工业设计素描色彩教案

1、北京工业大学耿丹学院 工业产品设计素描与色彩基础教 案刘建华（子默）2008年2月工业产品设计素描与色彩基础教案章节题目第一章 工业产品设计素描（32学时）教学目标通过综合知识的学习并结合产品设计的特点，使学生提高造型表现、思维与创新能力。学时步骤课程内容纲要标注说明一32学时讲授、辅导1.素描的概况、历史发展及种类、特点(3学时)素描，绘画术语，主要以单色线条和明暗来塑造物体形象，是造型艺术基本功之一，它以锻练观察和表达物象的形体、结构、动态、质感、量感、明暗关系为目的，由此研究和掌握造型的基本规律。素描，是人类最早从事造型艺术活动的方式之一。约在旧石器时代晚期，人类祖先就已经开始用鹿脂的灯

2、烟做原料，在他们居住的洞窟岩壁上创作反映他们当时真实生活的造型艺术活动。俄罗斯历史考古学家普列汉诺夫认为：“这些带有记号和文字性质的绘画，是由于生活中的功利目的而进行描绘的，因而在原始人身上便发展了一种再现自然的渴望和摹绘的能力。”从人类这些最早的以实用为目的的艺术创作遗迹中，我们可以看到劳动创造艺术的意义和艺术与人们生活的密切关系艺术产生于劳动同时艺术又推动了劳动生产。 “Design”（设计）原形来源于意大利语，在意大利文艺复兴时期表示为素描的概念。它主要指艺术家在创作构思过程中，运用素描来探讨、研究作品的规模、内容与造型的草稿和草图。以现代设计的奠基人莫里斯为代表倡导发起的工艺美术运动，

3、对设计的改革发展确定了概念：“美应与技术结合”，主张美术家应倾注于设计，专门设计图样、造型、分工协作。设计与制作的专业分工为现代工业的发展提供了经验。工艺美术运动对现代主义设计的兴起起到了重要的推动作用。包豪斯(Bauhaus)是德文（Bau)和建筑（Haus)房屋组成，意为“建筑之家”，借以指“新的设计体系”。包豪斯是世界上第一所完全为发展新型的设计教育而建立的学校。主张“艺术与技术的统一，设计与工艺的统一。”澳大利亚工业设计协会调查结果表明：设计艺术专业毕业生应俱备的十项技能第一位“应有优秀的草图和徒手作画的能力，作为设计者应具备快而不拘谨的效果图形表达能力，绘画是设计的源泉，设计草图是思

4、想的纸面形式。素描是用单一颜色来描绘对象的一种绘画。常见的素描画是以黑色（即利用黑白的层次）描绘的，但也有用 一种彩色描绘的（如棕、红、绿、蓝等），或一种彩色加黑或在此基础上加白粉，也属于素描。更具体地说，素描是舍弃了对象的多种色彩关系，用单一颜色的线条 或明暗描绘对象的外形、比例、结构、体积、空间、质感和色彩的浓淡，运用这些造型艺术的基本因素来综合表现形象的绘画。 素描画的表现形式有三种。一是线描（相当于中国画的白描）；二是以明暗手段表现物象的体积的所谓明暗法；三是线条与明暗法的结合，亦称线面结合法。 由于素描画排除了色彩的直接表现，集中运用造型艺术的基础因素去表现对象，所以它是造型艺术的基

5、础。在绘画发展的过程中，逐步形成了既有别于素描创作又有别于画家的素描习作的素描基础训练。这种系统的素描基础训练，已经成为学画者的必经之途。素描简史早期的素描     人类开始懂得绘画是从素描开始的。根据考古的发现，现在所知世界上最早的绘画是法国西南部比勒高省多尔多涅附近称为接斯柯的岩洞壁画和西班牙北部阿尔塔米 拉山的洞窟壁画。前者距今约两万年，是旧石器时代的绘画遗迹；后者约在1万年以前，是旧石器时代晚期绘制的。原始人用最简易的材料描绘他们在狩猎活动中的 主要猎获物。西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画的野牛尤为精彩，其中一只低头挺角准备向前冲击的野牛，像箭在弦上一触

6、即发，充满向外的运动感。这是用烧鹿脂的灯烟 画成的，然后用朱红色的矿物颜料粉末上色。这些古代壁画基本上是用单一颜色进行描绘，所以，也可以说是世界上最古老的素描画。      随着人类的进步，绘画才逐渐由简单到复杂，由主要是素描的方法走向色彩的表现，素描画也从原始阶段逐步得到发展。    在世界美术发展史上，继史前时期的绘画之后，最引人注目的是古埃及和古希腊的壁画，可惜保存下来的很少。从仅存的残缺壁画看来，古埃及壁画以线造型为主， 具有浓厚的东方色彩；而古希腊的壁画虽然仍以线的造型观念为主，但已向立体的表现演变。在开罗美术馆陈

7、列的古埃及画家所画的素描狗，是这个时期保留下 来的素描习作，可以看出古埃及画家已具有相当的写实功夫。从古希腊保存下来最多的堪称世之瑰宝的雕刻作品和流传下来的许多著名画家的作画故事看，古希腊的 绘画肯定也会和它的雕刻那样有过极高水平的作品。如果画这些壁画的画家都画有草图的话，这些草图就是一张张杰出的素描。可惜，这种素描画我们是看不到了。 但我们可以从保存下来的古希腊瓶画中，看到当时古希腊艺术的素描水平。古希腊瓶画有三种式样。早期的是黑像式，即在白底子上把用线条勾画的形象涂上黑色， 像剪影那样。后期叫红像式，即与黑式相反，背景填黑釉而形像留空白（空白处为陶器的红色表面，故称之红像式）。以后又发展到

8、使用白描的瓶画。这些瓶画造型 简练优美，结构严谨，本身就是一幅幅素描杰作。我国长沙战国楚墓的帛画，大约为公元前400多年至前200年期间（与古希腊同期）的产物。用黑白两色描绘 一位中年妇女合着掌，抱着必胜的信念去迎接生命与和平的胜利（画面上的凤，代表生命与和平，在矫健地扑击近似蛇形、代表死亡和灾难的夔），这幅古老的素描 画可以看出我国古代绘画也同样达到了很高的水平。此后我国的传统绘画基本上是沿着这种以线造型为主的路子发展下来的。     从古代世界史前时期之后的绘画素描作品看来，这时各国的绘画素描作品已具有不同的民族风格，但都保留了以线造型为主的史前时期绘画的特点

9、。     古罗马继承了古希腊的文化艺术，但没有很突出的创造。其后随着中世纪封建统治的日益专横，基督教的发展和神权至高无上的统治，中世纪艺术除了建筑方面因为 歌颂神权建立教堂，创造了罗马式和哥特式建筑，以及为教堂修建而发展起来的玻璃镶嵌画之外，绘画大部分是为装饰基督教堂或王侯宫殿、贵族邸宅而画的壁画， 也有用笔画在羊皮纸上的插图。这些插图也是保留下来的素描画之一种，但仍然基本上是线描的，大多都十分软弱、幼稚。按照基督教禁欲主义的观念，人物形象都 刻画得脸无表情。这个时期可以说是绘画的黑暗时期。当时无所谓专门的画家，而是老百姓在贵族、主教的订货或命令下，为他们新的邸

10、宅或教堂搞装饰。这种工匠 画完后，就回去养牛、耕田或打铁，他们完成的任何一张作品都没有署名，因为他们在社会上根本没有地位。那时也许存在徒弟跟师傅学画，一边工作一边学画（即 帮老师复制或放大作品）的情况，但却没有进行绘画的基础训练，因而中世纪的绘画水平是很低的，人物比例不对，也不注意远近大小的规律。这个时期，在中国造 纸术还未传到之前，画匠们的素描画是画在羊皮、木板、绢绸、竹片、兽皮或墙壁上的，这些材料都远不如画在纸上那么方便，表现力那么丰富。这个时期的素描也 很单调呆板，它的真正发展是在文艺复兴运动到来之后。 素描的发展与素描基础训练的诞生画家：第一，这个时期，许多绘画大师不但是伟大的色彩画家

11、，而且是伟大的素描画家。如达·芬奇（14521519）、拉斐尔（ 14831520）、米开朗琪罗（14751564）、提香（14901576）、丁托列托（15181594）等等。        第二，由于科学的发展，科学与艺术结合，画家们在广泛实践的基础上创立了科学的绘画基础理论、艺术理论和素描理论，推动了素描的发展。         文艺复兴时期由于重视对自然的研究，自然科学的进步和新发现，促使许多绘画大师们认真地对待描绘的对象。他们解剖尸体，

12、了解人的解剖结构，画了不少分析图 和人物习作，产生了艺用解剖学。在研究空间处理上创造了透视学。意大利佛罗伦萨画家马萨丘（14011428）继承了意大利文艺复兴初期绘画大师乔托 （12671337）的传统，和同时期的其他画家一起发现了透视学之后，翁勃利亚画派画家弗兰西斯加（约14161492）的绘画透视学已经把透 视学发展到相当完善的地步。1435年诞生的西欧最初的艺术理论列昂·巴替斯塔·阿尔伯蒂（14041472）的绘画论高度评价了写实、透视等 绘画基础理论，并强调画家应加强对对象创造性的研究，具有形象地综合对象的能力。为此，他首次提出画家应练习最简单的几何模型素描，这是素

13、描基础训练产生 之前最早的理论准备。后来达·芬奇写了许多绘画札记，明确地强调“绘画是一门科学”1，提出自然是绘画的源泉，画家在表现自然时，不能只依靠感觉去认 识世界，还要用理性去分析、掌握自然界的规律，使绘画艺术建立在科学的基础之上。达·芬奇的绘画札记不但阐明了许多艺术原则，还特别对绘画的基础学科，诸 如解剖学、透视学、素描、明暗色调、构图处理等作了系统科学的理论研究。米开朗琪罗认为素描功夫的深浅直接影响到画家的成败。瓦萨里（1511 1574）则进一步认为素描是一切造型艺术的基础。楚加里（15421609）则把素描提高到是表现画家思想的艺术样式的地步，已经从理论上提出素描

14、的 独立性。这些理论的探讨推动了美术事业（包括素描）的发展，亦为美术学院和素描基础训练的诞生准备了条件。 第三，素描基础训练作为对美术青年进行科学的系统的 培养训练手段，随着美术学院的产生而诞生。意大利文艺复兴盛期一些艺术大师相继去世之后，意大利流行着一种因袭某些大师风格的所谓风格主义，当时反对风格 主义的代表人物是卡拉瓦乔（15731610）和卡拉齐兄弟（阿尼巴·卡拉齐，15601609）；洛多韦科·卡拉齐（15551619）；阿果斯 丁诺·卡拉齐（15571602）等人。卡拉齐兄弟为了更有意识地恢复意大利文艺复兴盛期的传统，于1585年在小仑亚城创办厂美术学院

15、，他们改变了中 世纪以来美术青年工匠的学习方式，运用文艺复兴以来美术创作和基础理论的科学成果，按一定的程序，对美术青年进行系统地培养训练。其中素描作为基础训练的 主要方法已开始诞生。这种以素描基础训练作为主要学习手段的美术学院在意大利出现之后，很快就普及到了欧洲各国，并影响到全世界的美术教育。这时素描基础 训练的主要内容是先临摹后写生，以人体模特儿写生作为学习的最高手段。教学的具体程序是：学生先临摹老师的素描，同时临摹一些版画，作为学习基本画法的入 门，以后对几何形体的石膏模型和古代雕刻的石膏像进行写生（其中以古希腊罗马雕刻的石膏像写生为主），以此作为画好人体模特儿写生的基础，最后的主要学习

16、内容是对裸体模特儿进行写生。这种素描教学程序在美术学院出现之后的画家工作室里也盛行。这种从临摹到写生的素描基础训练改变了中世纪学艺徒工只能在临摹 匠师的作品和为匠师放大稿子的过程中学习的局面。从临摹为主到临摹后写生，美术教学前进了一大步。因为临摹仅是一种模仿的过程，将教师创造的形象从平面搬 到另一平面，尽管搬得像，但缺少对实物直接观察、分析研究，以及最后用什么手法表现对象的过程；这个过程是锻炼学生对对象敏锐的观察力和表现力所必须的。 而且以临摹为主的学习方法容易先入为主，易形成以老师风格为准绳的主观程式，按这个程式去套生活，创造的形象就会千篇一律。因而在一味临摹老师作品的画家 工作室里，只有少

17、数幸运儿走了很长一段路之后才寻找到自己的艺术语言，最后取得成就而成名。刚刚诞生的素描基础训练虽还是强调临摹，但毕竟将写生作为最高 阶段的学习内容，在对古代雕刻石膏像和人体模特儿写生时传授了许多解剖学、透视学、构图学等科学知识，对当时美术的发展起了促进作用。 学院派素描基础训练的没落与素描基础训练写实传统的恢复发展 。       波仑亚美术学院是作为恢复文艺复兴盛期的传统而出现的，这个传统的主要内容之一就是崇尚古希腊、罗马的古典艺术，它要求学生的创作以表现古希腊、罗马的古 典美为标准，创作题材也只能表现宗教、神话和历史故事，在素描基础

18、训练中也特别推崇古典美。这样，就孕育着美术学院教育发展为学院派最后走向没落的危险。    为了推崇古典美，学生开始素描写生之前必须临摹老师的作品或版画作品，开始灌输舌典美的审美要求，其后十分强调对古希腊、罗马雕刻或这些雕刻的石膏像进行 写生和专门研究，甚至把古代雕刻的介绍作为一门主课，在学生们最后进入人体写生课阶段，必须把这些古典艺术的规范作为素描写生造型的标准样式，学生虽然也 有自己的直接观察，但由于过分强调和推崇古典雕刻艺术的造型标准，学生们在练习中实际上几乎原封不动地把古典艺术的造型标准表现出来，这是十分自然的。 1675年法国皇家绘画雕刻学院颁布了所谓绘画法典，对古

19、典美规范的要求更达到荒谬的程度，这就完全否定学生的直接观察，只能按法典的古典规范作画 了。经过这种美术学院素描基础训练培养出来的画家，就会认为观察自然的本来面貌已经没有必要了，并逐渐形成一种僵死的、概念的、公式化的所谓学院派素描体 系，最后把文艺复兴时期尊重自然、推崇研究自然、极其重视写生的写实传统完全抛弃了。这种学院派素描基础训练对美术基础教育的统治，如果从绘画法典算 起的话，由17世纪下半叶到19世纪末叶，最后在浪漫主义现实主义和印象主义的冲击下由动摇到开始崩溃，历时将近200年。  学院派素描基础训练极力崇尚的规范化素描的画法究竟是怎样的？   文

20、艺复兴以前，素描的画法主要是以线条为主的，文艺复兴开始，已经在线条的基础上使用明暗表现物体的立体感。达·芬奇曾十分完善地提出了明暗五大调子层次 的明暗法（这个五大调子的正确区分一直沿用至今，详见本书第二章），并已提出依靠面表现物体形状作为“绘画科学的第一条原理”的重要性。但他和当时许多 画家都强调明暗的柔和过渡，忌明暗之间出现明显的分界，因而他们处理形体起伏的效果都比较圆，同时他们又特别强调物体的外形和轮廓，所以他们的基本画法是 在勾画物体外形时加上明暗色调，其主要着重点还是轮廓外形线条的刻画。波仑亚美术学院素描基础训练的素描基本画法，就是这个文艺复兴传统画法的继续。以后 随着学院派

21、素描基础训练对古典美追求更加规范化，素描画法对外轮廓和线条的表现就更绝对化了。诚然，线条与色彩的表现作为一种表现手法，未尝不是好的，至 今不少画家仍运用这种线与明暗结合的方法作画，并有前进和发展。但作为艺术的格式要求学生就会约束艺术向多样化发展，甚至会酿成灾难。当时正是这种学院派 素描基础训练的格式被一直沿用下来。美术学院在各国成立之后，绘画艺术的发展经历过16世纪巴洛克艺术时期、洛可可艺术时期，到19世纪法国古典主义艺术 时期。在巴洛克艺术时期，绘画已着重使用明暗手法，画家开始发挥明暗的感人力量，使画面的气氛、形象的立体感都得到加强。这种画风的代表人物有委拉斯开支 （15991660）和鲁本

22、斯（15771640），特别是17世纪的荷兰画家伦勃朗（16061669）。明暗已变为作画的主要手段。通过明暗表 现物体的面和体积的方法，可以说已从主要是线条或线条加明暗的画法独立出来。但这种方法并没有使学院派素描基础训练的格式有所改变。       19世纪法国古典主义画派的主要人物大卫（17481825）和安格尔（17801867），他们的素描轮廓精确优美，结构严谨，是循着学院派素描 的风格发展下来的。安格尔更是追求线条的简练与准确，他的素描细节精雕细刻而不失整体，堪称古典主义素描的典范。与大卫同期具有浪漫气息的法国著名

23、画家普 吕东（17581823），他的素描风格和主张与大卫不同，理想化而有真实感，以明暗手法烘托人体的轮廓，虚实变化微妙，空间感较强。他是晚年才被选入 法兰西学院的，他的素描风格也没有对学院的教育造成影响。安格尔担任法兰西美术学院院长之后，在寻找基础训练方面是严格地按学院派的要求做的，看他的素描 可见当时学院派素描基础训练的一般画风。安格尔虽然认为素描要有内在的形，但他心目中美的形体是圆周式的布局，“线条这是素描，这就是一切”，他要 求素描的线和形的简练，实际上主要是追求轮廓的美。当时法兰西美术学院的许多学生都以为素描的目的就是追求一个高贵的轮廓，甚至把对象看作是被轮廓围绕着 的一个平面。特别

24、使要求写实的学生不能容忍的是，在人体写生课时，不能按模特儿本来样子画，而必须按古典的规范（如人身高按8个或8个半头的格式等）修改 眼前的对象。 素描的技法、种类和演变（1）线和线条技法  素描的要素是线，但是线在实质上却是不存在的，它只代表物体、颜色和平面的边界，用来作为物体的幻觉表现。直到近代，线才被人们认为是形式的自发要素，并且独立于被描绘的物体之外。 （2）用线条来组成物体的形象 素描是用线条来组成物体的形象，并且描绘于平面之上，藉由线条形式引起观者的联想。例如两条线相交所构成的角形，可以被认为是某平面的边界；另外加上 第三条线可以在画面上造成立体感。弧形的

25、线条可以象征拱顶，交会聚集的线条可表现深度。人们可以从线条的变化当中，得到可以领会的形象。因此透过线条的手 段，单纯的轮廓勾勒可以发展成精致的素描。 （3）用线条区分立体与平面  在素描中可以用线条区分立体与平面，至于色彩明暗是为了加强和分清整体与部分的关系。我们可以运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来。  （4）平面技法的辅助  素描的线条技法还需要平面技法的辅助。平面技法在使用炭粉笔时，在明暗对照上可用擦笔法。 （5）毛笔画法的

26、使用  更重要的是使用毛笔画法，因为毛笔能发挥笔触的宽度和笔调的强度并且能增加空间感和立体感。 （6）艺术性的加强  素描也可用多色画笔作为基本材料，用来加强素描效果以及素描的艺术性  素描线条的演变 1）线条的解放：(安格尔对绘画线条的革新)  (1).在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作完美比例的度量外，它的功能是被抑制的。  (2).安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。  (3).对安格尔而言，人体的比例并不求自自然或

27、实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属于形式要求之下。  (4).讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。  2）强调线条本身意义与表达的特质。  3）线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发：  (1).一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。  (2).德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积

28、极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。 2设计素描及产品素描的概况、要求（1学时）设计素描，是指以设计艺术活动为目的，根据素描造型规律和设计艺术需要所描绘的单色绘画。是设计专业的造型基础。设计素描课程系统教学模式： 培养目的培养严谨的视觉感受与反应能力（眼）培养科学的理性分析与理解能力（脑）培养丰富的形象思维与创新能力（心）培养熟练的视觉传达与表现能力（手）造型功能 绘画性素描追求的是富有感染力的生动的艺术造型，是以陶冶情操的纯艺术作品发挥其造型功能。 设计素描在符合结构、工艺、材料、技术等设计要素前提下，运用草图、效果图、爆炸分解图来传达设计师

29、的理念和构想，以设计适合人们生活需要的实用产品为目的，发挥其造型功能。 造型思维绘画性素描以感性为基础，与直觉性、形象性紧密结合，表现艺术形象。设计素描以逻辑思维为基础，将形象思维统一在逻辑思维之中，拓宽设计作品的表现力。 造型方法 绘画性素描以训练扎实的形象再现能力为宗旨，强调认识与表现的辩证关系。设计素描研究立体造型的形态表现规律，启发并掌握对心理物象的视觉表达能力。 造型特点 绘画性素描以写实为重点，注重强烈的感性认识，形象的深入研究和准确的表现。材料以铅笔、炭笔、毛笔为主。设计素描不仅掌握物象的造型表现，更注重创造性物象构造的表现，造型

30、形式多样，材料应用广泛。 设计素描注重立体的全方位意识培养，因为，产品设计、展示空间设计，都是以立体的360°环视的立体形态或纯实的空间形式展示。因此，设计素描造型是多维度的空间造型。设计素描，除基础造型技能训练之外，培养学生的设计意识和创新意识是课程的重要组成部分。通过具体课程创意形态造型训练，使学生从各种创造性的思维规律中演化出具有可操作的创新方法，提高创造能力。3.观察与造型的训练(4学时)A.观察方法的整体性；B思维与观察方法比较；C整体与局部关系分析。4.形体与空间的训练(4学时)A形体与比例的整体性；B形体与空间的透视方法；C准确的描绘与表达；D空间审美法则：对

31、称、均衡、和谐、节奏和韵律、比例与尺度、多样与统一5.结构与造型的训练(4学时)A结构要素与类型；B形体结构；C空间结构。6.点、线、面、空间的抽象表达训练（难点）(4学时)A点、线、面、空间；B点、线、面、空间之间的关系。7.产品设计素描的基本表现方法(12学时)A线造型的表现；B光影造型的表现；C线面结合的表现手法；D材质肌理刻画表现。第一堂课利用多媒体，通过课件上的图例进行分析讲述。以后，通过写生、临摹、摹写实例讲解及指导，来加强学生对知识和技能的掌握。1、几何体、静物由简入繁写生训练，留5幅自行车写生速写课下训练。2、静物全因素素描，写生训练，课下画十张产品速写，注意体会其审美特征。3

32、、以写实角度选择一件工业产品为静物，进行结构造型表现。4、点线面多样化表现，对事物学会正确的抽象。5、以工业产品为对象，超写实静物物的表现。（写生、临摹和创作）思考练习1、 以工业产品为对象每天一到两张速写；2、 思考产品素描的表现技法，能找到多少。形态构成（二）教案章节题目 第二章 色彩基础训练（32学时）教学目标使学生理解立体构成的四种构成形式，并通过集体项目的制作培养大家的团队精神。学时步骤课程内容纲要标注说明二32学时讲授、辅导8、色彩基础训练（32学时）A色彩学有关知识讲解；（4课时）一、色彩的来源 自然界的物体尽管千姿百态，错综复杂，但由于它们都具有一定的形体和色彩，使我们能够准确

33、地辨别它们。我们之所以能看到并能辨识物象的千差万别的形体和色彩，是由于受光线照射后，使光产生分解，一部分光线被物体吸收，另一部分光线折射出来，成为我们肉眼感觉到的物体色彩。如果在黑夜里，形体难辨，色彩也就无从谈起了。也就是说，借助于光，我们才能看到物体各种不同的色彩。色彩是光的产物，没有光就没有色彩。 英国物理学家牛顿(16421727)，把太阳光透过小孔引进暗室射到三棱镜上，用三棱镜把太阳光分解成红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种色光，同雨后天空中的彩虹一样。这个事实表明，太阳光是通过这些色光的混合得来的，即七色光混合在一起，便成为白光。在七色光谱中，红光的波长最长，依次递减，紫光的波长最短。之

34、所以中午阳光为白光，早晚阳光为红黄，是因为中午阳光中所有色光都能直射到地球表面上，而早晚阳光斜射，再加上大气层中尘埃所致，波长短的不能射到地球表面上，人们的眼睛也就无法看到这部分光波。从光学原理上讲，我们的眼睛能看清自然界万物的色彩，不是物体本身的固有色，而是光源或物体反射光反映到我们视网膜的结果。不同的物体反射和吸收光波的波长不同，所呈现出的色彩就各异。所以光与色是不可分离的，色彩来源于光的作用。二、视觉与色彩 自然界的物象与我们无论距离远近，总隔着一层空气。空气是透明体，但它的纯度通常是很差的，有许多水汽和尘埃常夹杂在其中，当色光透过这层空气时，不可避免地会遇到一定的阻碍，使各色光发生不同

35、程度的散射，造成色彩在空间传递中的变化。一般来说，景物越近，与我们之间相隔的空气越稀薄，物体的质感、体积感、冷暖感等越明确；景物越远，则与我们之间相隔的空气越浓厚，色彩感、质感、体积感、冷暖关系等越模糊。我们在室外风景写生时，应了解大自然的客观规律，细心观察色光的微妙变化，将远景处理得虚一点，色彩淡一点，明暗、冷暖对比弱一些，才能使画面体现出深度空间，把景物的近、中、远空间层次拉开，从而更准确地描绘出自然界的真实景象。各色光穿透大气层的能力强弱，基本上是按其波长的长短顺序排列的，红色最强，橙、黄、绿、青依次居其间，紫色最弱。因此，波长越长的色光对大气层的穿透能力越强。视觉感受越明显。波长越短的

36、色光对大气层的穿透能力越弱，视觉感受也越不明显。三、色彩的分类 从我们所看到的物体呈现出的各种颜色来说，最多见的是反射的色，即表面色。如果把这些表面色作大的分类，可分为红、黄、蓝彩色系和黑、白、灰无彩系。 彩色系全部具备着色的三要素。无彩系则没有色相和纯度，而只有明度。由于红、黄、蓝周围的色彩，在色相、明度、纯度方面都各具不同的特征，便形成了千百种不同的色彩。四、色相环 我们假设在一个圆环上，分布着光谱的标准色相。那么，在两个相邻的标准色之间，便可排列两者以不同比例调配所产生的各种色彩，这样便构成了一个色相环。它直观地展示着色彩规律，下面是常用的几种色相环。 瑞士画家伊顿所设计的12色色相环；

37、美国教育家、色彩学家、美术家孟塞尔色相环；德国科学家、伟大的色彩学家奥斯特瓦德色相环。以上色相环侧重于显示色相方面的变化及互相关系，至于明度与纯度方面的变化，就得借助于色阶表了。五、色阶表 在上述色相环中，我们可以看到色相之间以不同比例调配所产生的各种色彩，如果我们将色相环切开，按色相、冷暖、明度等重新组合排列，便可得出更为丰富、更为多样的色阶表。色阶表归纳了色彩的色相、明度、纯度之间的变化及其规律，用平面展示了各种色彩的变化及相互关系，它是初学者掌握色彩的色相、明度及纯度变化规律较为简便的方法。色彩的基础知识一、原色、间色、复色、补色 1原色(亦称一次色) 固有的色，用其他任何色都调不出来的

38、色，即(红、黄、蓝，称三原色)，但千万种色彩都可由三原色调配出来。 2间色(亦称二次色) 由两个原色混合，产生出来的颜色，即(红+黄=橙，红+蓝=紫，黄+蓝=绿)，这橙、紫、绿为三间色。 3复色(亦称三次色) 由两个间色或三个原色混合而成的色。如：橙+绿=黄灰，橙+紫=红灰，紫+绿=暗绿。 4补色(亦称余色) 在色环上任何直径两端相对的色。如：红与绿，橙与蓝，黄与紫。在色环上这三对补色是最强的补色对比。二、色彩的要素 1色相 颜色的相貌和名称。如红、橙、黄、绿、紫、黑、白等等。 2明度 颜色本身明暗的深浅程度。明亮的、浅的颜色，称之为高明度；反之，为低明度；高明度与低明度之间，称之为中明度。

39、另外，明度有两层含义：一是指一种颜色可以调出各种不同的明暗差异，如绿色加黑为墨绿、深绿，加白则为浅绿、淡绿；二是指色相互相比较的明暗，如柠檬黄颜色的感觉比红颜色亮，紫颜色的感觉比红颜色暗。 3纯度 色彩的纯净饱和程度。颜色在没有加进白和黑与灰色时纯度最高，否则纯度减弱。如果将任意一色与黑白或其他色相混，就产生了纯度差别，如红色与白色相混，其明度提高了，而纯度降低了；红色与黑色相混，其明度降低了，纯度也降低了。 色相、明度、纯度三者之间的关系是相互联系相互制约的。任何颜色无论是明度提高还是降低，其纯度和色相都会发生变化。如红加白为淡红，色相变了，明度提高了，而纯度降低了。红加黑为深红，色相变了，

40、明度降低了，纯度也降低了。三、色性 色性是指自然界各种颜色在人们心理上所产生的感觉和联想。色彩的冷暖感与我们日常生活经验有着密切联系，如阳光与火光，感觉是暖的，因为阳光和火光能产生热量。所以，当我们看到红、橙、黄的颜色时便联想到太阳和火光。凡是偏向于红、橙、黄的色称之为暖色。反之，当我们看到青、蓝、紫的颜色时便联想到冰天雪地、大海，给人以寒冷或凉爽的感觉。凡是偏向于青、蓝、紫的颜色称之为冷色。 蓝与橙是冷暖的两个极色，介于二者之间的色称为中性色(中性微暖色、中性微冷色)。色彩中的冷暖只是相对而言的，是相比较而言的。如绿色和红色相比较，绿色是冷色，那么，绿色与蓝色相比较，绿色则是暖色。再以朱红和

41、深红相比较，朱红偏暖些，深红则偏冷些。 色彩的冷暖，在绘画中应用非常广泛。在静物画中，表现物象的体积、空间、层次，不仅要注意色彩的明暗变化表现，而且应运用色彩的冷暖变化因素来表现塑造。风景画更是如此，深远的景物看上去色彩总是冷些，而近处物象的色彩显的暖些。由于大气的影响，这种冷暖关系的变化便显得特别明显、突出。 在色彩表现中，颜色的冷暖关系无处不在，有的冷暖对比关系明显，有的反映微妙，这种反应只是冷暖对比关系程度不同而已。物象色彩的冷暖，除了本身的色性，还受到外部色彩的影响，如光源色和环境色，它可以部分甚至整个地改变物象原来的色性。四、色彩的对比与调和对比与调和是绘画上处理色彩关系常用的手法。

42、对比给人以强烈的感觉；调和则给人以协调统一的感觉。但在绘画运用时，二者应各有所侧重，才能使画面生动，达到变化又统一的色彩效果。 1色彩的对比 色彩的对比是指两种或两种以上颜色并列时所产生的差别。作画时，运用色彩的各种对比来突出画面的主体，同时运用对比来加强体积和空间的表现。对比表现主要有以下四个方面： (1)色相对比：因色相之间的差别而形成的色彩对比称为色相对比。 由于各色相在色相环上的距离远近不同，它们之间有强对比与弱对比之分。 (2)明度对比：因明度的差别而形成的色彩对比称为明度对比。 由于明度对比程度的不同，它们之间便形成了高明度、中明度、低明度色调。 (3)纯度对比：因纯度的差别而形成

43、的色彩对比称为-纯度对比。 由于色彩间纯度差别的大小不同，便形成了高纯度、中纯度、低纯度对比。 (4)冷暖对比：因冷暖的差别而形成的色彩对比称冷暖对比。 由于色相由暖色到冷色划分为六个区，便形成了强对比、中等对比、弱对比。 在作画时，要使画面协调，必须从色相、明度、纯度、冷暖上拉开距离，使之对比强烈，方能使画面鲜明、生动。 2色彩的调和 色彩的调和是指两个或两个以上的色彩经过调整、组合达到和谐与悦目。色彩调和主要有以下几种方法： (1)混入同一色调和 许多各不相同的颜色并置，只要在这些色中加入同一色素，就能使这些色调和。 (2)运用主导色调和 确定具有画面主导地位的色彩作为基本色，其他色彩处于

44、次要或从属地位，以此来保持色彩的协调。 (3)运用中性色调和 当画面色彩过分刺目时，应适当使用一些中性色(白色、灰色、黑色)使之调和。 (4)运用光源色调和 使各种色彩统一于同一光源下，即使各物体的颜色不同，但在同一光源色的影响下，也会变得统一调和。 在绘画色彩处理上，调和会使画面和谐统一，对比能使画面生动鲜明。五、色彩变化的主要因素 为了正确地观察色彩和表现色彩，我们应首先弄清影响色彩变化的几个因素。 1光源色 光源色即光源的颜色。 不同颜色的物体，在同一光源照射下，会罩上一层统一的光源色彩。使物体固有色发生变化，光源色对物体的受光部影响较大。 光源色对一幅画的整个环境和气氛都起着很重要的作

45、用。同时，它又是表现光感、统一画面色调的重要因素。 2固有色 固有色是指物体的本身色。 物体的固有色只有在光线充分、柔和、漫射光的条件下，或者物体处于亮部的中间色部分，才能较充分地体现出来。实际上，固有色是不固定的，客观物体的颜色，都受光、空间、环境的影响而变化，因而对物体固有色的认识，要根据具体条件进行观察、分析，才能作出正确的判断。 3环境色 环境色是指周围环境色彩在物体上的反映。 物体色彩是受周围色彩及其他条件影响的，不是孤立存在的。客观物体的固有色实际上是受光源色、环境色的影响而呈现的。环境色的强弱与光的强弱成正比，浅色的、光滑的物体环境色明显，深色的、粗糙的物体环境色较弱。 光源色、

46、固有色和环境色是构成物体色彩变化的三个主要因素，它们的关系是相互影响、相互制约的，但三者不是起均等的作用，而是在不同的条件下，各自处于不同的主次位置。 六、色调 绘画中的“调子”这个词，是从音乐中借用来的。色调就是画面色彩的总倾向。色调的种类很多，从明度上分亮调子、灰调子、暗调子；从色性上分有冷调子、暖调子、中性调子；从色相上分有红调子、蓝调子、黄调子、紫调子等等。 自然界的景色随着时间和季节的变化而改变，其色调是格外明显的。如秋天的色调是暖色的，冬天的色调是冷色的，晴天的色调是亮调子，阴雨天的色调是灰调子。 初学者往往由于观察方法不对头，忽视了局部与整体的联系，孤立的描绘，必然使画面有拼凑之

47、感，色调紊乱，难以统一。在具体表现物象时，应以物象所处的时间、地点、环境为依据，将对立色彩的色性尽量向基调靠拢，使其与总的色调协调。 色彩的观察方法 一、色彩观察方法 色彩观察方法正确与否直接决定着作画的成败。不同的观察方法必然导致不同的思维方法和表现方法，就初学者而言，培养正确的观察方法比学习具体的表现技法更为重要。只有观察方法对了头，才能进一步准确地表现色彩。 1整体观察 在绘画写生中，常看见初学者在作画时，只注意物体的固有色，而忽视环境色的影响，见绿画绿，看红画红，很少考虑色彩在光和环境影响下的变化，使所描绘的物象脱离所在的环境里产生的色彩关系。因此观察色彩时，首先应看到整个色彩的倾向即

48、基调。不要只盯着局部，要看大的色彩关系，从整体着眼，全面互相联系地、比较地进行观察。抓住对象色彩总的倾向，确定基调，是亮调还是暗调，是暖调还是冷调，然后再进一步观察各个局部色彩与整体基调的关系。整体观察应始终贯穿在整个作画过程中。 2比较观察 自然界的物体的色彩，在很多情况下是比较出来的。在作画时，应将被描绘的物象各不同部分以及物象与物象的色彩进行认真地比较，不比较就难以准确地鉴别色彩的微妙变化。色彩主要从四个方面来比较：比色相、比明度、比纯度、比冷暖，特别要注意对同类色和邻近色的比较，只有将它们相互联系起来比较地去看，才能够表现出特定环境和时间所形成同，光源环境不同，颜色的倾向也是不同的，这

49、些变化不通过细致的比较是很难分辨出来的。在深入刻画时，要始终不断地运用比较的方法，去观察和分析物体的色彩变化，才能更深入地塑造、更准确地表现。 3感觉和理解 感觉到的东西我们不能立即理解它，只有理解了的东西我们才能更深刻的感觉它。对色彩的观察也应是这样，最初的感觉，往往是最鲜明的，给人的印象也是最深刻的。色彩凭感觉固然重要，但只凭感觉去认识色彩还是不够的。它只是在铺大的色彩关系时起着基础的作用。在深人塑造时，必须加以分析和理解，使所刻画的对象符合一定环境中的色彩关系。不理解色彩的变化规律，只凭感觉来作画是很难表现出正确的色彩关系的。所以说感觉和理解相结合是认识色彩的正确方法。二、色彩观察能力

50、自然界的色彩无时不在变化，要表现这些丰富生动的瞬间色彩现象，我们必须具有捕捉色彩变化的能力。人的色彩观察能力是经过长期训练形成的。一般人的眼力对色彩的辨别是比较粗略的，看不出色彩的微妙差异，这主要是缺乏色彩训练的缘故，而作画者必须具备观察色彩细微差异的能力。这种能力的具备需要长时间的实践与积累。 对于初学者，可运用不同的方法训练解决色彩的认识问题，培养敏锐的色彩感觉的能力。首先应多进行小幅的色彩速写练习，它对锻炼色彩的概括能力及捕捉色彩最初印象能力是很有利的。这种练习有利于整体观察，有利于抓住大的色彩关系及基调，同时限制过早地陷入对细枝末节的表现。其次，向大师学习，要认真地读与临。读画是从大师

51、的作品中领悟其高超的技巧，独特的表现语言和形式，以及对大自然和生活的感悟力。临画是对认识更深的感悟。临摹之前一定要认真研究被临摹的作品，画面是什么色调，空间的纵深是怎么表现的，明暗是怎样衔接的，作品是用什么样的方法去刻画塑造物象形体关系等方面的因素。临画千万不要只学表面的笔触和一两块漂亮的颜色，要学习大师独特的思维和敏锐的色彩观察能力与色彩的表现力。另外，平时多留心观察周围的色彩变化与关系，有助于色彩观察能力的提高。法国著名画家德拉克洛瓦在创作时，曾为一块阴影的色彩而十分苦恼。一次，他偶然看到停着一辆有黄色车篷的马车，在阳光照射下，马车的浅紫色阴影与黄色车篷对比相映，这正是他苦于索求的。由此可

52、见获得驾驭色彩的能力要靠刻苦勤奋与长期的积累。我们应时时将色彩写生练习与色彩理论知识相结合，不断加深理解，积累经验，从而提高色彩的分析能力，获得敏锐的色彩观察能力。 色彩的变化规律自然界的色彩是千变万化的，又是极为复杂的，为了准确认识色彩与表现色彩，首先必须了解、掌握其变化规律。 一、光源色、色性的规律(1)物体受光部色彩，是光源色与固有色的综合。光线愈强，固有色愈弱；柔和光线下，固有色较明显。(2)物体的中间调子的色彩，光源色与环境色影响较弱，其色彩以固有色为主。(3)物体暗部色彩，是环境色与固有色的综合。环境色的强弱与固有色显示程度成反比。(4) 物体亮面的色性，受光源色影响大，倾向于光源

53、色的色性，而暗面色性受环境色影响大，与亮面的色性成对比。（5）物体暗部的色彩不是固有色的加深、加暗，而是光源色的补色、固有色、环境色的综合。二、环境色的规律(1) 光源色的光度越强，各物体的反光也就越强，环境色越显著。(2) 物体的固有色明度越高，受环境色影响越大。(3) 质感越光滑的物体，受环境色影响越明显。(4) 质感越是粗糙的物体，环境色对它的影响越弱。三、色彩感觉的规律(1)物体色彩感觉的强弱，主要取决于光源的强弱，光源越强，物体各部分的明暗对比、色彩对比越强，色彩感觉也越强。 (2)原色的色彩感觉比间色强，间色比复色强。 (3)暖色的色彩感觉强于冷色。暖色有前进、膨胀感，冷色有后退、

54、收缩感。 (4)物体离作画者越近，色彩对比的感觉越强；反之，色彩对比的感觉越弱。 (5)物体距离我们越近，色彩越鲜明；反之，色彩越模糊。写生色彩与装饰色彩一、写生色彩 写生色彩是侧重表现丰富生动的瞬间色彩现象，重在强调的是个人的感受，用色彩来表达内心感受，传达自己的情感。它着重研究物象的固有色、环境色与光源色之间的相互关系。 写生色彩用客观科学的观察与分析方法来看周围的色彩世界。它以直观色彩感受为主，以自然界物象的色彩为依据，真实的表现在特定时间、光源、环境中物象的色彩，是训练色彩造型的最好途径。 写生色彩的方法，总的说来从整体着眼，逐步深入到局部，以至细部，然后再回到整体上来，以整体效果为依

55、据，去调整修改不理想之处，使细部服从局部，局部服从整体的原则。 写生色彩锻炼敏锐的观察能力。自然界中每一景物的色彩，每时每刻都在变化，这就要求作画者必须十分迅速地捕捉色彩关系，即把初见最鲜明的色彩记录在头脑中，这样才能准确生动地把它们表现出来。对于写生来说，第一次见到的色彩感觉是最清晰、鲜明、准确的。要想具备敏锐的色彩观察能力，写生色彩练习便是锻炼敏锐的观察能力最有效的形式。 二、装饰色彩 装饰色彩是以客观色彩为依据，但不受自然色彩的约束，完全以装饰的形式美为目的，从自然色彩中获得丰富的感受，再进行高度的概括、提炼、归纳、夸张、综合，把主观的思想感情熔铸进去，运用各种艺术手法，创作出符合人的心

56、理、视觉和生理上要求的色彩组合。 从某种意义上讲装饰色彩更多的是主观色彩。它不受物象固有色、光源色以及环境色的约束，它凭借视觉与心理的要求对物象的色彩删繁就简、概括处理，使色彩更理想、更鲜明、更好表现作品的主题，给人以更多、更强烈的新意与美感。 装饰色彩的基本要求：化繁为简、突出特征。 它要求表现者善于在繁杂的对象中找出条理、次序的差异，通过提炼、归纳、夸张、变化的组合，突出主题及特征，从而达到鲜明、强烈、富于情调的色彩组合形式。 装饰色彩的相关因素： 1色与形 造型视觉的要素是形与色。我们观看大自然的万物时，不仅对其物象有知觉，而且会伴随其色和形渗进情感，这是由于观察者的联想作用所致，一般来说，色与形是