音乐原理复习

1895年12月28日，电影诞生。电影音乐有两种样式：一种是把现成的乐曲资料收集起来，根据影片画面的气氛、情节、形象，分门别类地汇编起来，供配置电影画面时随意选用。另一种形式是为无声片有针对性地创作音乐。有的是结合一般电影的画面情绪创造出供选乐用的资料性的电影音乐，有的则是针对一部影片，根据其主题、人物、情节而专门创作的。“现代电影之父”“电影界的莎士比亚”：格里菲斯《一个国家的诞生》1895年到1927年的32年间：默片1927年由于电光管的发明，声波能够转换成电磁波记录在胶片上，结束了无声电影时代。电影由视觉艺术变成视听艺术。第一部有声片是美国影片《爵士歌手》1928年，迪斯尼公司的第一部有声片《汽船威利》(SteamboatWillie),这部电影的音乐和动效以及对白都是和画面完全同步的，是以光学的方式记录在胶片上的。影视艺术中声音的三要素：人声，音响，音乐人声：1对话：通过对白，能表现出人物相互的关系，态度，情感等，使剧情得以不断发展。2内心独白3解说词(旁白)：说明事件发生的地点、时间和时代背景，介绍人物及人物关系等等。配合画面、传递信息、塑造形象、渲染气氛、抒发情感、介绍知识、组接画面等方面起着重要的作用。分为解释评论和解说声A：解说可以帮助补充画面无法表达的内容B:解说可以塑造形象C:解说可以渲染气氛，烘托画面D:解说可以介绍知识，解释和说明画面内容。多用于科教片E：解说可以组接画面。多用于专题片独白音乐：突出影片主题、渲染画面情绪、加强影片的艺术感染力、调节气氛、稍除疲劳、加深记忆、提高传播效果等方面，都具有积极的作用。分为有声源音乐音乐的原始声源出现在画面所表现的事件内容之中.使得观众在听到音乐声的同时也能看到声源的存在有源音乐的使用可以增强影视作品中的生活其实感。无声源音乐从画面上见不到或感受不到有原始声源的音乐解释、充实、烘托和评论画面内容音响：除语言、音乐之外的影片中其他声音的统称增加画面叙事内容的生活气息、烘托气氛、扩大观众视野、赋予画面环境以具体的深度和广度（1）加强画面的真实感（2）打破画框、延伸画面、扩大视野（3）渲染供托环境气氛（4）连接时空，串联画面（5）增强静态画面的动感在实际应用时，我们根据音响的发声属性，通常可将音响分成动作、自然、机械、军事、动物、交通、特殊等若干类。根据音响的作用，可分成主要音响和次要音响（又称背景音响）。根据音响的录制状态，可分成同期音响和资料音响。根据音响的功能.又可分成细节音响和环境音响等等。音：音是由物体的振动而产生的音的四种性质：高低：物体在一定时间内的震动次数频率而决定强弱：由振幅大小决定长短：音的延续时间的长短音色：发音体的性质，形状及其泛音的多少而不同——物理性质其中音的高低和长短具有重大的意义乐音与噪音——由于音的震动状态的规则与不规则决定的噪音，必要的补充——多用于民族音乐和打击乐中复合音基音泛音：复合音：平时听到的某一个音，都不只是一个音在响，而是许多个音的结合。基音：由发音体全段振动而产生的音。泛音：由发音体各部分振动而产生的音。乐音体系：在音乐中使用的，有固定音高的音的总和。音列：在乐音体系中按照上行或下行的次序排列起来。音级：乐音体系中的各个音（包括基本音级和变化音级）。基本音级：乐音体系中，七个具有独立名称的音级。基本音级的名称：音名和唱名音名：CDEFGAB唱名：doremifasollasi变化音级：升高或降低基本音级而得来的音升号降号还原记号重升X重降bb八度：两个相邻的具有同样名称的音音的分组:钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级的名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各个音，我们将音列分成许多个“组”：大字组，小字组总音域：音列的总范围，即从它最低音到最高音间的距离个别音域：人声或乐器的音域是指在整个音域中所能达到的那一部分人声音域：音色起决定作用分类：女高音，女中音，女低音，男高音，男中音，男低音调式：按照一定关系联结在一起的许多音（一般不超过七个），组成一个体系，并以一个音为中心（主音），这个体系就叫做调式。音阶：调式中的音，按照高低次序（上行或下行），由主音到主音排列起来就叫做音阶。调是调式的音高位置。调的名称由两部分组成，即主音的标记和调式的标记。例以C为主音的大调式叫做C大调式。调性：调（包括主音高度和调式类别）本身所具有的特质叫做调性调式音级：调式体系中的各音叫做调式音级。稳定音：在调式体系中，起着支柱作用并给人以稳定感的音，叫做稳定音。主音：在稳定音中，其稳定的程度是不同的，其中最稳定的具有中心作用的音，叫做主音。不稳定音：给人以不稳定感的音叫做不稳定音。倾向：不稳定音具有进行到稳定音的特性，这种特性就叫做倾向。解决：不稳定音根据其倾向进行到稳定音，就叫做解决。五声调式：按照纯五度排列起来的五个音所构成的调式。缺少半音，宫角之间形成五声调式中唯一的大三度（或小六度）。五声调式有五种，以宫为主音的叫宫调式，以徵为主音的叫做徵调式。其他以此类推。大调式是由七个音组成的一种调式，其中稳定音合起来成为一个大三和弦。大调式的主音和其上方第三音为大三度，因为这个音程最能说明大调式的色彩。小调式和大调式一样是由七个音组成，其中稳定音合起来成为一个小三和弦。小调式的主音和其上方第三音为小三度，因为这个音程最能说明小调式的色彩。在大小调体系中，起稳定作用的是第I，III，V级。这三个稳定音级的稳定程度是不同的，第I级最稳定，第m级和第v级的稳定性较差。大调是三种大调中的基本形式，色彩明朗，应用最为广泛。小调的色彩一般都比较暗淡。音程：两个音级在音高上的相互关系。旋律音程：先后弹奏的两个音形成旋律音程。旋律音程分三种：上行，下行，平行和声音程：同时弹奏的两个音形成的音程。根音：音程中下面的音叫做根音冠音：上面的叫做冠音音程在五线谱上所包含的线与间的数目，叫做音程的度数。音程的度数用阿拉伯数字标记，下面是由c向上和向上构成的八度以内的音程。音程的音数：音程中所包含的半音或全音的数目，叫做音程的音数（音程的音数是用分数，整数和带分数来标记的，如1/2,1）音程转位：音程的根音和冠音相互颠倒，叫做音程转位。按照和声音程在听觉上所产生的印象，音程可分为协和的和不协和的两类。协和音程：听起来悦耳，融合的音程。极完全协和音程：纯一度，纯八度完全协和音程：纯五度，纯四度不完全协和音程：大小三度，大小六度不协和音程：听起来比较刺耳，彼此不很融合的音程叫做不协和音程。大小二度，大小七度及所有增减音程（包括增四，减五），倍增，倍减音程。协和与不协和，除决定于物理方面的音的振动数比的复杂程度外，音程各音的调式意义也能够严重地改变音程的不协和性。稳定音级：由稳定音级构成的音程，叫做稳定音级。不稳定音程：由不稳定音级或由一个稳定音级和一个不稳定音级所构成的音程都是不稳定曰程。不稳定音程由于它的不稳定，因此需要解决，解决不稳定音程最简单的方法就是使不稳定音进行到最近的稳定音。旋律音程与和声音程在音乐表现中不同：旋律进行的方向对旋律音程的表现有重大关系，而音程的协和与不协和，稳定与不稳定对和声音程的表现力则有重大的意义。根据音程中两音之间的距离，音程被分为狭的（同度，二度，三度）和广的（四度，五度，六度，七度，八度等）两种。旋律中应用的最多的是狭音程，广音程则用得较少。由狭音程构成的曲调，一般具有平和，安静的感觉。由广音程构成的旋律往往表现出一种开阔，跳跃的情感。旋律一度是作为同音重复的旋律发展因素之一。旋律小二度是旋律进行中最典型最激烈的音程之一。旋律大二度，是自然调式体系中旋律流畅进行的基本音程。旋律三度，在大小调体系中和以五声音阶为基础的调式体系中，其表现特性有着明显的不同。旋律大三度在无声调式中较少应用，偶尔出现时也不像大小调体系中那样，表现出鲜明的大调调性的特性。在大小调体系中，大三度永远表现出大调的特性，而小三度则永远表现出小调的特性。旋律四度在进行中有着不同的作用，弱起上行的旋律四度，具有鲜明的战斗性和号召性。下行四度则往往具有雄伟，沉着，肯定，有力地特点。旋律五度一般的表现力是它的开阔性和旋律的中心作用。旋律六度往往是旋律的开始音调。也是旋律高潮音程之一。旋律小七度往往具有级进的效果。旋律八度具有高峰音程的特征。和弦：按照三度关系排列起来的三个以上的音的结合，叫做和弦。三和弦：由三个音按照三度关系叠置起来的和弦，叫做三和弦。在三和弦中，下面的音叫做根音，或一度音，用数字1表示。中间的音叫做三度音，用数字3表示。上面的音叫做五度音，用数字5表示。分类：大三和弦：根音到三度音是大三度，三度音到五度音是小三度。根音到五度音是纯五度。小三和弦：根音到三度音是小三度，三度音到五度音是大三度，根音到五度音是纯五度。大小三和弦都是协和和弦，因为其中所包含的音程都是协和音程。增三和弦：根音到三度音和三度音到五度音都是大三度，根音到五度音是增五度。减三和弦：根音到三度音和三度音到五度音都是小三度，根音到五度音是减五度。增减三和弦都是不协和和弦，因为其中的减五度和增五度是不协和音程。七和弦：由四个音按照三度关系叠置起来的和弦，叫做七和弦。七和弦下面的三个音和三和弦中的音一样，叫做根音，三度音，五度音。第四个音因为与根音相距七度，故叫做七度音，用数字7来表示。所有七和弦都是不协和和弦，因为其中包含了不协和的七度音程。以和弦的根音为低音（最低的音）的和弦，叫做原位和弦。以和弦的三度音，五度音，七度音为低音的和弦，叫做转位和弦。在多声部音乐中，应用得最多的是协和三和弦，即大小三和弦，其次是增减三和弦和七和弦等不协和和弦。大三和弦具有明亮的色彩，这种色彩是由于根音上的大三度造成的，大三和弦和大三度音程一样，往往用来说明大调的特征。小三和弦色彩比较暗淡，这种色彩是由于根音上的小三度造成的，小三和弦和小三度一样，最能说明小调的特征。增三和弦具有向外扩张的特征。减三和弦具有向内紧缩的特征，一切不协和和弦都具有尖锐，紧张的特点。节奏：组织起来的音的长短关系，叫做节奏。在整个乐曲或乐曲的部分中，具有典型意义的节奏叫做节奏型。节奏型在音乐表现中具有重大意义，单是节奏型本身就可以说明乐曲的某些类别节奏划分的特殊形式：把音值自由均分，其数量与基本划分不一致，叫做节奏划分的特殊形式，也就是通常说的连音符。例如：三连音，五连音。假使把音值分成五部分来代替四部分，便形成了五连音，用数字5来表示。把音值分成六部分来代替四部分，便形成六连音，用数字6来表示和周围的音相比，在音的强度上比较突出的音，叫做重音。重音分实在的（即物力上存在的）和想象的（例如在休止符上）两种，重音记号用＞和小节线来表示.有重音的及无重音的同样的时间片断，按照一定的次序循环重复，叫做节拍。节拍是用强弱关系来组织音乐的。节拍重音：为了构成节拍而使用的重音，叫做节拍重音，节拍重音多半是有规律地循环出现的，如隔一拍，隔两拍等。一个单位拍：用来构成节拍的每一时间片断，叫做一个单位拍。有重音的单位拍叫做强拍，无重音的单位拍叫做弱拍。拍子：在乐曲中，节拍单位用固定的音符来代表，叫做拍子。拍子使用分数来标记的。分子表示每小节中单位拍的数目，分母表示单位拍音符时值。分数记号中的横线在五线谱上用第三线代替。拍号：表示拍子的记号叫做拍号。拍号记在谱号和调号的后面。小节：在乐曲中，由一个强拍到次一个强拍之间的部分叫做小节。小节线：穿过五线谱使小节彼此分开的垂直线，叫做小节线，小节线写在强拍前，作为强拍的标记。在乐曲明显分段的地方或在乐曲终了处，则用双小节线表示。弱起小节：乐曲或乐曲中的某一段由弱拍或若部分开始，就叫做弱起小节。弱起小节叫做不完全小节，它往往和乐曲中的某一段的最后一小节合成一个完全小节。切分音：从弱拍或强拍的弱部分开始，并把下一个强拍或弱拍的强部分持续在内的音，叫做切分音。切分音开始往往带有重音，因此切分重音和节拍重音是有矛盾的单节拍：每小节有两个或三个单位拍的节拍叫做单节拍。单拍子：每小节有两个或三个单位拍的拍子叫做单拍子。组合法：把小节中的音符按照节拍的结构划分成音群，叫做组合法。复节拍：用同类的单节拍合成序列，因而不止一个重音的节拍，叫做复节拍复拍子：用同类的单拍子合成序列，因而不止一个重音的拍子，叫做复拍子复拍子（或复节拍）中的重音数目与合成复拍子（或复节拍）的单拍子（或单节拍）的数目相同强拍：在复拍子（或复节拍）中，第一个重音较后面的重音强，因而叫做强拍。其他带重音的单位拍叫做次强拍。复节拍和复拍子也分成两大类：由两拍的单节拍组成的复节拍，应用在下列复拍子中：例：4/4,4/8由三拍的单节拍组成的复节拍，应用在下列复拍子中：6/8,12/8混合复节拍：由二拍的单节拍和三拍的单节拍，按照不同的次序结合成序列，叫做混合复节拍。变换节拍：在乐曲中各种节拍的交替出现，叫做变化节拍。变换拍子：各种拍子的交替出现，叫做变换拍子。速度：音乐进行的快慢叫做速度。慢速：Largo广板Lento慢板Adagio柔板颂赞歌、挽歌、沉痛的回忆。中速：Andante行板Andantino小行板Moderato中板田园风的，比较抒情的。快速：Allegro快板Vivo快速有生气Presto急板表现激动，兴奋，欢乐，活泼的情绪。力度：音乐中音的强弱程度叫做力度。f强fortemf中强mezzoforteff极强fortissimoP弱pianomf中弱mezzopianoPP极弱pianissimo乐段是构成独立段落的最小的结构。乐段的长度取决于作品的速度、节拍和体裁。乐段的特征：乐段是音乐作品中表现完整乐思或相对完整乐思的最小结构，是建立在单一主题上的、最小的完整曲式。乐段的组成部分是乐句，乐句间相互用终止式划分开来，又通过终止式的功能关系联合成有机的曲式结构。乐段常由几个乐句组成，这些乐句之间具有问答呼应的关系。主调音乐风格的乐段，在陈述、发展和结束乐思时，和声的表现手法起很大作用。乐段的结构规模一般不太长，但形式完整、统一，能体现鲜明的音乐形象。由于乐段常是主题的原始陈述，大多数乐段的陈述是呈示型的。乐段可以作为独立乐曲的曲式，也可以是较大型作品的一部分。单乐段包含一个乐段。依据乐句的数量分为：二乐句乐段、四乐句乐段（起、承、转、合）、多乐句乐段（四乐句以上）等。依据结构的模式分为：方整性乐段、不方整性乐段等。单二部曲式由两个部分组成，通常第一部分为乐段，第二部分为乐段或规模相当于乐段的段落。两个部分均由乐段组成的单二部曲式在歌曲中比较多见。第二部分为从不稳定到稳定的非乐段结构，在器乐曲中比较多见。第一部分为呈示主题的部分，第二部分是继续发展和收束主题的部分。在二部曲式中，经常有引子和结束句。单二部曲式第二部分的主题成分是比较多样的，可能出现对比主题（a+b），可能是继续发展第一个乐段的乐思也可能是第一部分乐思的补充和总结（a+a'）一—有对比，有展开。单二部曲式的应用范围：a、独立小曲b、变奏曲的主题c、 副三部曲式的任何一部分d、 近代回旋曲的主部、插部e、 圆舞曲套曲的任何一部分。单三部曲式由三个部分组成。第一部分是呈示型的乐段；第二部分是展开性的段落，或与第一部分形成对比的另一个呈示型乐段；第三部分是第一部分的再现（在没有再现部的三部曲式中则先出现新主题，然后逐渐收束）。呈示部+对比部（中部）+再现部复三部曲式起源于古组曲和大协奏曲中两首体裁相同的舞曲的交替。古组曲中的小步舞曲、帕斯比叶、加沃特、布列等舞曲往往连用两曲，第一舞曲之后继续以第二舞曲，然后再反复第一舞曲小步舞曲作为一个乐章（常为第三乐章），也可作为单独的器乐曲。其结构为三段式曲体，中段常用三个声部写成，故称“三声部中段”，沿习至今。小步舞曲的特点是：旋律流畅、娇媚，伴奏清晰，速度从容，具有典雅、大方的气质。加沃特，布列组曲（Suite）几个相对独立的器乐曲组合在一起时称为“组曲”，其中有古组曲和现代组曲之分。古组曲的形式在7世纪被当时的作曲家弗罗贝格尔确定下来的。其结构由阿勒曼德、库朗特、萨拉班德、吉格四首舞曲组成，后两首舞曲的组合可以有些自由，各乐章均采用同一个调性，用两段式写成，演奏时，每段各自反复一次。现代组曲在19世纪70年代至80年代期间兴起。其结构仅限于舞曲，其中也有从歌舞剧、戏剧及电影音乐中选出来的片断组合而成的，或是带有独立标题的组曲，还有特性曲组曲，民族风格的组曲，仿古组曲。阿勒曼德舞,库朗特，萨拉班德，吉格大协奏曲：独奏协奏曲的先驱。比古典或浪漫时期的协奏曲结构规模较小，大协奏曲的独奏乐器通常都有两件或以上。大协奏曲可以说是协奏曲的早期形式，通过乐队的一部分和另一部分一问一答的交替来进行，通常是一组表现力较强，数量较少，称为“主奏部”，另一组数量较多，称为“协奏部”或“全奏部”，两部分轮流演奏，形成对比，呼应和组合。回旋曲式:基本主题（称为“主部”或“迭句'）出现三次以上，中间插入互不相同的段落（称为“插部”），这样的曲式称为“回旋曲式”。以A代表主部，以B、C、D等代表插部，则回旋曲式的结构：ABACAD„..回旋曲式起源于古代欧洲民间的轮舞歌曲，其中领唱和副歌交替出现，领唱的歌词每次不同，而副歌的歌词则每次相同。变奏曲式:变奏是发展音乐的重要手法之一，从动机、乐节、乐句、乐段以至于二声部曲式或三声部曲式，都可以变化反复，构成变奏。变奏曲式结构原则：首先是主题的完整叙述，然后是它的一系列变化重复：A-A1-A2-A3奏鸣曲式:奏鸣曲式是一种适合于表现戏剧性内容和交响性构思的结构。在奏鸣曲式中，形象的对比往往比较富于戏剧性，相互之间常有内在的联系和矛盾，并常用交响性手法揭示这种联系和矛盾。形象的发展也不是孤立的，它往往体现了对比形象的互相影响和互相冲突，主题的呈示、展开和再现是按一条戏剧性发展的线索进行的。结构：a呈示部，包含主部、连接部、副部和结束部四个部分。一般主部在主调上，连接部从主部转向属系调，副部和结束部均在属系调上；b展开部，是呈示部主题的展开，结构和调性不稳定，在各个下属系调上迅速转移，最后进入属调，为再现部做好准备；c再现部，主部、连接部、副部和结束部四个部分均在主调上。混合曲式:一部作品中同时存在两种或两种以上的结构原则。自由曲式:多段落结构的乐曲，各部分自由排列，排列的顺序不归属于以上各节讲述的某一定型的结构图式。巴洛克：17世纪至18世纪中叶的“巴洛克”时期音乐是“复调音乐”进入顶峰时期，同时也是“主调音乐”产生时期。“主调音乐”是由一个主要旋律（通常在高音部）声部，还有伴奏声部及低音部来补充和衬托主要旋律声部的多声部音乐。从18c中叶，“巴洛克”一词开始在欧洲艺术史的艺术批评中被使用。当时人们认为那种浮夸的、装饰性的、光怪陆离的风格，对于追求古代艺术的质朴、静穆、严谨的文艺复兴艺术来说，是一种退化和堕落。在人文主义思想的影响下，巴罗克时期的许多作曲家都探索用音乐表现不同的情绪状态，在声乐作品中他们追求用音乐表达出与歌词的词意相关的情绪。这种追求常导致巴罗克式的“夸张”。歌剧、清唱剧、器乐曲标志了这一时期音乐文化的重要成就。对比：巴罗克时代的最重要的创造之一是对比观念。文艺复兴时期的音乐特征是流畅的、相互交织的旋律线，最常见的是4~5个声部，每一声部所唱或演奏的音乐大致速度相同。这种写法在1600年以后越来越少见了。巴罗克音乐中具有不同层面上的对比：喧噪的与柔美的、一种音色与另一种音色的、独奏与全奏的。另外，高与低、快与慢。所有这些以及其他的对比方法，在新的巴洛克音乐创造设计中都占有独特位置。对于旋律意义的新认识：在复调音乐继续发展的同时，人们开始探索另一种音乐的新风格，即由单一旋律支配的织体形式一一主调音乐。由单一旋律支配的织体形式流行起来，这种转变首先出现在声乐界。新音乐的旋律同原来的音乐的复杂织体相去甚远，人们对这种高音声部精心描绘出的旋律线条有了新的认识。华丽的歌唱性旋律线条，在琉特琴或羽管键琴的伴奏下，开拓出了新的时代和新的风格。伴奏与通奏低音：在文艺复兴时期，主流音乐中没有伴奏的概念和观念。而伴奏进入主流音乐队伍，是在巴洛克时期出现的。作曲家为歌曲设计了专门的、独特的伴奏声部，这就是通奏低音，又称数字低音。使用这种方法，演奏者实际承担了和声的实际填充和完成工作，拥有了一定即兴创作的空间。在今天的爵士音乐中还可以看到类似的情况，演奏者根据乐谱上简要的和声标示进行即兴的演奏。大、小调体系取代了中世纪的教会调式体系：巴罗克音乐经历了一场音乐历史中最有意义的变革：从中世纪的教会调式到大、小调体系的转变。从复调写作的声乐转到和声配置的乐器，需要一套简明易懂的和声系统。因此，各种教会调式被两个标准音阶调式即大调式和小调式所取代。12平均律的确立：按照原来的定音规则，键盘乐器在演奏三个升降号以下的调时，能发出较纯正的音响。但随着升降号的增加，音程就会逐渐走调。在一个八度内将一些音程定音稍稍作些改变，平均地分散开所有的音程关系，就能演奏所有的大、小调而不引起难听的效果。这样的定律法叫做12平均律，它扩大了作曲家使用和声的可能性。到了19c，平均律成为通用的标准律制。巴罗克音乐特点的其他方面：1）固定低音：这是巴罗克音乐中常见的手法，低音部不断重复一个简短的音型，形成一个不变的结构框架，高声部则进行独立地自由发展。固定音型在实现统一和制造紧张度两方面非常有效，这种创作手法在20世纪的音乐中也常常可以见到。2） 阶梯的力度：巴洛克音乐在进行时，采用一个相当稳定的音量，持续响亮地一个后段上接上一个始终低柔的乐段，来形成明暗对比的效果。这种响度上的转换叫做阶梯式的力度，是巴洛克音乐的特点之一，它赋予了巴罗克音乐一种极为朴素的特质。例如巴赫的作品。3） 富于动力的节奏：巴洛克音乐常常以鲜明的舞蹈节奏作为基础，它稳定的节拍一旦开始就不会放松，直到该乐段结束，这种节奏富于了巴罗克音乐持续的，向上的动力。这在约•塞•巴赫《勃兰登堡协奏曲》中表现得尤为突出。巴罗克时期欧洲音乐的发展:在巴洛克时期，音乐在新旧交织的社会形态中获得了深入广泛的发展：声乐艺术取得突破性进步，歌剧、清唱剧等近代大型声乐体裁产生；器乐音乐也摆脱其声乐的附庸地位，开始与声乐音乐并驾齐驱。歌剧产生并受到广泛欢迎:歌剧首先诞生在意大利清唱剧，康塔塔已具备经典形式康塔塔：，原义为歌唱，根据时代变迁而解释有所不同：17c初，往往是一种单声部唱的戏剧性牧歌，伴奏用琉特琴或通奏低音。这种形式在17c后期的意大利极为流行，分几个声部演唱，有些康塔塔由宣叙调组成，有些则是一连串的咏叹调。室内康塔塔属于世俗音乐，教堂康塔塔则是宗教音乐。18c成为更适合剧场演出的音乐。19c的康塔塔以巴赫为典范从而得到发展实际是一种小的清唱剧小提琴的崛起管风琴音乐发展到鼎盛阶段，古钢琴艺术风靡一时组曲：在巴洛克时期，组曲主要由一组同一调式的舞曲组成，通常是阿列曼德舞曲，库兰特，萨拉班德，基格四首基本舞曲。奏鸣曲:是钢琴演奏的乐曲或用其他乐器演奏而带钢琴伴奏的器乐曲.通常只有不超过两个演奏者的作品才称得上是奏鸣曲。奏鸣曲产生于巴罗克时期，当时的解释是指：不是唱的，而是奏的音乐。协奏曲：是指协同的演奏。独奏乐器和乐队协同演奏中既有对比又有相交融的作品。协奏曲主奏部只用个人独奏而不用小组演奏的做法是在巴赫的羽管键琴协奏曲中发展起来的。亨德尔的管风琴协奏曲是又一次重要的发展，他是为独奏者有机会即兴显示技艺而设置“华彩乐段”的最早倡导者之一。在巴罗克时期，两位最重要的作曲家-巴赫和亨德尔他们的逝世作为实践标记来表明巴罗克时代的结束。巴赫：宗教音乐家，节奏坚实，稳健，旋律质朴，庄严，规整，典雅古典时期的音乐（西元1750-1825年）：续巴洛克以后，大约在十八c后半到十九c初，音乐进入另一个主流。这个时期被后人称为「古典时期」。古典主义时期音乐的重要美学特征：1.追求音乐思想的明确和形式的完美：古典主义音乐家把音乐作为情感交流的形式，他们认为音乐要有丰富和明确的思想，并通过完美的逻辑形式表现出来。因此各种曲式的完善成为古典主义音乐家探索的重要领域。作曲家理想中的曲式，是要体现出严密而灵活的整体结构，能自由表达理性和逻辑产生的庞大构思，以及多样化的人类情感。海顿和莫扎特对各类音乐体裁进行了终生的探索和试验，使之不断完美和规范化。例如古典交响乐发展直至成熟的过程在海顿和莫扎特一生创作的交响曲中，有着清楚的反映。经过几十年的探索，古典交响曲四乐章的结构形式得到确立，各声部得到固定和平衡，古典交响曲的形式得以形成。此外，到古典主义后期，奏鸣曲、协奏曲及弦乐四重奏的形式也得到发展和规范化。注重优美的旋律和精湛的技艺旋律在古典主义音乐中受到了前所未有的重视。卢梭还认为，旋律是激情的语言，具有征服人心的力量，它使音乐变成艺术。另外，在音乐的各方面，精湛的技术处理开始被人们所重视，演奏的炫技性渐渐突出。讲究作品整体的秩序、和谐及比例对“古典的比例”的追求，形成了古典时期音乐的一个重要特色。人们追求各调之间平衡，让听众能清楚地感到音乐的走向；重视各段之间的平衡，以便听众能够把握一首作品的正确方向并对所期待的音乐有一个清楚的了解。表达情感的理性和控制在表现人类的情感的深度上，古典音乐比巴洛克时期又进了一步，他们虽然不像烂漫主义那样无拘束地表达情感，但作曲家写作时充满着感情。这种感情充满着理性色彩和控制力，带有18c的共性和普遍性。以海顿、莫扎特和贝多芬为代表的“维也纳古典乐派”的杰出创作所经常使用的风格特征，表现为如下四方面：音乐语言的精练，朴素和亲切；结构形式的匀称和清晰音乐中的矛盾冲突因素逐渐强化与民间音乐的联系更加紧密古典主义时期三个重要的乐派曼亥姆乐派创作风格，体现为鲜明的主调风格，清晰的结构，明快的旋律和简洁的和声。该乐派突出小提琴旋律，发展了渐强的用法和精确的力度控制，运用震音，用明确的声部写作取代了巴洛克键盘即兴演奏的数字低音。曼亥姆乐派以意大利式序曲结构为基础，增加了快速的第四乐章，为古典交响套曲结构奠定了基础。海顿和莫扎特就是在曼亥姆乐派的影响下成长起来的。柏林乐派巴赫去世后，其儿子卡尔.菲利浦.巴赫和威廉.弗里德曼.巴赫及其他作曲家形成的乐派，成为柏林乐派。该乐派，开创了近代钢琴奏鸣曲的先河。在德国启蒙思潮的影响下，他们力图用音乐表达更加深刻，强烈的情感。维也纳古典乐派从18c下半叶到19c20年代，以海顿，莫扎特，贝多芬三位作曲大师为代表形成的乐派，成为维也纳古典乐派。维也纳古典乐派表现出了一个时期特定的音乐风格，从1770年左右海顿的四重奏音乐作品开始，一直到贝多芬晚期创作为止。其音乐风格特点为：语言精练，朴素，亲切，崇尚理性；形式结构明晰，匀称，严谨。该乐派将前人创立的奏鸣曲式，奏鸣交响套曲加以发展并规范化，确立了交响乐队的组合编制。早期古典主义音乐风格与巴洛克风格比较在巴洛克时期，一个乐章基本是在一种情绪的基础上，引进了更多的对比的因素。即这种对比体现在乐章内部，甚至在主题与主体之间。旋律发生了新的变化。旋律不再是巴洛克时期那种绵延不断的扩展形式，而是体现了结构上的段落感。他们常常以和弦为骨干，加上经过音，回旋音，琶音的装饰，形成一个短小的乐段，具有了更强的歌唱性。和声节奏进行缓慢，和声的转换一般在小节的强拍上。阿尔贝蒂低音的运用。阿尔贝蒂低音就是用左手演奏固定的分解和弦。这种音型18c十分普遍，海顿，莫扎特和贝多芬经常使用。当时的典型结构为两段体，