日本美术史中的浮世绘

日本美术史中的浮世绘

浮世绘可以说是日本江户时期艺术的最高成就。它早期受中国明清和西方绘画的影响,在经过一段外来文化洗礼与融合之后,最终呈现出具有日本民族所独有的艺术魅力。浮世绘版画是一种极具特色的艺术,它用精美的画面来记载日本江户时期的日常生活,并以商品形式满足市民的观赏需要。浮世绘大多描绘美人、武士及风俗风情,画面精美而有张力,简洁又富有装饰意味,体现了日本江户时期的文化风情,也体现了日本民俗的审美理想。在浮世绘版画中,无论是什么样的题材与风格,人物多寡与否,单幅还是多幅连续,画面都安排的井井有条,装饰性的构成与简洁概括的造型结合得天衣无缝。可以说浮世绘版画有着独特的艺术形式和魅力,从装饰的角度来赏析其绘画语言,具体可分为构图、色彩、线条运用、平面性、装饰纹样等五个方面。一、浮世画中“局部放大”的构图浮世绘构图最大的特色就是非对称性构图,可谓是精彩绝伦,也常常给西方带来震撼。左右不对称的构图蕴含着跳跃感,它与日本人的生命意识和自然观息息相关,是日本独有的审美意识。日本美术的代表———浮世绘的样式特征即为“非对称图形”。非对称性构图绝非是特意地模仿自然的不对称以及破坏和谐,而是为了达到更完美的和谐,进行整体上的把握寻找某种统一。日本人认为,不规则、非对称、不均匀其实潜藏着更规则、更对称、更均匀的完美,有着一种独特的空间艺术美。日本美术的非对称图形,蕴含着深厚的文化心理特征,而非简单的构图样式。“局部放大”是日本美术的另一个重要特征,而其产生的手法也由此而来。“局部放大”极度推进画面的主题,切断主体的部分画面由于对主体完整性的心理暗示,人们会将画面的空间延伸出去。如由喜多川歌磨所创的“大首绘”就是舍弃了浮世绘的旧样式即全身式构图,以人物的上半身为重点,甚至只描绘肩部以上,画面多以单个人物为主,更注重人物脸部神态的刻画,而非华丽的服饰与背景,画面单纯且具有很强的视觉冲击力。从某种意义上来说,为了迎合大众的审美与喜好,浮世绘的题材与手法会受到一定的制约,难免概念化以及类型化。而浮世绘画师们为了克服这一弊端,对构图进行多样性变化处理,对人物的动态进行设计,使其相互对应,并且调度大自然与人物之间的关系等,建立了一套完整的程序化手法。他们生动地描绘了鲜活时间,传达了人物的精神面貌,与戏曲和文学等平民艺术形式有着异曲同工的审美意境。浮世绘扩展画面的手法还有“三幅续”、“五幅续”等方式,画面以人物为中心,构图多样而平衡,色相简单洁净,构成完美的装饰性、图案化的视觉平面。以歌川广重和葛饰北斋的浮世绘风景版画为例,画面经常留有大面积的空白,且左右不对称,及画面主体偏向一边甚至被切断。从画面中央到主体上富有动感且大胆的构成,在构图上以看不见的潜在斜线将画面的主体相连接,日本美术这种独特的表现方法在古代就已形成。这种动态而变化丰富的视觉表现,并不是简单地模仿自然不均衡的取巧手法,而是追求更高层的协调以及画面的整体统一。二、色彩优美,画面效益差日本民族的色彩感觉和多彩的自然是分不开的,不同的色彩反映不同的感觉。日本绘画的自然色彩不是强烈且刺激使人感觉视觉疲劳,而是华丽而素雅,多彩而变化,宜长久观赏而富有情趣。日本原始色彩的基本色是赤、青、白、黑,而这些颜色也在浮世绘中被大量使用。无可否认,浮世绘的色彩美是令人惊叹的。特别是浮世绘画师们经过八十多年的努力与探索所创造的“锦绘”,其画面效果丰富而绚烂。“锦绘”的色彩华丽而璀璨,艳丽而不俗,虽平却不板,给人以强烈的视觉享受。更难能可贵的是其色彩透明,在华丽艳美之中透出一股清新之感。在人物画中,描绘的人物多为美人和演员,为了迎合江户市民视觉享受和官能需求,着色重点在头饰和衣物上,极力表现出华丽绚烂的感觉。而风景画中的天空和海洋则多用单色渐变来表现。设色原则是在写实中寻求夸张,在艳丽中寻求雅致。如歌川国贞的役者绘《歌舞伎演员染五郎小吉四代及坂东龟助》(如图1),分析其色彩,色相上有红色、黄色、蓝色以及绿色,从明度上来分析,画面中的背景大量运用了明度较高而纯度低的蓝色,突出了人物形象。画面中的颜色大多数集中在两个人物的衣着服装上,左边的演员所穿的外层罩衫用了大面积的黑色,而纯度最高的颜色之一黄色则是点睛之笔,在其中起了提亮之用。而右边这幅的人物服装则以红色为主,精致的黑色纹样为装饰,而腰带则用了两种不同的蓝色来绘制。两个人物的皮肤均以单纯的白色来绘制,衬托以绚丽的服装,使画面营造出了一种绚丽的舞台效果。美人画的设色则是要根据作品的场景和内容来区分,如果是绘制盛装的场景则多用纯色且色彩艳丽,如果是描绘一般生活场景的,则多用复色且色彩淡雅。深邃的湛蓝天空色,精致的纤巧紫红,交织着单纯墨线谱出音乐般的旋律,至此,把日本民族所崇尚的色彩进行极致的运用。把日本美术放在世界美术之中看,日本美术虽有很多特色,但是最为出彩的便是其由明亮日照而产生的多彩,而这也正是日本美术对世界美术影响最大的地方。浮世绘版画所用的颜料多为植物性颜料,不耐晒,极易退色,所以,在日本人眼中,它与“浮世”一样有着共同的人生写照。浮世绘版画的色彩体现了日本美术对色彩的创造性追求。三、线画中线条的运用运笔及精巧复杂的线性图饰是浮世绘的重要特征。线条不仅可以唤起或者表现出画师的情感,也可以描绘出有趣的空间。通过想象与暗示,线条可以表现出微妙而细微的差别。中国的白描艺术在很大程度上影响了浮世绘的勾线技巧,浮世绘画师非常注重准确把握线型。“不是任何无规则的糊涂乱画可以叫做艺术的”①,所以线性的形状要有对称性和节奏性。于是,直线就慢慢地变化成方形、三角形、菱形和之字形等图案,而曲线则延伸出波浪形、圆形以及螺旋形等图案。画家的情感可以用线来表达,空间的诠释也可以用线来表现,线条给人以无限的想象和暗示空间。而浮世绘中线条的运用也淋漓尽致地表现了日本美术的用线艺术。以浮世绘的美人画为例,画中美人形象普遍眉毛偏粗,以一粗笔勾勒。美人绘虽是版画形式,但是在头发处理上仍可以看出细线,与工笔白描较为相似。作品中用线粗细不一,为了表现服饰的厚实或轻透,则会选择不同的用线,或粗犷或细腻,一切以画面效果为主。在勾勒美人的头发、肌肤、面部以及肢体时,一般用线比较轻柔细腻,而勾勒服饰的线条则一般以浓重为主。浮世绘版画中,线条的运用处理很多都是学习中国的“卜八描”,吸收中国的线描特色再加以融合产生自己的独特魅力。它总体圆润且流畅,点缀以写意笔风,随意大气,并且简练概括。浮世绘绘师鸟居清信所创的“蛆酬描”大胆泼辣,笔调大气,用线率直且粗犷随意,是完全不同于工笔仕女的线描。在浮世绘美人画中,我们经常可见描绘服饰的线条在收尾时会回锋转笔,状似一个小勾,用来表现人物服装的褶皱。有时候会同时有好几个这样的回勾出现在一件衣服中,甚是有趣,别有一番风味。如喜多川歌磨的《吹噗乒的少女》(如图2)。四、空间构成平面形式日本浮世绘的画面平面化处理有着程式化的风格,且富有装饰意味。画面被流畅的线条分割,呈现出平展而单纯的色块效果,运用平涂的手法处理色彩,这些手法的运用并非为了追求写实的画面效果,而是为了追求作品平面化且具有装饰性。平面关系的运用,使画面在很大的程度上摆脱了透视法则的约束,这样画面中的人物和物象的位置的安放就不一定要严格遵守客观空间的规律。这样,空间的任意布局与调配、概括简要的人物造型与线条的平面经营方式等构成了画面的平面形式。浮世绘画家们这样处理画面的方式,不但为其表现主观感受提供了宽广的空间,也使画面自然地呈现出平面的装饰效果。五、浮世画绘画用“光比”的装饰美学特征带动“非对称”美学元素的运用浮世绘的一个重要的装饰特征即为纹样装饰,几乎在每一幅浮世绘版画中都包含着装饰纹样,可以说浮世绘离不了纹样装饰。日本是个富有装饰的国家,装饰纹样包罗万千。自然万物如花鸟走禽风花雪夜或是生活中各种道具都可以成为日本传统纹样的题材,总的来说可以概括成以下四类:一、植物类纹样,如樱、梅、菊、藤等;二、动物类纹样,如鸟、鱼、蝶、龙、凤等;三、几何类纹样,如清海波纹、麻叶、花菱纹样、网眼以及龟甲纹等;四、器物类纹样,如团扇、折扇以及茶道具等等(如图3)。浮世绘版画的装饰趣味很大程度上是通过对服饰纹样的描绘表现出来的。江户时代服装业异常发达,服饰各式各异,异彩缤纷,可谓是日本近代服饰设计的高峰期。江户时期的设计师们思维新颖,设计鲜活亮丽,给人以前所未见的视觉冲击力,且将包罗万象的花卉植物与大胆鲜活的色彩组合图案化。可以说每一套和服展示的都是一个美的世界。和服设计上大量运用了“光琳纹样”,独具匠心的纹样如水纹和花草树木的图案等使和服成为浮世绘版画的素材之一。和服上的纹样和日本家徽一样,其设计都是凝聚着日本传统文化的色彩,以简约朴素为主。以经过几何归纳的简单纹样为元素,疏密有致的展开,是和服上的典型纹样形式。这些素材经过浮世绘画师们的巧手安排,成为浮世绘画面中不可忽视的闪光点(如图4)。无论是什么绘画的造型艺术,都得遵循一定的审美规律和法则。如线条的节奏韵律感、变化与统一、构成形式美等。浮世绘是具有装饰意味的木版版画,其在创作过程中要经过一定的设计,使其符合审美规则。它将造型的质朴与艳丽、粗狂与精致、变化与统一,线条的