西方音乐史 1概论课件

1、1History of Western Music 西方音乐史 北京工商大学主讲：刘兆2013.12主讲人自我介绍 刘兆，1986年出生，毕业于俄罗斯圣彼得堡国立音乐学院，获得音乐演奏与教育硕士学位。2012年3月进入北京工商大学体育与艺术教学部开始从事音乐教育工作，主讲课程动漫音乐赏析、西方音乐史。 刘兆 联系方式地址：北京市海淀区阜成路 33号北京工商大学西校区体育与艺术教学部艺术教研室邮编：100048E-mail：46416645QQ.comQQ：46416645 第一章 概论第二章 古希腊与古罗马音乐第三章 中世纪与文艺复兴音乐第四章 巴洛克时期音乐第五章 古典主义时期音乐第六章 浪

2、漫主义时期音乐第七章 民族乐派与印象派第八章 二十世纪音乐2.考核办法总分=平时成绩 X 50% + 期末考试分数 X 50%平时成绩包括三部分：考勤成绩、期中成绩、平时加分考勤：随堂点名，每次10分，全学期全勤记80分期中考试：在期中随堂小测验，10分平时加分：2-5分 包括平时回答问题，上台参加展示期末考试：开卷 百分制 第一章 概 论 一、西方音乐史的定义二、西方音乐史的特点三、西方音乐欣赏的途径、礼仪、方法“古典音乐”名词释义“古典音乐”是英文classical music的中文翻译。是音乐中的一个很大类别，是指那些从西方中世纪开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的，具有复杂多样的创作技

3、术且承载文化内涵的音乐。二、西方音乐史的特点1.西方音乐史有独特的研究方法 与其他学科不同，西方音乐史的研究方法主要不是阅读学术著作或历史文献而更多是靠欣赏和分析具体的音乐作品来进行的。 通过分析具体音乐作品的风格，了解作曲家的生平和所处的时代特点来总结各个时期音乐的发展特点是西方音乐史独有的研究方法。3.西方音乐史特别重视个人的作用 从文化层面上，音乐最终展现的是某一时期社会的文化思想，而音乐的发展也是与社会的进步密不可分，但是最终我们在研习西方音乐史的时候，更加侧重的是对某些个人（作曲家）的研究，强调个人对音乐文化发展的所起到的作用。三、西方音乐欣赏的途径、礼仪、方法1.欣赏音乐的途径2.

4、欣赏音乐的礼仪3.欣赏音乐的方法1.欣赏音乐的途径（1）电视、广播媒体CCTV-音乐频道北京古典音乐 FM 98.6奇美古典音乐（网络电台）（2）各类音像出版物CD专辑DVD光盘网上下载的音乐专辑（3）观看现场演出国家大剧院北京音乐厅中山音乐堂保利剧院（1）着装要整齐 与流行乐和摇滚乐的音乐会不同，欣赏古典音乐会的演出要求着装正式、整洁，这沿袭了过去欧洲文化的一些传统，在一些非常隆重的音乐会上人们甚至会穿着礼服或晚礼服。（2）欣赏时保持安静，适当鼓掌在欣赏音乐会时保持安静并适当的鼓掌才能与演奏家建立良好的互动，保证演出的效果。与流行演唱会重视热闹参与的互动效果不同，欣赏古典音乐会时听众不需要参

5、与其中，只需要安静的体会音乐的美感和内涵即可，安静的聆听是对作曲家、演奏者最大的尊重，同时也是对其他听众权利的保护。3.欣赏音乐的方法欣赏和体会音乐的美感是每个人与生俱来的能力，对于一般的通俗、流行音乐我们无需掌握任何的知识就可以轻松理解其中的含义。而古典音乐则不然，由于古典音乐具有深刻性和复杂性的特点，因此我们想要真正听懂古典音乐就需要更加专注的聆听，同时要掌握一些相关的知识。当我们能够运用这些音乐的相关知识来分析古典音乐作品时，我们更能充分的感受到他所释放出的不可思议的魅力。1.节奏音乐的骨架-节奏节奏是音乐最基本也是最重要的构成要素，在我们欣赏任何一段音乐时，我们首先感知并感染我们的往往

6、是节奏。节奏是什么？本质：节奏是事物运动在时间上的表现形式。奥地利音乐评论家汉斯力克认为：“自然界中并没有旋律，也没有和声，唯有负载着这两种要素的第三种要素：节奏，在有人类之前，并且不依赖人类就已存在了。”1.节奏的定义：广义的节奏：一切协调、平衡、律动的运动都可以成为节奏，例如：波浪的波谷和波峰之间的变化和组合所构成的运动。音乐中的节奏：是音的长短关系。节奏以音的长短、强弱及其组织关系的固定性和准确性来组织音乐。也就是说节奏是音乐中表现乐音长短上区别的一个概念。2.节奏的作用节奏是音乐中必不可少的一个要素。节奏的作用主要有以下四点：影响音乐的整体风格保持音乐的统一性帮助形成旋律线激发听众的情

7、绪3.把握音乐的节奏如何把握（理解）一段音乐的节奏呢？节拍节拍是衡量节奏的单位，当人们创作音乐时，会人为的将音乐划分成一些相等的单元，形成比较均衡的律动，而很多这种律动遵循一定规律组合就形成了节拍。 在某些（圆舞曲或进行曲）音乐中我们会强烈的感受到节拍的存在，而有些音乐中则相当模糊，当我们欣赏某些音乐时脚轻轻拍打地面或拍手时，实际上是我们捕捉到了音乐的节拍并做出了反应。 节拍是有强弱区别的，音乐中有些被强调的拍子就会成为强拍，反之就叫弱拍，不同强弱拍组成的不同的节拍组合形成了各种不同的音乐，比如，当节拍呈现强-弱、强-弱这样的组合时，我们一般称为2拍子的节奏，进行曲往往使用这种拍子，强弱拍实际

8、对应了人的左右脚的动作，当节奏以强-弱-弱的方式组成时，就是一个典型的圆舞曲节奏，其节奏对应的是转圈的圆舞曲的舞步。 不同时期的不同民族不同类别的音乐，其节奏、节拍都有着非常大的区别，因此我们要了解节奏的概念，并在欣赏音乐时特别注意其节奏和节拍的特点。2.旋律音乐的灵魂-旋律旋律是什么？旋律的定义：经过艺术构思而形成的若干高低不同的乐音有组织、有节奏的和谐运动称为旋律。它建立在一定的调式和节奏的基础上，按一定的音高、长度和音量构成的、具有逻辑因素的单声部进行。一般我们也把旋律称为曲调。 旋律和节奏都是构成音乐最基本的要素，而两者的区别在于节奏是音的时间概念，他不关注音本身的高低，而旋律更多的关

9、注的是乐音的相对之间的高低关系。什么是音高？ 音高是指各种不同高低的声音，即音的高度，音的高低是由振动频率决定的，两者成正比关系。频率低的音给人以低沉、厚实、粗犷的感觉；频率高的音给人以亮丽、明亮、尖刻的感觉。 弦律是音乐语言中最重要的元素，可以说它是音乐的灵魂，是音乐表达情感的重要手段。一部音乐作品他的旋律越优美我们越容易被它所感染，从而投入到音乐中去。 弦律是由高低、长短、强弱等组成的音的“线条”，所以也被称为“弦律线”，现在一般用五线谱来记识。 旋律线的起伏跌宕可以将人们不同的情感及变化过程细腻而深刻地表现出来。旋律对于音乐就好比情节对于小说，肩负着音乐传情达意的重任。有许多音乐作品，人

10、们或许已经说不出它们的名字和出处，也记不清完整准确的歌词，但是却能记住它们优美的旋律，每每哼唱仍能朗朗上口，这就是旋律的魅力。如何理解音乐作品中的旋律？要掌握旋律的走向 旋律是由不同音高的音组成的线条，是音乐的横向结构，因此旋律线是有其走势的，旋律的走势一般有五种：平缓式、上行式旋律，下行式，重复式和跳进式的旋律。不同的旋律走势给我们带来的听觉感觉是完全不同的。音乐作品中的旋律平缓式旋律-情绪稳定，安静平和，乏味。上行式旋律-开朗、振奋，也表现快乐与胜利下行式旋律-仿佛深情叹息，表达忧郁悲伤的情感重复式旋律-造成累加的紧张感或磅礴宏大的气势跳进式旋律-像是抑扬顿挫的说话语调，开阔、活跃、带有幻

11、想性欣赏音乐片段平缓式旋律-乡村骑士 幕间曲上行式旋律-查拉图斯特拉如是说下行式旋律-悲怆交响曲第四乐章重复式旋律-托卡塔与赋格跳进式旋律-行星组曲-木星 旋律具有传递音乐作品思想内容的重要作用，同时旋律又具有很强的变化性，不同内容、不同的作曲家的旋律都有不同的走向和特点，因此在欣赏一首古典音乐的过程中掌握旋律的特点，可以让我们更直接的了解一部古典音乐作品的内涵。3.调式调式是什么？ 调式的定义：若干高低不同的乐音，围绕某一有稳定感的中心音，按一定的音高关系组织在一起，成为一个有机的体系，称为调式或调性。 调式是人类在长期的音乐实践中创立的乐音组织结构形式。通常在阐述调式这一概念时，把调式的中

12、心音-主音作为起点和终点，其他各音按音高的顺序依次排列成音阶的形式，称调式音阶。 在不同的历史时期与不同的民族和地域，形成各种不同的调式。例如我们中国有五声调式，西方音乐有大小调式等等。不同的调式由于其组成的音不同，排列的顺序也不同，因此不同调式的所创作出的音乐风格一定也有很大的差异，掌握调式的基本规律有助于我们理解、欣赏一部音乐作品。 调式其实有很多很多，每个国家民族不同的时代都有自己的调式，但是对于欣赏古典音乐来说，最需要掌握的调式就是西洋的大小调式，西方音乐的大调与小调 大调与小调大致产生于17世纪，是西洋音乐中最常见的调性，它们都是由7个音所组成的，他们的区别在于“主音”不同。 从听觉

13、感受上来说： 大调-活泼、明朗、开阔 小调-内敛、柔和、暗淡 4.和声什么是和声?和声的定义：两个及以上不同的音按一定的法则同时发声而构成的音响组合。 和声包括纵向与横向两个概念。它既可以指同一时间内多个音的纵向叠加，这称为“和弦”。而各和弦的先后连接则产生和声的横向结构，称为和声进行。 和声的作用在于增加了音乐的深度和丰富性(就像绘画作品中的背景)，单纯的旋律即使再优美总是会略显单薄，而和声具有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用，和声可以衬托旋律，并且可以通过和声的色彩以及配合其它因素，塑造音乐形象、表现音乐内容。5.音色 当我们欣赏音乐时，除了音乐本身会给人留下持久深刻的印象外，另一个重要要素

14、也会引起我们的关注，那就是不同乐器演奏出的不同音色。什么是音色音色的定义：不同乐器或不同人声所发出的不同声音的特性，包括圆润度、饱和度、清晰度、共鸣效果等。这些特性的不同，使我们能够区分各种不同的声音。例如，分别用小提琴和古筝演奏同样的曲目，我们也能够轻易地将二者区分开来。这就是音色的区别。 不同的音色具有不同的气质和情感色彩，因此，对不同音色乐器的运用，成为古典音乐创作中十分重要的技术之一。 了解不同乐器（人声）的音色特点也是欣赏古典音乐所必须掌握的知识。1.键盘乐器键盘乐器是有排列的琴键的乐器总称。这些乐器上每个琴键都有固定的音高，因此可以用以演奏任何符合其音域范围内的乐曲。相对于其他乐器

15、，键盘乐器有着不可比拟的优势：具有宽广的音域和可以同时发出多个乐音的能力。因此，从古至今，键盘乐器都倍受作曲家们和音乐爱好者们的关注和喜爱。（1）钢琴 Piano 钢琴 是西洋古典音乐中最重要的一种键盘乐器，现代钢琴由88个琴键和金属弦及音板组成，普遍用于独奏、重奏、伴奏等演出，作曲和排练音乐十分方便。弹奏者通过按下键盘上的琴键，牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌，继而敲击钢丝弦发出声音。由于适用面广、音色辉煌、演奏技术精巧丰富，因此钢琴被称为乐器之王。 虽然钢琴在所有乐器中享有最高地位，但钢琴的发展历史并不长,最早的钢琴起源于16世纪意大利的佛罗伦萨，这种钢琴虽然外观和现代钢琴类似，但发音原理有较

16、大区别，其原理更类似于吉他或竖琴，属于拨弦乐器，因此这种钢琴被称为“古钢琴”或“羽管键琴”。古钢琴1710左右，现代钢琴的雏形在意大利诞生，与古钢琴不同，现代钢琴发音不再采用拨弦式而是敲击式，同时增加了很多机械结构。相比古钢琴，现代钢琴音色更加厚重，音色富余变化，能够演奏各种强度不同的乐音。由于乐器性能先进，表现力丰富，钢琴逐渐成为了最重要的乐器沿用至今。钢琴音乐作品也是西方古典音乐最重要的一个组成部分。音乐会和专业用途的三角钢琴日常生活家用的立式钢琴（2）管风琴 Organ管风琴属于气鸣键盘乐器，流传于欧洲的历史悠久的大型键盘乐器，距今已有2200余年的历史。管风琴是通过鼓风装置吹出的气流带

17、动铜制或木制音管震动来发音。管风琴音量洪大，气势雄伟，音色优美、庄重，并有多样化对比、能模仿各种乐器的效果，能演奏丰富的和声。 管风琴的历史悠久、性能先进，其作品数量极其庞大，仅次于现代钢琴。19世纪以前，在现代钢琴和其他乐器尚在较原始的时期，虽然造价极其昂贵，但管风琴仍是欧洲最主流的乐器。几乎每个教堂，每个学校，每个小镇都拥有自己的管风琴，因此在西方音乐史早期内容中管风琴作品数量相当多。 管风琴的键盘设置与一般的钢琴不同，由于音域极其宽广，管风琴的手按键盘一般都是多层的，而一部分低音按键被设置在脚下，用脚踩的方式演奏，称为脚踏键。管弦乐队按乐器的不同演奏方法可分为弦乐器组、管乐器组和打击乐器

18、组。具体如下：弦乐器组，包括小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴、竖琴等。管乐器组，包括木管乐器和铜管乐器。其中木管乐器包括短笛、长笛、单簧管、双簧管、大管、英国管、萨克斯等；铜管乐器包括圆号、小号、长号、大号等打击乐器组，包括定音鼓、钢片琴、木琴、大军鼓、小军鼓、铃鼓、三角铁、钟琴、响板、钹、锣、管钟等。2.管弦乐队乐器一只完整的管弦乐队管弦乐队座位图管弦乐队、交响乐队与室内乐队 管弦乐队是由弦乐器、管乐器和打击乐器组成的大型器乐合奏乐队。其中包含两大分类：交响乐队和室内乐队。 交响乐队和室内乐队的区别在于编制大小。室内乐队起源于较早，可以追溯到17世纪的宫廷小乐队，在19世纪增加乐器编制形成了

19、交响乐团。除编制外，两个乐团演奏音乐的体裁和风格也不尽相同。（1）弦乐器组 弦乐器的发音方式是依靠机械力量使张紧的弦线振动发音的乐器。是西洋乐器家族内的一个重要分支，在古典音乐乃至现代轻音乐中，几乎所有的抒情旋律都由弦乐器来演奏。柔美、动听是所有弦乐器的共同特征。弦乐器的音色统一，有多层次的表现力：合奏时澎湃激昂，独奏时温柔婉约；又因为丰富多变的演奏手法而具有灵动的色彩。 西洋弦乐器主要有：小提琴：是一切弦乐器中流传最广的一种乐器，小提琴是最具表现力的乐器之一，演奏技巧极其丰富，作曲家们经常用以演奏主旋律。被称为“乐器中的皇后”中提琴：中提琴仅比小提琴大七分之一，外形几乎一模一样，同样广泛应用

20、于交响乐队以及室内乐中。但中提琴通常担当中音声部，为主旋律起伴奏和衬托的作用， 极少用于独奏。大提琴：外形较大的弦乐器，夹在两膝之间演奏，是管弦乐队中必不可少的次中音或低音弦乐器，音色浑厚丰满，擅长演奏抒情的旋律，表达深沉而复杂的感情，有音乐贵妇之称。它也是非常为人们所喜爱的独奏乐器。低音提琴：体积庞大，需站立演奏。是管弦乐队和交响乐队中的最低音声部，多充当伴奏角色，极少用于独奏，但其雄厚的 低音无疑是多声部音乐中强大力量的体现。 竖琴 竖琴是一种大型弹拨乐器，也是世界上最古老的拨弦乐器之一，早期的竖琴只具有按自然音阶排列的弦，性能十分有限。现代竖琴1810年在法国诞生，有四十七条不同长度的弦

21、，七个踏板可改变弦音的高低，能奏出所有的调性。（2）管乐器组管乐器组是管弦乐队中必不可少的一组乐器，种类众多，发音原理各不相同但都需要吹奏的方法演奏。西洋管乐器分两大类：铜管乐器和木管乐器铜管包括：小号、长号、圆号、大号等。木管包括：长笛、单簧管、双簧管、大管、萨克斯等。铜管乐器 铜管乐器是一种将气流吹进吹嘴之后，造成嘴唇振动的乐器。 管弦乐队中常用的铜管乐器有：小号、长号、圆号、大号小号：铜管乐器家族的一员，常负责旋律部分或高亢节奏的演奏，也是铜管乐器家族中音域最高的乐器。 被称为“乐器中的王子”圆号：又称法国号，铜制螺旋形管身，声音柔和、丰满，音色和木管、弦乐的声音都能很好地融合。在交响乐

22、队中有举足轻重的地位。长号：低音铜管乐器，也是唯一的拉管乐器，声音低沉，辉煌庄严，壮丽而饱满，能演奏独特的滑音。大号：低音乐器，体型庞大，声音最低，在乐队中演奏伴奏的低音，很少有独奏。木管乐器 木管乐器因用乌木或硬木制造而得名，现代乐器很多改用金属制造，但其发音原理未变所以仍属木管类乐器。 木管乐器的音域宽广，音色柔美，表现力强，在合奏中扮演要角，而且也是重要的独奏乐器。在交响乐团里，常用到的木管乐器主要是长笛，单簧管，双簧管及大管。 长笛：由气流与笛头摩擦发声的乐器。长笛是现代管弦乐和室乐中主要的高音旋律乐器，外型是一根开有数个音孔的圆柱型长管。长笛音色比较细腻，明亮，在乐队中多演奏独奏 单

23、簧管：由一个簧片震动发音的乐器。又称黑管高音区嘹亮明朗，中音区富于表情，音色纯净，清澈优美。低音区低沉，浑厚而丰满，是木管族中应用最广泛的乐器。双簧管：由两片簧片震动发音的乐器，音色带有很特殊的鼻音，在乐队中常担任主要旋律的演奏， 是出色的独奏乐器，同时也善于合奏和伴奏。此外它还是交响乐队里的调音基准乐器。大管：低音乐器，又叫巴松，与双簧管一样是两个簧片发音的乐器。低音区音色阴沉庄严，中音区音色柔和甘美而饱满，高音富于戏剧性，适于表现严肃迟钝的感情，也适于表现诙谐情趣和塑造丑角形象。 打击乐器组打击乐器是一种以打、摇动、摩擦、刮等方式产生效果的乐器族群。打击乐器可能是最古老的乐器。有些打击乐器

24、不仅仅能产生节奏，还能作出旋律和合声的效果。 打击乐器有：定音鼓、木琴、马林巴、颤音琴、铃、管钟、小鼓、大鼓、沙槌、响板、响棒、牛铃等等。 定音鼓是由一个铜制或黄铜制的共鸣胴（似面盆状），上面紧绷者小牛皮或是塑胶制的面皮的打击乐器。一般一套定音鼓有4-5只鼓组成。定音鼓可发出固定音高的声音，并能够通过鼓上的踏板调整音高。音色柔和、丰满，音量可控制，不同的力度可表现不同的音乐内容，有时甚至可以直接演奏出旋律。定音鼓一套定音鼓（五只）马林巴：是一种原产自南美的旋律型打击乐器，将木制琴键置于共鸣管之上，以琴棒敲打以产生旋律。琴键排列方式类似于钢琴键盘。马林巴的音色非常清脆圆润很有特点。3.声乐的音色

25、 声乐是以人的声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出的悦耳的、连续性、有节奏的声音。按照唱法来区别可以分为美声、民族和流行唱法。 西方古典音乐中主要以美声为主，其中按嗓音高度又可分为女高音、女中音和男高音、男中音、男低音几种。女高音女高音是指成年以后可以演唱较高声音频率的女性歌唱家。通常情况下女高音可以分为：戏剧女高音，抒情女高音，花腔女高音三类。戏剧女高音的声音坚实有力，能够表现强烈的戏剧效果，抒情女高音柔和细腻擅于抒发内在的感情，花腔女高音演唱的高音特别清亮，具有华丽的技巧性。 女中音 女中音是指音域相对于女高音较低的一种女性嗓音，女中音在高音演唱上往往不如女高音那样优美抒情，但中

26、音区声音特别宽厚、丰满、圆润。 男高音是指成年以后可以演唱较高声音频率的男性歌唱家。男高音在声乐发展史上占有很高的地位，许多歌剧的男主角都是男高音。 男高音一般分抒情男高音与戏剧男高音两种。抒情男高音强调音色的明亮，声音优美柔和，气息的流畅，富于歌唱性。戏剧男高音的音色厚实些饱满些。男高音多明戈、卡雷拉斯和帕瓦罗蒂男中音 男中音是介于男高音和男低音之间的一种嗓音，男中音的声音整体比较低沉，追求声音的厚度。同时由于男中音在歌剧里扮演的角色类型较多，因此分类也很多，大体有男中音，男中低音和炫技男中音三类。6.结构结构的定义：音乐的结构是指音乐在宏观层面上的构成规律，一般分为两个方面，一是空间上的结

27、构我们称之为织体，另一个是在时间上的结构，专业名词是曲式。音符和旋律类似于诗歌作品中的词语和句子，而结构类似于诗歌中的词牌格式。音乐的空间结构-织体 音乐是不可见的，因此“空间”这个概念实际是指一段时间内，我们听到的音响有多少个层次，这些层次的关系是怎样的。 例如当我们听到一段音乐，我们可以识别出是单一的一条旋律还是同时多个旋律，多个旋律的走向是一致的还是交错的，这就是织体。织体主要有：单声部织体多声部织体和声式复调式单声部织体是最简单的一种织体形式，即只有一条旋律，而没有任何附加的和声伴奏或不同的旋律线条。单声织体可以说是最原始的音乐形式，因为我们任何人只要张口唱歌，肯定是单旋律的。在人类音

28、乐的初级阶段，大多数就是这种简单的形式。与单声织体相对应的概念是 多声部织体，它是多个声部或多个旋律线条的同时叠置。比起单声织体，多声织体肯定要复杂些，音响会比较丰满。它的数个声部有多种结合方式，有时是一条旋律加上和声伴奏(和声式)，有时则各个声部都是具有个性和独立意义的旋律（复调式）。和声织体当一首音乐作品有一个地位突出的旋律（主旋律），其他旋律为这条旋律伴奏时这种织体就叫和声织体。离开了和声伴奏，那条旋律就成了单声织体，而离开了主旋律，那和声伴奏便没有什么意义了，因此主旋律与伴奏是有主次关系的，主旋律是这段音乐的“灵魂”。复调织体如果一首音乐作品中的几条旋律各自独立又不分主次同时演奏，并形

29、成一个和谐的整体时构成的织体就称为复调织体，这种音乐称为复调音乐。相对于和声音乐，复调音乐的优势在于多个旋律的交织可以构成更加丰富的音响效果，加强音乐发展的气势，造成前呼后应、此起彼落的效果。 音乐的时间结构-曲式曲式：乐曲的时间结构形式。一首音乐作品在发展过程中会形成各种段落，根据这些段落形成的规律性，而找出具有共性的格式便是曲式。节奏描述的是音与音之间的时间关系，而曲式是描述音乐宏观结构的概念，这就好像诗词中的词牌或建筑中的框架结构一样。 一部音乐作品，无论是长篇巨制，还是短小的歌曲，都要在时间的延续中一点一点地铺展。这种在时间上的延续，正是音乐艺术的一大特点，所以音乐被称为“时间的艺术”

30、。而音乐在时间上的延续，无论长短都必须有一个结构框架，有个章法，不能是混沌一片。这种结构框架或章法，就称之为曲式。它不是预设的理论，而是在大量实践中总结出来的思维范式。音乐的曲式按照传统可以分为两类：小型曲式和大型曲式。 小型曲式包括：一部曲式、二部曲式、三部曲式、复二部式、复三部式等。 大型曲式包括：变奏曲式、回旋曲式、奏鸣曲式等。 (一)小型曲式 小型曲式指结构相对简单，整体篇幅不长的曲式结构，几乎所有民歌民谣、流行摇滚音乐都是用小型曲式创作的，比较早期的或篇幅很短的古典音乐作品一般使用是小型曲式来创作。 小型曲式由于结构简单欣赏起来难度不大，但由于长度限制音乐发展变化的可能性也较小。1、

31、一部曲式曲式中最小的是一部曲式。它是由单一乐思的陈述和对该乐思的不间断发展构成的。在一部曲式内部，包含数个乐句，但中间不能划分出段落来，也就是说，在中间没有结束性停顿，只是到最后才有肯定的收束。很多短小的民歌都是一部曲式的，比如大家熟悉的江苏民歌茉莉花。一部曲式可以是比较简单的、由几个并列的乐句构成，也可以比较复杂，由乐思的一系列发展构成。请听波兰作曲家肖邦（Chopin）的钢琴作品，B大调前奏曲，它明快而美丽，其中有一个素材多次重复，变化，虽然非常短小，却包含了起承转合的全部过程，十分完满。一部曲式虽然比较短小，但内部结构多种多样，就像万花筒一般变幻无穷。 2、二部曲式二部曲式由两个段落构成

32、，它们在情绪、旋律形态、调性、和声等方面的不同，形成对比，可用A+B表示。需要强调的是，二部曲式可以说是最常见的一种曲式结构，绝大多数比较短的古典音乐作品都是使用二部曲式结构的，而几乎所有的流行歌曲都是二部曲式的。在流行音乐中二部曲式的两个段落被称为“主歌”和“副歌”。三部曲式是由三个段落所构成的，在二部曲式（A+B）的基础上，在乐曲的最有再加入一个乐段，这个乐段既可以是一个全新的段落（A+B+C），也可以是第一段的“变奏再现”（A+B+A1）三部曲式在古典音乐中的应用也是非常广泛的。（二）大型曲式大型的曲式包括变奏曲式，回旋曲式，奏鸣曲式等。变奏曲式：变奏曲是指主题及其一系列变化反复，并按照

33、统一的艺术构思而组成的乐曲。 “变奏”一词,源出拉丁语variatio,原义是变化，意即主题的演变。从古老的固定低音变奏曲到近代的装饰变奏曲和自由变奏曲，所用的变奏手法各不相同。作曲家可新创主题，也可借用现成曲调。然后保持主题的基本骨架而加以自由发挥。手法有装饰变奏、对应变奏、曲调变奏、音型变奏、卡农变奏、和声变奏、特性变奏等。变奏曲曲式结构图： A + A1 + A2 + A3 + A4 = 变奏曲 3、回旋曲式。大型曲式结构之一。其基本原则是：主要主题周而复始地循环往复， 在其重复之间，插以对比性格的插部（副题），在回旋曲中，主要主题至少要呈现3次。很多大型作品都采用回旋曲式。 回旋曲建构

34、图： A + B + A + C + A + D = 回旋曲4、奏鸣曲式。是一种大型曲式，是奏鸣曲主要乐章常用的一种结构形式。它包含呈示部、发展部和再现部三个部分。这种曲式不仅用于奏鸣曲中，也用于室内乐、协奏曲、交响曲等大型音乐作品的相应乐章。此外在序曲、交响诗等作品中也常见到。 通常所说的奏鸣曲式，是指维也纳古典乐派时期确立的由3个部分组成的奏鸣曲式。它的结构由“呈示部”、“展开部”与“再现部”三大段依序组成。 第1部分是呈示部，包括主部、连接段、副部及小结尾。主部与副部的调性关系仍保持古典奏鸣曲式的传统，乐思的性质或者是对比并置的，或者是对比冲突的。在较早的奏鸣曲中呈示部一般要反复一遍。这

35、个部分是这首乐曲的重心与精神所在。 第2部分是展开部，也称自由幻想部。主要乐思在不同的调性上加以发挥，也可是不同乐思的交替出现，有时也用新材料或复调的处理方法。结构上则以材料的片断性和终止的隐蔽为特征，使乐思以新的方式不断展开，甚至造成尖锐的矛盾冲突，最后是引向第 3部分的过渡。 第3部分称为再现部。这时主部仍在原调上再现，并通过连接段，使副部在主调上出现，以取得再现部的调性统一。最后为尾声。有的尾声很长，如贝多芬某些作品的尾声有第二展开部的性质。此外呈示部之可冠有引子，一般在速度、调性等方面与呈示部构成对比。呈示部 + 发展部 + 再现部 =奏鸣曲式 A+B A1+B1+C. A+B7.风格 音乐中风格是指音乐的诸多因素-节奏、旋律、和声、调式、音色、结构在相互作用下产生的特殊的总体效果。不同时期、不同作曲家在创作音乐时这些元素表现出的特点和组合的方式都不同，这也就形成了不同的音乐风格。 西方音乐史课程就是通过分析了解各时期音乐的风格变化来描述、研究西方音乐的发展的。各时期的音