中西方油画发展专题培训课件

中西方油画发展

油画是以用快干性的植物油（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在画布亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为挥发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。凭借颜料的遮盖力和透明性能较充分地表现描绘对象，色彩丰富，立体质感强,是西洋画的主要画种之一。拉斐尔《花园中的圣母》意大利法国巴黎卢浮宫达芬奇《抱银貂的女子》波兰克拉科札托里斯基博物馆一、历史起源

油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克，对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因其对油画艺术技巧的纵深发展做出的独特贡献，誉其为“油画之父”。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现了一个普通女性并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料、油漆等。桑德罗·波提切利《春》1476～1478年

扬凡爱克扬·凡·艾克《阿尔诺芬尼夫妇像》15世纪二、主要特点

油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。（一）古典时期（15-18世纪）油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲文艺复兴运动中，许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。达芬奇《岩间圣母》1483―1490达芬奇《受胎告知》

与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；达芬奇《维特鲁威人》1487年素描达芬奇《人体解剖手稿》素描

除了以上两点，在17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。例如荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。伦勃朗《杜普教授的解剖学课》1632年伦勃朗《自画像》总之，古典油画呈现出长期制作的、高度写实的面貌。卡拉瓦乔《酒神和阿里阿德涅的婚姻》文艺复兴时期教堂壁画（二）近代（19世纪）

油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。英国画家康斯特布尔最早直接用油画在室外写生，获得丰富的色彩感受。色彩的补色、色轮两极的颜色在并置时能互相提高明度和强度的原理，是在后来被科学认识的，但康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理，并在实践中部分地运用。他的作品启发了法国画家德拉克洛瓦，他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了独特的风格。法国巴比松画派的许多画家在不同的自然气候条件下进行风景写生，认识到景物光源色、固有色和环境色之间的关系，认识到色调对于体现时间、环境、气氛，烘托艺术主题，构成画面意境与情调的重大意义。他们大量的风景创作画出了大自然风、雨、晨、暮等特定的色彩气氛。19世纪的欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派，如新古典主义、浪漫主义、印象主义、后印象主义,野兽主义,美国达达主义抽象艺术超级现实主义和波普艺术,虽主要体现在艺术主题和内容上，但油画技法也相应各具面貌。如新古典主义注重油画中物象造型的严谨与坚实感，符合古典传统的造型法则；浪漫主义围绕悲剧的主题，力求以色彩、笔触因素和构图中运动式线条创造画中情节的紧张感；康斯太勃尔《怀特和马》1819布上油画米勒《拾穗者》1857布上油画（1）巴比松画派巴比松画派是法国19世纪的风景画派，以写实手法表现自然的外貌，致力于探索自然界的内在生命，力求在作品中表达出画家对自然的真诚感受，以真实的自然风景画创作否定了学院派虚假的历史风景画程式，揭开了19世纪法国声势巨大的现实主义美术运动的序幕。代表画家有米勒、卢梭、柯罗、康斯太勃尔等。（2）浪漫主义十八世纪末年，随着浪漫主义思潮在欧洲文坛的勃兴，偏重于表现主观理想，抒发强烈的个人感情。描写自然风光，歌颂大自然。酷爱描写中世纪和以往的历史。代表画家有德拉克洛瓦、约瑟夫·透纳、吕德、泰奥多尔·席里柯等。欧仁·德拉克罗瓦《自由引导人民》1830泰奥多尔·席里柯法国《梅杜萨之筏》1819（3）印象主义印象主义，也称印象派，又称为“外光派”，是西方绘画史中的重要艺术流派，产生于19世纪60年代的法国。1874年莫奈创作的题为《日出-印象》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，印象派由此而得名。代表画家有克劳德·莫奈、爱杜尔·马奈、埃德加·德加、奥古斯特·雷诺阿、卡米耶·毕沙罗等。

莫奈《罂粟花》1873年卡米耶·毕沙罗作品（4）后印象主义后印象主义是法国美术史上继印象主义之后的美术现象，也称“印象派之后”或“后期印象派”，代表人物有塞尚(1839-1906)、高更(1848-1903)、及梵高(1853-1890)等。

高更《黄色基督》1889年塞尚《一篮水果》（5）野兽主义野兽主义是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。代表画家有马蒂斯、弗拉曼克、德兰等。

马蹄斯《红色餐桌》1908年

弗拉曼克《果园里》德兰作品（三）当代（20世纪至今，以中国为例）在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派，并制约艺术形式呈现多种倾向，传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。例如：忽视色彩而主要作形体自由构造的立体主义；注重色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义；通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌。随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合，产生了不归属某一具体画种的综合性艺术，油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位的趋势。油画在17世纪（明朝）通过传教士传入中国，20世纪初至40年代末中国最早派出留学生出国学习西方油画。最早到日本学画的李叔同,于1910年学成回国,随即在天津、杭州和南京从事美术教学,。辛亥革命以后，出国学画的人渐多，他们的去向主要是欧美和日本。较早去欧、美学画的有李毅士、冯钢百、吴法鼎、李超士、方君璧等人，后又有林风眠、徐悲鸿、潘玉良、周碧初、庞薰□、颜文□、常书鸿、吕斯百、吴作人、唐一禾、周方白、吴大羽等。继李叔同之后留日的有王悦之、许敦谷、陈抱一、胡根天、俞寄凡、王济远、关良、许幸之、倪贻德、卫天霖、王式廓等人。40年代赴法国学画的有吴冠中、刘文清等人。常书鸿《敦煌小景》王式廓《欢迎盛况》王济远《女人像》1949年以后，中国油画家面临全新的历史时期。老解放区和国统区的画家汇成团结的队伍，巨大的社会变革使油画创作从内容到形式都有了深刻的变化。油画家面临新的课题：艺术与政治的关系，为工农兵服务，深入群众生活等。这一时期的油画创作以表现革命历史、反映社会主义劳动和建设为主。1949年前占据油画创作主要位置的风景、静物越来越少。吴作人的《黄河三门峡》、《齐白石像》，胡一川的《开镣》、莫朴的《入党宣誓》、艾中信的《红军过雪山》等作品，与30～40年代的油画迥异，显示了油画家个人风格的重大转变。

吴作人《黄河三门峡》1956艾中信《红军过雪山》1957年60年代初,文艺政策有所调整,油画创作得到恢复和发展。油画教学方面，由罗工柳主持的油画研究班和中央美术学院油画系吴作人、董希文、罗工柳3个工作室的开办,使油画教学充满生机，几年之内既出人才，又出作品，堪称建国以来前30年油画艺术的高峰。《毛主席在井冈山》(罗工柳)、西藏及长征路线写生组画（董希文）、《刘少奇与安源矿工》（侯一民）、《决战前夕》（高虹）、《出击之前》（何孔德）、《延安火炬》（蔡亮）、《狱中斗争》（林岗）、《宁死不屈》（全山石）、《英特那雄耐儿就一定要实现》（闻立鹏）、《毛主席在十二月会议上》（靳尚谊）、《狼牙山五壮士》(詹建俊)、《延河边上》（钟涵）、《三千里江山》（柳青）、《在激流中前进》（杜键）、《金色的季节》(朱乃正)、《罪恶的审判》（哈孜艾买》等。从这些人们熟悉的作品中，我们可以感知一种共有的特征，那就是高亢激越的英雄主义精神，汪洋恣肆的表现形式。50年代被忽视、甚至被误解的风景、静物，在60年代初也有一个短暂的繁盛。颜文□、吕斯百、常书鸿、卫天霖、余本、李瑞年、吴冠中等画家都有佳作问世。

侯一民《刘少奇和安源矿工》1961年靳尚谊《毛主席在十二月会议上》1961何孔德《出击之前》哈孜艾买《罪恶的审判》朱乃正《金色的季节》1962年至1963年作70年代末～80年代，中国油画创作进入了一个新的阶段。画家和观众对虚套、粉饰的反感，对民族和个人命运的思索，使油画创作的境界有了新的开拓。有些画家以深沉凝重的笔调，对当代生活作历史性的考察;有些画家则以诗人的眼光,表现美的心灵和美的意境。程丛林在1979年创作的《1968年×月×日雪》、杜键、高亚光、苏高礼合作的《不可磨灭的记忆》、闻立鹏的《红烛颂》、陈逸飞、魏景山《蒋家王朝的覆灭》、詹建俊《高原的歌》、朱乃正《春华秋实》、勒尚谊《塔吉克新娘》、广廷渤的《钢水、汗水》、等。这些作品在广大观众中引起了强烈反响和共鸣。老画家吴冠中、韦启美和中年画家罗尔纯、妥木斯、曹达立等人在对生活的独特感受和富有个性色彩的表现方法的探求上作出的成绩，显示油画家对绘画形式和个性特色的关心。罗中立的《父亲》和陈丹青《西藏组画》的出现，从创作思想上标志着一个新时期的开始，一个旧时期的终结。程丛林《1968年×月×日雪》1979闻立鹏《红烛颂》1979陈逸飞、魏景山《蒋家王朝的覆灭》1977勒尚谊《塔吉克新娘》1983《鲁迅故乡》《桂林农家》吴冠中作品吴冠中作品罗尔纯作品妥木斯作品罗中立《父亲》1980陈丹青《西藏组画》1979至1980年

总之，油画的发展经历了从古典时期、近代、当代，三个大的时期。每一个时期的作品都表现出了这个时期深深的时代背景。无论我们的社会如如何演变，我们们对美的诉求永恒不变。三、油画的作画过程（一）制作画框和画布1、画框，一般用木头制作。2、画布,标准的画布是将亚麻布或帆布紧绷在木质内框上后，用胶或油与白粉掺和并涂刷在布的表面制作而成。一般做成不吸油又具有一定布纹效果的底子，或根据创作需要做成半吸油或完全吸油的底子。布纹的粗细根据画幅的大小而定，也根据作画效果的需要选择。有的画家使用涂过底色的画布，容易形成统一的画面色调，作画时还可不经意地露出底色。经过涂底制作后，不吸油的木板或硬纸板也可以代替画布。3、制作画框4、起稿:素描稿，起稿用的工具有木炭、铅笔、色粉、稀释的油画颜料等。5、铺大色：这个过程基本与其它画种（水粉、丙烯等）相同6、深入刻画三、油画的材料工具油画的主要材料和工具有颜料、松节油、画笔、画刀、画布、上光油、外框等，辅助工具为油画架。一、颜料油画颜料一种油画专用绘画颜料，由颜料粉加油和胶搅拌研磨而成。市场出售多为管装，油画颜料的基本成分与其它绘画颜料一样由色料、体质颜料、载色剂和某些辅料如塑型剂、稳定剂、缓干剂或催干剂等构成。古代大师所用的颜料粉多来源于土质和矿物质，另一部分来源于植物或动物。油画颜料由于其特殊性，有以下几个属性：1、透明属性，油画颜料分透明和不透明颜料两大类。透明颜料是指某种色粉在与油调和后产生透射作用而使色层处于透明之中，透明色具有色相饱和、覆盖力差的特点。不透明色（或称粉质色）则是指色粉与油调和后产生反射作用而使色层处于不透明的状态，不透明色具有色相实在、覆盖力强的特点。透明色一般包括深红、翠绿、普蓝、群青、深褐、紫罗兰、象牙黑等。不透明色一般有白色、土黄、土红、粉绿、中黄、柠檬黄、大红、朱红、湖蓝、钴篮等。2、稳定性，所谓稳定性主要是指颜料在色相上的稳定与耐久程度。一般来说，多数有机颜料是不耐光的，矿物颜料则是耐光的，如一般有几颜色在光照后逐渐褪色，而矿物质颜色却经久不衰。另外，颜料之间须彼此兼容，有的颜料调和后会因为某种化学反应而改变色相；还有的颜色会渗透出另一覆盖色上，造成麻烦。米开朗基罗《创造亚当》西斯廷礼教堂天的壁画1508年5月至1512年10月达芬奇《最后的晚餐》圣玛利亚感恩教堂1494年~1498年3、可塑性，油画颜料的另一个特点是它的可塑性，这种可塑性是由于色粉加以适度的调色油形成膏状后所产生的，随着笔和刀等工具的运用，颜料会形成不同的肌理变化，画家常利用油画颜料这种特性来增加油画的肌理感和厚重感，强化油画的表现力。凡高作品中颜料的肌理效果4、快干与慢干、油画颜料种类中有快干与慢干之分，一般来说透明色在绘制后会慢干些，粉质色则快干些。但有时也不尽然，还得根据色粉的特性而定，如同是粉质色的白色中的干燥速度就不一样，铅白与钛白就明显地快干于锌白，锌白甚至比某些透明色还难于干燥。一、其他辅助工具调色盘油壶刮刀油画笔当然还得有个画架和属于自己画室和永远阳光的心。四、当代油画名家作品欣赏陈逸飞《深闺》陈逸飞《二重奏》陈逸飞《提笼仕女》陈逸飞(1946.4.14-2005.4.10）画家把自己所画的人物置于空旷背景上的雕塑，其造型力度异常扎实、完美，技巧近乎炉火纯青。他采用美国照相写实主义的技法描摹的现代、高贵、优雅的东西方人，画面元素之间微妙的呼应关系。画面有旋律感，构图及人物处理有现代感，背景大胆启用暗色，给人无穷的想象。艾轩，1947年11月11日出生，诗人艾青之子。艾轩风格的最大特点是“借景抒怀”。

因此，他的作品与其说是西藏风情画，毋宁说是他内心的独白。沉默无语和静静思考，无名的孤独渗透在画中人物的形象和画面整个气氛之中。独自一人在一望无际的草地、雪野、荒原，他(她)们的生活以及大自然，似乎皆要避开观众的视线。艾轩在写实的物象中寄托了自己的思绪和感情，他用借景写情的方法