2010西方音乐史复习题

PAGEPAGE11一.古代希腊与罗马音乐

1-古希腊音乐比较重要的乐谱残篇：《俄瑞斯忒斯》、德尔斐赞美诗、塞基洛斯歌乐器：里拉，阿夫洛斯，基萨拉琴日神赞美诗：多用里拉琴或基萨拉琴伴奏，多利亚调式，风格典雅均衡，具有理性的光辉。酒神赞美诗：多用阿夫洛斯管伴奏，弗里几亚调式，音色尖利洪亮，具有狂放理性的力量。抒情诗：源于民歌，后由抒情诗人自创自唱，常用里拉伴奏。诗人有：特尔潘德、提尔泰俄斯（战歌）、萨福（第十位缪斯）合唱诗歌的著名代表：品达罗斯（崇高颂歌的典范）古希腊三大悲剧作家：埃斯库罗斯、索福克勒斯、欧里庇得斯悲剧：起源于民间的酒神颂，公元前5世纪，悲剧得到很大发展，被视为一种对群众进行宣传教育的有效方式。喜剧：以轻松揶揄的手法描写和表现现实生活。古希腊戏剧的意义：对后来的西方音乐具有重要的历史意义，对17世纪西方歌剧的诞生，以及19世纪瓦格纳的歌剧改革理想产生了深厚的影响。毕达哥拉斯：是西方第一个以理论方式来说明和解释音乐现象的人，通过弦长比发现八、五、四度是协和音程。古希腊调式：多利亚、弗里几亚、利第亚及各种变体。古希腊记谱法：字母谱、符号谱音乐社会功能的学说：亚里士多德认为多利亚调式质朴，具有男子气，使人安静并具有力量。弗里几亚调式狂放，具有酒神精神，可以激发热情。副弗里几亚调式容易使人陷于享乐，丧失意志。

柏拉图认为音乐是净化心灵，教化品性的重要手段，好的音乐可以使人向善，但不好的音乐可以使人品行不端，并认为音乐的重要功能是为社会教育服务，而不是享乐或娱乐。2-古罗马音乐古罗马音乐特点：实用性和娱乐性增强，集体性的军乐以及仪式、游行音乐非常普及。与古希腊音乐的重要区别是音乐的职业化，古罗马在音乐的繁荣方面不亚于古希腊，但却失去了希腊艺术的高尚和纯真成为一种纯粹的娱乐。特色乐器：大号、水压管风琴、大型基萨拉琴二．中世纪音乐

七艺：语言艺术的“三艺”：语法、修辞、逻辑。数学艺术的“四艺”：算数、几何、天文、音乐。

中世纪的音乐观念：音乐不是供人欣赏聆听的对象，不是用来享受或娱乐，它被赋予教化人，使人弃恶向善的道德理性功能。加洛林文艺复兴：公元751-987年，加洛林王朝提倡学术，鼓励教育，带来文化复苏的迹象。格里高利圣咏：形成于约8、9世纪，无伴奏、无固定节拍的单声部素歌，建立在单纯的自然音阶基础上，由于其宗教的性质，因此旋律音调一般比较平缓，内容取自《圣经》，用拉丁语演唱。基本功能是服从宗教礼拜活动，歌唱方式主要有独唱、齐唱、交替歌唱和应答歌唱。它以罗马礼仪为基础，融合了高卢地区的礼仪因素，最后逐渐影响到西欧其他地区的圣咏，成为罗马天主教圣咏礼仪的统一规范和最高权威。教皇格里高利一世在格里高利圣咏的形成过程中起了重要作用，他派人收集整理罗马各地圣咏，选编成两本圣咏集，统一了罗马天主教会的仪式和圣咏，并建立了罗马教会歌唱学校。法兰克国王丕平和查理大帝都废除地方圣咏，全盘接受罗马圣咏，在很大程度上推广了格里高利圣咏。后来格里高利圣咏的扩展丰富了教会音乐，通过附加段、继叙咏、宗教剧，教会音乐开始从封闭状态伸向外部世界，越来越艺术化并具有审美价值，格里高利圣咏是西方音乐发展的重要基础。平行奥尔加农：它是奥尔加农的最初阶段，它的上方主声部是圣咏旋律，主声部下方附加一个奥尔加农声部，附加声部以相距四度或五度方式平行于主声部，这种两个声部的一四度或五度平行移动的奥尔加农就是平行奥尔加农。除了这种严格的平行奥尔加农外，还有一种平行奥尔加农的变体，这种奥尔加农也是一圣咏为基础，但两个声部以同音斜向开始，进入四度音程后两个声部开始平行，最后结束又汇合于同音。华丽奥尔加农：产生于12世纪左右，奥尔加农声部在11世纪声部交错或超越的基础上进一步发展，从原来的下方声部转向上方声部，并越来越表现出流动和富于变化的装饰性格，形成花唱式的华丽奥尔加农复调风格，也就是华丽奥尔加农。第斯康特：它是奥尔加农发展到一定阶段形成的一种与华丽奥尔加农风格迥然相异、被称为第斯康特风格的复调音乐。

莱奥南：诗人和作曲家，擅长写华丽奥尔加农，这种复调体裁在他手里被发展到顶峰，他著有《奥尔加农大全》，这是中世纪最重要的复调音乐文献之一。佩罗坦：擅长写第斯康特，在发展有节奏的音对音作曲技术方面具有贡献，创造了一批三个乃至四个声部的复调音乐，导致了和声关系的复杂化。他曾对莱奥南的《奥尔加农大全》进行润色和修订。“新艺术”：14世纪初，法国音乐理论、作曲技巧和音乐风格上出现了一些新的现象，标志着音乐革新的开端，新艺术音乐盛行于14世纪上半叶法国，一般以“新艺术”通称整个14世纪法国和意大利音乐。人物有维特里和穆里斯（著有《新音乐艺术》）。与新艺术有关的最早乐谱是《福维尔传奇》。马肖：他是法国新艺术音乐的最重要人物，在诗歌和音乐创作情况的资料保存得十分完备，在西方音乐史上他是作品得到完整保存的第一位音乐家。他的音乐作品涉及到14世纪几乎所有重要的音乐体裁，有经文歌、弥撒、分解旋律以及大量世俗歌曲，他总结了法国晚期中世纪音乐的一系列成果，称为一个时代的音乐家典范。马肖对弥撒曲的贡献是第一次把常规弥撒的各个段落视为一个整体来统一构思。他只写过一部弥撒曲《圣母弥撒》。唯一一首分解旋律时《大卫分解旋律》。三．文艺复兴时期音乐（欧洲音乐风格向着一体化发展，音乐中心向北转移）英国音乐：特点是少受抽象理论约束，与民间音乐保持着自然的联系，倾向大调性、主调风格，习惯自由运用三、六度音程，产生和谐丰满的音响。一般使用不省略三音的三和弦，多使用和省式织体，强拍避免不谐和音程。乐谱有《奥尔德霍尔藏稿》，重要作曲家有鲍尔、邓斯泰布尔。英国音乐的风格特征：朴素、清新、和谐、悦耳。邓斯泰布尔：文艺复兴时期英国最重要的作曲家，他的作品涉及当时各种体裁和风格，包括常规弥撒个部分的谱曲，经文歌，世俗歌曲和一些其他宗教歌曲，多为三声部，上声部较为突出，但与同时期作曲家相比，他对三个声部的处理更为平等，各声部常是一致的节奏声部间一三、六度构成丰满的三和弦。他的作品中定旋律一般在较低的声部，有的在高声部，也有的没有定旋律，代表作经文歌《你多么美丽》。尼德兰乐派：西方音乐史从19世纪上半叶开始，把15、16世纪一大批出自低地国家的音乐家称为“尼德兰乐派”，并区分为第一代、第二代和第三代尼德兰乐派，分别以迪费、奥克冈和若斯坎为首。勃艮第乐派：勃艮第乐派形成、发展在1400—1450年间，当时勃艮第公国的王侯们对音乐的热爱，吸引了一批优秀的音乐家献身宫廷，于是形成了欧洲大陆最早的乐派。他们常用的音乐体裁是“尚松”，重要的成就是确立了大型宗教体裁“弥撒曲”五部分的常规写作形式，代表作曲家为杜费和班舒瓦。勃艮第乐派的风格特点是：（1）作品以三声部复调音乐为主，即固定低声部、中间对应声部和高声部。弥撒曲均为四声部复调作品，四声部自下而上为：低音对应声部、固定声部、高音对应声部和旋律声部。（2）旋律和节奏的发展集中在高声部，假低音的技巧常被采用，即三度和六度平行进行。（3）兰迪尼终止式普遍出现。（4）喜好世俗风格的尚松、宗教性的经文歌和弥撒曲体裁。法-佛兰德乐派：佛兰德斯乐派是指15世纪中叶以后欧洲大陆北部的作曲家形成的一个音乐流派。据史书记载，这一地区在当时又被称为尼德兰区域。20世纪初，史学家们为了使历史上政治、文化、地理的名称更加吻合，常把尼德兰第一乐派称为勃艮第乐派，把尼德兰第二乐派、第三乐派称为法-佛兰德乐派，即狭义上的尼德兰乐派。众赞歌：它是德国宗教改革在音乐上最重要的成果，起初众赞歌主要是单声部的，后来采用四部和声，它是分节歌形式的，虽然采用有量记谱，但音符时值基本一致，偶尔随歌词有所变化，句尾音的停顿长短不一。罗马乐派：16世纪中叶，宗教音乐日益世俗化，天主教认为过于华丽繁复的音响破坏了人们虔诚的信仰，因此，规定举行弥撒时必须忠实地配以清晰的音乐，禁用一切世俗曲调。当时以罗马圣彼得教堂为中心，聚集了一批从事声乐复调创作的作曲家，他们形成了一个乐派，创作出一种受佛兰德斯乐派影响同时又具有安详性格的声乐复调音乐。这个乐派被称为“罗马乐派”，其代表人物是帕勒斯特里那。帕莱斯特里那：是一位宗教音乐天才，他把法-佛兰德乐派的复调音乐发展到顶峰，并以他的去世结束了这个辉煌的时代。他的音乐特点有（1）各声部清晰。（2）较少使用半音，音乐具有清澈宁静的特质。（3）从整体而言，他的音乐虽较保守，但是它的冷静、清新与朴素，避免不谐和音的戏剧性碰撞和追求理性崇高境界的特点却成为罗马乐派的典范风格，他所创作的弥撒曲《玛尔切里教皇弥撒曲》有力地证明了复调音乐能清楚唱出人们对上帝虔诚的爱，也因此奠定了他的大师地位。拉絮斯：佛兰德斯乐派第三代作曲家，是继若斯坎之后佛兰德斯乐派的又一个重要作曲家。他精通文艺复兴时期的各种音乐体裁，作品涉猎弥撒曲、经文歌、意大利“牧歌”、法国“尚松”和德国“利德”，重要的代表作为无伴奏合唱《回声》等。如果我们把文艺复兴时期的音乐看成是中世纪以来声乐复调艺术发展的顶点，那么拉索就是这个领域的集大成者。他的音乐特点是①初步建立了T-DD-T的和声功能圈。②在弥撒曲的写作中，定旋律tenor声部的圣咏旋律被世俗曲调取代。③奠定了复调艺术的两种写作类型：一是对位化写作，二是对位和声化写作。④创作风格：明净、质朴而又含有一种动态的情感美。文艺复兴时期有哪些国家或地区的音乐家为这一时期的音乐发展作出贡献？怎样的贡献？英国作曲家为欧洲音乐注入了和谐、悦耳、清新的风格，并使三、六度成为协和音程。北部低地国家的法-佛兰德作曲家将中世纪的复调对位技术发展到了极端，并推动了一种泛欧性风格的产生。西欧各国出现具有民族音乐风格的世俗音乐体裁，尤以意大利牧歌和法国歌谣曲最著名。德国的宗教改革将深刻的民族意识和新教精神带入众赞歌，使其成为德国数代音乐家创作灵感的源泉。在意大利，以帕莱斯特里那为代表的罗马乐派将复调音乐风格发展至完美，威尼斯乐派则以其宏伟的主调合唱风格眺望新的时代。弥撒曲的发展：1、最早的弥撒曲是天主教的圣餐仪式曲，8世纪时罗马天主教把弥撒曲定为礼拜、祭祀时使用的一种基本音乐形式。11－13世纪，教会音乐家开始在专用的弥撒圣咏（定旋律）上写复调弥撒曲，代表人物是马肖。2、文艺复兴时期开始，大约1450年左右，复调的常规弥撒曲成为欧洲最大、最重要的音乐形式，从杜费到若斯坎，我们看到了弥撒曲的一些变化，出现了最常用的两种作曲技法，一是“定旋律”方式，二是“模仿”方式。（1）定旋律弥撒曲：它的定旋律几乎都来自素歌，这是15世纪后期至16世纪弥撒曲作品的典型手法，其中最有名的一条弥撒定旋律是杜费的“武士歌”一曲，当时几乎所有的音乐家都曾用此曲作为弥撒曲的定旋律。（2）模仿的弥撒曲：这种方式是在若斯坎手中兴起的，16世纪中叶左右，音乐家们不再只用定旋律来处理音乐，而是更大规模地使用“借用”方式，即模仿手法。模仿手法千变万化，有的是在原先声部的对位线条上加入另一个模仿的声部，而使原有的主题更鲜明；有的则扩大原有的乐曲结构，重新组织、整合其中的音乐素材。后来，这种模仿复调逐渐取代了原有的定旋律技法，成为16世纪弥撒曲创作的主体风格。3、若斯坎去世后，弥撒曲体裁的形式基本形成，即五个乐章的形式，帕勒斯特里那赋予了这种复调音乐形式和技巧高度的稳定性和完美性。威尼斯乐派的兴盛，使弥撒曲向双重复调的形式发展，其中器乐伴奏的加入也为以后弥撒曲的发展开拓了更广阔的天地。四．巴洛克时期音乐（通奏低音时期）巴洛克音乐的主要成就：1.体裁方面：歌剧、清唱剧、舞剧、序曲、奏鸣曲、协奏曲、早期交响曲、赋格、托卡塔、变奏曲、古典组曲等产生和发展2.音乐实践方面：提琴族乐器和古钢琴的制造达到高水平，乐器演奏技术高度发展，乐队开始形成，作曲家开始用强弱记号指示怎样演奏音乐，演奏家开始运用颤音。通奏低音：通奏低音是巴洛克时期一个重要的技术特征，起源于16世纪末的教堂管风琴音乐中应用的“管风琴低音”声部，也叫“跟随低音”。17世纪后，作曲家开始写更加独立的低音线条，不再追求声乐的音高，逐渐形成了运用数字标记，并为即兴演奏的和声提供基础的通奏低音。由它构成的织体较强调两端的声部,作曲家写出低音部和高音部后，中间声部不写，需要由演奏者用键盘乐器或其他可以演奏和弦的乐器即席演奏，也叫通奏低音的“实现”。为了提醒演奏者，作曲家通常在低音的上方、下方或旁边标记相应的阿拉伯数字来对需要演奏的每个和弦加以指示，所以通奏低音也叫数字低音。要实现通奏低音至少需要两种乐器：一种是演奏和弦的羽管键琴、管风琴和琉特琴，另一种是演奏低音部的大提琴或大管等低音乐器。第一个提出通奏低音这个名词的是维亚达纳，1600年最早运用通奏低音的乐谱出现，如卡瓦里埃利的《灵魂与肉体的戏剧》意大利歌剧序曲：是由A.斯卡拉蒂创作，通常与歌剧本身没有音乐材料上的联系，包括三个不同的部分，速度的顺序是“快-慢-快”，开始的快板是两拍子的，有很多琶音和音级转换。中间是对比性的柔板，最后的快板是三拍子的，带有基格舞曲式的节奏，这种序曲被认为是后来交响乐的一个主要的前身。法国序曲：指吕利的歌剧序曲，他在他的宫廷芭蕾中就已经开始运用这种形式了。这种序曲包括两个部分，每个部分各自反复，第一部分是慢板，以主调风格和附点节奏为特征。第二部分是快板，运用赋格或近似赋格的风格，并以开头的慢板部分的简短再现结束。法国序曲在结构上是带再现的二部曲式，它的音乐充满庄严、尊贵和节庆的气氛。激动风格：在作品中运用弦乐的震音和拨弦这两种演奏手法来使音乐能更好地打动人的情感。《达夫妮》：1597年由佩里完成，是西方第一步歌剧，乐谱失传。《尤丽迪茜》：第一部音乐完整保留下来的歌剧，由佩里和卡契尼作曲，利努切尼作脚本。《奥菲欧》：蒙特威尔弟的第一部歌剧，也是早期歌剧艺术中艺术成就最高的一部。《波佩亚封后记》：蒙特威尔弟的最后一部歌剧，也是第一部以历史故事为题材的歌剧。《奥菲欧之死》：兰迪的第一部歌剧，被认为是罗马的第一部世俗歌剧。卡瓦里埃利：最早的歌剧作曲家之一,他的《关于灵魂和肉体的戏剧》是在教堂中首次演出运用单声歌曲风格的戏剧音乐作品。蒙特威尔第：巴洛克时期的一位最伟大的作曲家。他的创作可以被看作是从文艺复兴晚期通往巴洛克的一座重要的桥梁。他写过不少宗教作品，但他最有名的还是那些世俗作品。1607年2月他的第一部歌剧《奥菲欧》在曼图亚上演，是早期歌剧中艺术成就最高的一部。他的音乐风格的根源来自他对柏拉图音乐思想的理解，他追求在自己的作品中清晰而准确地表达歌词和歌词中的情感，并在写作上寻求用传统手法达到新的目的，首次在作品中运用了弦乐的震音和拨弦这两种演奏手法，这种风格被称为“激动风格”。他也认为音乐具有打动情感和陶冶人格的特性。罗马歌剧在17世纪40年代的变化：人们开始更加注重歌剧的音乐，而不再是戏剧，同时也更加注重壮观场面给人们带来的愉悦。以神化故事为主的歌剧题材也有了较大的扩展和改变。威尼斯-17世纪欧洲音乐发展中心1637年，威尼斯建立了第一座公众歌剧院-圣卡西亚诺剧院17世纪后半叶歌剧的变化：音乐成为歌剧的首要因素，戏剧则成为音乐的附属。在音乐方面注重于独唱，宣叙调与咏叹调成为明确分开的两种形式，介于两者之间还有咏叙调。合唱用得较少，器乐部分包括序曲、前奏和间奏。这种歌剧形式的框架在随后近两百年间被作曲家们不断地加以发展和运用。威尼斯成为意大利歌剧的一个主要中心。18世纪意大利歌剧：出现了干唱宣叙调和带伴奏的宣叙调，返始咏叹调得到了很大发展。斯卡拉蒂：那不勒斯歌剧学派的创始人和代表，在他的格局中神话题材较少，更喜欢情节严肃的历史题材或虚构的人物。歌剧的主人公大多是历经爱情风波的贵族，结局通常是大团圆。咏叹调用得很多，返始咏叹调已经很普遍。短的咏叹调一般只用通奏低音伴奏，只有较长的咏叹调才使用乐队。在每一幕的结尾，通常在主角下场之前，总要安排这个角色的一首重要咏叹调。他的歌剧序曲被称为“意大利序曲”。吕利：法国歌剧作曲家和舞蹈家，他喜用二重唱和合唱，特别是在一些壮观的场景中。豪华的机关布景和芭蕾舞场面更是吕利歌剧的重要组成部分。他的歌剧序曲被称为“法国序曲”。吕利作于17世纪的抒情悲剧为18世纪的法国歌剧奠定了一个标准的模式，对法国歌剧的形成和发展做出了最初的贡献。普塞尔：英国巴洛克时期最伟大的作曲家，也是优秀的管风琴家和歌唱家。他在多种音乐体裁上都有重大贡献。写了大量的器乐作品，宗教和世俗的声乐作品，在舞台方面也创作了很多戏剧配乐。他写的《为圣塞西莉亚日的颂歌》是亨德尔英语清唱剧的一个重要前身。固定低音咏叹调是他爱用的一种创作手法。代表作《迪多与伊尼》，是一部真正的歌剧。许茨：德国宗教音乐的重要作者，1627年他用经过改编的利努切尼的脚本《达夫妮》写作了一部歌剧，这是第一部在德国创作的歌剧，后来这部歌剧遗失了。1678年德国汉堡建立了一座公众歌剧院曾在17世纪末到18世纪初的汉堡歌剧舞台上活跃的是：凯泽、马泰松、泰勒曼和亨德尔。清唱剧：一种类似歌剧的大型声乐体裁，17世纪初在意大利诞生。它有一个叙事故事的人，更强调合唱，并且没有舞台动作和服装背景。合唱在清唱剧中既可用于叙述故事，也可用来总结或评论情节，大部分清唱剧是宗教内容的康塔塔：是巴洛克时期的一种重要声乐体裁，17世纪在意大利诞生，罗马式早期康塔塔创作的主要中心。它通常由一系列的宣叙调、咏叹调、咏叙调、二重唱和合唱组成。既可以采用宗教题材，也可以采用世俗题材。既可以是抒情性的，也可以是近似戏剧性的。

教堂奏鸣曲：在教堂演奏，在弥撒仪式的各段之间穿插演奏，一般有四个乐章，速度按“慢-快-慢-快”的顺序排列。前面的慢乐章常有即兴演奏的性质，随后的快乐章则经常运用赋格的模仿手法。有时它也可能包括一个有舞曲性质的乐章。室内奏鸣曲：在宫廷娱乐的场合或私人的音乐会上演奏，它包括一些风格化的舞曲，实际上它已是一种组曲，它有时也可能以一段非舞曲性质的前奏曲开始。古组曲：17世纪最后25年定型，来自意大利的室内奏鸣曲，由四种风格化的舞曲为核心组成，这些舞曲是：阿拉曼德舞曲、库朗特舞曲、萨拉班德舞曲、基格舞曲。这四种舞曲在节拍和速度上形成对比，但是它们都在同一个调上，且大部分都是采用二部曲式，即乐曲由两个部分组成，没个部分各自反复。在这四种舞曲的基础上，可以增加一首前奏曲，也可插入一些其它舞曲。洛可可风格：起源于17世纪末的法国，延续到18世纪60年代。它的艺术风格与宏伟壮观的巴洛克风格既有对比又有联系，比较轻松、优雅、明快。它富于精美的装饰和雕琢，代表了法国宫廷的艺术趣味。大库普兰的作品属于这种风格。大协奏曲：是器乐协奏曲的一种最早形式。其中一个独奏者组成的小组与较大乐队之间互相抗衡。独奏组经常是由两把小提琴和通奏低音组成的，被称为“小合奏组”或“主奏部”。乐队经常是由一个弦乐队加通奏低音，被称为“大合奏组”或“合奏部”，有时也叫“全奏”或“协奏部”。最早写作大协奏曲的是意大利作曲家斯特拉代拉，在巴洛克时期，大协奏曲最伟大的作曲家施巴赫，作品是《勃兰登堡协奏曲》。托卡塔：是一种比较自由的接近即兴创作的体裁，它的技巧性也比较高，特别是脚键的运用。经常出现的手法有各种模进和模仿对位，偶尔也有短小的主调和声段落。它一般包括若干段落，在慢速和快速之间交替，常以慢速狂想曲式的段落开始，与随后的比较严格的赋格式段落形成对比，所以托卡塔也叫“带赋格的前奏曲”。后来这个赋格式部分的重要性逐渐增强，最终形成了一个独立的曲子-赋格曲。赋格曲：是一种严格运用卡农模仿手法的复调体裁。经文歌式的里切卡和单主题不分段的坎佐纳是赋格曲的重要前身。赋格曲有两种组成部分，一种是呈示段，另一种是插段。在呈示段中，主题相继在主调和属调上被陈述和模仿。在插段中，通常要转调，主题不再完整出现。音乐材料的充分使用使音乐有力地推向一个高潮，最后的解决是回到主调。大小调体系的完全成熟和在键盘乐器上实行平均律的调音，促使赋格曲得到了最完美的发展。这个发展过程的顶峰就是巴赫与1722年创作的《平均律钢琴曲集》。维瓦尔第：威尼斯小提琴家，他在托雷利的基础上对协奏曲进行了发展，对巴洛克协奏曲的风格与形式结构的各种因素进行了强化、完善和扩展。他的主题比托雷利的更简洁，节奏更富于动力。他的大部分协奏曲也是三个乐章，速度按“快-慢-快”顺序排列，中间的慢乐章常在对比性的近关系调上。维瓦尔第德协奏曲成为巴赫和其他一些作曲家创作的范本，他所奠定的巴洛克协奏曲的整体结构和独立与全奏相对比的原则，不仅对后来的协奏曲创作影响巨大，而且还对其他器乐体裁产生了影响。巴洛克晚期的几位大师（主要见书本）拉莫：是法国18世纪最重要的作曲家、理论家和键盘乐器演奏家。他的歌剧从吕利的传统中继承了很多东西，而且为了加强戏剧效果而走得更远。他的合唱与每幕中娱乐性的歌舞场面篇幅更大。拉莫的主要贡献在于和声学上，1722年发表了拉莫最终要的著作《和声学》，它的理论著作是与他的作曲实践紧密联系在一起的。他把音乐看作一种科学，试图在自然法则的基础上解释和声的原理。拉莫认为和声是所有音乐的基础，旋律是从和声中派生出来的，他从声音的物理性质出发来研究和声，得到的结论是大三和弦是从泛音列中产生出来的，一个和弦的确定决定于他的根音，转位并不影响和弦的性质。斯卡拉蒂：是造诣很深的古钢琴家，发展了古钢琴的技巧和表现手段，他也是位多产作曲家，但最有价值的是那500多首单乐章的键盘奏鸣曲。这些奏鸣曲带有典型的巴洛克时代特征：细腻、典雅，与巴赫的键盘音乐相比同样具有声部明晰、交响和谐的特点。结构上虽不如巴赫的音乐那么紧密、精巧，但旋律性强、富于歌唱性，在抒情上略胜一筹，听觉上更接近现代欣赏习惯。亨德尔：英籍德国作曲家，亨德尔创作了大量的声乐和器乐作品，特别是歌剧，他也是举世公认的管风琴大师。他的音乐风格基本上是意大利式的，但也增加了法、英和德国的因素。他具有驾驭庞大音乐结构的气魄，但他的音乐线条却是简洁而宽放的，以主调和声风格为主，善于用很经济的手法创造恢宏壮阔的效果。亨德尔的清唱剧质朴感人，把高度的艺术性和虔诚的宗教信仰融入了一个个音符之中。《弥赛亚》是亨德尔最著名的清唱剧，特别是其中的合唱《哈利路亚》，具有史诗般风格，达到了巴洛克音乐宏伟壮丽风格的顶点。管弦乐方面比较突出的是他的歌剧及清唱剧的序曲、管弦乐组曲《水上音乐》、《焰火音乐》，其中管弦乐组曲《水上音乐》、《焰火音乐》都是为露天演奏而写的，以活泼欢快的舞曲为主，很富有生活气息，是雅俗共赏之作。巴赫：巴洛克时期的德国作曲家，杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家。是将西欧不同民族的音乐风格浑然溶为一体的开山大师。他萃集意大利、法国和德国传统音乐中的精华，对后来将近三百年整个德国音乐文化及至世界音乐文化产生了深远的影响。巴赫是一位多产的作曲家。他的作品包括有将近300首的大合唱曲；组成《平均律钢琴曲集》的一套48首赋格曲和前奏曲；至少还有140首其它前奏曲；100多首其它大键琴乐曲；23首小协奏曲；4首序曲；33首奏鸣曲；5首弥撒曲；3首圣乐曲及许多其它乐曲。总计起来，巴赫谱写出800多首严肃乐曲。巴赫的作品深沉、悲壮、广阔、内在，充满了18世纪上半叶德国现实生活的气息。他谱写了许多充满戏剧性因素的大型声乐作品，其中《马太受难曲》、《b小调弥撒》是最有影响的作品。巴赫复调艺术的两部伟大精品：《音乐的奉献》和《赋格的艺术》。《音乐的奉献》是巴赫在1747年应邀访问普鲁士腓特列大帝的宫廷时，根据腓特烈大帝当场给的主题即兴创作完成的。这部作品包括两首利切卡尔；一首四个乐章的长笛、小提琴与通奏低音的三重奏鸣曲；10首卡农；显示出巴赫炉火纯青的复调写作技巧。巴赫在40年代初期开始创作《赋格的艺术》，可惜还没来得及修改完毕就去世了。巴赫去世后，由他的儿子埃马纽尔.巴赫整理出版了未完成的修改稿。这部作品由15首赋格组成，以一个简单的主题为基础，充分探索了赋格写作的各种可能性。巴赫一生的主要功绩：第一，把音乐从宗教附属品的位置上解放了出来，使之平民化。音乐不总是歌颂上帝，也歌唱平凡的生命。第二，他把复调音乐发展成主调音乐，大大丰富了音乐的表现力。第三，他确立了键盘乐器十二平均律原则。第四，除了声乐作品外，巴赫奠定了现代西洋音乐几乎所有作品样式的体例基础。因此巴赫被后世尊称为“西方音乐之父”。古典主义时期的音乐古典主义时期音乐整体风格特征音乐不再是巴洛克时期的复调为主，是以古典主义时期的主调为主，并建立了T-S-D-T的和声功能，调性。和声为结构作品的重要因素。段落和乐章有明显的终止式，强调更加简洁的和声。通奏低音被明确地记谱所取代。旋律追求优美动人的气质，与民间音调及舞蹈节奏更为密切从短小的动机孕育出丰富乐思的技巧得到蓬勃发展。乐章中主题的对比变化取代了巴洛克时期单一主题模进的展开。古典主义时期常用的体裁是奏鸣曲。第一节：意大利正歌剧的改革和喜歌剧的兴起于繁荣格鲁克歌剧改革措施音乐服从于诗歌与戏剧，使音乐达到促使剧情发展的作用。歌剧序曲作为歌剧的一部分，应有预示剧情的作用。放弃返始咏叹调的表达。删除一些不必要的花腔段落。加强了宣叙调的旋律性。使其具有细致的情感的表现力，占有重要地位恢复了合唱在歌剧中不可替代的作用。以明确的记谱方式取代了通奏低音的手法舞蹈的表演必须要与剧情，人物和情感相符合一直。要与剧情发展有密切关系，不再为炫耀场景而随意添加。喜歌剧的兴起与繁荣意大利喜歌剧的代表作曲家佩罗莱西代表作品《女仆作夫人》。这部作品使喜歌剧这种作品成熟并传播出去。法国喜歌剧德奥歌唱剧英国民谣剧《乞丐歌剧》第二节：前古典主义时期的器乐一：前古典时期“奏鸣曲”和室内乐曲的发展1：奏鸣曲和奏鸣曲式音乐专业术语中，“奏鸣曲”和“奏鸣曲式”是两个不同的概念“奏鸣曲”是一种体裁概念，由不同数目乐章组成；各乐章在调性.情绪.速度等方面形成鲜明对比，几个乐章为一个整体，彼此间存在着内在的逻辑关系。奏鸣曲式是一种曲式概念，由呈示部，展开部，再现部三部分组成，通常在奏鸣曲，交响曲，协奏曲的第一乐章中。其他各乐章也常使用奏鸣曲式或其他曲式。巴赫.卡尔.菲利普.巴赫意大利作曲家.他在奏鸣曲中左手常用不断反复的分解和弦作奏音型，这种音被称为“阿尔贝蒂低音”。2：其它室内乐曲室内乐（chambermusic）：原指贵族宫廷由少数人演奏或演唱的音乐。现指由一件或几件乐器演奏的小型器乐曲。意大利序曲1：曼海姆乐派以约翰斯塔米茨和来自欧洲各地的作曲家演奏家云集在一起，创作和演奏出十分活跃对欧洲产生了重要的影响，他们被称为“曼海姆乐派”。2：曼海姆乐派的音乐风格主调音乐风格已经确立，高声部线条十分突出。作品轻捷明快，通奏低音已被替代为采用总谱写乐队的各个声部；乐队的编制已经趋向完整。称为当时欧洲最大，最优秀的乐队；在演奏上注重力度渐强，减弱的丰富的变化。第三节：海顿和莫扎特创作海顿的作品涉及的领域有：108部交响曲，49首钢琴奏鸣曲，为各种乐器写的协奏曲，不同类型的室内乐（奏鸣曲，二重奏，三重奏）海顿最重要的贡献是108部交响曲和68首弦乐四重奏。海顿奠定了交响曲的结构形式。他在“伦敦交响曲”中，把交响曲套曲定型为四个乐章的结构，并且把各个乐章的不同形式和常用曲式确定下来。弦乐四重奏海顿奠定了交响曲的形式，将交响曲四个乐章和曲式确立下来；确立了弦乐四重奏的体裁特征。形成了交响乐同样的四乐章形式；作品旋律朴素，和声清晰，结构匀称，音乐即明快。幽默，又不缺乏高贵气质。莫扎特1：歌剧歌剧是莫扎特音乐创作中最重要的体裁。与格鲁克恰恰相反，莫扎特强调诗歌要顺从音乐，音乐在歌剧中占据着支配地位。他的歌剧具有强烈的音乐感染力，旋律非常优美流畅，宣叙调也富有歌唱性。莫扎特是个戏剧天才，他巧妙地把音乐的旋律和戏剧情节完