科技与艺术历史课件

数字媒体艺术数字媒体艺术第3章科学-技术-艺术-新媒介数字媒体艺术的科技溯源数字媒体艺术与生俱来就有向往和追求真理的天性。正是在追求真理的征途上，科学和艺术携手而行，科学探索物质世界，艺术追求美的感受。而近代科学证明：科学和艺术是一个硬币的两面，是不可分割的整体。就像太阳光芒那样具有波和粒子的双重属性。数字媒体艺术是建筑于科学技术基础上的新艺术形态，是名副其实的科学和艺术的结晶。为了追溯科学和艺术联姻的历史，探求作为文化价值观的数字艺术美学的思想传承历史，本章将从古希腊的美学开始，探索西方艺术史中蕴涵的科学观的形成和20世纪科技发展对艺术家、艺术流派和艺术观念的影响，探索西方现代艺术和技术的结合的历史，由此更清晰地梳理出数字媒体艺术的思想来源。第1讲：科学与艺术的同源性科学史家乔治·萨顿曾将真、善、美所对应的科学、宗教与艺术比喻为一个三棱塔的三个面，他说：“当人们站在塔的不同侧面的底部时，他们之间相距很远，但当他们爬到塔的高处时，他们之间的距离就近多了。”正如博物学家达尔文（1809-1882）和德国动物学家、哲学家恩斯特··海克尔（1839-1919），早期的自然科学家往往又是非常细致的画家和插图大师，和科学艺术巨匠达•芬奇一样，他们把对自然界的热爱和对宇宙万物的虔诚与细致的观察融于笔记和书籍中，成为后人不可多得的宝贵精神财富。生物学家，博物学家，进化论创始人查尔斯·罗伯特·达尔文博物学家与插画大师的结合鹦鹉螺所蕴涵的奇妙数学分形艺术图案体现了数学和“大自然美学”之间的联系。分形艺术图案与大自然的许多植物有着惊人的相似之处。通过计算机编程产生的这些令人目不暇接的精美分枝、螺旋状、羽叶状树叶不仅使数学家、物理学家为之迷恋，而且使许多艺术家趋之若鹜，他们认为在这些无穷放大或缩小的自我相似的螺旋形结构中蕴藏着宇宙的奥秘。分形几何学与分形艺术图案

从苏格拉底开始，一直贯穿着一条人类对美的认识的主线——美是建立在比例和数的基础上的。组成美的基本成分有四个：清晰、对称、和谐和生动。1.毕达哥拉斯和“数学之美”柏拉图——美在于恰当的尺寸和大小，在于各个部分以完美和谐的方式连接成统一的整体。他将比例的概念扩展开来，用于阐释所有是物美，如：文章的长度要合适，绘画的结构要精当，诗歌中语言的运用要恰到好处等。

亚里士多德——美存在于“次序、对称和明确”中；

西塞罗（Cicero）——美是“肢体成对发展的形状，再加上迷人的色泽”；

普罗丁诺（Plotinus）——美是“各部分之间的对称和相对于整体的对称。

美的事物本质上是对称的”。

古希腊人们对自然界美的追求体现在他们对数学比例的研究中。据史书记载，最初对黄金比例进行明确定义是在公元前300年，由几何学归纳法创始人欧几里得提出的。其定义：一条直线按黄金分割后，整条直线和较大部分的比值等于较大部分与较小部分的比值。该黄金比例是一个永不重复，永无穷尽的数字，1：0.6180339887……

黄金分割具有令人惊叹的和谐品质和“完美”的比例。历史上的一些伟大的数学家毕达哥拉斯和欧几里得、文艺复兴时期天文学家开普勒，及当今数学名人都对这个看似简单的数率问题及其本质投入了大量的精力。1.黄金点：⑴肚脐：头顶－足底之分割点

⑵咽喉：头顶－肚脐之分割点⑶、⑷膝关节：肚脐－足底之分割点⑸面部黄金分割律面部三庭五眼2.建筑艺术黄金分割被认为是建筑和艺术中最理想的比例。建筑师们对数字0.618特别偏爱，无论是古埃及的金字塔，还是巴黎的圣母院，或者是近世纪的法国埃菲尔铁塔，都有与0.618有关的数据。黄金分割与大多数门窗的宽长之比也是0.618；还有，在古希腊神庙的设计中就用到了黄金分割。3.艺术创作画家们发现，按0.618:1来设计腿长与身高的比例，画出的人体身材最优美，而现今的女性，腰身以下的长度平均只占身高的0.58，因此古希腊维纳斯女神塑像及太阳神阿波罗的形象都通过故意延长双腿，使之与身高的比值为0.618，从而创造艺术美。二胡演奏中，“千金”分弦的比符合0.618∶1时，奏出来的音调最和谐、最悦耳。3.植物有些植茎上，两张相邻叶柄的夹角是137°28'，这恰好是把圆周分成1:0.618的两条半径的夹角。据研究发现，这种角度对植物通风和采光效果最佳。1.毕达哥拉斯和“数学之美”1.毕达哥拉斯和“数学之美”古希腊哲学家毕达哥拉斯(公元前582年一507年)发展了数学审美观，将美归结为数学的法则和比例（如黄金分割、金字塔结构的宇宙），把一切自然现象都归结为数学的法则，从而建立了完整的理性主义思想体系，并为西方文化的发展奠定了理性主义的基调。毕达哥拉斯学派把美的本质归于形式方面，并为美的现象寻找它的数学基础，这种美学观对后世的影响深远。柏拉图在形式美方面采用和发展了毕达哥拉斯学派的思想，他把形式美的本质看作秩序、比例、和谐。他说：“我说的形式美，指的不是多数人所了解的关于动物和绘画的美，而是直线和园以及用尺、规和矩所形成的平面形和立体形……我说，这些形状的美不像别的事物是相对的，而是按照它的本质就永远是绝对的美。”1.毕达哥拉斯和“数学之美”Raphael,SchoolofAthens,c.1510《雅典学院》壁画1510-1511年，意大利画家,文艺复兴时期艺坛三杰之一的拉斐尔(RaphaelSanti，1483--1520)，以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术—即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。达·芬奇的“科学研究”涉及到动植物学、物理学、天文学、空气动力学、鸟类飞行原理、建筑学、解剖学、生理学、流体力学、地图学等领域….天文达·芬奇对传统的“地球中心说”持否定的观点。达·芬奇还认为月亮自身并不发光，他只是反射太阳的光辉。他的这些观点的提出早于哥白尼“太阳中心说”。甚至在当时，达·芬奇就幻想利用太阳能了。达·芬奇手稿,显示画家对植物学的浓厚兴趣物理达·芬奇重新发现了液体压力的概念，提出了连通器原理。他发现了惯性原理，后来为伽利略的实验所证明。他发展了杠杆原理，除推导出作用力与臂长关系外，还算出了速度与臂长的关系。他指出了“永动机”作为能源的不可能性。达·芬奇还预示了物质的原子原理，形象生动的描述了原子能的威力：“那东西将从地底下爆起，……使人在无声的气息中突然死去，城堡也遭到彻底毁坏，看起来在空中似乎有破坏力。”达·芬奇手稿,显示画家对流体力学的浓厚兴趣医学达·芬奇在解剖学和生理学上也取得了巨大的成就，被认为是近代生理解剖学的始祖。他掌握了人体解剖知识，从解剖学入手，研究了生理学和医学。他最先采用蜡来表现人脑的内部结构，也是设想用玻璃和陶瓷制作心脏和眼睛的第一人。他发现了血液的功能，认为血液对人体起着新陈代谢的作用。达·芬奇研究过心脏，他发现心脏有四个腔，并画出了心脏瓣膜。他认为老年人的死因之一是动脉硬化，而产生动脉硬化的原因是缺乏运动。建筑他设计过桥梁、教堂、圆屋顶建筑和城市下水道。米兰的护城河就是他设计和建造的。水利工程达·芬奇对水利学的研究比意大利的学者克斯铁列早一个世纪。为了排除泥沙，他作了疏通亚诺河的施工计划。他设计并亲自主持修建了米兰至帕维亚的运河灌溉工程。由他经手建造的一些水库、水闸、拦水坝便利了农田灌溉，有些水利设施至今仍在发挥作用。军事和机械达·芬奇的研究和发明还涉及到军事和机械方面，他发明了飞行机械、直升飞机、降落伞、机关枪、手榴弹、坦克车、潜水艇、双层船壳战舰、起重机等。地质学达·芬奇根据高山上有海中动物化石的事实推断出地壳有过变动，指出地球上洪水的痕迹是海陆变迁的证明，这个思想与300年后赫顿在地质学方面的发现颇为近似。并且在麦哲伦环球航行之前，他就计算出地球的直径为7000余英里。他还在数学领域和水利工程等方面作出了重大的贡献。直升机之祖这位文艺复兴时期的天才早在莱特兄弟之前就有可能开创人类飞行的历史。

可以说，达·芬奇的研究涉及到自然科学的每一部门，他的思想和才能深入到人类知识的各个领域。他是世界上少有的全面发展的学者。但是，达芬奇的大多数著作和手稿都没有发表，直到他逝世后多年才被世人所发现。科学史家丹皮尔这样评论达芬奇，“如果他当初发表他的著作的话，科学本来一定会一下就跳到一百年以后的局面。”3.比例、透视、解剖和光影发源于欧洲17世纪的伟大的文艺复兴运动代表了现代科学的发展起源，同时文艺复兴运动也就西方理性主义绘画推向了巅峰。在文艺复兴时期，以达·芬奇为代表，涌现了许多对科学和艺术进行探索和研究的杰出的艺术家和科学家，文艺复兴时期的透视学、解剖学、比例法和光影表现法的理论研究对于在二维平面的画布上表现三维空间和立体影像关系十分重要。除达·芬奇外，布伦内希、波提切利、丢勒、米开朗基罗等人对透视学、解剖学、比例法和光影表现法的研究和实践也作出了重要贡献。（1）比例法的研究大自然中的一切物体都是以其自身的比例关系形成自身特定的构造，并都具有数学的逻辑关系，这种逻辑关系即适用于自然物的美，也适用于人类的视觉艺术、音乐等。最完整的比例法是通过人体的研究开始的。达·芬奇认为，人体神圣的比例表现在：人体各部分和身高成简单的整数比，各部分之间也成简单的整数比。人体画像中的同身方法

《蒙娜丽莎》是用数字来表示人体美，并根据一定的基准进行比较。用同一人体的某一部位作为基准，来判定它与体的比例关系的方法被称为同身方法。分为三组：系数法，常指头高身长指数，如画人体有坐五、立七，即身高在坐位时为头高的五倍、立位时为7或7.5倍；百分数法，将身长视为100%，身体各部位在其中的比例；两分法：即把人体分成大小两部分，大的部分从脚到脐，小的部分为脐到头顶。标准的面型，其长宽比例协调，符合三庭五眼。三庭是指脸型的长度，从头部发际到下颏的距离分为三等分，即从发际到眉、眉到鼻尖、鼻尖到下颏各分为一等分，各称一庭共三庭；五眼是指脸型的宽度，双耳间正面投影的长度为五只眼裂的长度，除眼裂外、内此间距为一眼裂长度、两侧外眦角到耳部各有一眼裂长度。女子叫塞西利亚(CeciliaGallerani)，在约1490年被画肖像画时大概十六岁，是当时米兰具有极大权力的公爵洛多维科(LodovicoSforza)最喜爱的情妇。她眉头上的头带，头纱的边饰，缠绕着脖子的珠链，头盔式的发型，可能全部都是最时尚的，但这些却紧紧地束缚着塞西利亚。这些束缚具有另一个用途——强调突出这位女士完美的头部比例。这就是肖像画的真正意图所在。达芬奇将那份优丽以协调的比例画出来了，优美从而激发爱情。最重要的是，他的绘画达到了极高程度的协调，他熟练把握住线条和阴影，光线和形式的处理技巧，从而创造出极致的美丽。《抱银貂的女子》《莉妲和天鹅》达·芬奇极为珍爱的作品，始终带在身边，晚年移居法国也不离左右，最后遗存在巴黎。

一个裸体的健壮中年男子，两臂微斜上举，两腿叉开，以他的头、足和手指各为端点，正好外接一个圆形。同时在画中清楚可见叠着另一幅图像：男子两臂平伸站立，以他的头、足和手指各为端点，正好外接一个正方形。这就是名画《维特鲁威人》（HomoVitruvianus），出自文艺复兴艺术巨匠达•芬奇之手，画名是根据古罗马杰出的建筑家维特鲁威（Vitruvii）的名字取的，该建筑家在他的著作《建筑十书》中曾盛赞人体比例和黄金分割。“维特鲁威人”是达·芬奇以比例最精准的男性为蓝本，这种“完美比例”也即是数学上所谓的“黄金分割”。丢勒是一位几何学家。他寻求将人体的形状归结为数学原理，这在他的数以百计的素描中得到证明。他的这些比例研究说明，他企图使用科学的方法来描述人体。（2）几何透视学的研究绘画是在二维平面上展开的。二维平面具有高、宽两个维度，能产生形象但没有深度，而现实的物质世界确实立体的、具有空间感的图像。如何在二维的画面上创造出有空间感的效果来，使人们产生真实的立体和空间感，是透视产生的动机。透视法的基本观点：把现实的图像纳入一个统一的空间结构中去，要求从一个共同的透视点出发，以三维直角坐标系为基准，使被描绘的所有对象，不分其位置远近和尺度大小都受到共同比例关系的制约。（2）几何透视学的研究文艺复兴时期，除达·芬奇外，对透视和解剖理论进行深入研究的代表人物是丢勒。阿尔布雷特·丢勒AlbrechtDurer，1471年生，是德国画家、版画家及木版画设计家。北部文艺复兴的代表人物，丢勒出生于纽纶堡的金银匠世家，在15岁时成为当地最优秀的画家来卡尔·沃格穆特的弟子，并以大自然、人体以及植物为对象开始尝试创作。作品包括木刻版画及其他版画、油画、素描草图以及素描作品。其中水彩风景画是他最伟大的成就之一，这些作品气氛和情感表现得极其生动。丢勒《引论》中的木刻画，说明他发明的用以将三维物体转化为二维画的仪器：一位画家坐在他的画布前，画布装在用铰链固定在桌面上一个垂直的框架上。桌上放置一把琵琶。他的助手将画布转到一边，并将线的自由端固定在琵琶的某个部位；画家顺着线观看。线经过框架上的某一点，画家用水平和垂直的两根线来固定它。然后松开直线，将画布转回框架中，画家在其上标出刚才固定好的那个点。再把画布转开，助手把直线移到琵琶的另一个部位，重复前面的程序。这样，画家渐渐获得了琵琶轮廓的精确透视图。1525年丢勒（AlberchtDurer）。《艺术家在描绘一位斜躺着的裸体女人》。画作的宽长比在1：2.5左右。从左到右是一位体态丰满的妇女斜躺在一张中世纪书桌的两个枕头垫子上，脚部隔着一道透明的正交网格。右端的画家在眼前立着一只“方尖碑”，他对这位女子的所有观察应该是靠一只眼睛，从方尖碑的端头出发，用眼睛的视线穿透网格刺到女子的身体上，在网格上确定出相应的点，然后再准确地用手描到桌子上的一张网格纸上。按照今天时髦的说法，画家正在对左侧这位妇女丰腴的躯体，通过从一个点上联过去的n条线与一处网格截面的交叉，完成了对立体女子的数字化处理，从而得出了一张准确的轮廓线描图。先是在透明网格的截面上，然后再转移到桌子上的画纸上。勒为我们画了一张准确的“剖面图”，让我们看到了一个肉体的世界，是怎样经由一种数学的截面，在眼睛的作用下转化成为一张截面图，最后在画家的笔下，成了一幅画作。丢勒对数学的爱好可以从他的铜版画《犹豫》（Melencolia,1514）中反映出来。除了中心透视的应用，墙上的幻方、复杂的多面体、球体，都象征着对于数学难题的长期思索无获而产生的犹豫情感。这是他所画过的最好的自画像。画面主体是一个深思的人物，背后张开巨大的双翼，坐在一栋石头建筑物前，身边围绕着各种古怪、诡异、源自想象的东西，彼此都似乎毫无关联——量尺、衰竭的瘦狗、木匠工具、沙漏、各种几何形体、吊着的摇铃、天使像、一把刀、一把梯子。（3）明暗表现手法的研究文艺复兴以前的绘画在造型上主要通过线条表达物体的形状，很少涉及体积的表达。到了文艺复兴时期，由于明暗法的出现，画家已经懂得运用明暗的色调变化塑造形体。明暗法产生的依据：一个实体占据一个三维空间，物体的轮廓线包括了二维，第三维是物体的凹凸与深度。透视学可以在二维的画面上表现大范围的深度，但不能表现小范围的深度变化——体积，因此只能通过物体的明暗才能达到这个目的。文艺复兴时期，通过达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒等文化巨匠的系统和科学的研究，人们才对光线和投影有了深刻认识。达·芬奇指出：“一切物体都被光与影包围着”。自然界中物体为视觉所感知，是以光的存在为条件的，如果没有光，人们只能通过触摸感知物体的存在。丢勒的犀牛版画显示了画家对犀牛的丰富解剖知识和生动的神态刻画丢勒的植物群落和兔子的生动传神的画面显示了画家对光影、质感和体积的高超的刻画能力。画家以精密完美的刻画技巧表现出了自然之美，特别是对于兔子的侧面，丢勒采用长线勾勒轮廓，短弧线表现阴影体积和皮毛效果,平排直线铺就投影烘托主体，对于兔子的胡须、长耳朵、爪子和头部更是刻画的细致入微。恩格斯曾把丢勒和达芬奇并提，称他为“在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人”第3讲：

20世纪科学与现代艺术

19世纪科学和科技的进步大大拓宽了人类的视野。特别是1839年摄影术的诞生和1895年电影放映术的诞生，代表了科学技术介入传统艺术领域，产生深刻的历史变革。1.时间、速度与未来主义1839年，法国科学家达盖尔发明了银版摄影术，并引起“艺术的媒体化”的争论。随着摄影术的进步，摄影作为图像媒介在社会中的影响力越来越大。即使是最保守的画家也不得不承认摄影的巨大优势。代表着传统和保守的古典派绘画大师安格尔（lngres）就曾以崇尚和羡慕的心态说：“摄影真实巧夺天工，我很希望能画到这样逼真，然而任何绘画家可能都打不到。”《泉》（1856年，现藏巴黎卢浮宫），在创作过程中，安格尔最终还是参考了借助照相机拍摄的模特姿势，实现了他期望中的完美的人体比例。《泉》中少女的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。左边以高举手臂的转折处为顶点，身躯的轮廓是一根略有变化的倾斜线，它宛若一缕缓缓飘落的轻纱；右边则复杂多了，不仅水罐与抬起的手臂组成圆和三角的几何结构，胸部和腹部的转折起落也形成波浪式的曲线，这正好与左边的单纯与宁静形成对比。画家严格遵守比例、对称的原则，我们仔细观察就可以看到，少女的体形姿态遵循古希腊普拉特西克列斯发现创造的S形曲线美。

摄影发明40年后，英国摄影师爱德华.穆布里奇发明了连续摄影术。连续摄影术的出现一方面给画家提供了更加自由的观察视角，另一方面为画家重新审视传统的空间概念创制了契机。如连续摄影就为达达主义画家杜尚的《下楼梯的裸女》的创作提供了灵感。

1912年，马歇尔·杜尚将一幅名叫《下楼梯的裸女》的油画交到了一个由“立体主义者”举办的独立沙龙画展。可是主办方看了这个作品后，觉得这幅作品里除了有立体主义的特质外，更多的是未来主义作品的特质。为了保持立体主义者展览的单纯性，主办方希望杜尚能把画作拿回去修改一下再来展览。可是杜尚一言不发地把画拿走了。到了第二年，美国有史以来第一次举办“国际现代艺术展”，《下楼梯的裸女》却成了整个展览中最引人注目的作品之一。但《华尔街日报》记者巴荣则是这么评价它的：“标题牛头不对马嘴，画布上没有裸体的人，不管你怎么用心看，也不管你从什么角度看，都只能看到一块画布

画将未来主义对时间、速度的思考发挥到了极致

19世纪摄影术的诞生对艺术的冲击不啻于爆炸了一颗“原子弹”，摄影的发明与普及使画家不得不思考两者的区别何在，从此绘画不再追求“写实、逼真”，进而探讨绘画的元素与画家观念的传达，因此，摄影的发明与普及成为早期西方现代主义绘画（映象派、立体派、抽象派）出现的导火索之一。摄影把绘画亦步亦趋的逼真模仿化为瞬间的机械记录，同时又为艺术家变形提供了契机。在这个意义上来说，摄影既是写实的去魅和否定，又是对它的赞美和简化。20世纪杰出的德国马克思主义文学评论家、哲学家瓦尔特·本雅明（WalterBenjamin1892—1940）就曾以摄影和电影为例说明了人类的艺术活动和审美观念是随着技术的进步而改变的。本雅明把机械复制技术看做一种艺术革命的力量，认为它给美解魅、去魅，最终使美由殿堂走向民众，带来了艺术的解放。瓦尔特·本雅明（WalterBenjamin1892—1940）著名理论：机械复制时代的艺术美学

而19世纪法国空想主义画家维尔茨（Antoine

Wiertz)则预见到了摄影甚至计算机对艺术的影响，他于1855年在一篇文章中写道：“几年前，诞生了一部机器，成为我们这个时代的荣耀，这个机器天天令我们的思想产生火花。不到一个世纪的光景，这个机器将会变成画笔、画板、完成度、逼真感……。”摄影对时间和速度的记录也同样影响了“未来主义”的艺术创作。1909年2月20日意大利诗人马里内蒂在巴黎<费加罗报>上发表<未来主义的创立和宣言>。宣言一方面讴歌现代工业文明、科学技术使传统的时间与空间的观念完全改变，“宏伟的世界获得了一种新的美——速度美”，因而主张未来的文艺应当反映现代机器文明、速度、力量和竞争；另一方面诅咒一切旧的传统文化，扫荡从古罗马以来的一切文化遗产，主张摧毁一切博物馆、图书馆和学院。他们高喊：“干起来吧！点燃图书馆的书架！把河水引来淹掉一切博物馆画廊，啊！看着那些自命不凡的古画被撕破了，褪色了，在水面上随波逐流地飘浮是多么地开心！举起斧头铁锤毫不手软地捣毁那些被人奉若神明的城堡吧！”1910年3月8日画家波丘尼、卡拉、巴拉等也响应地发表了《未来主义画家宣言》，4月初又发表了《未来主义绘画技巧宣言》宣言表明，他们的绘画技巧，从本质上说仍然来源于立体主义。他们在立体主义多视点的基础上加上了表现速度和时间的因素。未来主义者对现代战争大加颂扬，认为战争是艺术最终极的形式。一些未来主义者们曾是第一次世界大战的幸存者，怀有深刻的民族主义思想。这些经历使得他们未来主义者公然支持意大利的法西斯主义。未来主义对20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义。未来主义作为一种艺术思潮从20年代开始衰落，如今已经基本绝迹，很多未来主义艺术家在两次世界大战中丧生。波丘尼（左）和马里内蒂（FilippoMarinetti，1878~1944）右）1912年在未来主义沙龙的合影工业革命：机械、速度与未来主义艺术爱因斯坦相对论动摇了关于固定空间与连续时间的概念，而车轮则使人们真正感到了这种变化的力量和一种现代意识。这种现代性也就是表明了一种新的艺术态度，即：现代艺术就是要对生活环境中发生的一切变化做出适当的记载，它包括接受人类的无意识与非理性的因素。此外，速度、技术感与革命性:对机器、速度与技术的崇拜也成为现代文艺美学革命性的根源。而来自于现代工业的代表性产物—汽车与火车的速度，从另一个角度改变人与世界的关系，也就是时间的角度。这些引起了前卫艺术家们的极大兴趣。未来主义艺术运动（1910-1945）是20世纪起源于意大利的艺术和社会运动。它强调的未来，包括速度，技术，青年和暴力，和物体，如汽车，飞机和工业城市的现代概念与荣耀的主题。2.工业革命、机器与速度的讴歌：未来主义俄罗斯未来主义画家纳塔利娅·宫察洛娃（NataliaGoncharova）《骑自行车的人》1913年这件雕塑是波丘尼最具雕塑传统、同时又和他的绘画之间最有特定关系的作品之一。作品塑造了一个没有头和手的人形，展示出了人物步行时的连续性。这个昂首阔步的人物，以用青铜雕成的飘然曲面组成，仿佛人体在疾速的前行中向后飘动。曲面的体积没有被实际的人体限制，基本上象是在二度的平面里运动，似乎把绘画的人物转化成了浮雕。波丘尼在创作中采取了动态分析摄影的形式特点，这个形象其实正是站在一定的距离上看到的人的形体的直观感觉，在感性的审美观中是一个十分完整的，有头有手的，正在连续行进中的人的形体。尽管这个雕像人物的所有飘起之物并没有达到波丘尼在《未来主义雕塑的技术宣言》一文中所宣扬的那种整体环境，在效果上，反而使人想起古希腊的雕塑《萨莫色拉斯的胜利女神》，但是，它依然作为未来主义的代表作而得到公众的赞誉。安贝尔多·波丘尼（UmbertoBoccioni）《在空间里连续的独特形式》青铜雕塑（1913年）

《萨莫德拉克的胜利女神》是希腊化时期（公元前四世纪末——公元一世纪，又称作“泛希腊时期”）留下来的著名杰作的原作，被奉为稀世珍宝。作者已无从考证。又名为《萨莫色雷斯尼凯像》。现在保存在法国国家艺术宝库——“卢浮宫”。胜利女神是胜利的化身，是提坦帕拉斯和斯堤克斯的女儿。她的罗马名字叫Victria维克托里亚（维多利亚）。她的形象是长着一对翅膀，身材健美，像从天徜徉而下，衣袂飘然。她所到之处胜利也紧跟到来。她还是宙斯和雅典娜的从神。在提坦战争中倒戈向奥林帕斯并助其获胜。未来主义画家贾科莫·巴拉(GiacomoBalla)

《被拴住的狗的动态》1912年，油画。《被拴住的狗的运态》是巴拉最有名也最有趣的一件作品，它描绘了时髦的着裙妇女牵着她的宠物小猎狗在街头行进的情景。为表达运动，艺术家把狗的腿变成了一连串腿的组合，几乎形成半圆，让我们不由自主地想起运动中的车轮。妇女的脚、裙摆及牵狗的链子也同样成为一连串的组合，留下了它们在空间行进时的连续性记忆。众多不同时间的瞬间形象被同时凝结在同一个画面上，象慢放电影，又象同一底片的连续性拍摄，这种多物体多侧面的同时并置使观众强烈地感受到艺术家为解决运动问题所作的努力，尽管这种努力的结果看起来幽默而朴实。未来主义广告和招贴1912年未来主义广告和招贴1912年随着其领导人马里内蒂在1944年去世，未来主义作为一个连贯的和有组织的艺术运动现在被认为已经结束了。但未来主义影响了许多20世纪的艺术运动，装饰艺术，激浪派，结构主义，超现实主义和达达。同时，未来主义理想仍然是西方现代文化的重要组成部分，如强调青春，速度，力量和技术表现等在许多现代商业电影和文化中有所体现。西方科幻电影和日本的动漫艺术家们对人与金属、机甲的迷恋多源于未来主义思想。此外，马里内蒂的理想也是欧洲超人哲学的明显的成分。甚至互联网初期的“数字朋克”也大多可以追溯到未来主义的精神寄托。3.未来主义艺术运动的广泛影响康定斯基，生于俄国，后去慕尼黑学画，创立“青骑士”团体和跃动的纯抽象风格，曾任教于包豪斯学院，有《论艺术中的精神》、《回忆录》及《点、线、面》等著作出版，对发展现代艺术起了重要作用。其绘画，在1910年转为彻底抽象之前，主要趋于野兽主义的风格。毕加索通过对媒介的处理，重构了时间的要素。立体主义后期的拼贴画就是这样做的，并且产生了令人振奋、复杂难解的艺术效果，用真正的空间方法代替了原来通过透视法所表现的空间。野兽派代表人物马蒂斯(HenriMatisse，1869～1954)曾经指出：瞬间的连续性构成了生命与事物的表面存在并不断地对它们进行修饰和变化，在这种瞬间的连续性下面，一个人能够寻求更加真实、更为本质的特征，艺术家将要捕捉到这种特征，从而对现实做出更永恒的解释。“瞬间的连续性”是一种绝对的现代感，是一系列现代化的交通工具发明之后带给人们的不同以往的新感受，它使艺术家们所希望表现的不再是静止的画面，而是某个静止的瞬间现象后面的永恒的本质。亚历山大·罗钦可(AIexanderRdchenko，1891-1956)，苏俄著名摄影师、形式主义艺术家罗氏是十月革命后一位最全面的结构主义和生产主义美术家。他早期以绘画和平面设计为主，后来转至摄影和集成照相。他的摄影作品反映社会现实，在形式上寻求创新，反对画家式的审美观。为了配合他的分析—纪录性摄影系列，他经常从出人意料的角度拍摄，通常是俯视或者仰望，为观赏者带来震撼，常令他们一时间认不出熟识的景物。他写道：“一个人在摄影时要拍摄数张不同的照片，从事物的不角度不同的情况出发，应该像从周围观察而非像从同一个钥匙孔看了一次又一次。”他不但是苏俄有史以来最重要的摄影家，也是苏俄十月革命中的重要艺术导师。令人诧异的是，罗钦可一方面高呼“人民的艺术”口号，一方面又极其坚持“个人观点”的创作；在两种往往呈相抵触的心状中，达到了相当巧妙的平衡境界。因此，他的影像成就，才为世人公认。他在一九二三年又发表了惊人的学说，声称“绘画已死，艺术家应同时具备画家、设计家和工程师的三重任务。”然后就从此搁下画笔、油彩，而拿起相机。他认为：“相机是社会主义之社会与人民的理想眼睛。”“只有摄影能回应所有未来艺术的标准。”罗钦可的作品：机械、招贴设计、政治宣传画和摄影蒙太奇波普艺术家杜尚的“下楼梯的裸女”（左，1913）和动力装置艺术展示（右）1920丁格利的机械雕塑（1964）动力艺术瑞士达达主义画家与雕刻家，以机动艺术创作闻名。他以作品来暗讽文明工业社会中盲目生产过剩的现象。先锋艺术家白南准的录像装置艺术作品（1989）现代艺术流派之一，广义的泛指最新的，具有反叛性的文学艺术现象，狭义的特指第一次世界大战前后在欧洲出现的，反对艺术体制和艺术自律的一些艺术流派。波普艺术一词最早出现于1952～1955年间，由伦敦当代艺术研究所一批青年艺术家举行的独立者社团讨论会上首创，批评家L.阿洛维酌定。他们认为公众创造的都市文化是现代艺术创作的绝好材料，面对消费社会商业文明的冲击，艺术家不仅要正视它，而且应该成为通俗文化的歌手。在实践中有力地推动这一思潮发展的艺术家是R.汉密尔顿。1956年，他在首届“这是明天”的个人展览会（惠特彻派尔画廊）上陈列出握有“POP”字母的网球运动员的拼集作品。这幅作品成了波普艺术的一面旗帜。英国波普艺术的代表人物还有：E.保罗齐、J.蒂尔森、D.霍克尼、R.B.基塔依、R.史密斯、A.琼斯。美国波普艺术的出现略晚于英国，在艺术追求上继承了达达主义精神，作品中大量运用废弃物、商品招贴电影广告、各种报刊图片作拼帖组合，故又有新达达主义的称号。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展，1965年在密尔沃基艺术中心举办的一次波普艺术展览即以“波普艺术与美国传统”为题。美国波普艺术的开创者是：J.约翰斯和R.劳申伯格，影响最大的艺术家是A.沃霍尔、J.戴恩、R.利希滕斯坦、C.奥尔登伯格、T.韦塞尔曼、J.罗森奎斯特和雕塑家G.西格尔。集合艺术和偶发艺术一般也认为是波普艺术的两个支系。美国现代著名波普艺术家安迪·沃霍尔(AndyWarhol，1927-1986)以杰奎琳·肯尼迪玛丽莲·梦露为题材的丝网印刷艺术作品美国波普艺术家劳申伯格（R.Rauschenberg）的“拼贴绘画”（1963）将“多材质、多媒体”的观念引入绘画领域。抽象表现主义画家杰克逊·波洛克(JacksonPollock，1912～1956)曾说过：“新的艺术需要新的技艺。现代艺术家已经发现了绘画表现的新方法和新手段。在我看来，用文艺复兴和其它任何传统文化的旧形式，现代艺术家都难以表现这个有飞机、原子弹、收音机的时代。每个时代都有自己独特的技艺。”杰克逊·波洛克将“过程”、表演与艺术紧密相联。1966年，波普艺术家罗伯特·劳申伯格和贝尔科学家比利·科鲁费（BillyKluver）、先锋艺术家约翰·凯奇等人创立了科学与艺术实验小组EAT（ExperimentsinArtandTechnology）。现代装置艺术作品《向纽约致敬》1960，比利·科鲁费（BillyKluver）纽约现代艺术博物馆(MuseumofModernArt，MOMA)2.物理学进步改变了人们对时空的认识1916年，现代物理学奠基人阿尔伯特·爱因斯坦（AlbertEinstein,1879~1955）完成了《广义相对论的基础》，提出了由于有物质的存在，空间和时间会发生弯曲的假说。广义相对论指出：时间、空间是相对的，即在惯性系统内，空间长度、时间快慢和质量大小都将随物体的运动速度而变化由此，牛顿的时空恒定的观点受到了质疑和挑战。保罗·塞尚（PaulCezanne，1839-1906）被认为是20世纪立体主义和抽象绘画之父，他主张绘画要文学性和情节性，追求理性结构和主观表现，但他本人却从未想到脱离现实来进行他的探索，他对物体的内在结构的研究也不仅限于把物体归结为几何结构体。塞尚致力于对画面理性秩序感的探索，从新的观察角度表现物体内在的恒定结构，因此他的画面没有时间性概念，这和印象派画家追求表现光色的瞬间变化有极大的不同。《有水果篮子和桌子的静物》这件作品中的每个形体都有坚实的体面和明确的转折，以厚实的笔触和色彩的变化表现出物体的空间感和体积感，画面虽没有明确固定光源，但物体的体感很强。塞尚在处理画面时，彻底打破了传统的单一视点的透视原理。从物理学上看，该作品在观念上更接近于20世纪的爱因斯坦的相对论的时空观，它远离了古典牛顿定律的对称与和谐，和现代人类对时空的新思维认识不谋而合。在人类追求真理、探索“美”的真谛、攀登知识高峰的过程中，科学和艺术在经历几个世纪的分离后，又达到了观念的沟通和相互借鉴几乎在同一时间，立体主义大师毕加索和布拉克开始创作拼贴作品，像传统的美学提出挑战。虽然这两件事表面上没有联系，但事实上，他们都在各自的领域向传统观念发起冲锋，而二者的“时空观”现在看来却又“不谋而合”成为物理学与现代艺术相联系的一个象征。过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。立体主义则以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，从正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。在《亚威农少女》中，五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。立体主义以破坏真实、驱动幻想的方式，开启了绘画的自由空间的概念，它给现代主义艺术潮流中的表现主义、超现实主义、达达主义、抽象主义带来了重要的影响。科技媒介和达达装置艺术杜尚的自行车作品及带胡子的《蒙娜丽莎》杜尚的《旋转玻璃盘》及制作的实验电影电子大众媒体和录像艺术先锋艺术家白南准的录像装置艺术作品（1989）《电子大提琴》及电视装置艺术作品现代艺术流派之一，广义的泛指最新的，具有反叛性的文学艺术现象，狭义的特指第一次世界大战前后在欧洲出现的，反对艺术体制和艺术自律的一些艺术流派。第4讲：

几何学与视幻：埃舍尔的艺术如果说，达·芬奇代表了500年前科学和艺术结合的顶峰。而现代艺术领域中，能够巧妙的结合绘画和数学、哲理和形象、左脑和右脑的代表人物当推荷兰的版画家埃舍尔（M.Escher，1898-1972）毛里次科内流斯·埃舍尔（1898-1972）是世界闻名的错觉版画大师，他出生在荷兰北部城市，父亲是一个木匠，有5个儿子，他是最小的一个。中学时期成绩不好，除音乐和木工，其他成绩不及格。1920年进入哈勒姆（Haarlem）建筑和装饰艺术学院，并遇到著名版画家莎缭尔（SamuelJesserumDeMesquita）,确立自己的艺术之路。1922年至1936年埃舍尔创作出大量的风景画。1936年以后他的视错觉风格开始形成。1941年写了《不规则图案的平面规律分割》，此笔记证明他和达·芬奇、丢勒一样对创作的基本原理做彻底的研究。1951年后，《画室》、《时代》、《生活》等著名杂志发表他的作品。1954年9月在阿姆斯特丹现代美术馆举办作品展，同年10月在华盛顿美术馆举办展览。1965年埃舍尔接受荷兰文化勋章。1968年埃舍尔基建会成立。1972年埃舍尔在荷兰去世，享年73岁。数字迷宫：埃舍尔的版画艺术埃舍尔的许多版画都源于悖论、幻觉和双重意义，他努力追求图景的完备而不顾及它们的不一致，或者说让那些不可能同时在场者同时在场。他创作的《画手》、《凸与凹》、《昼与夜》、《画廊》、《圆极限》、《深度》等许多作品都是“无人能够企及的传世佳作”。埃舍尔作品首次以绘画的形式揭示了蕴藏在科学和数学中的艺术思想。数字迷宫：埃舍尔的版画艺术《星空》（木板画，1948年）是体现了埃舍尔对多面体的喜爱的一幅名作。其中有我们所知道的5种柏拉图立体。即正四面体、正六面体、正八面体、正十二面体和正二十面体。这些正面体都是外凸的,同时还存在内凹的正多面体。数学家已经证明一共存在26种可能的规则立体,统称为阿基米德立体。此外,规则立体之间彼此交叉还可以形成无数的规则立体系列。然而如果仅仅绘画出这些规则几何立体,恐怕有很少人对此感兴趣。使人感到惊奇的是埃舍尔引入了两条栩栩如生的变色龙,使它们居住在这个奇妙的“笼子”中,而周围一片漆黑,飘浮着无数规则立体的星星,于是使这个死寂的宇宙立刻增添了蓬勃的生机。《昼与夜》（木板画）是埃舍尔最著名的作品之一，画面表现的是田野、小镇、河流、飞鸟等自然景色。通过黑、白、灰色块组合画面。画面左边白色的天空向右推移演变为白鸟，右边黑色的天空向左推移演变为黑鸟，黑鸟、白鸟在演变中相互衔接，同时从下到上，通过灰色的渐变，大地的灰、黑色块各变成了天空中黑鸟、白鸟。作品构思巧妙，寓意深刻，艺术家通过自己的幻觉达到了他的理想，深刻地揭示了大自然的秩序与变化法则埃舍尔的作品中，没有复杂的感情纠葛，有的只是对于天空、对于大地、对于整个宇宙的惊讶和敬畏之情。他借助于几何学的方法，用画面来表达关于循环、无穷、秩序的概念。《越来越小》（平面镶嵌作品）是埃舍尔颇为得意的表现“无穷”概念的一副作品。埃舍尔最后一幅作品1969年木刻《蛇》。规则的平面分割叫做镶嵌，镶嵌图形是完全没有重叠并且没有空隙的封闭图形的排列。一般来说,构成一个镶嵌图形的基本单元是多边形或类似的常规形状。他用几何学中的反射、平滑反射、变换和旋转来获得更多的变化图案。他也精心地使这些基本图案扭曲变形为动物、鸟和其他的形状。这些改变不得不通过三次、四次甚至六次的对称以便得到镶嵌图形。这样做的效果既是惊人的，又是美丽的。埃舍尔1953年的石版画《相对性》表现的场景取决于观众观察它的目光。绘画通过一些典型的心理学悖论图，深刻揭示了人力视觉的局限和大千世界的奇妙、魔幻和荒诞他工作中经常直接用平面几何和射影几何的结构，这使他的作品深刻地反映了非欧几里德几何学的精髓（如拓扑学）和视错觉现象用达芬奇般细致的阴影表现手法和几乎完美的透视帮助人们理解了什么是“不可能的世界”。埃舍尔1955年的石版画《凹与凸》埃舍尔1947年木刻版画《另一个世界Ⅱ》石版画《高和低》《上和下》有时我们走了很远的路，还是走回原处。埃舍尔1946年石版画《骑士》在物理学中存在有基本粒子的对称性在不同的能量境界会有“对称”或者“破缺”的不同表现的论述，而《骑士》所表现出的形态与物理学的对称性的结构性对应论相吻合