《乐之本事-古典乐聆赏入门》解读

《乐之本事——古典乐聆赏入门》解读《乐之本事——古典乐聆赏入门》，全书一共15万字，我在这为你解读这本书的精华：古典音乐是高不可攀还是人人可欣赏，欣赏它需要怎样的准备？它对我们的生活有什么影响？说到古典音乐，大家一般有三种反应。第一种反应：“哦，我的天，要我去听古典音乐？还不如杀了我”；第二种反应：“好听，但是我没学过音乐，不知道怎么去欣赏”；第三种反应：“这是我的最爱”。你是哪种反应呢？如果你是第一种，对古典音乐没有兴趣，没关系，这本书有许多有趣的故事和知识，翻翻看看，或许也能触类旁通；如果你是第二种，对古典音乐有兴趣，想要进一步了解它，那么，这本书能够给你提供帮助；如果你是第三种，已经学习古典音乐多年，那么，这本书能让你记起那个喜爱音乐的自己，想起每一个与美好感动相逢的当下。本书作者焦元溥是个跨界达人。他本科读的国际关系学，毕业后去美国拿了法律与外交的硕士学位，后来在伦敦获得音乐博士。他四岁学音乐，15岁就开始写音乐评论，有着深厚的理论基础和娴熟的写作技巧。所以这本《乐之往事》，让你读起来毫不费力，就像书名的第一个字一样，既可以读作“音乐”的乐（yuè），也可以读作“快乐”的乐（lè），欣赏音乐本来就是件快乐的事。给大家介绍完本书的创作背景和作者，接下来说说书中的内容。这本书主要讲了三个重点：第一个重点：为什么要听古典音乐？第二个重点：音乐会的基本礼仪有哪些？第三个重点：实用的音乐知识有哪些？

我们先来讲第一个重点，为什么我们要听古典音乐？因为生活总是不能尽如人意，有时我们的悲伤与挣扎，旁人未必知道，就算知道了也无暇顾及，这时候我们就需要一座秘密花园，让心有安歇和喘息的地方。古典音乐就是这座秘密花园，它让我们有独处和疗伤的自由。音乐里仿佛有神奇的魔法，让人对未来充满希望。那什么是“古典音乐”呢？这似乎很难定义。用中文“古典音乐”的字面意思来解释，就是过去的经典音乐。而要称之为经典，它一定满足两个条件：一是技术性成就，二是旋律性成就。什么是技术性成就？就是音乐里有高超的写作和演奏技巧；而旋律性成就是指经过时间的沉淀，依然引人入胜的旋律。听起来是不是感觉很高深？是不是要学过音乐才能欣赏呢？事实上，古典音乐并不是那么高深复杂，人人都能学，人人都能欣赏。音乐中最重要的并不在音符里，就像一幅画，最重要的并不是颜料；一篇文章，最重要的并不是字体，而是你心中有爱。英国著名的作曲家葛尔去巴黎进修时，有一次，轮到他分析一首莫扎特作品，葛尔仔仔细细把曲子从头到尾整理了一遍，乐句、节奏、和声、曲式等等全都完整分析，然后自信满满地在老师与同学面前讲解，没想到当他说到：“在这个小节，乐曲转入下属小调和弦”，教授居然毫不客气地立刻说：”错'”。葛尔仔细一看，没错啊，大惑不解的他问道：“如果不是下属小调，那个和弦又会是什么呢？”“那个小节，”教授淡淡地说：“是莫扎特，在音乐中洒下的一道阴影。”这话如一声惊雷，提醒葛尔音乐中最重要的是想象力和理解力。所以，看不懂五线谱，不了解和声和对位又怎样？音乐需要的是一颗热爱的心，只要有爱，你就会听出莫扎特旋律里的七情六欲，贝多芬声响里的挣扎内省，肖邦乐曲里的国仇家恨……没有某种音乐只适合某种人，也没有某种人只适合某种音乐。只要心中有爱，总有乐曲能唤起自己的好奇心，触及我们不为人知的心事。说了这么多好话，你可能会问：“那我要从哪听起呢？有没有经典曲目推荐？”很抱歉，没有。因为每个人的个性都不同，喜欢的作品自然也不一样。没有什么音乐能得到所有人的喜爱，如果你只把音乐当爱好，保有你的好奇心，没有什么作品非听不可，也没有什么作品听了会浪费时间，更没有什么入门或进阶曲目的分别。听音乐理所应当是一件很自然、很自由的事，你喜欢什么音乐，就听什么音乐。“经典”也会随着时间的变动，而意义不同。就像帕赫贝尔的《卡农》，现在成为婚礼或典礼的热门音乐，可在十九世纪，这首《卡农》还名不见经传。后来因为流行音乐的引用与改编，以及电影运用此曲作为配乐，才让《卡农》声名大噪成为“经典”。这让我想到梵高，他生前的画都是半卖半送出去的。。一个多世纪后，梵高被认为是“后现代艺术”的先驱，画作也高达几亿元。不同时代，对美的感受不一样，在写实主义盛行时，画家以画得逼真为技艺，梵高的印象主义作品就不被人接受。经过时间的沉淀，人们才理解他画中表达的情感，梵高的画也就成为了经典名作。所以你看，经典并不是一成不变的，意大利文学巨匠卡尔维诺说过：“经典是每一次重读都像初次阅读那样，让人有初识感觉的作品”。虽然说的是阅读，用在音乐上也一样，经典音乐就是每一次欣赏，都能让你有新的收获。说到这里，第一个重点内容就结束了。我们来总结下，古典音乐是我们的秘密花园，它不是高不可攀的，不需要高深的理论知识，只要你有一颗热爱的心，像孩子一样，单纯地去听、去喜爱，它对你的人生有着潜默移化的影响，因为在那些连舒伯特都无言以对的时刻，我们会比任何时候都更需要舒伯特。说完第一个重点，我们来说说第二个重点：音乐会的礼仪有哪些？首先，我们要搞清楚，为什么要去音乐会现场听音乐？在这个时代，电视、广播、网络、唱片如此发达的年代，在家就可以听到音乐，还是古往今来诸多名家大师的经典诠释，我们为什么一定要花费时间金钱，到场馆欣赏演出呢？因为绝大部分作品是为现场演出而谱写的，古典音乐不仅是听觉的艺术，更是视觉的艺术。比如马勒《第一号交响曲》的终尾，就要求七位号手起立演奏。虽说作曲家原本意图是希望声音更突出，但观看现场，见到七位演奏者昂然而立，吹奏凯旋般的辉煌号角，那震撼实在不是光听录音可比的。更何况看钢琴家十指纷飞，小提琴家弓弦交错，指挥家摇头晃脑……技巧与艺术的完美融合，是何等的赏心悦目。其实不仅古典音乐，流行音乐的现场，也是坐在家里听唱片或看直播所不能比的。王菲2016的演唱会《幻乐一场》，被人吐槽票价太贵，听过现场的人却觉得值回票价。舞台布置的美仑美奂、观众互动的激情四溢，真人表演的视觉冲击，这些都是坐在家里无法感受到的。因为音乐表演是舞台艺术，它的魅力和刺激，就在于起手无悔，有瑕疵愈显真实的可贵。所以如果时间和经济许可，去音乐会现场听音乐吧，那会是你难以忘怀的经历。当你决定去音乐厅时，首先面对的是选座问题。音乐厅不同座位，听到的效果是不一样的。位子越好，听到的声音越好。一般来说，在音乐厅一楼距舞台约三分之二远的地方，或者二三楼的前排，靠中间的位置是好位置。那什么是好的声音？好的声音就是残响适中且声音自然平衡，残响指的是声音发出后，经过反射到最后结束所需要的时间。残响太短则声音太干，太长则声音不清。所以一位富有经验且技巧高超的演奏者，在演奏会开始前，会决定钢琴的摆放位置，在排练中调整弹法和踏瓣运用，以达到最佳演奏效果。选好座位，我们就来说说音乐会的礼仪，有些人觉得音乐会太繁琐了，又要正装出行，又不能随意走动，甚至不能随便鼓掌，太拘束了，真的是这样吗？其实我们先要了解礼仪背后的动机是什么？是尊重，也是做人的基本礼貌。在音乐会上要尊重音乐，尊重音乐家，尊重其他的观众，理解了这一点，所有的礼仪你都会自然而然地去遵守。那些不能在音乐会保持安静的孩子，在地铁里也一样会大哭大闹；在音乐会手机不静音甚至接电话的人，在安静的医院病房照样会大声打电话。在音乐会不尊重演奏者的人，在生活中一样不懂得尊重他人。至于着装，到了现代，其实已经没有硬性要求，遵循“入境随俗”和“因地制宜”的原则，如果音乐厅明文规定必须穿西装和晚礼服，遵守就好。大部分的音乐厅只要求服装整齐清洁就好。毕竟，音乐厅也要与时俱进，况且，以现在的经济状况来说，听众很难穿着失礼的，你总不会穿着拖鞋背心裤衩就去吧。好了，说完选座和着装，我们来说说做为听众，最重要的是什么？作为听众，最重要的是要保持安静，只有安静的环境，才能让每位听众享受美妙的音乐呈现。音乐会里，最让人尴尬且提心吊胆的，常是鼓掌时机。许多听众过度热情，每乐章间都要鼓掌，却发现自己被资深乐迷怒目以对，以致彼此心情都不爽。为什么不能随便鼓掌？因为要尊重作曲家创作和维护作品构想的完整呈现，也尊重其他听众完整欣赏作品的权利。就以柴可夫斯基《第一号钢琴协奏曲》为例，第一乐章结尾辉煌灿烂，第二乐章转入极为幽静的弦乐拨奏与长笛咏叹，如果在第一乐章结尾鼓掌，那么作曲家精心设计的强弱反差就会大打折扣。而柴可夫斯基《第六号交响曲》，接在第三乐章进行曲之后的，是第四乐章惨绝人寰的慢板。那是柴可夫斯基最深沉的悲剧，也是他的音乐遗言。两者之间强大的反差，需要我们用心体会，才会了解音乐之惨，究竟可以惨到什么地步。所以等到作品完全结束，表演者起身或离开演奏状态后再鼓掌，才是最佳观众。音乐会重要的不是鼓掌，是参与，是仔细体会作品中的快乐与忧伤、生死呼喊与孤绝寂寥，体会演奏者的情感表达。说到底，音乐会礼仪一点都不复杂，当个好听众的道理不过就是将心比心。听音乐如此，人生不也是这样？好了，我们讨论了什么是古典音乐，也思考了听录音与听现场的区别接下来我们说说第三个重点：实用的音乐知识有哪些？在这个重点里，我们分几部分来了解。第一，西方古典音乐史。或许你会奇怪，我听音乐为什么要知道音乐史？音乐史最重要的作用是告诉你每一首音乐作品都不是孤立的，不是天才的作曲家拍拍脑袋就搞出来的。就像文学史，如果你了解了文字思想的延续性，你也就更能理解作品的意义。唐朝诗歌的繁荣并不是突然而来的，它延续了魏晋诗歌中崇尚自由的气质，而魏晋风格从诗经、庄子那里寻得到踪影。越了解这些，你就越喜爱它。音乐也是这样的，音乐里面很多你觉得自然而然的东西，其实都是经历了漫长复杂的历程才变成你所听到的样子。本书作为入门级别的音乐欣赏书，从17世纪的巴洛克开始说起。“巴洛克”这词源自葡萄牙语，意思是“形状不规则的珍珠”。这时期的音乐以“复调音乐”为主流，什么是“复调音乐”呢？就是多个旋律并行的音乐风格，比如五声部的赋格曲。想起刚刚学琴的时候，弹巴赫的曲子简直是噩梦，左右手完全是分裂的两条平行线，就像周伯通的左右互搏术，左手画圆，右手画方。但是“复调音乐”听上去又无比和谐，比如维瓦尔第的《四季》，让你仿佛置身大自然，去感受季节的变换，时光的飞逝。17世纪的音乐常常是为宗教和宫廷服务的，所以巴赫的音乐里没有大起大落的情绪变化，就像一位智者在讲述世间万物，并告诉你音乐的各种可能性。所以巴赫的音乐影响了一大批古典主义和浪漫主义的音乐家。接下来我们来到18世纪，音乐的古典主义时期，它和巴洛克时期最大的不同就是：在一首曲子里，有不同主题和不同的情感变化。也因为情感变化多，此时许多乐曲出现和声的突然转折、说话般的自由狂想、充满着变化音与神经质的音型节奏，曲子的“情感风格”成为古典时期的显著特征。“交响乐之父”海顿的《惊愕》、《奇迹》，“神童”莫扎特的《魔笛》、《费加罗婚礼》，“乐圣”贝多芬的《命运交响曲》，《英雄交响曲》等，都能让入门级的听众，深深感受古典主义的音乐魅力。第三个时期是浪漫主义时期，这时的作曲家更留心人性与自然的阴暗面，对魔法与鬼怪别有偏爱，常写神秘、阴森、恐怖的题材，如舒伯特，柏辽兹、李斯特、柴科夫斯基等音乐家的作品多是这种风格。站在前人的肩膀上，到十九与二十世纪，我们看到各种不同的音乐主张与写作方式，缤纷灿烂难以细数。新古典主义将浪漫与写实融合起来，在继承和创新中找到一条平衡之路，更贴近大众的审美，让古典音乐焕发出新的活力。

说完古典音乐史，我们再聊聊其它音乐小知识。在很多人眼里，乐队指挥似乎只是拿着小棍瞎比划的人，乐队成员面前都有谱，指挥好像是凑人数的存在，其实一个乐队的灵魂就是指挥。一个交响乐团少则七十人，多则上百人，几十种乐器不同时间的演奏和配合，需要指挥的提示和引导。指挥看的是乐曲总谱，团员看的是分谱，也就是只有自己那一部分的乐谱。定音鼓可能这下敲完，谱上是二十四个小节的休止符；长号这段吹完后，或许得等一百八十五个小节才再上场。而且每种乐器的理想反应时间都不同。弦乐在一拍前提示即可，木管和铜管就必须有更长的准备时间，方能妥适调整呼吸与乐器。所以我们常常会看到指挥和乐手不一致，小提琴在演奏，指挥家手指向的却是大提琴就是这个道理。

这么多人一起加速减速、渐强渐弱、变化拍子，实在绝非易事。演出协奏曲或歌剧，临场变化层出不穷，更需要机敏灵巧的反应与调度全局的能力。

看似毫无章法的胡乱扭动，背后却是经年累月积蓄的功力。

如果说指挥是乐团的灵魂人物，那么首席就是乐团的技术担当。乐团每个声部都有首席负责统整该声部的技术，诸如统一弓法、换气方式等等。由于声音传导的特质，敲击乐手需要稍微提前一点奏出，他们的声音才会和乐团真正合拍。这“稍微一点”，可能只是零点一秒不到，这就需要首席的带领，才能呈现美妙的音乐。所以你看，一首乐曲要完美呈现出来，需要指挥、首席、乐手等多人的合作，不仅如此，作曲家写出来音乐作品，只能算是完成了一半，另一半是演奏者的诠释。比如说演奏速度的行板，是指走路的速度，什么样的速度是走路的速度，古代人和现代人速度会一样吗？这都需要演奏者自行判断。就像一千个读者眼中有一千个哈姆雷特。中国古典文学的巅峰之作《红楼梦》，自问世以来，不知道有锅多少种解读，甚至都催生出红学会这种机构。说到这里，第三个重点就说完了，我们来总结下第三个重点——有用的音乐知识。我们先说到了西方音乐史分为巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期和二十世纪时期，每个时期不是对立的，而是延续的。也分享了一些音乐会的小知识，指挥和乐团首席的不同功用，看到一首乐曲的呈现是多人合作的结果。了解了这些，我们去听音乐会也就能更深刻地理解作品。当然这些只是入门知识。还有音乐的种类，器乐的分类等等。随着进阶的提高，我们需要不断的学习，通过阅读、旁听，甚至到专门的学校培训。但不管是哪种学习方式都别忘了音乐带给你的感动。好了，《乐之本事——古典乐聆赏入门》就为你解读到这里。让我们回顾下本书的精华：第一，我们说到为什么要听古典音乐，