美术鉴赏(第二章)

第二章华夏瑰宝——中国画艺术第一节中国画概说一、中国画的内涵中国画简称“国画”，是指在中国长期形成和发展起来的、在世界美术领域中自成独特体系的中国民族绘画，它是用毛笔、墨、中国画颜料，在特制的宣纸或绢素上作画的艺术。二、中国画的源流中国画的起源问题，一直都是历代美术史研究者不断探索和最为关心的问题。唐代的张彦远在其著作《历代名画记》中，将中国画的起源追溯到传说时代，指出那时的象形文字便是书写与绘画的统一。他认为，图形与文字的脱离，才使得绘画成为一门专门的艺术。现代考古发掘出土的大量的史前和历史早期绘画形象的实物，不仅印证了1000多年前提出的有关早期中国画发展的理论，同时也不断增强我们对早期绘画艺术的了解。如青海大通上孙家寨发现的“舞蹈彩纹陶盆”,绘有3组5人携手踏歌的图案，它是研究中国画史的重要材料。三、中国画的分类中国画的种类有多种划分标准，按表现题材，主要分为人物、山水、花鸟等。人物画是以描绘人物形象为主体的绘画；山水画是以描写山川自然景色为主体的绘画；花鸟画以描写花卉、竹石、鸟兽、虫鱼为主体，其中最常见的是将花和鸟组合在一起的花鸟画。按表现手段和技法划分，中国画主要分为工笔画、写意画。“工笔画”又称“细笔画”，是用粗细匀致的线条来勾勒所描绘对象的形体与结构的画种，分白描与设色两种。“写意画”俗称“粗笔”，是一种简练概括的笔墨，着重描绘物象的神韵和精神内涵，而忽略所描写对象的外貌形态的画，分为“小写意”和“大写意”。小写意多是结合一些工笔的画法，工写结合；大写意则是轻松洒脱的一路狂写。另外，按幅面样式划分，中国画还可以分为立轴、横卷、册页、扇面等款式。四、中国画的工具材料中国画的各种效果和技法都是与绘画工具材料分不开的，主要有笔、墨、纸、砚、颜料等。（1）笔。毛笔有很多种，主要分为硬毫、软毫和兼毫3类。（2）墨。墨的种类有油烟墨、松烟墨、墨膏及墨汁等。（3）纸。纸有生宣、熟宣之分，种类很多。写意画要用生宣纸，生宣纸吸水性很强，来画工笔画。（4）砚。砚是盛墨的容器，以端砚和歙砚为最好。好的砚台不仅可以作为书画工具，还可以作为观赏的艺术品，而且有很高的文物收藏价值。（5）颜料。中国画颜色种类很多，颜料也有多种规格，如膏状、袋装等。中国画颜料质细透明，质量有高档和低档之分。一般从天然植物和矿物质中提炼出的颜色比化学合成的颜色要好，颜色鲜艳、纯正，不宜褪色。除了以上工具材料外，国画的工具还有毡子、笔洗、调色用具等。五、中国画的绘画语言笔墨是中国画绘画语言的主体。对它的理解不能仅停留在表层，即它不仅是一种描绘事物的外在表现形式，而且是一种独立于描述对象之外的具有特定的审美标准和审美价值的语言体系，是在中华民族大文化背景上派生出来的一种表现语言系列。（一）外在形式“笔墨”即用笔、用墨。用笔即用线，线有粗细、顿挫、方圆、疾徐、转折等变化形式。用墨即指墨色的变化，有焦、浓、重、淡、清等变化形式。（二）内在含义笔墨的实施和运用，要受客观对象和作者主观因素两者的制约和影响。在一件美术作品中，笔墨除了完成对表现对象的塑造外，还是画家表现素质、学养、情态、心志等的载体，是画家人性品格与人文品格外化的产物。总之，作为中国画艺术语言的主体——笔墨，它是人和自然进行对话的心理反映。第二节中国画的审美特征一、独特的散点透视法“散点透视”是中国古代画家根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法，即画者不是固定在一个立脚点上作画，而是根据画者的需要，移动立脚点，把不同事物安排出现在同一画面之中，通过其相互关系形成透视空间。这种“散点透视”的观察方法在山水画中非常多见，如北宋名画张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。整个画圈很长，但无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，画面上既能看到城内，又能看到郊野；既能看到桥上的行人，又能看到桥下的船；既能看到近处的楼台树木，又能看到远处纵深的街道和河港。如果按照西方“焦点透视”的方法来画，恐怕许多地方是根本无法画出来的。二、“计白当黑”的构图方法中国画非常讲究构图，常常借用书法上的“计白当黑”来经营画面，即在没有画面的部位要像有画面的部位一样作认真的推敲和处理。三、随类赋彩技法的运用中国画的色彩，比较重视物体本身的固有色，往往会忽略环境色、光源色对物体产生的影响。如画某种水果，就会赋予这种水果的基本色，使色与物、色与线、色与墨、色与色达到完美的调和。四、以线存形，以形传神的造型规律中国画属表现艺术，它并不追求物体表面的形似，而强调抒发作者的主观情趣。因此，它要“以线存形，以形传神”，即在创作中，通过线勾画出物像的轮廓、质感、体积来。它一方面用形表现物体外在的、具体的、可视的形象；另一方面又用神揭示事物内在的、本质的、隐含的形象，赋予绘画以生命。五、诗、书、画、印的完美结合传统的中国画离不开诗词、题款和篆刻，每幅作品在落笔之前，画家一般都已经将题诗的内容、字体及印章在画中的位置作了安排与考虑。因此，它要求画家要具备很好的综合艺术修养。一幅优秀的作品必定是诗、书、画、印的完美结合第三节人物画赏析人物画是中国画中的重要画科，它力求对每个人物的描绘都要做到逼真传神、形神兼备。从题材来说，人物画大体可分为释道、仕女、肖像、风俗、历史故事等品类；从艺术手法上来说，人物画有工笔重彩、写意、白描等形式。人物画发展概况一、顾恺之《洛神赋图》顾恺之（约346～406年），东晋时无锡人，出生在世族家庭，当过世族军政集团的大司马参军和皇帝的“散骑常侍”，是一个典型的士大夫专业画家，有“画绝”、“才绝”、“痴绝”之称。顾恺之的作品有很多，著名的有《洛神赋图》、《女史箴图》等。

《洛神赋图》取材于三国著名文学家曹植编著的《洛神赋》。原著描述的是诗人因情感受挫，寄情于神话寓言，通过在洛水河边与美丽的仙女相遇而发生的浪漫故事来表达自己对失去情人的思念。《洛神赋图》中共画了61个人物，除主人公以外，还反映了山石、树木和马匹，形象都十分生动。画面用典型的蚕丝线描造型，墨色厚重、艳丽。二、阎立本《步辇图》

阎立本（？～673年），陕西临潼县人，出身贵族，追随唐太宗李世民，曾为李世民及许多开国立业的功勋大臣们画过肖像，其中最为有名的是《步辇图》。

《步辇图》是一件纪实性肖像绘画，描述的事件是吐蕃（今西藏）王松赞干布遣使臣禄东赞来唐都长安拜见唐太宗，迎接文成公主入吐蕃与松赞干布成亲的场景。画首的6位宫女抬着坐于步辇上的唐太宗李世民接见吐蕃使臣，营造出一种平静和谐的气氛。人物刻画用的是铁线描，笔法遒劲坚实，概括简练；设色浓重妍丽而不繁复。三、吴道子《地狱变相图》

吴道子（约680～759年），河南禹县人，出身贫寒，早年当过画工和雕塑工，后被唐玄宗召入宫中，授以“内教博士”等职衔。吴道子主要以绘制宗教壁画和宗教人物画著称，他画的人物衣纹飞动，犹如被风吹扬，故有“吴带当风”之称。其开创的宗教绘画新样式“吴家样”，也对后世影响极大。吴道子画的宗教壁画，仅长安、洛阳两地的寺院道观中就有300多幅。《地狱变相图》,是其佛教画的代表作品。该画以真实可感的形象表现主题，气氛阴森可怖，看了令人不寒而栗，使观看的人反思自省。据说许多以屠宰、卖肉、捕鱼为职业的人看了《地狱变相图》后，都因害怕杀生遭报应而改了行。四、张萱《捣练图》、周昉《簪花仕女图》

张萱（生卒年不详），宫廷画家，他的人物画多以贵妇和宫女为对象，代表作品有《捣练图》和《虢国夫人游春图》。《捣练图》描绘的是一群正在制作丝绢的贵族家庭妇女的真实动人场面。周昉是张萱的学生，继承和发展了张萱的艺术风格，也多以宫女和贵妇人为描绘对象，代表作有《簪花仕女图》、《纨扇仕女图》等。张萱和周昉同被称为仕女画家。五、顾闳中《韩熙载夜宴图》

顾闳中（生卒年不详），江南人，其作品设色浓丽，尤其擅长描摹人物的神情意态。他最为著名的画是现存于北京故宫博物院的《韩熙载夜宴图》。《韩熙载夜宴图》由听琴、观舞、休憩、赏乐和调笑等5个既可独立成章，却又相互关联的片断组成。整幅图卷构图严谨，人物造型生动，线条遒劲流畅，色彩明丽典雅，在技巧和风格上比较完整地体现了五代人物画的风貌。画面表现的是面阔肩宽、高冠长髯、表情沉郁的主人公，正在与满堂宾客和声伎们听琵琶演奏的场面。六、陈洪绶《米芾拜石图》

陈洪绶（1599～1652年），浙江诸暨人，字章侯，号老莲，性情孤傲倔强，崇祯时召为内廷供奉而不就，后清兵入浙东时出家为僧。他善于绘画，人物、山水、花鸟、竹石等样样精通。其工笔人物躯干伟岸，衣纹线条细劲清圆；工笔花鸟画描绘精细，设色清丽，富有装饰味；水墨写意画酣畅淋漓，手法简练，色彩沉着含蓄，格调高雅古朴。陈洪绶在人物画方面的贡献卓著，他笔下的人物画完全是象征主义的，已经充分类型化、符号化了，可以说中国人物画的文人化语言转换是由陈洪绶完成的。在《米芾拜石图》中，米芾的造型不再是常见的温柔敦厚的文人形象，而改变为上锐下丰、头大身小，宽袍广袖，具有强烈装饰趣味的形象，就连其身边的侍者、随从的造型也具有此特征。七、蒋兆和《流民图》《流民图》是蒋兆和于1942～1943年在北京创作的描绘现实生活场景的巨幅长卷。整幅作品都是用毛笔、水墨画出，人物形象描绘得具体、深刻，有气息奄奄卧地的老者，有抱锄的青年农民和其饥饿的家人，有抱着死去小女儿的母亲，有在空袭中捂着耳朵的老人，以及抱在一起、望着天空的妇女、儿童‥‥‥在这幅作品中，蒋兆和把西画素描手法引入中国画中并进行了探索和尝试，既在适当吸取光影法刻画人物面部的同时，又以线描为主要造型手段。这是自近现代倡导写实主义绘画以来，在人物画领域中所获得的巨大成果。第四节山水画赏析山水画是中国画中最重要，也是影响最大的一个科目，它的兴起比人物画要晚得多，大约在唐代时才趋于成熟。今天所能见到的最早的山水画，是东晋画家顾恺之的《女史箴图》和《洛神赋图》中的背景山水。山水画按传统分法有水墨、青绿、浅绛、金碧、没骨、淡彩等形式。山水画在南北朝时兴起。一、展子虔《游春图》

展子虔（生卒年不详），山东人，曾担任北齐、北周、隋三朝的大夫，是一位绘画多面手，擅画人物、山水及杂画。但是，他最为杰出的贡献还是在于山水画方面，现今留传下来的唯一作品，就是现保存于北京故宫博物院的《游春图》。二、王维《雪溪图》

王维的画经常会用雪景、剑阁、栈道、晓行、捕鱼等作为绘画的题材，代表作品有《雪溪图》等。《雪溪图》是一幅表现乡村雪景的小品，画面分近、中、远三部分：近景是画面左下方的一座木拱桥，通过它把观者的视线引入冰雪天地之中；中景是一条结冰的大河，水平如镜，波澜不兴；远景是河对岸的雪坡、树木、房舍等，掩映于茫茫白雪之中。整个画面以渲染为主，用笔简练奔放，设色自然清淡。整幅作品表现出悠远、纯净的境界，意味深长。三、荆浩《匡庐图》、董源《寒林重汀图》

荆浩（生卒年不详），山西沁水人，曾隐居于太行山，因此他所画的山水都是巨壑、全景式的布局，场面浩大，气势雄伟，空间感很强，《匡庐图》便是代表。荆浩在画面中运用坚劲而密集的皴法，充分地表现出山石的凹凸明暗和纹理结构，并配合水墨浓淡的虚实变化，创造出了既雄伟又深远辽阔的意境，真不愧为“全景山水”之称。与荆浩截然不同，董源（？～约962年）生活在地势平缓、阳光和煦、温暖湿润的长江中下游地区，因此在董源的作品里，很难看到险峻奇峭的山峰，而多是江南丘陵江湖的动人景色。《寒林重汀图》描绘的是隆冬时节的江南景色，画中景物运用披麻皴，线条圆润细长，安静悠远的气息扑面而来。画中远处山丘静穆横卧，水汀幽深绵延，房舍沉默相对，竹木无言挺立，隆冬静、寒的特点体现得很充分，可见画家把握四季景物的高超技艺。四、李成《读碑窠石图》、范宽《溪山行旅图》李成、范宽是北宋中原画派代表。李成（919～约967年）居住在山东营丘，齐鲁大地上的自然环境便成为他经常描绘的对象。他善于描画烟林平远的景色，变雄劲、深厚为清旷、萧疏。范宽（？～1031年）长期居住在终南山和大华山，他的画就体现出崇山雄厚、巨石突兀、林木繁茂、气势逼人的特点。李成、范宽的代表作分别是《读碑窠石图》和《溪山行旅图》，这两幅作品也都体现出了他们各自的绘画特点。五、马远《踏歌图》马远和夏圭同是南宋院体山水画的代表，他们画作的共同特点是改变了北宋以来以主峰为中心的高山激流式构图和细密繁复的笔墨，而创新为对角线式的构图和简洁单纯的笔墨。马远的山水画在取景上善于以偏概全、以小见大，人称“马一角”；在用笔上，他扩大了斧劈皴法，用笔直扫，水墨俱下，山石有棱有角。北京故宫博物院所藏《踏歌图》正是他这种风格的代表作品，画中远处山峰巨石之下，竹翠柳疏，几个老少农民在陇上歌舞，形象地表达了“丰年人乐业，陇上踏歌行”的诗意。六、黄公望《富春山居图》、倪瓒《容膝斋图》

黄公望和倪瓒是元代著名山水画家“元四家”中的两人，另外两人是王蒙和吴镇。“元四家”的共同点就是都强调诗书画印的结合，强调抒发个性，强调绘画的娱乐性，强调笔墨趣味。但“元四家”的经历、艺术偏好、审美理想又不同，从而也就形成了他们各自鲜明的个性。黄公望的画只有浅绛和水墨两种，笔法平稳而多变，用笔轻淡而浑厚，追求平静与和谐之感；倪瓒的山水画突出的特点是“简”、“干”、“淡”，即构图、笔墨、形象简洁，用笔用墨轻淡。倪瓒的作品《容膝斋图》，可用一个“横”字来贯穿，横势的山石、横势的用笔、横势的皴法，都为整个画面增添了疏阔旷远的气氛。在构图上，用横向的山石体块将立轴画面分割成了几个段落，然后又以挺直的树干将画面连贯起来，既具有很强的形式美感，又体现了画家独特的审美情趣。七、沈周《庐山高》、唐寅《古木幽篁图》

沈周是“吴门画派”的创始人，他功力深厚，创作出了多种风格的山水画，有全景式的高山大川，也有田园小景。其绘画手法简单率直，极富生活意味，成为明代复兴文人画的先锋，传世作品《庐山高》可谓是全景式高山大川的代表之作。唐寅的绘画曾取法于李成、范宽“南宋四家”及“元四家”，可以说是集众家之长而自成一体。其作品以工细为主，兼有文人的笔墨，书法秀逸遒劲，风格洒脱，雅俗共赏，《古木幽篁图》便是其绘画特点的集中体现。八、石涛《山水清音图》

石涛是“创新派”的代表之一，他的画充满了创新精神，在运笔、用墨、设色、构图上都突破了以往的程式，而令人耳目一新，《山水清音图》就是—个例证。《山水清音图》描绘的是黄山的景色，整个画面采取的是截景式构图，这样就给人一种奇崛突兀的感觉，画面的空间完全是靠画中景物的前后掩映而产生的，画中的山草向左偃伏，而松枝逆势右出，呈现出动势互补之态。此外，画家用笔遒劲有力，用墨淋漓泼辣，山石用淡墨勾皴后又以浓墨、焦墨破擦，多种皴法交织互施，使画面产生了生动的节奏。九、傅抱石《东山报捷图》傅抱石在山水画方面做了很多探索和尝试，比如他抛弃了正统派常用淡墨干积表现山石层层深厚、错综复杂的结构与质量感的绘画手法，而喜欢在皮纸等表面粗糙的纸张上纵横涂抹，任情绪恣肆发挥，在水墨淋漓中追求苍茫浑厚的感觉，可以说他已将传统的水墨山水画推向了极致。他的大幅作品《东山报捷图》是体现傅氏这种画风的代表作之一。《东山报捷图》设色绢本，高82厘米，宽170厘米，取材于历史故事，画中有十多个人物（仕女、小童、士兵等），或站或坐，姿势不一，安排得当。这幅画可以说是山水画与人物画的合成品，画面背景中的树木，是标准的横涂纵抹的“抱石画法”，从这我们能很清楚地看出它与传统水墨山水画的巨大区别。第五节花鸟画发展赏析花鸟画的兴起要早于山水画，在河姆渡遗址中，就有双凤朝阳的刻骨，在仰韶文化的彩陶图案装饰上，以植物和动物（如鱼、鸟、鹿等）为主题是很普遍的；进入阶级社会之后，花鸟画被当作工艺美术的一部分，常在各种屏风、器物或装饰品中出现；到了魏晋南北朝时期，花鸟画开始从工艺美术范围中独立出来，这时出现了专门从事花鸟画创作的艺术家，据画史记载，梁元帝萧绎就曾画有《蝉雀百团扇》；到了隋唐，特别是唐代，具有独立审美意义的花鸟画正式产生，从此花鸟画作为一种独立的画科登上了画坛。一、黄筌《写生珍禽图》、徐熙《豆花蜻蜓图》黄筌最擅长用勾勒法作画，即以细淡的墨线勾画出所画花鸟的轮廓，然后填以色彩。这种画法通常会给人以富丽工巧的感觉，同时由于他也爱画名花异草、珍禽奇鸟，他的画一般都寓有富贵吉祥的含义，故有“富贵”之称。《写生珍禽图》是其代表作品之一，描绘飞禽昆虫20余种，刻画精细逼真，可谓世间珍品。二、赵佶《腊梅山禽图》赵佶擅长绘画，山水、人物、楼阁、花鸟也有涉猎，其中尤其擅长的是花鸟。他的花鸟作品用笔挺秀灵活，舒展自如。《腊梅山禽图》是其传世作品之一，画中一株腊梅枝干略弯，互相交错而有变化，枝头几点黄梅开似有阵阵清香袭来。腊梅枝头上有一对山雀相互依偎面向着左侧画面，将观者的视线引向了画外。画家用劲细的墨笔勾勒腊梅枝干，然后用水墨渲染；山雀、萱草均用水墨画出，笔墨的细粗、干湿配合协调和谐。其左下有画家瘦金体的题诗一首：“山禽矜逸态，梅粉弄轻柔，已有丹青约，千秋指白头。”整幅画刻画工整细致，富有生活情趣。三、徐渭《墨葡萄图》

徐渭擅长泼墨大写意花鸟画，他的作品常常笔势激动，气度轩昂，如感情的宣泄，澎湃汹涌。他常在作品中借题发挥，把恣意纵横的笔墨和题跋诗结合起来，以此来抒发心中的不满与愤懑。如《墨葡萄图》，其用墨干湿并重，苍润相间，很好地体现了画家不求形似，而重生韵的绘画风格。画的左上角题有“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲置闲抛野藤中”的诗句，把其英雄失落、怀才不遇、投门无路、一生潦倒的境遇以及由此产生的愤懑之情抒发得淋漓尽致。四、郑燮《墨竹图》

郑燮是清代花鸟画“扬州画派”的代表之一，代表作品是《墨竹图》。画中画了数枝竹子，它们有长有短，有的向左倾斜，有的向右倾斜，好像是在相互顾盼。竹后的几根石柱用水墨勾画，笔法秀挺硬气，皴擦较少却神韵俱全，与浓墨书写的竹子相呼应，浓淡相映，虚实相照，妙趣横生。整幅画气势俊逸，让人很容易就联想到许多像竹子一样有傲气风骨的人。五、潘天寿《记写雁荡山花》

潘天寿，浙江宁海人，曾担任浙江美术学院（今中国美术学院）院长，是中国近现代最卓越的中国画艺术大师之一。他曾多次到雁荡山进行实地采风，他的雁荡画作不像前人那样以繁多的皴法取胜，而是以骨气、骨力取胜，即用其特有的笔线勾勒，并加以各种对比以及圆浑凝重的苔点，取得笔简意远的艺术效果。《记写雁荡山花》是潘天寿的花卉代表作，画面的构图和用色都非常具有特点，在近景山水的描绘中往往杂以山花野卉，描绘了一个花草生机盎然的小天地。第六节如何欣赏中国画