来的绘画过程都有影响，太紧也会导致颜色层龟裂；第三，画布须钉得平整，纤维的纹路要平直，不能扭曲，扭曲的纹理（尤其是粗画布）会破坏作品表层的肌理美感；第四，钉子间距以四公分为宜。涂胶：1）胶层的调治：涂胶是绘画过程中的极重要的一环，也是作品的第一层结构。（注意：透明画法要求胶层为白色，以便于形成色层的透明折光效果（2）涂胶：第一遍和第二遍胶要以稀薄为佳。第二遍要待第一遍干后再涂。涂是画布要平放，同样，涂毕也要平放晾干。第三遍胶要略厚于前两遍，干后可用刮胡刀修整。如用砂纸打磨，磨后要上一遍稀薄的胶以防吸油。有时因刷的胶太多，或因画布网眼太大，背面会出现漏胶现象，以往大家都不予以注意，宾卡斯先生强调说，这种现象能是画面吸油程度不一,并导致油画曰后局部损坏，如出现这种情况可做如下处理：先用海绵将漏出的胶吸去，再用画刀将余者刮掉即可。四、绘画工具画笔：这方面有两点值得注意A画笔与绘画的技巧语言、肌理、画面的气势有着密切的关系，正如我们认为不同的依托材料有不同的美感不同样式、不同毛锋产生的绘画效果。单一的画笔不会产生丰富色彩的用笔和笔触效果B.国产毛笔是很好的画笔，毛锋较挺健的可以充当非常好的油画笔。画刀：画刀是一种表情丰富和具有力度的工具海绵：海绵是我们在绘画中少用的工具它既是可以被用来画画，也可以用来清洗画布，还可以用来调治颜料。木炭条和固定液：宾卡斯油画几个重点提示：1.请注意胶层的配制，透明画法的胶层须是白色。只是这样它才能形成所谓“透明”效果。2.罩染的技术，它不单指媒介剂加透明色的稀薄油层，还包括塑造形体时色彩的“粉”与“浅”准，而是有目的为以后罩染留有余地。墨染：当线稿干后可根据表现对象的色调将全面罩染一层。罩染是透明画法的主要技巧。它是指用媒介剂透明性颜料调和（不能加白颜色）覆盖在已干的色层上。受光部和暗部：形体处理的基本方法：先查看一下颜色表层干的程度和画面吸油情况，如色层已经干好，画面吸油程度较为严重的话可涂一层胶；在落笔前先用纯净的媒介剂（不调色）将整个画面薄薄地涂一层，目的是为颜色间的衔接这一环节。每天画画之前都要重复一次；首次亮部的塑造。宾卡斯先生先用一只1号宽刷式油画笔调白色（纯白）将已被罩染成中性明的亮部提亮，然后用另一只干净的笔将接近形体的明暗交接处的白色向明暗交接线方向刷开去，这样做的目的是为了使亮部的纯白色有明度和厚薄的变化；暗部的塑造：他的暗部表现方法与我们的不同之处首先在于他采用厚画；与他本人的亮部处理的不同之处在与暗部色彩不是用纯色，而是调过的复色，但色度不是太灰，色调不是太重，颜色中调入了许多白或少许其它的高明度的颜色。暗部色彩以对象为准。暗部的画法如同亮部的方法，先用一只笔调色上去，然后再用一只干净的笔向明暗交接线方向做色调与厚薄过度。一技法的演变发展:一方面它是紧紧地围绕着内容.题材的转换和科学技术的进步而发展另一方面又是随着人们对条件色的认识掌握的过程而发展的;技法变化演变的几个类型1菩提切利的线描添色法2 先”形”后”色”的古典画法3 伦勃朗的透明画法4 先”色”后”形”的画法5 印象派与运用色点.色线.色束的技法菩提切利的线描添色法它的特点;A这种绘画技法最初是从壁画的绘制中演变而来;B用严谨的带有东方色彩的线描基础上采取近于平涂的方法着色,因而用色较薄,一般看不出笔触的交错痕迹C色彩的冷暖变化不明显,对形体的塑造和质感的表现还是通过明暗结构造型和笔法;D色彩所表现出的画面具有装饰味道；先”形”后”色”的古典画法它的特点:A从壁画演化而来在浅色的涂有石膏的木板和涂有低色的麻布上,先画出严格的轮廓或是更精细的涂有明暗调子的素描,暗部用透明色罩染,亮部用较干油色描绘,用色较薄笔触不明显,着色时受轮廓线和明暗界限的严格约束,B 室内写生,侧光为主;反对分散用笔和显露笔触，这是古典绘画技法的特点之一伦勃朗的透明画法它的特点:A暗底色的画布上表现深色背景的肖像画和架上画;B着色时先用可塑性较强的白色把人像或物体的亮面堆积塑造出来,并用扁笔碾出明显的笔触,表现出肌肉的错综组合和器皿衣物的特点与纹理待干后再用透明色罩上,再擦去画面凸出部分的颜色,留下凹处的颜色;.先色后形的画法一.与先形后色有什么不同:.先形后色它的特点:A从壁画演化而来在浅色的涂有石膏的木板和涂有低色的麻布上,先画出严格的轮廓或是更精细的涂有明暗调子的素描,暗部用透明色罩染,亮部用较干油色描绘用色较薄笔触不明显,着色时受轮廓线和明暗界限的严格约束,B 室内写生，侧光为主；.先色后形的特点:A经济和光学的发展促使作为室内装饰品,肖像静物和风景,取代宗教题材开始占有独立的地位,光学的发展推动了画家对于室外光写生的实践.B 它与先形后色不同是,在确定了大体比例.位置轮廓后,先迅速用颜色铺上对象的大体色调与黑白灰冷暖的大关系,然后在这种严格的色彩关系基础上用色彩对形体进行塑造.什么是印象派？印象派是19世纪下半叶在法国兴起的一个画派。印象派绘画是注重于绘画色彩造型的变革.将光与色的科学观念引入到绘画之中，革新了传统的固有色观念，创立了以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学。树立了色彩形式的独特审美价值，新颖的形式为现代艺术的产生奠定了基础。印象派产生的原因A 印象派的理念：注重瞬间光色印象，捕捉景物的真实即时印象，用绚丽大胆的色彩来表达B 一些新兴艺术家艺术上的革新和创作自由的要求C 科学的发展特别是光学和色彩学研究的发展，他们尝试着纯粹的“外光”的描绘，以及新的色彩关系分析，并把这种自然科学的法则和他们的艺术观点结合起来进行创作.D 由于官方学院派的压制，这批年轻画家的探索创新作品不能在官方沙龙展出，于是他们共同于1863年举办了一次“落选沙龙画展”，遭到学院派古典主义的猛烈攻击。印象派绘画的特点:A印象派绘画表现上最大创造是他们在色彩的运用上打破了传统的“固有色”观念，忠于画家自己视觉的真实感受，绘画色彩是由光的变化而决定B印象派画家常用分成碎块的色彩去表现物象。一方面是为了传达出自然景物的“动感”，另一方面可提高色彩的纯度和画面的亮度，这样可保持一定距离从整体去欣赏，更显生动、丰富与逼真，增加了作品的艺术魅力C印象派画家走向户外和直接对景写生，所以作品画幅相对不大；笔触明显；画家们偏重于对色彩的研究与表达，就会重于感觉、不重于情感倾注。印象派与运用色点.色线.色束的技法1色点的运用:将对象分解为无数冷暖深浅不同的色点,这种技法表现天空,雾气,水以及自然景色的阳光感较为生动真实;西斯莱的＜街道＞莫奈的＜车站＞色线,色束的运用利用人们观察色彩时透过空气层可在视觉上自然地产生色彩混合的现象,调色时用不均匀的颜色描绘对象,在一定的距离外观察,所产生自然混合为一体的效果,而且产生一种跳跃的感觉.雷诺阿：(PierreAugusteRenoir1841-1919)以油画著称，亦作雕塑和版画。曾从师于格莱尔，在创作上能把传统画法与印象派方法相结合。以绚丽透明的色彩，表现阳光与空气的颤动与明朗的气氛，独具风格。作品有《包厢》，《阳光下的裸妇》，《加莱特磨坊的舞会》等。毕沙罗：(CamillePissarro1830-1903)1885年到巴黎学画，以后成为印象派画家，善于画风景，多写生农村及城市景色，也画一些农民的劳动生活。绘画有诗意，画风朴实，用色鲜丽。曾一度受修拉影响作点彩技法尝试。作品有《红屋顶》，《蒙特马尔大街》，《林中浴女》等。西斯莱：（AlfredSisley1839-1899）英国人，生于巴黎。早期作品细致，受透纳和康斯太布尔的影响。后来着重光和色的表现，喜欢画阳光中的河流和树林。作品有《鲁弗西里雪景》，《塞夫勒道路一景》，《马尔里的洪水》等。17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急方向和运动不仅使被塑造的形象显出生动感，笔触自身也具有艺术表现力。鲁本斯在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘，依照人物的形体运笔，留下自由奔放、多呈曲线的笔触，造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。荷兰画家哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，与他偏于表现豪迈、乐观的人物相辅相成油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。英国画家j.康斯特布尔法国画家德拉克洛瓦：德拉克洛瓦以浪漫主义思想支配创作，根据当时的历史事件创作大幅主题画。他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了震动当时画坛的风格巴比松画派在此基础上，法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果，以色光混合原理解决油画的色彩问题第四章静物画一、静物画的素材二、静物画的特点（1）静物画的不知包含在视觉艺术的创造中，表达艺术家某种情趣或意蕴；（2）某个特定景物的结构光线和空间组织之间的某些明确关系，在某些方面与风景空间关系相类似；（3）静物大多是以人为的方式构成的有较强的形式意味；艺术家可以通过静物的布置和摆放，运用各种方式探索有意思和最可交流的思想传达；静物画写生是进行色彩造型与技法训练的有效手段；三、为什么要把静物画的训练作为色彩造型训练的有效手段？二、静物画艺术的一般描述它的演化发展：早期：是为宗教主体所做的习作或收集的素材，如祭物，诸神使用的酒具、乐器、书具等；17世纪：静物开始逐渐具有完整的表现形式和独立的审美意义；｛佛兰德斯画派｝：地位：在美术史上是一个非常重要的美术运动；名称由来：它诞生在尼德兰地区，而尼德兰地区以荷兰人为主，今天的荷兰在历史上称为尼德兰地区的北部；它与意大利文艺复兴的不同之处：首先，尼德兰的艺术家一直固守其本土文化，绘画题材日以贴近现实生活，而后进一步世俗化；其次，他们重视对空间和生活真实的表现，写实观念和写实能力得到长足发展。17世纪荷兰绘画呈现出的面貌：（1）静物画艺术有自己独特的面貌，并且形成了静物画最为风光的历史；（2）这一时期出现了专门的静物画专业画家；（3）由于它取材于日常生活，有明确的立意，讲究构图，在暗色背景中衬托主题；（4）重视形象的象征意义，审美取向明确，特别重视材质的特殊美感；“在夏尔丹之前，法国只有静物画，自从有了他，才开始了静物的生命。”五、什么是波普艺术？.产生的时间：20世纪50年代初萌发于英国,50年代中期鼎盛于美国。.波普的含义：波普为Popular的缩写，意即流行艺术、通俗艺术。.它的由来：波普艺术一词最早出现于1952〜1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。.它的标志性事件：在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。.它的发展以及风格特点：美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和总劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。六、关于具象艺术一、具象艺术的特点二、具象与表象三、具象与抽象四、对比：抽象艺术与具象艺术具象艺术（figuralart）指艺 与自然对象基本相似或极为相似的艺术。具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性。古希腊的 作品、近代的写实主和现代的超写实主作品，因其形象与自然对象十分相似，被看作这类艺术的典型代表。具象艺术广泛地存在于人类美龙活动中，从欧洲原始的岩洞壁画艺术，到文艺时代的宗教壁画；从印度的佛教艺术，到中国的画像砖石，都可以看到这类艺术作品，至今它仍是美术创作中重要的艺术风格。欧洲古代的模仿说、中国古代的应物象形说和这等人的言论，都是具象艺术有名的理论表述。一、具象艺术的特点：.视觉真实性或客观性，即具象艺术是以客观世界为表现对象，并且把对象表现得就像我们所看到的一样真实。.艺术形象的典型性，即具象艺术是通过典型的艺术形象的创造来表达艺术家的个人情感和观念的。.情节性或叙事性，即具象艺术中往往蕴涵着一个或多个故事情节，它可以用文字语言直接来讲述或描述。由于具象艺术的这些特点，因此除艺术所共同的审美功能外，它还具有记录的功能。二、具象与表象（1）、与具象不同，表象只是保持在记忆中某一事物的形象；具象则是作家、艺术家在生活中多次接触、多次感受、多次为之激动的既丰富多彩又高度凝缩了的形象，它不仅仅是感知、记忆的结果,而且打上了作家、艺术家的情感烙印，受到他们的思维加工。（2）、它是综合了生活中无数单一表象以后，又经过抉择取舍而形成的。从心理学意义上说，作家、艺术家的创作过程就是具象的运动过程。（3）、具象的运动过程主要是激发、强化作家和艺术家的情感，并与情感相互作用的过程。一旦进入具象运动阶段，创作者往往是情不自禁的，甚至是如痴如狂的，带有很大的不自觉性，很少受抽象思维的控制。（4）、具象不是抽象思维的起点，而是在抽象思维的作用下，选取、综合表象的结果。从发生学上说，表象、记忆能力是人的低级心理水平，动物也有表象和记忆的能力，但动物没有根据自己的需要、态度、体验和思想观念来综合取舍表象进而形成具象的能力，具象为人类所独有。三、具象与抽象（1）、抽象艺术指艺术形象大幅度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术；抽象一词的本义是指人类对事物非本质因素的舍弃和对本质因素的抽取。 （2）、抽象艺术中的形象与自然对象较少或完全没有相近之处。一部分原始艺术作品和绝大部分工艺美术作品也属于抽象艺术。作为一种自觉的艺术思潮，抽象艺术运动兴起于20世纪初的欧美。大部分现代主义美术流派都受到了这一运动的影响，如抽象表现主义、立体主义、塔希主义、行动绘画等。抽象艺术、具象艺术与艺术作品中的抽象因素、具象因素是两类不同的概念。（1）后者建立在对形象、形象与自然对象之关系的细致解剖之上，任何酷似对象的形象也不可能不包含对对象一定程度上的偏离。因此，具象艺术之中也包含着或多或少的抽象因素；（2）许多抽象艺术作品中的形象，亦有与自然对象有着不同程度的联系，包含着具象因素，上述第一类现代抽象艺术便是例证（3）抽象艺术、具象艺术的概念是宏观的、直观的；抽象因素、具象因素的概念是微观的、分析的。对于这两类不同性质的概念的混淆，会导致抽象艺术、具象艺术概念的瓦解。四、对比：抽象艺术与具象艺术若将抽象艺术与具象艺术这一对概念放在丰富多彩人类美术现象中，则可以看到，它们像是磁棒的两极，许许多多艺术作品位于纯粹的抽象艺术与酷似自然物的具象艺术之间。例如中国新石器时代部分彩陶的纹饰、许多非洲部落的原始木雕与面具、欧洲中世纪的一些宗教绘画以及部分中国的文人写意画。这类艺术作品或对特定对象加以大胆变形和装饰化处理，或将不同对象的局部特征进行适度的组合，将对象纳入抽象化的程式中使之偏离原来的外观，艺术形象所包含的抽象因素与具象因素相对合谐状态，使之难以简单地用这一对概念加以划分。中国艺术家“外师造化，中得心源”和“妙在似与不似之间”的言论，从创作过程与形象特征两个水平上描述了传统中国艺术家在这一问题上的态度。第五章风景画关于现实主义：《1》现实主义原是指文艺的基本创作方法之一。《2》美术中的现实主义（或称“写实主义”），是以法国为中心，影响遍及全欧洲。1850年左右，法国画家库尔贝等人首先使用“现实主义”（也有译成“写实主义”）这一名词来标明当时的新型文艺，并于1856年创办了一种名为《现实主义》的刊物。刊物发表了库尔贝的文艺宣言，主张艺术家要“研究现实”，如实描写普通人的日常生活，“不美化现实”。《3》它的艺术特征：这种以如实描写现实生活，揭露和批判社会黑暗的创作思想，便是现实主义艺术思潮的重要特征。《4》形成原因：与此同时，19世纪自然科学的发展和唯物主义思想以及空想社会主义学说的广泛传播，也促使人们打破传统的观念和幻想，开始用比较客观的眼光观察世界，研究社会现实问题。在这样的情况下，越来越多的艺术家对浪漫主义一味强调主观情感和主观理想的抒发，忽视以致脱离社会现实的创作思想表示不满，从而逐渐转向现实主义。受这一思潮影响并在绘画领域中取得突出成就的首先是法国，其他如俄国、德国等也有重要的成就。这一艺术思潮的产生，有其深刻的社会历史原因十九世纪三四十年代，英、法等西欧国家的资本主义制度已经确立并得到了巩固，资本主义社会的阶级矛盾和各种社会弊端也随之日益显露和激化，资产阶级革命时期积极鼓吹的“自由、平等、博爱”并未得到实现。这就促使人们不得不开始用冷静的眼光来观察周围的现实。《雷雨后的峭壁》库尔贝，法国伟大的写实主义画家。作者以面向生活为原则，以户外写生为依据，描绘了雷雨后的峭壁，海湾，鱼船．特别是峭壁的描绘雄伟壮观，成为整幅画面的焦点．在绘画的手法上，画家运用了强有力的刮刀技法，使作品呈现出一种雄健遒劲之感。《奥南的城堡》库尔贝，以朴实的写生手法，创作了不少作品表现他的家乡——奥南。画面采用全景式构图，一望无垠的丘陵一直通向海洋，中间乡间的村落，近景则以细腻的笔触描绘了草木．整个画面开阔而真实，给人以身临其境的感觉。《辛格拉温的磨房》鲁斯达尔苍翠的绿树掩映下的磨房，静谧而且有一种神秘的色彩，仿佛有许多的故事情节从这间磨房中倾泻出来。一切都以静态为主，惟有奔流不息的小溪水充满了动感的韵律，给整幅画面平添了生机和活力。《特尔夫特的街景》维米尔展现了故乡美丽而宁静的自然风光，整个画面沐浴在暖暖的柠檬黄的色调中，显得温馨而恬静。画家擅于将普通劳动妇女的日常劳动诗意化、抒情化，不以情节取胜，而以这种抒情情调给人以美的享受。他的大部分作品都是描绘舒适、安闲的资产阶级家庭生活，常以清新、明亮的色彩赋予画面安适、静谧的气氛，喜用蓝色与柠檬黄两种色彩，组成十分和谐的色调。《孟特芳丹的回忆》，是柯罗晚期最成熟，也是最具代表性的风景杰作之一。画面展开在湖边森林的一角，晨雾初散，清新的林地与湖面的水气构成一种温暖湿润的大自然感觉。右侧一棵巨树占去画面约五分之三，对面一棵小枯树与它相呼应，加强了画面的平衡感。树枝朝着一个方向倾斜，显得和谐而富有节奏。两树的中间显现平静如镜的湖面。和煦的阳光从树叶间散落到草地上，点醒了四处绽开的红色小花。一个穿红裙的妇女面朝着左侧的那棵小树，仰着头举起双手采摘着树干上的草蕈。在整幅画上，这三个人物显得生意盎然。画家虽把他们都处理在一边，但却疏密有致。画中有诗是很多人对他的作品的评价，他的特色是能通过对树木、花草的描绘，产生独特的透视感和轻盈感，给人以清新自然、纯美的田园景象〜他说：“绘画使我快乐，它是我的生命，其他无关紧要。”作家左拉在看过他1867年的《雅莱山，蓬图瓦兹》后，称誉他是“我们这个时代三四位大画家之一。他的笔法坚实粗放，有大师的传统。这样美丽的画幅只能出自一个诚实者之手。”——柯罗西斯莱色彩感觉特别敏锐，笔触轻快而有变化，特别善于运用微妙的色彩关系，表现具有诗意的自然景色。后期因受新印象主义影响，作画多采用点彩技法，作品有重在表现物象实体感的倾向，但缺乏内在诗意。作品还有《鲁弗申的雪》（"SnowatLouveciennes”,）、《马尔港的洪水》、《洪水泛滥中的小舟》等。里希特他的作品表现出相互矛盾的真实性，或者用中国学术界习惯的语言讲，他是在探索如何在已被确认的客观性现象中发现并非客观的因素；如何在被确认为真实无疑的实在中揭示虚拟和非真实的存在；或者进行相反的发现和探索……在艺术语言的探索中，也充分展示了这位艺术家善于质疑和认真实践的品质。他使用和模拟拍坏了的照片所画的油画，成为中国当代年轻艺术家参照和挪用的经典；他用具像手法画抽象画，以示对抽象和具像艺术划分的质疑第六章人物画一、人物画的分类1、分类：人物画可分为头像、半身像、全身像、群像等；2、分类的依据：分类主要是和人物画的形式和内容有关3、在学院教学中有什么特点：由简单到复杂是我们教学的基本原则二、肖像画的形式、功能与目的.形式：在传统的绘画中，肖像画就是对人物面貌进行客观真实的描绘。功能和目的：在照相机发明之前，画家的任务就是概括的画出被画人的社会地位，生平业绩、来保存其人的容貌特征以便子孙瞻仰并留作后世纪念。.西方20世纪的很多肖像画表明，肖似不再是现代肖像画的最终目的.形式：呈现多样化功能和目的：肖像画不再是只局限于描绘写实的人物形象，它还能够描绘画家的主观世界，还成为表达艺术家独特感知或精神探索的方法。三、肖像画在油画发展过程中经历的几次演变（一）、演变过程油画肖像画的发展过程和整个西方油画史的发展一样，概括的来分大致经历了以下几个时期：古典、近代、现代（二）、不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。肖像画不同时期绘画的特点：油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了以下特点：（1）、注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。（2）、画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。（3）、人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素特别注重，形成了不同的风格：（一）文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。（二）同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的所有景物。（三）意大利的提香是第1个特别注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透明颜料的多次复叠，忽厚忽薄的笔法，又使色彩与形体有机溶合，造就出质感效果。17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物,令人感到画中光线耀眼格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急方向和运动不仅使被塑造的形象显出生动感，笔触自身也具有艺术表现力。鲁本斯在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘，依照人物的形体运笔，留下自由奔放、多呈曲线的笔触，造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。荷兰画家哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，与他偏于表现豪迈、乐观的人物相辅相成《吉普赛女郎》画家采用了明快的大笔触，以加强形象的表现力。在这里，哈尔斯有意给这个女朗的脸上增加了一点红晕。看来她是刚喝了几口酒，呈现出一种兴奋的情绪，正在朝一个画外的人物调笑。这正是这幅具有风俗性的肖像画的特点。哈尔斯肖像画的特点：（1）运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，形像上偏于表现豪迈、乐观的人物；（2）为了满足市民家庭生活的需要，肖像画的尺寸不是很大，且常常采用半近景构图，以突出人物的面部和身姿，着意刻画人物的内心表情。维米尔善于用珍珠般细碎的、圆润的笔触描绘处在室内的人物，使画面产生宁静、温暖的气氛。油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。法国画家德拉克洛瓦：以浪漫主义思想支配创作，根据当时的历史事件创作大幅主题画。他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了震动当时画坛的风格。巴比松画派在此基础上，法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果，以色光混合原理解决油画的色彩问题19世纪不同绘画风格它们的共同表现为：（1）一幅油画是艺术形式的统一体；（2）色彩的主调统一着画面各局部的颜色，局部色彩在过渡的渐变中互相形成和谐的关系，不存在孤立的色块；（3）笔触基本上是为塑造形象而运用，显露的程度有限，并统一在或曲长、或短促的某种有序倾向中；（4）被描绘的物象统一在中心焦点的构图中，形成与真实视域同构的效果。在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。（1）忽视色彩而主要作形体自由构造的立体主义；（2）注重色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义；（3）通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；（4）纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；（5）以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位的趋势。肖像画的用途因此发生了很大的转变，越来越不受逼真的限制，肖像画不再是只局限于描绘写实的人物形象，他还能够描绘画家的主观世界，还成为表达艺术家独特感知或精神探索的方法。四、概述功能、形式、观念1、功能在现代绘画中，画家在保持“肖似”的基础上利用它表现出被画者的个性和画家对人物个性特征的把握；由此将艺术家的个性或对模特儿的情感表现出来；四、概述功能、形式、观念1、功能早期是对人物面貌的真实“记录”，这是社会赋予画家的责任，形象记录一直是肖像画的主要用途：（与摄影相比是画者或被画者的理想图像；与摄影相比它被认为是更持久，表现力更丰富，更深刻，可以更集中地表现被画人的个性。）在现代绘画中，画家在保持“肖似”的基础上利用它表现出被画者的个性和画家对人物个性特征的把握；由此将艺术家的个性或对模特儿的情感表现出来；2、形式形式是作品的完成状态，一件作品的视觉形式，是出自艺术家有意识的构造，艺术家通过他们所掌握的材料，把各种因素按照他们的意愿进行布局，创造出一种整体和谐而又具有活力的结构；艺术作品的形式是受图像的功能和艺术家的表现意图等因素的影响，在绘画中作品的形式本身蕴含着一种创造。五、不同的艺术表现形式的代表画家：关于席勒：1、他的生平；2、他的代表作;3、他的绘画风格：（1）他所描绘的人物和景物都不是静态的；（2）他笔下的人物形体瘦长，那冷峻刚直的线条令人震颤，他强调形象清晰的外轮廓；（3）喜欢用红、黄和黑色来表现强烈的情绪。他除对人物表情动作的夸张刻画外，着意描绘人物神经质的情绪莫迪里阿尼：1、他的生平2、他的代表作品3、他的绘画风格和特点：3、他的绘画风格和特点：（1）莫迪里阿尼利用后印象主义对绘画空间的限定和立体主义对色彩的限制从事他的绘画（2）人物与内部空间一体化，形成一种线条图案或雕塑式的分枝（3）运用了原始人刻划性格的技法，人物的轮廓线流畅而又准确，优美的拉长手法，并没有怪诞变形的视觉感受。何为表现主义？表现主义是指艺术中强调表现艺术家的主观感情和自