美术英语全部翻译

..Unit5TheRenaissanceandRevivalsReadingAMonaLisaI．Associatedinformation:1、文章选自TheWorldEnglishT.J.Mcnamara2、辅助双语视听材料BBCLeonardodaVinci;Michelangelo<40分钟左右>。II．Languagepoints:infavorof对…的偏爱makeone’spilgrimage朝拜bowthekneeto顶礼膜拜intrigue,appeal,attraction,charm,magnetism,affinity吸引力intriguing,appealing,attractive,charming,magnetic,absorbing,come-hither,fetching,fascinating,alluring吸引人的,迷人的;v.obsess,迷住,困扰obscure,ambiguous模糊的,暧昧的,不明确elaboratepattern,perfectexecution,exquisitely,subtly精心制作或描绘asasignofhumilityandsubmission表现出谦卑和顺从derivedfrom得益于asenseofcosmicdrama有一种广阔和谐的情趣depict,portray,paint,draw,render,describe,illuminate,traceout描绘,描述betouredandexhibited巡回展览III．Suggestionsforteachingpoints:Payattentiontotheskilloftranslation,thesentencestructureinChinese:英语从句翻成中文时,用简单句处理比较顺畅。〔参考Unit2,ImageandImagination部分句子Itisthissmilewhichhasmadethepaintingcelebratedfromtheearliesttimes,andamagnetforadmiresofart.Herexquisitelypaintedhands,drawnwithanaccurateknowledgeofthestructureofboneandsinew,arecrossedinherlapasasignofhumilityandsubmissionasasignofhumilityandsubmission.InthedepictionofMonaLisa’shead,thisskillinsurfacepaintingissupportedbyLeonardo’sknowledgeoftheskullbeneaththeskin——derivedfromhisstudiesmaturewomanasenseofcosmicdrama.Themountainforms,arrangedinbandofscenery,andtheshiftingviewpointaresimilartothewaylandscapesareportrayedinancientChinesepaintingandsuggestthesameawebeforenature.AnswerforEerningReadingA参考译文蒙娜·丽莎巴黎卢浮宫巨大的艺术馆吸引着成千上万的人们。但有一幅画周围总是聚集着一大群人。如果你推开人群上前细看一下,你也许会惊讶,这件魅力无穷的艺术品竟是如此之小。但是你会倒吸一口气一眼认出来,这就是列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜·丽莎》,世界上最最著名的艺术品。这是油画板上的一幅画,高77厘米,宽53厘米。上面是一位意大利贵妇摆好姿势坐着,眼睛看着观赏者,背景是一处动人的风景,但画的重点是蒙娜·丽莎脸上那迷人、温柔而又神秘莫测的微笑。正是这个微笑使这幅画刚一面世就远近闻名,使艺术崇拜者们流连忘返。许多人去巴黎卢浮宫就是为了看这幅画。他们对挂在附近的列奥纳多·达·芬奇的其他辉煌作品置之不理。例子之一是《岩间圣母》,它是列奥纳多对解剖学、植物学和地质学研究的总结,画得也十分出色。但是人们对微笑的《蒙娜·丽莎》的偏爱而冷落了它。《蒙娜·丽莎》挂在防弹玻璃的后面,不仅设置了结实的护栏,而且始终有一位警卫把守。在这庞大的艺术馆走廊里,没有其他任何一幅画享有如此厚遇。《蒙娜·丽莎》前面总是人群涌动。一些参观者甚至不去仔细观看这幅画本身,他们往往觉得它很小,令人失望。对他们来说,只对这幅画扫过一眼,和它在同一屋子里呆过、朝拜过它,这就足够了。情况一直是这样。自这幅画问世以来,一直闻名遐尔同时又是一个不解的谜。现在它是如此闻名,以至不管它是在茶巾上还是在电视广告中出现,人们都能一眼认出它的小小细节。它被无休止地拙劣地模仿和复制,但它却声誉长存。有些曾被崇拜了几代的艺术品却最终难保风光依旧。现在谁还向梵蒂冈的阿波罗·贝尔维迪艺术品顶礼膜拜呢？然而在几个世纪的时间里,它曾一直形态的楷模,激励了世界各地的古典主义者。《蒙娜·丽莎》吸引力的背后是什么呢？它具有独特魅力的主要原因是那难以理解的微笑所表达的神秘莫测。这微笑使每个人都能从那朦胧的、雾一般的形象中为自己找到一点特别的东西。让我们来看一看这幅画,肖像本身很简单。蒙娜·丽莎坐在椅子里转身向左,带着那个微笑看着观赏者,用16世纪美术史家和传记作家乔尔乔·瓦萨里的话来说这个微笑"……是如此令人愉悦,与其说它真实还不如说它神圣。"她的坐姿端庄又充满活力。她的头发有些散乱,带着小卷披下来,衣着极简单,也没有戴首饰。一袭面纱挽在右臂,从头上顺左肩垂下。唯一的装饰是衣服领口上精心制作的打结流苏图案。这种相互交织的花结很令列奥纳多着迷。他的名字也许可以玩味一番,因为在意大利语中"vincere"正是镶花边或打结的意思。她的双手交叉放在膝上,表现出谦卑和顺从。这双手画得极其完美,说明作者对骨胳和肌肉结构有精确的了解。这幅不凡的肖像画有两个独特之处：模糊轮廓技巧和引人注目的风景。模糊轮廓是列奥纳多将颜料调和成烟雾一般柔和的方法。他将光影的转变处理得如此巧妙以至一切都融成一体,看不出线条和界限的痕迹。在描绘蒙娜·丽莎头部时,列奥纳多对皮肤下面头骨的了解——得益于他对解剖学的研究,使得他描绘表象的技艺更趋完善,然而正是她在阳台上的姿势,给了这幅描绘非常成熟妇女的肖像具有一种广阔和谐的情趣。在离她更远更深的地方是一片巨大的岩石风景。风景断断续续,时有时无,宛若梦境一般。这片风景出自想象,而想象又源于多年对岩石构成的研究。在他的手记里,列奥纳多谈到了艺术家想象力的威力："你可以设计出大片的土地,塑造山峰,可以看见它们后面遥远天际的大海。"《蒙娜·丽莎》的背景就是这样一幅风景。风景带当中显露的山的形状,以及散点透视法都与中国古代绘画风景的方式类似,表明对自然有同样的敬畏之情。这幅存于卢浮宫的油画已失去了它的一些精妙之处。部分保护画面的油层已被磨掉。它被一层绿色的清漆覆盖,色泽模糊,并且四周每一边都被切掉了三英寸〔七点五厘米。这位贵妇人原来是被框在她坐的阳台的柱子之间的,但现在只能看见柱子下端的剩余部分。这幅画的历史错综复杂。它有将近100幅证据充分的摹本和版本。画中隐约的情欲成分导致了许多裸体版本的产生。有些产生于同一时代,经常被认为是列奥纳多自己所作。这同样的情欲色彩使得弗朗西斯一世把这幅作品展示于他在枫丹白露宫的套房浴室里。而很久之后的一位法国统治者——拿破仑,将之挂于卧室。1911年8月11日,星期二,人们发现这幅画失窃了。墙上有个豁口,框架和玻璃留在卢浮宫里,《蒙娜·丽莎》不见了。窃贼是意大利人温琴佐·佩鲁贾。后来他声称他本想让这幅画回到意大利,它原本属于意大利。这场盗窃之谜直至四年后才得以解开,窃贼和意大利佛罗伦萨的乌菲齐美术馆馆长取得了联系并且索要一笔赎金。这幅画被追回了。它回到巴黎之前,先在意大利进行了一次胜利的巡回展览。窃贼被判七个月监禁。近年来,《蒙娜·丽莎》在戒备森严的情况下在华盛顿、纽约、东京和莫斯科巡回展览。到处都吸引了大批观众。《蒙娜·丽莎》神秘的诱惑力依然不减当年。Exercises2and3参考译文莱奥纳尔多·达·芬奇对于莱奥纳尔多的才智和广泛而多产的创造力,我们是有所了解的,因为他的学生和崇拜者,小心翼翼地为我们保存下他的速写和笔记本,有几千页之多,布满文字和素描,上面有他读过的书籍的文字摘录和他打算写作的书籍的方案。这些册页人们越读得多,就越发不能理解一个人怎么能够在那么一些不同的研究领域中出类拔萃,而且几乎处处都有重大贡献。其中的一个原因大概在于莱奥纳尔多是一位佛罗伦萨的艺术家,而不是专门培养出来的学者。他认为艺术家的职业就要像他们的前辈那样去探索可见世界的奥妙,只是要更全面、更彻底,而且要更专心、更精确。他对学者的书本知识并不感兴趣,这跟莎士比亚一样,他大概也是"不大懂拉丁语,希腊语更差"的人。正当大学里的博学之士信赖享有盛誉的古代作者的权威性之时,莱奥纳尔多这位画家却从不盲从仅仅耳闻而未经目验的东西。每当他遇到问题时,他不依赖权威,而是通过实践予以解决。自然界里没有一样东西不能引起他的好奇心,没有一样东西不能激发他的创造力,他解剖过三十多具尸体去探索人体的奥秘。他是探索胚胎在子宫中发育奥秘的先驱者之一；他研究水波和水流的规律；他成年累月地观察和分析昆虫和鸟类的飞翔,这会有助于他设计一个飞行器,他确信总有一天飞行机会成为现实。岩石和云彩的形状,大气对远处物体的颜色影响,支配树木和植物生长的法则,声音的和谐,所有这一切都是他孜孜不倦地进行探索的对象,这也将为他的艺术奠定基础。米开朗琪罗在梵蒂冈有一所西斯图四世教皇修建的礼拜堂,因而叫西斯庭礼拜堂。礼拜堂的墙壁已经有前一代最著名的画家装饰过,其中有波蒂切利、吉兰达约和其他一些人。但是礼拜堂的拱顶仍然空白,教皇建议叫米开朗琪罗去画。米开朗琪罗竭尽全力推脱这个差事,他说自己实际上不是画家,是雕刻家。他确信硬塞给他这一吃力不讨好的差事是他的对手们阴谋策划的结果。由于教皇仍然坚持原议,他就开始动手制订出一个平凡的方案,要在壁龛中绘出十二使徒,并且从佛罗伦萨雇佣助手帮助他作画。但是,他突然把自己关在礼拜堂内,不让任何人走近,开始独自一个人完成这项计划,而这一计划从它出现以来一直是"震惊全世界"的壮举。米开朗琪罗在罗马教皇的礼拜堂的脚手架上孤身一人干了四年,完成的工作十分宏伟,普通人很难想象到一个凡人竟然能够完成那样一项宏图大业。在礼拜堂天花板上画那样巨大的壁画,准备和勾勒出详细的场面,并且把它们画到墙壁上,仅仅这体力消耗也是相当巨大的。米开朗琪罗不得不仰卧,向上看着去画。他实际已经似乎非常习惯于那种大受束缚的姿势,在那一段时间,甚至当他收到一封信以后,也不得不把信举到头上向后仰着身子去读。但是,一个人孤立无援地去画满那么广大的空间这项体力奇迹,若跟它的智力和艺术成就相比,就微不足道了。那些永远新奇的大量发明,各个细部准确无失的巧妙画法,尤其是米开朗琪罗揭示给后人的那些宏伟的景象,使人们对这位天才人物的非凡才能有了頗为新颖的认识。ReadingB参考译文浅谈达·芬奇谁不想和达·芬奇见面并与他进行一次随意的访谈呢？我认为他是最具魅力和不朽的艺术天才,他超越了历史上任何一个艺术家,这并不是因为他的革新〔实际上他并没有多少革新,而是因为他天赋的技巧,他对一切生命、动物和人类生命热情的精彩描绘。他画的马大多数如同猫一般弯曲慵懒。他的人物画都独特而且价值连城。即使使用最先进的现代科技,仍然没有人比得上他对"波浪"现象和风对云作用等方面的研究。达芬奇对艺术的最伟大的贡献也许在于他柔化了科学,使之服务于美学和美好的东西。如果我有幸可以问他一些问题的话,我会问：蒙娜·丽莎究竟是何许人也？你为什么认为许多自己的作品难以画完？由于你不断地在《最后的晚餐》上做颜料实验,导致这副杰作上的颜色在你在世之时就开始褪色,每天都有颜料碎片落在地上,你认为这样有必要吗？〔事实上,这幅作品现在只能依稀看到轮廓的影子。你厌恶米开朗基罗吗？你喜欢丢勒吗？你的那些布面油画都是近代伪造的？你的肖像画《抱貂鼠的夫人》中天使般端庄美丽的年轻女人是谁？《抱貂鼠的夫人》收藏于波兰一个名不见经传的博物馆内。是板面油画,作画时间在1482～1490之间。我认为,就美感、人物个性和魅力的持久性而言,这是极为出色的作品,仅次于蒙娜丽莎。最近的艺术历史学认为画中的女人是意大利贵族,我不大认同。这个美丽女人的头上围着一层几乎看不出来的面纱,怀里抱着一只面露狰狞的貂鼠。这是16世纪邪恶的波佩亚的标志。她是暴君尼碌的妻子。你若能更仔细地观看这幅超凡天才的画作〔我曾站在它面前一动不动地看了四个小时,就会感觉到在闪烁的美貌下隐藏着一种令人不安的腐朽的邪恶。我真希望我能向达·芬奇求证我的想法。另外,画作的背景是乌黑色的,像北方文艺复兴艺术家,比如丢勒惯用的表现手法,。而意大利画家从不这样做,尤其是达·芬奇,他的每一幅其它作品均可见一扇透着嫩绿风景的窗户。那么,这副画是向丢勒表示敬意吗？Unit6ThePoetryoftheLandandMankindReadingAImpressionismAssociatedinformation:文章选自ArtforDummiesThomasHoving展示并介绍文章中提及的部分印象派的作品。3、辅助双语视听材料BBCMonet<40分钟>VanGogh<40分钟>。II．Languagepoints:1、startshakingovernight,2、onthegenesis追根溯源3、sparklingscenes,flickeringlight闪闪发光4、becomemesmerized,obsession,intriguing,betakenby沉迷,迷人,被…迷住5、pattern,style,模式,风格6、allaspectsof方方面面7、deviatingfrom背离,偏离8、bepackedwith充满了,塞满9、beastonished；bepuzzled惊讶,迷惑不解〔程度的渐进10、soakup吸收11、ranksas<among,alongwith>归类为,分…等级12、inasense在某种意义上III.Suggestionsforteachingpoints:Learningsomethingaboutartistswho’swho.Andtrytomakeabriefwho’swhoaboutPost-Impressionists,suchasGeorgesSeurat,PaulGauguin,VincentvanGogh,PaulCezanne,andAugustRodin.LearntheNotesforthepreviousunits.IV.AnswerforExercise2FakedImpressionistsWhentheartmarkethaditslastexplosionofpricesandImpressionistsfetched<出售>tensofmillionsofdollars,forgersmovedin.Theyworkedfastandhowtheychurnedout<艰苦地做出>thefakesisentertaining.Thefakers,hopingtocreate"original"works,butnotbeingcapableofinventingnewsubjects,selecteddetailsfromahost<许多>ofworksand"pasted"<剪贴>themtogetherintoanew"Monet."AtypicalfakehadafigurefromoneMonet,acowcopiedfromanotherpaintinginamuseumthousandsofmilesaway,atreetakenfromathird,ahaystackfromafourthpainting,abuildingfromafifth,andsoon.Expertsroaredwithlaughter<哄堂大笑>seeingthemuddledcoming-togetherofsomanyfamousdetailspaintedbyMonetovertheyears.fake造假,伪造;faker;forger赝造者ReadingＡ参考译文印象派印象派只能诞生在阳光明媚的法兰西,因为在这个光荣的国度里,人们对风景、对大地的产物总是抱有热恋般的情怀。法国人常常把大自然比作母亲,从不吝啬表达对大自然的敬畏。这种感受与意大利人全然不同,意大利人对大地和景色的欣赏更直接一些,如同面对一张解剖式的图画。法国人认为大地和风景画是有灵性的,是灵魂在诗意的阳光下的吟唱。这才是我们读解印象派作品的关键所在。印象派的由来这场革命运动就像其它所有艺术浪潮一样,并不是一夜之间就席卷而来的。它由许许多多的煽动者和方方面面的力量影响,包括艺术家、艺术行为和各种思潮裹挟而成。对印象派的起源,你也许不需要一个学究式的阐述,那我们就简单地探究导致这一画派崛起的一些原因吧。富有创见的前驱者画家柯罗和库尔贝开印象派运动之先河,他们热衷户外写生,专注于在明媚灿烂的阳光下描绘不同时间段里阳光对天空、树木和牧场所产生的效果。他们的理念和爱好促成了像马奈、莫奈和毕沙罗等一批印象派画家的萌生。柯罗敦促画家们千万不要"失去打动我们的第一个美好印象"。像琼坎德和布丹这样的画家则创作出闪闪发光的海滩景色,与以往任何海滩画大相径庭。他们的作品出了名并很快被那些看好者收藏,他们"投资"闪烁摇曳的光,而正是这闪烁摇曳的光色画风颠覆了整个世界的艺术。酝酿的思想1860年前后,艺术家们有种莫名的冲动要到户外作画——法国人称之为"露天派"。像卢梭这些画家奔赴巴比松的乡村,创作出一系列令人注目的风景画。此外,1870年左右,几乎所有的法国画家都沉迷于日本浮士绘的清新彩色蜡笔画以及简约的风格。浮士绘的影响很大,尤其马奈受其影响最为明显。照相术的出现Nadar照相实验的丰硕成果极大地影响了印象主义者,他们深深地被这种相当新潮和迷人的媒体所吸引。这也有助于解释为什么他们的人物画比起那些受正统艺术所吹捧的"官方"画家的作品更具有清新感。科学的推动力十九世纪末,人们对色彩理论研究的兴趣陡然高涨〔这个理论涉及某些情感产生与某些色彩有科学联系,印象派画家对这个理论很感兴趣,并试图将其注入他们的作品之中。与此同时,对心理学和精神病学的研究也开始发展,早期研究人员对人类思维和行为方式的发现,对印象派画家的观察角度和描绘人的方式无疑起到作用。正统艺术的衰落十九世纪的法国,艺术的各个方面——从主题、绘画材料、技巧到艺术家应该如何创作和创作什么——无不受到强大的法兰西学院的条条框框所制约,法兰西学院从1661年开始渐趋强势。背离它的清规戒律,意味着与精英们参与的年度沙龙展无缘——这些精英上至国王,下至每一位艺术评论家、画廊经纪以及收藏者——因此,也就意味着没有收入。1863年,学院的地位受到了意义深远的挑战,一群作品遭到年度沙龙展拒绝的画家,包括库尔贝、马奈等唱起了反调,他们举办自己的画展,并称之为"落选者沙龙"。一时间,印象派画展人潮涌涌,热闹非凡。学院派展览失去了一统绘画界江山的地位。爱德华·马奈的关键作用在"落选者沙龙"画展中,有一幅作品在很多方面都标志着印象派风格的开端,同时也打出了新独立精神的旗号,这就是马奈的《草地上的午餐》,画中描绘了两位衣冠楚楚优雅道貌岸然的男士懒洋洋地依靠在阳光斑驳的树木旁,旁边则是一个全裸的女性和不远处的一个半裸女人。你也许不会感到诧异,当时的评论界认为这幅画主题荒诞不堪入目。但是你一定会迷惑不解,评论界竟然荒唐地认为马奈用细碎的颜色来强化阳光的闪烁效果以及采用宽条状的颜色的绘画技法是一种道德的沦丧。事实上,马奈已经远远超越印象派的范畴,是历史上最重要的艺术家之一。他吸收了前辈大师们的丰富经验,尤其是委拉斯贵支。尽管他受前辈影响所创作的一部分宗教题材的画作略显乏味,但是,他的人物肖像画的确引人入胜。如果你去巴黎,我劝你一定要去奥塞博物馆欣赏那幅非同凡响的油画《奥林比亚》——画中的裸体妓女仅在颈上系了一根细小的黑色丝带,大胆地望着观众。他的静物画,特别是玻璃瓶中的花卉,似乎萃集了大自然的精华,纵然尺寸不大,却有囊括万物的浩瀚美感。印象派"风格"尽管总的来说,印象派艺术家钟情于表现闪烁的光、太阳、户外和大自然,他们描绘的人物形象也不像古希腊神般气宇神圣端庄,但是必须明白一点,印象派并没有一种持续的、一成不变的风格特征。毕沙罗是一个纯风景画家,尽管他的人物稍显木然,但是其厚重多彩的色调以及画面所呈现的阳光普照的气氛无不令人惊叹。雷诺阿算不上是最优秀的印象派画家,从大部分他的作品里,看得出他热衷于描绘病态美的裸体。但是,他的某些油画仍是上乘之作,比如收藏在美国大都会博物院的《夏尔潘蒂艾夫人和她的孩子》〔1878,画中的孩子神态可人,懒散的大狗像一块地毯。德加事实上厌恶印象派,但是尊崇绘画。和莫奈的画相比,他的画显得哑光沉色。他的肖像画敏锐深沉,流露心绪。他的人体画最富于感染力,有时犹如透过锁眼的窥视,宣泄郁积怨恨。他的铜雕则如同他的油画和蜡笔画一样自在而充满活力。为什么印象派至今仍然如此迷人？毫无疑问,这是风靡全球,最受青睐的风格。印象派阳光灿烂怡人,毫无威胁感,还有很多其它特点。主要原因是这种风格〔在某种意义上,时至今日人们还在采用这种风格恰好能为大自然和人类创造出一种迷人的意像,有助于人们了解和认识自己。正是如此,印象派和其它历史时期最重要的阶段一样,永远不会被遗忘。Exercise2参考译文文森特·凡·高凡·高1853年生于荷兰,是一位牧师的儿子。他深深地信仰宗教,在英国,还在比利时矿工中间当过俗人传教士。他对米莱的艺术和它的社会寓意深有所感,决定自己也当个画家。他有一个弟弟叫提奥,在一家艺术品商店工作,把他介绍给印象派画家。他这个弟弟很不寻常,虽然自己很贫穷,但却总是慷慨地帮助哥哥文森特,甚至资助他去法国南部的阿尔。文森特指望能在那里专心致志地工作几年,有朝一日他就能卖掉他的画,报答慷慨大方的弟弟。文森特在阿尔选择了一个僻静的地方住下来,他在寄给提奥的信中,写下了他的全部想法和希望,读起来好像一本连续的日记。这些信件出自一位几乎是自学寒微的艺术家之手,他根本不知道他会享有盛名；那些信件是全部文学作品中最使人感动和最使人振奋的作品之一,我们能够从中感觉到艺术家的使命感,他的奋斗和胜利,他的极端孤独和渴望友好,而且我们意识到他在以无比的热情极为紧张地工作着。不到一年,1888年12月他的身体垮了,得了精神病。1989年5月,他进入神经病院,但是还有清醒的时候,可以继续作画。凡·高痛苦地挣扎着又持续了十四个月,1890年7月凡·高结束了自己的生命——跟拉斐尔一样,死去时37岁,他的画家生涯还没有超过十年；他的成名之作是在三年之中画成的,那三年时间还夹杂有病危和绝望的时期。今天大多数人都知道其中的一些画；他的向日葵、空椅子、柏树和一些肖像画用彩色版复印出来,到处流传,在许多简朴的房屋里都能见到。这正是凡·高所期望的结果。ReadingB参考译文克劳德·莫奈如果说马奈是点燃了突破传统绘画技法的火种的话,那么莫奈就是令印象派闻名于世的新技法诞生的助产士：他进一步完善了光和色彩的运用,强化了独特的视觉空间的调和。采用这种技法,画中的色彩和笔触近看混乱模糊、没有焦点——但是,当你后退至合适的距离时,一切都显现出来,营造出完美的意境感觉〔印象派风格的精髓。1866年,在塞纳河休假胜地Ste-Addresse,莫奈画了一幅充满生机的油画,迈向了印象派画家成熟期坚实的第一步。这是一幅风景秀丽的图象,露台上有一对夫妇,一位年长的绅士,他们自得其乐,河面上正在举行赛舟会。周围鲜花盛开,两面旗帜,一面是法国旗,另一面是西班牙旗,在微风中啪啪作响〔我在1970s年代早期为大都会博物馆买下这幅画,斥资140万美元,在当时遭到舆论的狠批,认为花费太大。今天,这幅画的价值是当年的20倍。阳光明媚,从阴影的角度可以看得出是在清早,阴影是深色的,略带一点紫色,很柔和。波浪靠近前景,只看得到重重叠叠的笔触。当你往后退几步,作者的签名,印象派的光混合效果开始发挥作用,你可以看到在微风吹抚中涌起的层层白色浪花。只要距离合适,这些景色以及所有的绘画要素都变得自然而然。莫奈在展览这件表现手法大变的作品时,受到了评论家的猛烈抨击。他沮丧得试图自杀,有好几年不再画这类大胆的作品。1870年,他创作了第二幅激进的作品,名为《印象：日出》。这幅黎明中一艘小船的景象着实惹恼了艺术评论界,讽刺作家路易斯将所有描绘发光的水波或者泛光的效果的作品归类为"印象派",不无嘲弄意味。但是评论界的冷嘲热讽以及大众最初的怠慢和不理解,都无济于事。因为印象派很快发展壮大,1880s年代和1890s进入鼎盛期。随后,莫奈画出绚丽多彩、挥洒自如的巨幅《睡莲》系列,印象派趋于成熟。这些作品是莫奈于1920s初在Giverny的画室里创作的。Unit7FrozenBeautyofSculptureReadingARodinandHisWorksI．Associatedinformation:1、文章选自RodinAgenesAllen&TimMarlow2、展示部分罗丹代表作。辅助双语视听材料BBCRodin<60分钟左右>,建议在文章讲到后半部分和结束时分两次播放。II．Languagepoints:failedtodosomething做……没有成功beengagedin忙于,从事senttoan〔theannualexhibition送展beaccepted<展品>被接受bewithdrawnfromtheexhibition被从展览撤出against<介词>whichthesameaccusationwasmade遭到……非难inanycase无论如何；总之begreetedwith受到……待遇incontrastto与……形成对照giveoneselfupto〔向……自首投降bebesieged被……围困itisnotthinkingwith…ismostdifficult,buttothinkwithtradition….’是…而不是III.Suggestionsforteachingpoints:1、翻译技巧。短语或句子修饰名词的翻译〔摆在所修饰名词之前,如：1>YetbytheendofthecenturyhewasoneofthemostfamoussculptorsinEurope,withanenormousamountofinfluence.2>Heseizedamomentaryexpressionorattitudeandreproduceditinclaywithwonderfulaccuracyandskill.3>SuchathingwouldhavebeenimpossibleandinanycaseacastcouldneverhavehadtheforceandvigourwhichRodinputintohiswork.情态动词would,could和动词的完成式连用,表示对过去的事的推断,"想必…","可能…"。everyworkofRodin’swasgreetedwithastormofabuseorofpraise.4>ToRodinitwasthecharacteristics<1>oftheindividual,theimperfections<2>thatdistinguishonelivingcreaturefromanother,ortheemotions<3><4>thattheindividualwasexperiencingorthathearousedinthesculptorthatwereinteresting.用itis…that…的结构强调主语thecharacteristics…,theimperfections…,theemotions。在imperfections后面有一个定语从句,在emotions后面有两个并列的定语从句。5>itappearstobejustemergingfromtheblock不定式用进行时态,表示谓语的动作发生时不定式的动作正在进行。6>"TheBurghersofCalais"《加莱义民》,十四世纪英法百年战争时期,英国军队即将攻陷法国的加莱市,英王爱德华三世提出残酷的条件,要加莱市派出最受尊敬的六个市民到英国军营请降,并被处死,城市才可能保全。2、翻译技巧。形容词的或副词翻译,如：wonderfulaccuracy高度的精确性extraordinarilyalive栩栩如生；vividlyalive生动amazinglylifelike逼真的令人称奇dramaticquality格外动人3、雕塑类词汇：sculptor,sculpture,statue,figure,figurine,model,cast,carve,carving,handle,mould,smooth,treatment,manipulation,polishAnswerforEpare10.wouldconvey11.suffered12.wasnotelevatedReadingA参考译文罗丹和他的作品十九世纪六十年代,有一位年青的雕塑家三次想进巴黎美术学院都没有成功。但是,到了十九世纪末,他却成为欧洲最著名的具有巨大影响力的雕塑家之一。他的名字叫奥古斯特·罗丹。罗丹塑像真实。他抓住对象一瞬间的表情和姿态,以高度的精确性和技巧用粘土将他们重新塑造出来,他的人物塑像栩栩如生。罗丹在他的一生中都陷于和那些不喜欢或不理解他的作品的人的激烈论战中,但他从未丝毫改变自己的观点。烦恼之事从1877年开始。当时他给一年一度的巴黎美展送去了一个裸体的青年男子铜像〔他称之为"青铜时代"。沙龙收下了这个铜像,可是他是塑造的那样的生动和逼真,有些评论家就宣称这人像根本不是他塑造的,而是从活人身上翻铸而成。当然,这种事情本来是不可能的,而且,无论如何,翻铸品决不会有罗丹作品中的那种生气和活力。然而,那塑像还是从展览会上撤掉了。现在我们可以在伦敦泰特美术馆见到这个雕像,〔在那里它被称作《青铜时代》,还有一个罗丹制作的《施洗者约翰》,这件作品也曾遭到同样的非难。从那里起,罗丹的每一件作品出来总要受到一阵猛烈的攻击,或者是热烈的喝采。他雕刻的人物同那些人们已经学会了赞赏的古典的雕像大相径庭。他不想去创造"理想美人"的雕像,因为在他看来,"自然的人永远是美的"。我们听说,丹麦雕塑家托瓦森在塑造维纳斯像时,用了三十个模特儿。他对其中的每一个只取其最好、最完美的那一部分。他认为这样就能创造出一个绝对地完美女性雕像。在某种意义上来说,他确实做到了这一点。但是,完美有时也会显得沉闷和平庸。对于罗丹来说,只有具有个性的特征,只有借以区别活人之间不同的不完美,只有个人身受着的感情,或是他在雕塑家心中激起的感情,才是有趣的。罗丹在诸多方面都是创新者。有时候,他塑造的人像是不完整的,它们没有头或手臂。他感到他摆弄粘土的这种方法、用拇指和其他手指来塑造的方法是最具有表现力的,这本身也挺有趣。就是这样,他常常不把泥塑的表面弄光滑,而是使之不平整和富有变化。当模型最后翻制成金属雕像时,那种粗糙的不规则的表面也就照样复制出来了。有时,他的石雕作品中人体的头部或者人像或群像的某一部分是用这样一种方式雕刻的,它们看起来就象是从石块里冒出来似的,或者说部分还埋藏在石头里面。石头的其余部分让它粗粗糙糙,不加雕琢,使之和光滑的脸或肢体形成对比。有时,特别在他的后期作品中,他雕的全身像只有头部是刻得细致的,人体的其余部分,衣服等都只是略略示意罢了。罗丹的一个最有名的雕像是《思想者》,那是一个健壮有力的裸体男人坐像,右肘搁在大腿上,一手支颏,在那里沉思。另一件作品是表现一群憔悴的受难者,名叫《加莱义民》。他们是在加莱被英国人围攻后冒死向英王爱德华三世请降的市民,由于菲利芭王后的说情而免于一死。伦敦的居民可以在国会议院大厦的西头、泰晤士河堤上的维多利亚塔公园里见到这组雕塑像。够有趣的是,罗丹用雕塑进行创作,他的目的却和同时代的印象派画家颇有异曲同工之处。研究一下他的《巴尔扎克》,就可以得到明证。这个塑像逼真的令人称奇,看上去几乎是画的而不是雕塑的。作者用高超的技术做表面处理,巧妙地揉捏粘土和打磨铜面,使巴尔扎克像的表面浮动着一片闪烁的光,因此格外动人。不同于许多和他同时代追求自主发展而不被官方认可的画家,尤其是印象派画家,罗丹主要依赖国家或市政的订单。事实上,很多他的最伟大的或最激进作品都是官方订购的产物。这并无损他的成就和天赋,反而彰显了罗丹与某些二十世纪主要印象派艺术家的根本区别。毕加索和其他现代艺术的前驱者试图以几乎是原始的方式再创艺术实践,而罗丹则是从更具内涵意义的层面上去恢复并提升官方艺术。正如他走向生命的尽头时所说的那样,"以原始的孩童式的创作方式去思考并不难,而背负着传统、习惯的造型理念以及所有累积下来的思想财富去思考才是最难的。"罗丹的雕塑已经成为现代艺术的经典。甚至从未踏入艺术馆的人都熟悉诸如"思想者"、"吻"等形象。罗丹作品最令人难忘之处是它们流露自然情感的和表现个性特征,冰冷古典的塑像从未给予观众如此铭心刻骨的感受。因此,罗丹的雕塑具有长久的生命力,虽然经历了一百多年的风风雨雨,新鲜感和接受度始终如初。Exercise2参考译文雕塑家的困惑当代雕塑家常常半幽默、半认真地提到他们一生中的命运。他们感到买画的人很多,但几乎没有什么人买雕塑。他们说,画家可以毫不费事地随身携带他们的装备和作品,而雕塑家却让一大堆各式各样的笨重材料和装备压得喘不过气来。只有需要搬动大乐器的音乐家才能理解雕塑家、特别是以石头或纯金属作材料或是制作大型雕像的雕塑家的难处。确实,今天雕塑家的处境不象过去那样令人羡慕。粗略地看看文艺复兴时期雕塑家的情况吧。他们从教会、政府和有钱的艺术赞助人那里接受订货。那时候,雕塑既作为室外装饰,又作为市内装饰,是每一个建筑设计中的组成部分。雕塑家由于他们的艺术造诣,不仅工资高,而且极受尊敬。例如,米开朗琪罗也制作了无数件雕塑,都是作为建筑布局中确定的一部分来设计的。他作为一个雕塑家的伟大成就就在于运用人体形象来表达感情。拿他的《摩西像》和《哈特谢普苏特女王像》作一比较,你可以看出米开朗琪罗的作品已经远远超越了那个埃及雕塑家的作品的和平宁静境界,即使你看不到摩西的脸或造型的细部,他那姿态的气势也足以表达出先知的伟大力量。在米开朗琪罗之后,虽然雕塑像的需要量仍然很大,但是由于雕塑家长期只注意摹制人像,质量显著下降。实际上,除了奥古斯特·罗丹的成就以外,雕塑在艺术上的屈辱地位直到二十世纪才有了提高。ReadingB参考译文亨利·摩尔的作品1、着衣母婴卧像〔实验模型〔1982青铜版9+1浇铸：伦敦佛罗里尼长度：78.5cm标志：MooreC/9亨利·摩尔基金会：购于1986年模型和实验模型不仅是塑像作品的一个阶段,而且对塑像本身和最终尺寸至关重要。实验模型通常用石膏或聚苯乙烯制成,不过这件作品却选用了泥土。模型完成后,摩尔的一个助手通过制模法制成一个石膏版,以便摩尔进行修改,直到他满意之后才开始准备浇铸并送到使用"脱蜡"浇铸法的青铜制造间。2、着衣母婴卧像〔1983青铜版9+1浇铸：莫里斯辛钠,巴辛斯多克长度：265.5cm标志：MooreC/9亨利·摩尔基金会：购于1986年这座雕塑的最后放大是以浇铸的实验模型为参考,并运用坐标格系统成比例放大。比例中,雕塑是用聚苯乙烯放大的。同其他方式比起来,聚苯乙烯即轻又易于操作。由于不能用它处理表面细节部分,仍需要石膏浇铸以便在最后青铜浇铸前进行修改。3、大型立像：刀刃〔1961青铜版6+2浇铸：柏林贺曼,努瓦克长度：358cm标志：MooreCC/6亨利·摩尔基金会：1986年所得在摩尔1932年的笔记中,他做了大量的动物和鸟类骨洛的铅笔写生,再把他们直立起来,转换成雕塑构思,并赋予它们重力的感觉以表现地面和支撑的概念。三十年后他用三维的方式做同样的事情,取出鸟类的胸骨,加入泥土并形成一个放大的青铜模型。骨头份量虽轻却十分结实,恰好是青铜表现出来的性质。随着人们在雕塑四周的移动,飞翔的刀子边缘的形状会在人们眼中变成一个岩石质地的扁平飞机状。题名却隐含另外的意思,因为形象在刀子边缘上盘旋于代表性和神秘性之间,好像卢浮宫里的胜利女神像一样,抑或被比较于精神性和抽象性之间。4、刀刃两件套〔1962~1965青铜版3+1浇铸：柏林贺曼,努瓦克长度：366cm标志：MooreC/3亨利·摩尔基金会：艺术家本人1977年捐赠怀着对美丽风光的感情,两个部分间的缝隙在两面狭窄的断壁间留出了一条通道。外形出人意料地起起落落,尖利的边缘刺向天空。有着天然绿锈的粗糙质地衬托出了光滑的琥珀。摩尔达到了一种均衡状态,一种优美线条和庄重雕塑之间的微妙平衡。最初的灵感来自于骨头的碎片。摩尔非常欣赏骨头所具有的结构感和雕塑感,以及轻巧和力量的结合。他特别提到鸟的骨头具有"刀刃般的轻盈。"5、大型纺锤件〔1974青铜版6+1浇铸：柏林贺曼,努瓦克长度：335cm标志：MooreC/6亨利·摩尔基金会：购于1986年该作品属于六十年代末七十年代初的一批作品中的一个。它把拟人的因素与有机的作品融于一体,是抽象性和人类活动融合的产物。明显的代表性消失了,同时对图像支撑物如椅子、木墩、长凳、垫座等的需求不复存在。作品最初是从中继厚两端尖的燧石发展而来的。摩尔先以泥土浇铸,而后用石膏做模。这是他为数不多的四种尺寸的作品之一：模型、实验模型、纪念性青铜、高达4.5米的石灰华XX石。6、两件套卧像：触点〔1969青铜版7+1浇铸：柏林贺曼,努瓦克长度：365cm标志：MooreC/7亨利·摩尔基金会：艺术家本人1977年捐赠整个六十年代和七十年代摩尔制作了一些大型雕塑,探索两个既独立有关联的形态之间的关系。这次展览我们可以看到这样的作品。在这些作品当中,每个元素之间的"负"空间对体验雕塑的整体效果起着非常显著的作用。通过有机形式的风景雕塑,摩尔对人物形象完全升华,把形象与风景的关系推进了一步。他解释道："我意识到合二为一的优势就在于能够把人物和风景联系到一起。膝部和胸部就是山脉。如果把这两部分分开了,你就不会把它看作是自然主义的形象,你就自然而然地把它看成是一道风景,或者是一块岩石……,如果风景融入作品,那就是一个惊喜,你会看到更多意想不到不到的东西……,如果某人将其中一个挪了一英寸,那么空间就不同了,整个关系也会随之改变。"Unit8FreedomofCreativenessReadingATheArtistI.Associatedinformation:1、展示部分Meissonier,Turner,DürerandConstable作品。2、辅助双语视听材料BBCTurner,orDürer;ArtofPersuasion<研究生课>。II.Languagepoints:bebornwithanurgetodo…天生就有……的欲望ingreatdetail非常详细地toofearfultopractise因为胆怯而不敢付诸实践beignorantof对……无知seebeyondthebelief并不仅仅是相信thedistinctionbetween……之间的差异asanapology〔为某种哲学、宗教,思想等辩解beoppressed压抑,压迫bedivorcedfrom分离10、confuse…with…糊涂,混淆III.Suggestionsforteachingpoints:Thisunitissuggestedforthepost-graduatesforitspointofviewandcontext.Thenotionthat…同位语从句theideathat…同位语从句Ifspiritlessimitationachievedwith…,theDutchstill-lifepainterswouldhavebeen….虚拟语气Ifthelaymanwouldlower…,thenthewonderfulworldofartwouldbeopenedtohim.虚拟语气Theideathatinordertobecomeanartist…同位语从句ThosewhodidnotemploytricksasConstablehaddonewerecompletelyneglectedbythecriticsandso-calledartistswhowerethejudgesofofficialexhibitions.两个who引导的定语从句IV.AnswerforEportions10.collection11.breath12.geniusesReadingA参考译文艺术家人天生就有创造的渴望这一观念并未被大众普遍接受。令人遗憾的是,即使是自发地去尝试一下他们也许要为之负责的任何事情,仅仅这念头本身就令他们退而怯步了。父母、老师和我们与之接触的每一个人都告诉我们说成为一个艺术家必须要有天赋,而有天赋的人是极少的。我强烈反对这种观念。我们都是天生的艺术家,只是我们生来具有不同的个性、气质和毅力,所以没有多少人有足够的勇气去领略这份美妙的自由和承担创造所附带的责任。从无到有这一创造历程比实际结果更加激动人心。艺术成功的目标应该是满足和适意。如果你感到高兴和满意〔艺术家是可以对自己的作品感到满意的,那么你所创作的画作就是好的。即使不可能与其他艺术家那些被视为好的作品相比较,以你自己的标准衡量就是好作品。这也应该是艺术家的终级目标。以竞争的方式有意识地下功夫只会导致失败。有几间我非常敬重的美国艺术学校,那里的学生往往一连几周或者几个月致力于同一件作品方案。当他认为完成了,就回与老师非常详细地讨论该作品。之后,作品就会被撕成碎片扔到垃圾桶里。这真是个好主意,给了学生大胆尝试的自由,缺少这份自由和主动,他们可能会因为胆怯而不敢付诸实践。这种学生永远不会像画家常做的那样,为了保留作品的某个部分而修改作品的其它部分,仅仅因为那个部分看上去太好了而不忍舍弃。画家和固执己见的门外汉可能会争论说自然原本就是美的,如果我们客观地描绘我们所见到的,那么我们的画作也会是美的了。但是,这是一个基本的错误。一位画家所绘制的最美丽的花束,无论他的技巧多么娴熟,也只会让那些对于创作本质一无所知的人感到满足。想一想"荷兰小画派"的画家们。如果空有完美技艺而毫无精神内涵而言的摹仿品可以被定义为艺术家层次的艺术品的话,那么荷兰的静物画家们就可以成为所有时代中最伟大的大师了。门外汉要是能减少抵制,并不仅仅是相信那些被誉为大师或天才的之所以伟大是因为别人都这么说,而是自得其乐,完全地放松下来,让画作对他述说,那么精彩的艺术世界将向他敞开。这需要有一种求变的自由的感觉,需要有一份对预见性思考带来的责任感的释然。在更新思路的同时,他将承担走向对他来讲是未知而神秘的道路所带来的新责任。现在,我们应该研究或者说抵制一些现代的观点。普遍学美术的学生,即使他有明确的渴望,也从来不敢在没有学校指导的情况下动手画画。他如果尝试着那样做了,他身边的人乃至他本人都不把那当回事的。要成为一名艺术家就必须学习所有的艺术规则和定律,这一观念好几个世纪以来就已经深植于人们的头脑中。过去,并不存在画家有异于艺术家的观念。好与差的艺术家之间的差异是在艺术家具有或多或少天赋的基础上被认定的。任何异想都遭到遏制。其结果是,十九世纪下半叶在巴黎的盛大沙龙和伦敦的皇家学院举办的"官方"展览,水平可悲的低下。此时的艺术意味着技法娴熟的战争场面、静物、花束或风景画幅制作；这些画作生硬刻板,就像电影广告照片。个体之间的差异仅从绘画的外表面貌略见端倪。"质量"甚是肤浅,衡量的标准就是技艺的高下。在十九世纪之前,除了个别天才以外,任何意识形态或技术的创新都是不被接受甚至不能思想的。这个衰落的过程大概持续了两百年。说到天才如何运用他们的智慧保持自己的创造力的完好,康斯坦布尔是一个鲜明的例子。他把一些大作品画成同样尺寸的两幅,其中一幅称为"草图",另一幅放在皇家学院展览。"草图"是杰作,送展画则是技艺精湛的画家手笔。"草图"这个词现在不太常用了,但是从前的艺术家却为它保留着特殊的位置。艺术家用它作一种补偿,展示他们不受约束的创作直觉。在"草图"里艺术家的创造力清晰可见,可是究竟有多少艺术家的创造力在潮流与时代精神的影响下备受压抑,这是一个令人悲哀但有趣的研究。而那些没有像康斯坦布尔那样用招的艺术家就被作为官方展览评委的评论家和所谓的艺术家们完全忽略了。值得一提的是塞尚曾年复一年地将作品送展,但总是遭到拒绝。在他的一生当中,只有一张小画被展出过——出于慈善的姿态——沙龙把他的画挂在第三排,靠近天花板的地方。然而,创作的渴望是不可能完全被压抑的。法国印象派画家的革命性主张迫使通往创新的大门敞开了。所有革新的主要特征就是自由：使用个体创作方式的权利。艺术家们越来越不接受条条框框和陈规陋习的束缚。投入未知之中"走自己的路"的态度改变了这些艺术家。他们越来越远地漂离社会的既定传统。玩世不恭开始了。就这一点,我要强调的是这种自由从来没有与非常严肃的艺术责任感分离。那些把知识性与创造性混为一谈的人也许很难理解。Exercise2参考译文<1>丢勒和他的自画像早在我接受训练成为一名专业的艺术史学家时,就见过丢勒在12或13岁时用银尖笔画的自画像。做画的时间大约是1485年。我为丢勒融合两种全然不同的元素——精确性和不精确性,感到折服。比如,表现年轻人飘逸的头发的线条就好像是在放大镜下画出来的,实际当然不是这样。画面中这个青春期前少年给人的整体印象是有些柔弱,带有一种青少年共有的困惑表情。让我感到肃然起敬的是这样年轻的一个孩子竟然能用成人的方式完美地刻画自己,尽管有些笨拙。之后,我开始了对他的研究,我意识到尽管丢勒傲慢自大,和艺术史上的其他艺术大师一样,但他从来没有摆脱过对自己的怀疑。他的座右铭是"因为我能"傲慢吧？也许。特别是当你看到他那些空前绝后的画作时,座右铭便应验了。或许他并不傲慢。因为甚至在那些完美的作品中犹豫和疑虑都清晰可见,丢勒的天才就在于他太出色,没有必要去掩饰细小的瑕疵。他无须用纯粹的技术来掩饰。他觉得在他的作品中最重要的从来不是去画人体完美的比例,而是去画人体在真实世界里的比例,真实的人体有点弯曲,因为人体总是处在运动之中,并且人的视角是倾斜的。我认为,这也就是为什么他的肖像画总是如此感人,具有神秘的活力。我曾经有机会将丢勒的几幅素描作品拿在手中——那是大都会博物馆收藏的最精致的丢勒习作。当我把珍贵的画稿捧到眼前时,似乎有东西隐藏在画中,像一股电流从画面射向我。我不得不屏住呼吸。那是许多年前的事儿了,但是有几次不经意间,我突然想起那些精彩的画作,人物形象历历在目。我深信,像丢勒那样的天才,他们的作品必定蕴藏一种内在的力量。Exercise2参考译文<2>特纳的风景画威廉·特纳,英国画家,是十九世纪风景画最具独创性的天才之一。特钠有幻想世界的景象,沐浴着光线,闪耀着美丽,但那世界却不是安宁,而是运动,不是单纯和谐,而是壮丽炫目。他的画中洋溢着能够加强画面动人性和戏剧性的一切效果,如果他不是那样伟大的艺术家,这种给予公众强烈印象的愿望本来大可造成不可收拾的后果。然而他是那样一个高超的舞台监督,他以那样的兴致和技艺去工作,使得他成功地化险为夷,而且他的最佳之作的确使我们感受到大自然的最浪漫、最崇高的壮丽和宏伟。特钠最大胆的画作之一——暴风雪中的汽船。如果我们把这个旋转的构图跟佛利格的海景画相比一下,我们就能认识到特钠的方法有多么大胆。那位十七世纪的荷兰艺术家不仅画出了他一瞥之下所见的东西,而且多少画出一些他知道存在于其中的东西。他知道一条船怎样建造,怎样装配,看着他的画,我们也许能够重造那些船只。然而依照特钠的海景画却没有人能够重造一艘十九世纪的汽船。他给予我们的仅仅是黑暗的船体和勇敢地飘扬在桅杆上的旗帜这么一个印象——一个跟狂风怒涛的印象。我们几乎感觉到怒风在疾吹,浪涛在冲击。我们根本没有时间去寻求细节,它们已经被吞没在耀眼的光线和阴云之中。我不知道海上的暴风雪是不是看起来确实如此,但是我却知道我们在读浪漫主义的诗篇或听浪漫主义的音乐时所想象的正是这种令人憟然生畏、势不可挡的风暴。在特钠的画中,自然总是反映和表现人的感情的。面对无法控制的力量时,我们感到渺小和束手无策,就不能不赞美那随意支配大自然力量的艺术家。ReadingB参考译文时代精神不怕慢,只怕站。——中国谚语艺术馆认为需要拍卖一些早期购买的作品这种事情是令人悲伤的,这确实又为我们提供了一个案例,再一次强调了画匠和艺术家之间的不同。我认为艺术馆处理掉这些画是错误的。因为艺术馆有两个功能：一是展出艺术作品。二是为研究各个时期作品的价值波动提供机会。1906年我第一次参观巴黎的罗浮宫Louvre,大约有12幅梅索尼埃〔Meissonier的画在展出。我摘录《罗浮宫》不久前提及过一句："是写实主义……公众舆论把JeanLouisErnestMeissouier的声誉推向艺术的巅峰,由于其本人的缘故,最近几年人们对他的评价变得较为客观。"这句话善意地说明他已经被完全遗忘了。作者总结说："……虽然罗浮宫拥有不少于29张梅索尼埃的画。"如果一个艺术馆的管理者并不为他们前任的错误感到羞愧,如果他们有勇气告知观赏者展出这些画并非是因为它们的美学价值,而是为学生展出,那么这些画就会为一个有用的目的服务：它们会有教育价值,并将唤醒外行观众的批判功能,而非停留在简单的喜欢或不喜欢作品的层面上。这些作品将会展现它们那个时期的风尚和时代精神。它们当然不是艺术品；是画家高超的技艺蒙蔽了买家的判断,认识到这一点是挺有趣的。仅仅与画家或艺术家共处同一时代甚至能使蒙蔽专家的判断力,这一点也就变得更清晰了。在我看来,这些作品被认可并在博物馆里悬挂了五十年之久,就这一点而言,便应该值得喝彩,然后再做客观评判。经过五十年岁月长河的冲刷,如果是画家的产物,徒有技巧而缺乏创意,就可以辨识了。有些几千年前创作的艺术作品,至今仍然可以撩拨我们情怀,也就是审美情感。相反,有些三四十年前创造的作品在作者死去不久就淡出了人们的记忆。把这种情况归咎于创作者的天赋差异是荒唐的。这有着在完全不同层面上的、根深蒂固的心理根源。如果我们说这归因于个性、意志力、许多有意或无意的目的,以及束缚创造欲望的种种障碍,我们将接近事实的真相。这个问题的最终解答就是,被人们很快遗忘的是画家；被人们铭记的是艺术家。Zeitgeist是一个德语词汇。它的表面文义是"时代的精神"。Zeitgeist这个词现在经常被英国和美国的作家使用,有两个理由：第一,如果你能完全理解这个词,它似乎比英语相应的词条更有表现力；第二,它用一个词代替四个词。我们说的时代精神是指一个特定时期的观念、理论、习惯和风尚的混合。它的影响是无法避免的,除非是傻瓜。它的影响在当时是显而易见的；画匠和艺术家都同等程度地、强烈地受到影响。我可以这么说今天的时代精神的标志就是妄自尊大。这在历史上并不寡见。摩天大厦、高速公路、轨道飞行,越来越大的商业托拉斯,越来越大的商业联盟,不断增加的关于延长人类生命的研究——这一切都与妄自尊大无关。我确信,主要原因是持续增长的人口。但是不可否认那些超大的、纪念碑式的东西构成了我们集体生活的框架。结果是工作时间缩短了,机械性的、事物性的工作导致人们烦躁、乏味和无法正常生活。这个框架并没有被我们与生俱来的欲望、感悟、自然习性和幻想所美化,而是被极度的挫折感、逃逸的欲望、自卑情结、绝望和无助所笼罩。它刺激了年轻一代的反抗。在艺术世界里,症状惊人的相似。50层或更高层的大厦,巨大机械建筑——今天的时代精神元素——迫使艺术家和画家去创造越来越大的画幅和雕塑,与此同时,对艺术家创作意义重大的生存空间却变得越来越小了。诚然,人类出生在一个拥有山川、山谷和无限广阔的天空的世界里,这个浩瀚的世界吞没了人类,并使人类感觉到自己的渺小和谦卑。几个世纪以来,在风景画中,人和动物都被画得很小或者画在不重要的地方,目的是要显示自然环境的雄伟与物种的卑微之间形成的巨大反差。随着巨大的人造景观的产生,这种谦卑感消失了。Unit9ModernArt:TheBold,theBeautiful,AndtheNot-So-BeautifulReadingAPabloPicassoI.Associatedinformation:1、文章选自PabloPicassoMargaretKurilecz2、展示部分Picasso代表作。3、辅助双语视听材料BBCPicasso<40分钟左右>。II.Languagepoints:phenomenonofthetwentiethcentury20世纪的一位非凡人物competingwith…for和〔人……的竞争struggleagainst进行斗争volcanoineruption喷发的火山penetratefurtherintotheworldandinto…深入观察ranksamong属于……之列meritthename理应得到……称号breakthrough突破,穿过III.Suggestionsforteachingpoints:1、介词短语和分词短语的使用：1>Toknowall,withouthavinglearnedit,…无师自通2>Withouthavinghadarealteacher,…没从师于任何真正的良师3>Hehasbeenattacked,defended,explained,slandered,andhonored.有人对他攻击,有人为之辩护,有人作出辩解,也有人加以诽谤,也有人表示尊崇。4>Drivenbyapassiontocreate,…受创作热情的驱使5>Completelyabsorbedinhisart,…全神贯注于6>Believingitistheartist’sfunction…由于相信艺术家有责任……Hisgiantcanvas,Guernica,madein1937tocommemoratetheBasquetownbombedbyGermanplanesflyingforFrancointheSpanishCivilWar,isapictureofaruinedworldwithstrangeshapesofdyinghorsesandmurderedchildren.2、专业词汇：oilpaintings,watercolors,gouaches〔绘画类;drawinginink,pencil,pastel,andcrayon〔素描类;etchings,woodcuts,lithographs〔版画类;sculpture〔雕塑类参照U7;compositionsofpaper,cloth,wroughtiron,wood,sheetmetal〔各种材料合成类;photographs〔照片类;designsfortheatercostumesandscenery〔舞台设计类;andpottery〔陶艺ReadingA参考译文帕勃洛·毕加索莫里哀写道："未学而通晓,是伟大艺术家的一个特征。"据此标准,帕勃洛·毕加索生来就是20世纪的一位非凡人物。他还不会说话,就能作画。到了六岁,他已画了几百张纸的画稿。当他年届13岁时,已经教了他六年的父亲把自己的颜料和画笔交给了儿子,从此就再也没有动笔。15岁那年,帕勃洛在和成年画家争取考入巴塞罗那美术学院的竞争中,用一天工夫就画出了其他画家要花一个月才能完成的作品。25岁时,毕加索的画技已经趋于完美,从而保证他享有艺术家的光荣地位。并还没从师于任何真正的良师,他就在其事业的开端成为艺术大师了。那段经历已使毕加索成为我们这个时代最为重要的画家,然而人们对他有褒有贬,其说不一。有人对他攻击,有人为之辩护,有人为之辩解,也有人加以诽谤,也有人表示尊崇。谈到他自己,毕加索说："作为一个艺术家,我终生从事的,不外乎是对反动势力和死气沉沉的艺术进行坚持不懈的斗争。"受创作热情的驱使,他从不重复描绘同一事物,对他说来,没有不可能采取的形式,也没有无法应用的素材。有人谈到毕加索时说："他喜欢每一个题材,对他来说,任何事物都可入画。"毕加索本人解释说："艺术家能接受来自四面八方的情感：来自天上,来自地面,来自一张纸片,来自转瞬即逝的形态,来自一张蛛网。"用一辆损坏的自行车的零件,毕加索能够组成一个强健有力的牛头,一个受人喜爱的题材。用他那小巧好看的手握着的铅笔,他能连续一笔画出一个或者人一个动物。毕加索全神贯注于他的绘画,往往在夜间挥毫以避免干扰,他创作起来如同呼吸一样自然,一气呵成。有所发现而产生的兴奋情绪使他不停地工作。他拒绝接受衰老和死亡的想法。像喷发的火山那样,他倾泻出形式繁多的作品：油画、水彩画、树胶水彩画；钢笔画、铅笔画、彩色粉笔画和蜡笔画；蚀刻、木刻、平版画；雕塑；用纸、布、熟铁、木头和金属片构成的图画；逼真的描绘；戏装和布景设计；在他的晚年,还从事陶器图案设计。在他之前,任何一个艺术家在其一生中间都没有产生那么多的作品,后人会像他们谈起莎士比亚的作品那样,公认毕加索创作之多是无与伦比的。毕加索的艺术并非只是一种供人赏心悦目的消遣作品。他相信艺术有助于进一步深入观察世界和人,以加强对人生的认识。用他锐利的感官和那双敏锐而明晰的黑眼睛,毕加索对每一项研究对象都有与众不同的独特见解。他力图表现其研究对象的精神实质。他向人们指出应当如何领会美的新概念。他使人们认识到了美可以有种种不同的形式。"在这改革和变革的时期,现今正是采用革新的绘画手法而不像以前那样挥动画笔的时候了。"这就是毕加索的想法。由于相信艺术家有责任去发现新的表现形式,他解放了艺术并使我们对艺术的感受更加敏锐。毕加索使整个艺术保持活力和生机。他的作品包含着整个传统,又预示着艺术的未来。他的早期画幅朴实明快,大都因袭前人的笔调。然而毕加索是第一批欣赏非洲原始面具和偶像的生动性的艺术家之一,那些面具和偶像是第一次世界大战前他在巴黎的展览会上见到的。后来,他对塞尚所分析的艺术家的世界作了再创造的试验,"你必然会在自然界看到圆柱体、圆体、锥体"——像有一位艺术家所说的"小立方体"。这种对世界的立体感开创了绘画史上的一个新时期,并影响了20世纪上半叶的自我表现的各种形式：雕塑、建筑、舞剧、舞台设计以及所有的装饰艺术。甚至现代战争中使用的"之"字形伪装也受到了立体派艺术的启发。1925年,毕加索开始探索尚未被描述的世界：超现实的世界,现实之外的梦幻世界。他遨游于那些未经探索的精神领域,表达出了艺术家们从未表达过的思想。1937年为了纪念在西班牙内战时期被飞往援助佛朗哥的德国飞机轰炸的巴斯克城,他创作了巨幅油画《格尔尼卡》,这是一幅被毁坏的世界的图景,画面上有形状奇特的垂死的马和惨遭杀害的儿童。这是用普通人所不理解的语言来反对现代战争恐怖的强烈表现方式。许多人至今还不能接受这种经过变革的现代艺术,毕加索对现代艺术的影响超越任何一位艺术家。或许在以后的很多年间,他的艺术还不会被人们所充分理解。"谁都想理解艺术",毕加索断然地说,"那么为什么不努力去弄懂一只鸟的鸣叫声呢？"他进一步解释："我不懂英语,我对英语书一窍不通。这并不意味着不存在英语。如果我不能理解我一无所知的东西,那么我为什么要指责别人而不指责我自己呢？"在那些能够理解毕加索的艺术的人看来,他属于那些启迪世界、帮助人们更清楚地理解生活的伟大艺术家的行列。正如本身就是伟大艺术家的米开朗基罗所说："有些人理应得到雄鹰的称号,因为他们超越其他所有的人,并且冲破乌云而见到太阳。"在艺术领域,帕勃洛·毕加索无疑是只雄鹰。ReadingB参考译文现代艺术：主义与风格现代艺术的诞生并不是伴随着立体派的创始人毕加索和巴拉克的出现哇哇初啼的。现代艺术的风格成长是渐进的,是由方方面面的影响交汇作用而形成的。有些影响的因素比较明显,比如塞尚后期作品中的自然状态化成了各种各样的圆柱体、圆体和立方体的碎片。在立体主义产生前后,有很多的风格或者"主义"的出现。下面所列举的是令人难忘的一部分。野兽派野兽派一词是艺术评论家沃塞最先提出来的。在1905年巴黎沙龙画展上,他看了马蒂斯和德兰等人的作品,作品中风景和人物变成了强烈的色彩冲突——肉色调与紫色的混合,又正好和阿尔伯特·马克的雕塑摆在一起,便评论道："被野兽包围的多钠泰罗。"现收藏在哥本哈根国家博物馆的《马蒂斯夫人