【美国电影音乐的发展史综述5300字】

美国电影音乐的发展史综述目录TOC\o"1-2"\h\u32351美国电影音乐的发展史综述 18862一、电影音乐的形式 130529二、从电影音乐的体裁 214953三、电影音乐的风格 324108一、默片时代—（1890s-1929） 423008二、电影配乐的黄金时代—（1930-1950s） 426047三、电影配乐发展突破的年代—1950s 426976四、流行、爵士和西部风格的年代—1960s 515411五、音响合成时代—1970s 528744六、百家争鸣的时代—1980s 615693七、包罗万象的时代—1990s至今 6电影音乐，作为音乐与电影两大艺术门类珠联璧合的跨界艺术，它不仅是伴随着活动的画面应运而生的最具感染力的声音现象，也是音乐这门源远流长的传统艺术中最年轻的“门徒”。电影音乐既呈现了电彩这种综合艺术手段中不可或缺的听觉因素，又拥有不同于其它音乐门类的特殊本质。因此，电影音乐的研究在两大艺术领域中都占居举足轻重的地位。美国电影作为当代电影艺术、技术与产业万众瞩目的核心地带，其电影音乐的创作与发展蔚为大观并势如破竹。纵观美国电影的发展史，可以从电影的内容发展和时间线发展两个方面来分析。首先从电影的内容发展来讨论电影的发展，可以从下面几个方面来分析：电影音乐的形式总体来看，电影的发展是从无声走向有声。电影艺术诞生至今经历了百年的发展，在其声音技艺上实现了由无声电影到有声电影的跨越。1927年10月6日，纽约华纳剧院首映的《爵士歌手》被公认为是有声电影最终形成的标志。法国电影音乐学者米歇尔·希翁认为，在这种电影形式中，录制的声音和活动影像，还有通常作为载体的语言，以稳定的速率保持着彼此同步一起被铭刻进媒介之中。[]声音记录不仅仅彻底革新了音乐，从“活动影像摄影机”与唱机录音之间的同步系统被发明的那一刻起，它也彻底革新了电影。这种同步迫使拍摄和放映速率必须标准化，因此使电影成为时间记录的艺术。就电影的听觉因素构成而言，电影声音由人声对白、音响和音乐三大部分构成。音乐作为历史悠久的传统艺术样式，自电影诞生之初就伴其左右。据记载，1895年12月巴黎的卢米埃尔兄弟电影放映活动中，一位领取报酬的钢琴师为电影放映做现场演奏；1896年2月伦敦的卢米埃尔兄弟电影首映活动中，一位风琴演奏家同样也参与了现场伴奏的工作；1896年4月23日的纽约考斯特比尔音乐厅，一支叫做狮子座萨姆博士的蓝色匈牙利乐队参与了电影在美国的首次公映。无论是在电影的默片时期，通过现场的演奏家、乐队的配乐演出，还是有声片时期，音乐与画面的同步放映得以呈现，这些都说明了音乐是电影体验过程中不可或缺的部分。同时，音乐与其它视听元素必须融入影片的整体视听构思之中，与视觉画面相结合，一同产生功能。这使得电影音乐与独立的音乐作品相比，通常是有时间限制的音乐段落、甚至是一小段旋律，并不是从头至尾完整连贯的整首乐曲，它需要遵循电影叙事的时空关系，与电影画面紧密结合。作为电影中的音乐，不仅在默片时期为电影通过现场配乐的形式解决了掩饰放映机的声音来修饰情节和情感表达；完全被当做电影发生的时间或场景的参照物等功能。而且在有声片诞生之后的年代里，以其自身多元化的音乐风格、体裁，灵活性、多样性、时代感的艺术表现力与感染力使电影熠熠生辉。在今天来看，电影音乐的重要作用伴随着电影艺术与科技的发展日臻完善，就电影音乐是否与电影的整体风格一致，是否与电影的叙事相辅相成这一角度来看，电影音乐的重要作用可以概括为：直接叙述电影的相关情节；描绘电影角色的人物性格；抒发人物情感或表现情节内涵；渲染故事氛围；展现时代、地域与民族特色；概括影片主题等。从电影音乐的体裁在音乐术语中，音乐体裁被理解为各种不同音乐的分类。音乐在其漫长的发展历史中产生了非常多样的作品，这些作品虽然形形色色，但总是可以大体上归属于不同的类别。音乐的类别就其最高层次而言，可以划分为声乐与器乐两大类。在声乐的类别下，拥有歌剧、独唱等体裁；在器乐的类别下更是有譬如交响乐、协奏曲、室内乐等多种多样、大大小小的体裁。默片时期的电影现场配乐中，诸多导演根据电影的主题选择不同体裁的音乐来安排演奏家及管弦乐队进行现场演奏。詹姆斯·威尔兹比奇在他的《电影音乐：一段历史》中记载，1896年8月在美国费城的基斯比悠剧场，当放映卢米埃尔系列电影中的“再现了法国骑兵第96兵团的阅兵仪式”的影像时，现场配合演奏了法国国歌《马赛曲》。《马赛曲》的节奏铿锵有力，属于西方音乐中的进行曲体裁，当时的观众一度在电影中感受到士兵们前进在《马赛曲》的音调之中：这种配乐的样式也在后来被好莱坞称为“有源音乐”。。除此之外，还有1898年2月的纽约，通过合唱及管风琴演奏的宗教音乐体裁的作品为电影“耶稣受难”设定音乐背景。在1909年9月15日出版的《爱迪生活动映画机》的促销小册子中，出现了早期电影配乐的“音乐指示谱”。早期默片配乐中还出现了音乐家为电影创作的原创配乐，如首映于1908年巴黎查拉斯剧院的《吉斯公爵的被刺》，音乐家圣桑为其创作的原创音乐被认为是第一部完全由作曲家自己创作的电影音乐作品。有声电影诞生之后，电影音乐在世界范围内迅速发展，交响乐、协奏曲、歌剧等多种体裁以及盛行的管弦乐队演奏形式成为当时电影音乐创作的主流方式。越来越多的杰出音乐家走人了美国电影领域，如马克斯·斯坦纳、埃里希·科恩戈尔德、伯纳德·赫尔曼等等。在美国电影的“古典风格”时期，电影音乐被定义为由自由古典音乐家与大型乐队的号角手混合而成。这一时期的电影音乐由原创配乐主导并充斥着古典音乐风格的各种体裁，如大型器乐的浪漫主义交响乐、室内乐体裁的弦乐四重奏、大提琴协奏曲、歌舞剧音乐等。管弦乐队的演奏形式成为了这一时期的主流，其演奏规模也依据电影音乐的创作需求发展成为20人至80人不等：这一时期的经典代表作有，被誉为“电影音乐教父”的马克斯·斯坦纳所配乐的电影《金刚》等、斯坦纳为电影《六百万交响曲》、《天堂鸟》所创作的“交响化手法”的配乐同样令人交口称誉。通过诸多的创作实践，“斯坦纳式”配乐风格也成为了“表现古典风格电影的音乐习惯”：20世纪30年代中后期至50年代中期，伴随着好莱坞类型电影的兴起与蓬勃发展，电影音乐的创作进入了黄金时代，且音乐创作的体裁与风格处于最为统一的一个阶段。这一阶段的音乐创作中，乐曲的古典主义风格显著，体裁多为大型交响乐队的交响乐配乐，配乐主题按照交响乐的规则在影片中发展变化，使得不同场景的音乐旋律总是能够表现出一定的相似性。所呈现出的音乐效果也为古典好莱坞时期更加追求“清晰”的叙事效果推波助澜。如果说50年代以前的电影音乐创作以笼罩在交响乐体裁之下的严肃的古典主义风格为主导，那么50年代后期，流行音乐的体裁与风格迅速更新了电影音乐的创作格局，电影音乐真正呈现出多元化的融合。20世纪60年代中期以后，好莱坞电影音乐的风格、体裁异彩纷呈，大师级的音乐创作者辈出，伴随着类型电影制作模式的成熟，古典主义风格的交响乐、流行音乐风格的爵士乐、摇滚乐、民谣、说唱以及“主导动机”音乐等样式都遵循各自的创作原则更好的为类型电影锦上添花。三、电影音乐的风格电影的默片时期，电影音乐的风格完全被现场配乐的乐队或演奏家个人掌握，为现场伴奏的演奏家或乐队常常根据活动画面的内容进行即兴伴奏，一首既存的音乐作品被现场改编成风格多样的变奏来配合影像的节奏以及人物角色的性格、心理变化等等。有时，同一部电影的放映，同样的配乐作品，不同的演奏家呈现出风格截然不同的现场配乐。甚至同一位演奏家在不同的场次所演奏的现场配乐在风格上也大相径庭：因而默片时期无法实现为同一部电影作品配上固定风格的音乐，不同场次的电影观众对电影音乐的感受甚至是对电影整体的感受也各不相同。有声电影诞生后，电影音乐的创作日益精进，体裁与风格蔚为大观：叙事主题、导演的风格、类型电影的特色、作曲家的风格、音乐的体裁等因素都与电影音乐的风格形成息息相关。其次从时间线来分析。一、默片时代—（1890s-1929）在默片时代，电影音乐由放映的影院现场单独配送，用留声机甚至是现场乐队。曲目有时是钢琴家单独自由发挥，有时是小的乐团演奏经典曲目。直到1929年能同步播放音乐与声音的赛璐珞胶片出现，音乐才成为电影叙事的必备一环。至此，专业的电影作曲家正式成为职业。二、电影配乐的黄金时代—（1930-1950s）这是电影配乐历史上的一个特殊时期，随着这个崭新领域的蓬勃发展，大量传统乐团音乐人才加入电影音乐的创作，创造力喷薄而出。这些电影音乐作品所展现出的才华不亚于电影本身，其中有几位影响行业的作者我们不得不提：MaxSteiner，被称作《电影音乐之父》。Steiner在1933年电影《金刚》中创造性地运用了大量的主题驱动音乐，主题驱动（leitmotif）是由德国歌剧大师瓦格纳首创的一种作曲手法，利用这种方法为特定人物和事件配以特别的乐器或音乐主题，可以很好地突出主旨为影片服务。在随后的几十年发展中，主题驱动成为电影配乐中应用非常普遍的手法。ErichWolfgangKorngold，生于奥地利的作曲家。Korngold广受赞誉的作品包括《罗宾汉》（1938）和《海鹰》（1940），他的作品也影响了著名作曲家JohnWilliams日后重要的作品星球大战（1977）。AlfredNewmanNewman，为超过250部影片创作过配乐作品，包括《佐罗的面具》（1940）。他所在的Newman家族也是人才济济，包括他的两个儿子ThomasNewman(作品《美国丽人》)、DavidNewman(作品《冰河世纪》)、侄子RandyNewman(作品《玩具总动员》)BernardHermann，作为与希区柯克长期合作的作曲家，他最为人熟知的便是为《惊魂记》（1960）创作的配乐。马丁斯科塞斯、布莱恩·德·帕尔玛等大导演均和他有合作。三、电影配乐发展突破的年代—1950s1951年，AlexNorth创作出《欲望号街车》那混合了管弦乐与爵士音乐的独特配乐，这是电影音乐迈出的关键一步，自此好莱坞电影配乐不再固守欧洲式古典的窠臼。1952年，电影《正午》的原创歌曲“OhMyDarling”帮助影片获得更大影响力。随着这首歌的成功，电影公司开始要求作曲家为影片创作原创歌曲。这样不仅可以通过广播打歌宣传影片，电影原声碟的售卖也可带来收益，这标志着这种至今依然沿用的宣发和衍生品模式登上舞台。1954年，好莱坞的制片厂模式逐渐瓦解。作曲家从受雇于制片厂转为自由职业。但不同于指挥家和器乐演奏家，作曲家并不隶属于美国音乐家协会—这也对日后他们的发展有着长远的影响。1958年，MilesDavis为法国黑色电影《通往绞刑架的电梯》创作的配乐有着划时代的意义。其中“Gallows”这首爵士配乐是由一个三重奏组合即兴完成的作品，简洁灵动形式感强让人过耳难忘，自此爵士小号也成为黑色电影的标志性配器。此外，MilesDavis也凭借该作品成为最早成功的非裔美国作曲家之一，为之后QuincyJones、HerbieHancock和TerenceBlanchard铺平道路。四、流行、爵士和西部风格的年代—1960sElmerBernstein的《豪勇七蛟龙》（1960）和的《黄昏双镖客》（1964）作为西部片音乐的佼佼者，开启了西部风格时代。HenryMancini和LaloSchifrin(代表作《粉红豹系列》、《碟中谍》)则继续将爵士风格配乐发扬光大。英国作曲家则通过《詹姆斯邦德》系列，仅凭一人之力，用它独特的风格定义了间谍电影的配乐潮流。1962年，MauriceJarre为《阿拉伯的劳伦斯》创作了堪称豪华的作品，细腻的弦乐融合了中东的异域风情，奠定了未来沙漠音乐的样板。JerryGoldsmith1999年作品《木乃伊》深受其影响。1967年，MikeNichol的《毕业生》原声几乎全部使用了现成的歌曲，唯一一首原创原声Simon&Garfunkel的“Mrs.Robinson”则成为年度金曲。这种方法持续的影响好莱坞未来几十年的商业模式。直接购买版权用现成歌曲成本更低（在当时，现在可不好说了），这对制片厂有很强的吸引力。1968年，AlexNorth为《2001太空漫游》所做的原声被库布里克换成了在现场临时播放用于营造气氛的古典音乐，比如施特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》。随后这部原声获得了巨大成功，也让这种被业界称为“TempLove”的现象广为人知，即导演“爱”上了拍摄现场临时播放烘托气氛的音乐而弃用作曲家专门撰写的配乐。五、音响合成时代—1970s在1970s这个新好莱坞时代，电影配乐走向两条不同方向：音响合成和回归古典。1973年，导演兼作曲JohnCarpenter为电影《死星》创作的合成配乐扩展了电影配乐的疆域，自此电影配乐不再局限于管弦、爵士或流行乐，电子合成音乐正式加入电影配乐阵营中。这一创举改变了电影音乐工业流程，大型乐团演奏录制不再是必须的流程，一个人也可以完成整套配乐。1977年，John