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创世纪是米开朗基罗画在梵蒂冈西斯廷教堂礼拜堂天花板上的壁画，作品场面宏大，人物刻画震撼人心，是米开朗基罗的代表作之一。米开朗琪罗为罗马西斯廷教堂创作的巨幅天顶画创世纪，人物多达300多人，分成中央和左右两侧三个部分。 . 西斯廷教堂天顶画是米开朗基罗在绘画创作方面的最大杰作。它分布在该教堂整个长方形大厅的屋顶。整个屋顶长36.54米，宽13.14米，平面达480。其中创造亚当是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。这一戏剧性的瞬间，将人与上帝奇妙地并列起来，触发我们的无限敬畏感，这真是前无古人，后无来者。 体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的机器。亚当慵倦地斜卧在一个山坡下，他健壮的体格在深重的土色中衬托出来，充满着青春的力与柔和。他的右臂依在山坡上，右腿伸展，左腿自然地歪曲着。他的头，悲哀中透露着一丝渴望，无力地微俯，左臂依在左膝上伸向上帝。上帝飞腾而来，左臂围着几个小天使。他的脸色不再是发号施令时的威严神气，而是又悲哀又和善的情态。他的目光注视着亚当：他的第一个创造物。他的手指即将触到亚当的手指，灌注神明的灵魂。此时，我们注意到亚当不仅使劲地移向他的创造者，而且还使劲地移向夏娃，因为他已看见在上帝左臂庇护下即将诞生的夏娃。我们循着亚当的眼神，也瞥见了那美丽的夏娃，她那双明亮妩媚的双眼正在偷偷斜视地上的亚当。在一个静止的画面上，同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义，这是何等高超的绘画技艺。创作意图西斯廷天顶画虽然是采用了宗教题材，但是艺术家的创作意图却十分明确：通过对人的创造力的神化，来赞扬人的肉体美和精神没。在创造日月里，飞翔的天堂里的耶和华是一个精力饱满的老年人的形象，他满怀激情地伸开两手来创造天体，显示了无穷无尽的创造力量。在创造亚当中米开朗琪罗把赋予人以生命和力量处理成为：由于创世主坚定的意志的感染而使人身上假寐的力量活跃起来。耶和华把手伸出去接触具有完美而刚健的躯体的亚当的手，这一接触使亚当具备了生命、力量和意志。对于人类“堕落”的主题，米开朗琪罗也以新的方式进行了处理他要着力表现的不是人的原罪，而是人的独立自主的感情：他以夏娃大胆地伸手去摘取禁果的构图表现了人对命运的挑战。在表现灾难的大洪水中，艺术家以一个戏剧性的悲剧情节突出强调了人的求生意志。就连穹窿两侧的先知与女巫，艺术家也把他们刻画为一些充满生命力与激情的形象：神秘狂热的以西结，全神贯注的约珥，神采奕奕的伊示雅、热情奔放的但以理、英勇威武的库姆女巫、兴奋炽烈的特尔斐女巫等等。即使是在天顶画上起着辅助的装饰作用的人物，也都是贯穿着形象的情感洋溢的表现力。称之为奴隶的裸体青年，分布在情节性结构图的角隅，在这些裸体青年身上，米开朗琪罗体现了无法抑制的欢乐与旺盛的生命力，发挥了造型手法的丰富多彩，使得整个天顶画充满了热情。评价与天顶画中心形象的热情、有力、大气相比，米开朗琪罗对天顶的横槽与支架上的构图则处理得比较压抑、宁静。安排在模槽里的人物身上，占压倒优势的是宁静、超然物外、淡淡的哀愁的气氛；但是安排在支架里的人物身上，则是不安、焦虑、呆滞的情绪。这些形象是米开朗琪罗在教堂工作的最后一年里完成的，他们标志着这位艺术家创作进展中下一个阶段的起点。 西斯廷天顶画的完成显示了米开朗琪罗在回话领域中异乎寻常的创造力和高度完美的技巧，为了解决天顶画的整个布局问题，艺术家探索了天顶画的结构分划，尽管人物众多，可是这样的结构分划不仅使场面具有条理井然的首尾一贯倾向，使无数独立的人物之间每一个人物都一目了然，同时也使庞大的画面具有装饰处理浑然一体的印象。天顶画符合文艺复兴时代的纪念性绘画原则，不仅没有破坏穹窿与墙垣的建筑形式，恰巧相反，它丰富了穹窿于墙垣的建筑形式，明确了穹窿与墙垣的建筑结构，加强了穹窿与墙垣建筑形式的造型可感性。 在文艺复兴画家中，没有一位画家像米开朗琪罗那样发现了人体本身的表现力，并且将它们解放出来，使之成为画家情感和精神的自由表达。西斯庭教堂天顶画，是这位大师的天才的想象和超人的强力相融合的奇迹，一种原始的泰坦神式的生命精神浸透了基督教的神圣秩序，在这里，信仰是由每个强健而激奋的身体鸣响的深沉伟大的灵魂颂歌。任何一个人，无论他的信仰是什么，只要他走进在罗马梵蒂冈内的西斯庭小教堂，抬头望向教堂天顶的那一瞬间，他的心就不能不感受到强烈的震撼，犹如一个神奇的世界突然敞开在他的眼前一样。绝少有人在观瞻这一人类艺术奇迹之间会对它一无所知，至少人们对它的局部图片是熟悉的。但是，当你亲眼瞻仰它的时候，你仍然震惊于它的辉煌壮丽，而且承认你的任何想象都逊色于它。这些绘画的伟大价值是把宗教精神寄寓于丰富生动的人性生活和高度协调的构图秩序中。最令人惊赞的是，生活性和秩序感的高度统一。正是这种统一，使这些本来以宗教精神为主题的绘画却传达出超宗教的人性激情。如果我们在观赏这组巨画的时候会感受到不可抗拒的震撼力的话，那么，这种震撼力不是来自于画像展现的宗教故事，而是来自于画像本身。形象对于寓意的超越，是文艺复兴艺术对艺术史的伟大贡献。这一方面张扬了人本身超宗教的感性生命及其价值，所以文艺复兴艺术成为人文主义的旗帜；另一方面为艺术的独立价值的确立奠定了基础。艺术价值在米开朗琪罗的西斯廷教堂天顶画里，文艺复兴时期的人文主义理想得到了极度鲜明的表达：人是宇宙的中心，人格的力量、生命的激情与创造是艺术家应该表达的永恒主题。除了上面说到的艺术形式、艺术技巧方面的价值以外，这一点可以说是米开朗琪罗的西斯廷天顶画给后人留下的最高的艺术价值。杨凡艾克(Jan van Eyck)1434年的作品。 这幅作品是乔凡尼德尼古拉阿尔诺菲尼和他妻子的肖像画，作品运用了大量的象征主义手法，使这幅作品不仅仅是一张普通的结婚照。 阿尔诺菲尼的妻子常常被误认为是怀孕了，实际上她只是拾起裙角在胸前，是当时的一种流行。乔凡尼.阿尔诺菲尼来自一个商贾家族，从饰物以及房间的陈设不难看出他是相当富裕的。象征主义 伦理两人物位置的设定表达传统的两性角色定位。妻子站在床边，靠房间的内部，象征她的角色是家庭主妇。而丈夫乔凡尼则站在窗户旁，开启的窗户象征外面的世界。乔凡尼直接与观赏者对视，而他的妻子则温顺地瞥着丈夫。 宗教窗台下有水果，是桔子。象征伊甸园般的纯洁和天真。（如果换成苹果，意义则大为不同）。左下角的木底鞋暗指婚礼，传统上在圣土举行婚礼，丈夫要为妻子准备木底鞋。吊灯在白天亮起一根蜡烛，象征圣灵。 世俗画面下方的小狗象征忠诚，也为画面增添了活泼的气氛。红色的床铺意喻性和爱。而妻子的绿色外套和略胖的身材象征生命和繁衍。白色的头巾象征纯洁。 原创性这幅画最精要也最著名的地方就是中间的这块镜子。从技法上讲，画家对光的折射，镜子凸面以及金属质感的表现极为细致，堪称西方绘画史上最杰出的经典之一。 镜子中反射出新婚夫妇的背影以及门口的画家本人。而镜子上方是华丽的花体拉丁文全称：乔凡尼.阿尔诺菲尼夫妇肖像画(1434年)/现藏伦敦国家美术馆本件作品是阿尔诺菲尼夫妇的肖像，但此画的本意并非记录他们的婚礼。虽然很多人会误解，但画中的妻子并未怀孕，只是穿着那个时代时髦的大摆裙。阿尔诺菲尼是居住在比利时布鲁日的意大利卢卡商人。墙上华丽的拉丁文翻译过来是“扬.凡.艾克在场(1434)”。这样的墙上涂鸦可不是偶然的，扬.凡.艾克常常喜欢用巧妙的方式来给他的作品签名。从镜子中可以观察到门口的两人，其中一个也许是画家本人。阿尔诺菲尼在面对门口的同时举起右手，也许是表示欢迎。扬.凡.艾克本人对光的效果有十分浓烈的兴趣：油画使得他能够十分精妙地描绘光泽效果，尤其是两人头顶那只金光闪烁的吊灯。扩展阅读：看一副优秀的艺术品也像讲故事，每个人都能给出不同的版本，真正的意义存在与画面与欣赏者之间。只要用自己的眼睛，每个人都能发现其中的美妙和乐趣。扬.凡.艾克的这副名画也是一样，除开这部作品的表明意义，后人也对它进行了很多解读，试图去探究画家在作品中隐含的深意。虽然有些结论难免牵强和武断，但对于读者欣赏这幅作品也许能提供一些帮助，我们姑且列出。-阿尔诺芬尼夫妇像作者:扬凡爱克橡木板油画1434年8260cm英国，伦敦，国立画廊作者简介:扬凡爱克(13851441),尼德兰绘画的奠基人。他把神圣的内容拉入现实世界中,着力描绘现实生活、现世人生的丰富多彩。1385年生于马塞克城。1425年任菲力蒲卢蓬公爵的宫廷画师,还曾经充任使节到过葡萄牙等地。擅长肖像画.被认为是油画的奠基者。此前，画家们只是用鸡蛋清来调和颜料，而扬凡爱克发现可以用松脂、亚麻油或者核桃油来做调和剂，这样能够使颜料更加易于调和，运笔也更自如，而且挥发得快，等一层干了以后还可以反复描画，这样就为描绘细节提供了许多便利，画出画来颜色也格外鲜亮。直到今天，扬凡爱克的作品仍然完好如初。 作品介绍: 阿尔诺芬尼是在1420年被菲利普公爵封为骑士的真实人物。画家真实地描绘了典型的资产者形象，不仅再现夫妇的外貌和个性特征，而且对室内的环境什物作了极其逼真的描绘，显示了画家特殊的造型才能。乔凡尼阿尔诺芬尼夫妇肖像中的人物手势动作、环境道具都有民俗的含义，十分有趣：阿尔诺芬尼夫妇的手势表示互相的忠贞，托着妻子的手表示丈夫要永远养活妻子；而妻子手心向上表明要永远忠于丈夫。华贵衣饰表明人物的富有；画面上方悬挂的吊灯点着一支蜡烛，意为通向天堂的光明；画的下角置一双拖鞋表示结婚，脚边的小狗表示忠诚，女子的白头巾表示贞洁、处女，绿色代表生育，床上的红颜色象征性和谐，窗台上的苹果代表平安，墙上的念珠代表虔诚，刷帚意味着纯洁；画面中间带角边的圆镜代表天堂之意。所有这些象征物既有基督教的信仰，又有世俗的观念，画家都一一收入画中，作了极为细致的描绘。在人物中间的墙上挂着一面镜子，镜框带有10个突出的朵状方形，每个方形内又置一个小圆形，每个圆形内画一幅耶稣的故事画，图像细小到难以识别。中心圆镜内反射出整个房间的景物。这种精微工整细腻的油画世界罕见，也只有在尼德兰的细密画中可以见到。据说这种精微的描绘连现代摄影家都为之惊叹，使用镜子反射来扩大画面的空间，是这幅杰作的又一特色，这些艺术特色对后来荷兰的风俗画有很大的影响和启示。 西方绘画对色彩的运用很强调，典型的有拉斐尔的“雅典学院”。这也是西方绘画与中国绘画最本质的区别。 在致力于追求纯艺术的现代派画家看来，传统绘画搀杂太多的“非艺术的杂质”。实际上，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。传统绘画在艺术上的这种不纯粹性，主要表现在功利性和描述性等方面 。 杨凡爱克的阿尔诺芬尼夫妇像，在美术史上堪称卓越超凡。不过，这样一件名作原本并不象我们许多人在试图给它下定义时认为的那样，是一幅肖像画，或者是一件风俗画之类的作品。 西方传统绘画的另一个特点，是强调描述。长期以来画家们一直是把有效地表现故事和传说、描绘具体的情节，以表达某种寓意或象征，当作自己的任务。这种描述性在杨凡爱克的阿尔诺芬尼夫妇像上也得到了充分反映本来这张画并没有名字，在1934年，艺术史家帕诺夫斯基(Erwin Panofsky)根据16世纪的著录，将作品定名为“阿尔诺菲尼的婚礼”，本画目前藏于伦敦国家美术馆。结婚照背后的隐情阿尔诺芬尼夫妇像之谜 保存影像是人类的渴望，1839年8月9日法国画家L达盖尔向世人展示了他的发明一部便携式木箱照相机，人类自此有了记录影像的快捷工具。不过，此前人们是如何记录生命中的重要时刻，比如婚礼仪式的呢？奇特的交手礼：未曾开启的秘密 阿尔诺芬尼夫妇像是创作于15世纪的一幅木板油画:一对尼德兰男女交手伫立男士右手单掌立于胸前，左手斜向侧出，掌心向上托住女子柔嫩的右手。女子左手轻轻覆盖于自己蓬松的大礼服上。两人保持别扭站姿，眼神毫无交流，显然二人并无亲密之情，但为何又将双手交织在一起呢？ 原来，尼德兰信奉天主教，在1563年特兰托公会议出台“私密婚姻限制”之前，天主教男女信徒只要双方同意，无需任何结婚仪式或证人证明，皆可以在任何时候、任何地方结成完全合法的有效婚姻。画面中二人交手的动作完全符合缔结婚姻的仪式特征，因此，这幅“图画结婚证”和我们今天带照片的结婚证具有相同的法律意义。 画面中的新人真有其人吗？他们究竟是什么人呢？ 13、14世纪，尼德兰的布鲁日、根特等城市高超的毛纺技艺吸引了众多欧洲大家族在此设置代理人。新郎乔凡尼阿尔诺芬尼是卢卡的商人兼银行家，也是意大利美第奇家族在布鲁日的收益代理人。代理权的获得与否自然和派出人及当政者之间利害关系密切相连，男主人的社会地位和经济条件不容小觑。新娘琼妮德切纳米出身于意大利一个富有的商人家庭，这是一段门当户对的婚姻。 我们还将发现更多不同寻常的地方。我们发现没人逗弄小狗，那条长毛小狗，却用可爱的表情瞪着正前方；一对新人在室内未脱去帽子，姿势端庄，鞋子却不在脚上，被脱在了一旁；明媚的阳光自窗外斜射进来，室内铜吊灯上的蜡烛却在大白天亮着；水果不集中放在果盘里，却在窗台和长凳上零散可见；画面中分明只出现了两个人阿尔诺芬尼夫妇，而墙上的文字清楚地写着：扬凡埃克在此，1434年。奇特的象征：秘密之境 扬凡埃克是谁？扬凡埃克是15世纪颇得尼德兰的统治者腓力大公赏识的宫廷画家兼侍从，其生平所记不详，因大公将都城从第戎迁到布鲁日，他结识了在此行商的乔凡尼阿尔诺芬尼，并应邀为乔凡尼作画。 不要忽视一个细节墙上的镜子，在那行文字和时间的正下方：一面不寻常的平面镜子，那是家庭中无法真正使用的凸镜。画家为什么要安排这样一件道具呢？ 中国有句俗语：红配绿，赛狗屁。可见红绿两种颜色配起来多么难看，可我们看到切纳米的大礼服通体大绿，后面一张床却全部用大红装饰。在绿色的大氅里面，切纳米的两只衣袖却是蓝色。 多么奇怪的画面啊！多么不可思议的结婚仪式啊！为何这幅作品中会出现如此多奇特的元素呢？ 1434年是这幅作品的完成时间，此时的尼德兰美术已经进入文艺复兴时期，可中世纪绘画的影响依然强大。中世纪绘画中有一个十分突出的特点，特别热衷于采用象征手法。有趣的答案渐渐明朗，这幅奇怪的作品，正是运用了大量的象征性元素：小狗象征对爱情的忠诚；脱在一边的鞋子表示虔诚与敬意，赤足踏上的土地代表神圣之地；室内的吊灯和烛光象征上帝之光；吊灯上那支燃烧的蜡烛，象征生命气息的持久，宣告新人们从此超越过去这常常被用于宣誓典礼，特别是用于婚礼。 另外，窗台和窗下靠背长椅